Du fait du peu d'intérêt apparent de son contenu, la conversation banale porte en elle-même un a priori en sa défaveur. Parler de la pluie et du beau temps ou de la lenteur des transports en commun entraîne autant de clichés propres à faire oublier qu'elle est en fait une relation sociale complexe et singulière. Cette thèse offre une piste de réflexion sur les possibles de la conversation banale via ses représentations. Elle y est décrite comme une relation entre inconnus se nouant lors d'une situation de communication éphémère aux règles informelles et mouvantes. Plus largement, la problématique de l'interprétation et de l'accès au sens des relations ordinaires, permet, à travers la question du genre, une mise en débat : de l'approche interactionniste « traditionnelle » au profit d'une analyse socio-sémiotique de la représentation ; d'une méthode, la re-mise en scène, basée sur l'analyse du métadiscours.

L’enjeu et la motivation de cette recherche est de rendre une dignité théorique à toutes ces pratiques qui revendiquent une appropriation, ne serait-ce que exclusivement sémiotique, de l’espace urbain. En consonance avec la démarche de Michel De Certeau, même le concept d’art a été analysé en tant que forme d’expression quotidienne. La street art a été interrogée en tant que pratique de traversée de l’espace et en tant que style de spatialisation : le produit c’est toujours un certain effet-espace qui sous-tend un certain effet de présence. L’exigence de ce travail c’était de faire un portrait de la ville à partir de micros narrations créatives qui la racontent comme par exemple l’intervention de Banksy sur la West Bank Barrier en Palestine, les inscriptions des pixadores brésiliens, les traversées des traceurs du Parkour, et les portraits affichés par JR. La street art c’est une narration possible de la ville, qui, comme un tatou sur la peau, en racontent les moments difficiles, en célèbrent les éléments d’identification, en souvient l’histoire (même celle des villes lointaines) dans une dialectique continue entre soi et Autre. D’un point de vue méthodologique, nous sommes partis de l’analyse des cas pour interroger certaines problématiques sémiotiques à l’aide de la réflexion sur les interactions et les styles de vie d’Éric Landowski, celle sur les pratiques et les formes de vie de Jacques Fontanille et celle sur l’ethno-sémiotique de Francesco Marsciani. L’analyse du phénomène a été nourri par la contribution des autres sciences sociales ayant déjà réfléchi sur l’espace et sa représentation artistique, et tout particulièrement l’anthropologie. / The issue and the motivation of this research is to give a theoretical dignity to all these practices that claim an appropriation of the urban space, even out of its semiotic meaning. In consonance with Michel De Certeau approach, even the concept of art has been analyzed as an everyday form of expression. The street art has been examined either as a space-crossing practice either as a style of spatialization: the altogether product is a space-effect which underlies a certain effect of presence. The goal of this work is to obtain a portrait of the city from a series of creative micro-narrations that illustrate it, as, for example, Banksy’s intervention on the West Bank Barrier in Palestine, the inscriptions of the Brazilian pixadores, Parkour tracers’ city crossings, the portraits posted up in the city by JR. The street art is a possible way of narration of the city, as a tattoo on the skin, it tells the hard moments, celebrates the identification elements, recollects the history (even for the far cities) with a continuous dialogue between itself and the Other. From a methodological point of view, we started from case analyses to question certain semiotic issues with the help of Eric Landowski’s thoughts about interactions and lifestyles, Jacques Fontanille’s ones about life practices and forms, Francesco Marsciani’s reflections on ethno-semiotics. The analysis of the phenomenon has been enriched by the contribution of other social sciences which had already pondered on the concept of space and its artistic representation, anthropology among the others.

Depuis les années 1950, le rock perdure en se diversifiant. Courant musical mais aussi mouvement culturel à part entière, il est hétérogène et complexe. On ne saurait le réduire à un objet culturel exclusivement anglo-saxon. En effet, les scènes rock locales et nationales se multiplient. Le succès international que connaissent certaines d’entre elles nous amène à émettre deux constats : 1) La langue anglaise et la culture anglo-saxonne ne sont plus forcément les références esthétiques du rock, qui intègre ainsi de nouvelles influences. Ces dernières sont ainsi issues des nouvelles identités nationales qui s’affichent sur la scène musicale mondiale. 2) Néanmoins, l’esthétique centrale du rock reste toujours identifiable au sein de l’oeuvre de ces groupes et artistes.La présente étude se propose d’analyser l’articulation entre esthétique rock et culture nationale dans l’iconographie des scènes nationales Allemande et Finlandaise qui connaissent un succès mondial inédit. Pour cela, nous nous inscrivons dans une démarche méthodologique d’ordre socio-sémiotique. Cette articulation s’observe dans les représentations mais aussi la construction musicale. Elle trouve son origine dans un contexte socio-culturel et dans l’évolution d’une industrie musicale en pleine mutation. C’est ce que nous proposons également d’analyser. À l’issue de ce travail, nous aboutissons aux conclusions suivantes : 1) Les évolutions de la culture mondialisée et des industries culturelles vers le multiculturalisme ont favorisé l’émergence et la visibilité des scènes locales et régionales (Appadurai, 2001. Macé, 2005) . La structuration de l’industrie musicale,marquée par la notion d’authenticité (Moore, 2002) et l’existence des marchés de niche (Currien et Moreau, 2006) tiennent aussi un rôle dans ce phénomène. Par ailleurs, la constitution de la scène rock britannique montre que ce phénomène n’est pas récent, et qu’il est même essentiel dans l’histoire du rock. 2) L’évolution et la diversification de l’esthétique rock (Metal, musiques extrêmes), fruit de l’acculturation, créent un climat propice à la construction de nouvelles identités au sein du genre. Nous mettons ainsi en évidence l’existence de stratégies identitaire permettant l’expression du national : ancrage dans le local, innovation esthétique, ou spécialisation dans un sous-genre du rock. / Since the 1950’s, rock importantly diversified itself. It became a complex and heterogeneous cultural object. It is now hard to typify the genre as a strictly American or English production. Local and national scenes are effectively developping. Some of them even know international success and bring me to point two facts : 1) English language and culture are no longer the exclusive cultural references of rock production. New national identities now integrate it. 2) Nonetheless, rock aesthetic is still highly recognizable.The aim of this study is to analyse the articulation between rock aesthetic and national culture in the iconography of Finnish and German bands. I adopt a socio-semiotic methodology for analysis. This articulation is remarkable in imagery but also in music. It find its origins in a global social and cultural context, and also in the mutations of the musical industry.After this work, we can produce the following conclusions : 1) Firstly we can conclude that the evolutions of cultural industries and globalised culture toward multiculturalism favoured the developpment and the visibility of national rock scenes. Structuration of the musical economy played also an importantpart. Moroever, the phenomenon is not new. Effectively, the British rock scene is an early example of it since the 1960’s. 2) Then, the evolution and the diversification of rock aesthetic as a result of acculturation create good conditions for the emergence of new identities in rock music. We notice the use of different strategies to express the national in music, such as specialisation into a genre, musical innovation or inscription of music in the local cultural environment.

La recherche porte sur les distances qui s’établissent entre les visiteurs et les œuvres exposées au sein de l’exposition muséale d’art, précisément celles qui, tout à la fois, sont périphériques aux artefacts, sont imposées par les règlements et consignes de visite, sont délimitées par des barrières, des cordons, des socles, des rubans adhésifs au sol, entre autres choses, sont souvent maintenues par les visiteurs, sont généralement reconnues comme étant vouées à la protection des biens patrimoniaux présentés et qualifiées de « bonnes distances », de « distances respectueuses », de « limites à ne pas franchir », de « zones de sécurité », par exemple. Considérant qu’elles s’inscrivent au sein d’un dispositif médiatique, il s’agit de comprendre de quelle manière elles contribuent à ce dernier. L’étude théorique des tracés régulateurs et des marges des médias du texte soutient la construction du concept de « marges péri-opérales » permettant de qualifier les distances entre les œuvres et les visiteurs et d’émettre l’hypothèse qu’elles participent à l’exposition en remplissant plusieurs fonctions et rôles d’ordre sémiotique. L’étude théorique de l’exposition muséale d’art conduit à une approche communicationnelle des marges péri-opérales consistant à les appréhender depuis les trois processus énonciatifs au cours desquels elles sont produites et dotées de sens – soit la réglementation de la visite de l’exposition muséale, la mise en espace de l’exposition muséale, la saisie visuelle des œuvres exposées lors de la visite de l’exposition muséale. L’étude des marges péri-opérales est alors pensée en trois enquêtes dédiées respectivement à chacun des processus identifiés et reposant sur l’analyse d’ « objets » qui sont inhérents à ces processus et qui préfigurent, configurent et actualisent les marges péri-opérales – soit les règlements de visite et les interdits comportementaux, les outils de mise à distance et les marges expographiques, les comportements et les alignements des visiteurs. La première enquête permet d’établir que, telles qu’elles apparaissent dans la réglementation de la visite de l’exposition muséale, les marges péri-opérales remplissent les fonctions de mesures de protection des biens et des personnes et d’accès aux œuvres dans certaines limites physiques et le rôle de règles constitutives de la visite de l’exposition muséale d’art. La deuxième enquête permet d’avancer que, telles qu’elles se concrétisent lors de la mise en espace de l’exposition muséale, les marges péri-opérales assurent les mêmes fonctions que les signes-vecteurs d’attention et d’interprétation et les rôles de repères signalétiques et de traces matérielles d’énonciation. La troisième enquête permet de déterminer que, telles qu’elles se manifestent lors de la saisie visuelle des œuvres exposées, les marges péri-opérales endossent les fonctions des signes d’engagement dans la situation d’interaction et des propriétés situationnelles et les rôles d’indices posturaux de co-énonciation et de figures rituelles. En somme, l’étude des marges péri-opérales révèle que ces dernières participent, du fait de leurs multiples fonctions et rôles sémiotiques, au fonctionnement communicationnel et à l’opérativité socio-symbolique de l’exposition muséale d’art. / The research focuses on the distances between visitors and the works exhibited in the art exhibition, specifically those that are both peripheral to the artifacts, imposed by visitor rules and regulations, bounded by barriers, cords, pedestals, floor tapes, among other things, are often maintained by visitors, are generally recognized as being destined toConsidering that they are part of a media device, it is important to understand how they contribute to the latter. The theoretical study of the regulating lines and margins of the text's media supports the construction of the concept of "peri-operative margins", making it possible to qualify the distances between works and visitors and to make the hypothesis that they participate in the exhibition by fulfilling several semiotic functions and roles. The theoretical study of the museum art exhibition leads to a communicative approach to the peri-operative margins, which consists of understanding them from the three enunciating processes in which they are produced and endowed with meaning - that is, the regulation of the visit to the museum exhibition, the setting up of the museum exhibition, and the visual capture of the works exhibited during the visit to the museum exhibition. The study of peri-operative margins is then thought out in three surveys dedicated respectively to each of the processes identified and based on the analysis of "objects" that are inherent in these processes and that prefigure, configure and update the peri-operative margins - i. e. visit regulations and behavioural prohibitions, distance tools and expographic margins, visitor behaviours and alignments.The first survey makes it possible to establish that, as they appear in the regulations governing the visit to the museum exhibition, the peri-operative margins fulfil the functions of measures for the protection of property and persons and access to works within certain physical limits and the role of rules governing the visit to the art museum exhibition. The second survey suggests that, as they materialize when the museum exhibition is set up, the peri-operal margins perform the same functions as the vector signs of attention and interpretation and the roles of signposts and physical traces of enunciation. The third survey makes it possible to determine that, as manifested in the visual capture of the exhibited works, the peri-operative margins assume the functions of signs of engagement in the interaction situation and situational properties and the roles of postural clues of co-enonciation and ritual figures.In sum, the study of the peri-operative margins reveals that, because of their multiple semiotic functions and roles, they participate in the communicational functioning and socio-symbolic operability of the art museum exhibition.

Cette thèse vise à appréhender le terroir comme un territoire de communication sensible dont l’absence de traduction est déjà problématique. C’est à la fois un terme qui s’impose à tous, dans le monde entier, et un lieu mal défini du discours. La notion reste fuyante, au-delà du droit, de l’histoire et de l’agronomie. Elle séduit le « mangeur social » porté à satisfaire ses désirs d’authenticité et de goût. A cet égard, la profusion des discours médiatiques en déploie l’imaginaire, entre patrimoine alimentaire et, plus profondément, l’identité symbolique du mangeur. Des tensions se créent entre les discours qui l’érigent en modèle et idéalisent son image. Un retour sur l’histoire et les règles du terroir confronte ce périmètre notionnel à la réalité quotidienne et met en relief sa polysémie, sa polymorphie. Des écarts sémantiques existent entre les critères figés par les normes et les pratiques du mangeur envers« des nourritures nostalgiques ». L’étude du terroir comme construit social suppose un déplacement paradigmatique, depuis les croyances et les labels, jusqu’aux médiations du terroir dans des dispositifs variés. Ces derniers créent du sens autour de savoir-faire et de valeurs. L’objectif est de montrer que des significations contradictoires coexistent et animent les médiations sensibles du terroir dans un espace figuratif complexe (sensations, objets, espaces, discours, etc.). Nous mettons enfin à l’épreuve notre concept et notre image du terroir dans deux lieux possibles à concevoir comme espaces publics symboliques : une association de consommateurs et un forum de discussion. / The aim of this thesis is to understand terroir as a tangible communication territory, starting with the lack of conceptual translation in foreign language. Terroir comes to rest in a social space characterized by fleeing models, above and beyond Law, History and Agronomy. Food and eating become the space of contradictory signs for the “social eater” attuned to hedonism and control. The object seduces him to satisfy his desires for authenticity and taste. Discourses and scenes show terroir in an imaginary world, made up of food patrimony and symbolic identity. But it arouses tensions because economic actors take it hold of it. A review of the history and rules about terroir’s provokes its confrontation with everyday reality and reveals its polysemy. Certain differences of meaning exist between criteria established by norms and the eater’s practices toward “nostalgic food”. The study of terroir as a social construct proceed through paradigmatic displacement, from beliefs and labels, to terroir’s mediations in devices. They create meaning around know -how and certain values. The aims, here is to demonstrate that multiple significations coexist and to study how the mediations of terroir’s logic of the senses in figurative spaces are created. We then tested it in two spaces similar to symbolical public spaces: consumers‘s association and internet forum.