Cette recherche explore le partage de l’interprétation de la musique à partir du point de vue des interprètes. Elle est fondée sur une expérimentation sur le terrain conduite avec un ensemble professionnel. Le travail de l’ensemble a été observé et analysé selon les principes de la Recherche Action et du Constant Comparative Method de Strauss et Corbin, avec l’objectif de décrire et classer les comportements des musiciens et éclaircir les modalités de communication et d’interaction entre eux. L’expérimentation a été conduite sur deux œuvres ouvertes, répertoire qui sollicite un processus de travail sur l’interprétation qui démultiplie la communication et l’interaction entre les musiciens. L’analyse des données nous a amené à penser que le noyau expressif de la musique–de nature indicible-est partagé grâce à un savoir incarné du corps qui relève de l’intuition, et qui se produit seulement si chacun est à l’écoute des autres. La qualité des relations entre les musiciens est la condition indispensable pour le partage de l’interprétation. Ses éléments fondamentaux ne sont pas véhiculés par la parole, mais circulent entre les musiciens grâce à l’identification avec l’autre et à travers la matière musicale même: le son. La communication verbale, indispensable, est néanmoins limitée, dans la majorité des cas, au discours technique et pratique, qui révèle aussi des souhaites expressives cachés derrière les mots. Nous formulons l’hypothèse que l’activation du système des neurones miroir permet de comprendre les gestes des partenaires aussi comme leurs émotions, mais la vérification de cette hypothèse doit attendre ultérieures recherches dans le domaine des neurosciences. / This research explores the mechanisms for sharing the interpretation of music from the point of view of the performers. It is based on an experiment on the ground realised with a professional contemporary music ensemble. The work was observed and analised according to the principles of the Action Research and the Constant Comparative Method of Strauss and Corbin, with the purpose of describing and classifying the behavior of musicians and understanding and clarifying the modality of communication and interaction between them. The experiment was about two works of Anglo-Saxon composers (Ensemble by Tim Parkinson and Treatise by Cornelius Cardew) issued from ‘open works’ repertoire, because its demand to the interpreters to define the final form of music lead to a collective process on the interpretation that multiplies communication and interaction between musicians.Data analysis led us to think that the musicians share the expressive core of music–for his nature unspeakable–through a kind of embodied knowledge and intuition, that can exist only if every participant is open to the others. The quality of relationships between musicians is a prerequisite for sharing the interpretation.Its fundamentals are not conveyed by words but flows between the musicians through the identification with the others and through the musical material itself, the sound.Verbal communication is limited, in most cases, to the technical speech, that, often hiddens expressive thoughts behind the words. Our hypothesis is that the activation of the mirror neurons system allows partners to understand gestures such as emotions, but verification must await further research in the field of neurosciences.

Titre de l'écran-titre (visionné le 13 février 2023) / Cette recherche est une thèse auto-ethnographique encadrée dans les canons méthodologiques de la recherche axée sur la pratique, orientée vers l'interprétation historiciste de cantates et motets du XVIIIe siècle, conservés dans des archives hispano-américaines. Notre objectif est de valider l'application de procédures rhétoriques musicales dans le développement d'une interprétation historiquement vraisemblable. Cette étude est basée sur des principes idéo-esthétiques de l'interprétation historiciste, principalement associés au concept de vraisemblance proposé en 1988 par Richard Taruskin (1945) ; ainsi que sur des préceptes en interaction de la rhétorique musicale et les théories des passions, particulièrement ceux théorisés en 1739 par Johann Mattheson (1681 - 1764). On se focalise notamment sur la relation intersémiotique entre le texte littéraire et les figures rhétoriques qui affectent la mélodie, sur la base de la catégorisation proposée en 2000 par Rubén López-Cano (1966). En ce sens, l'analyse de l'elocutio (style rhétorique, élocution, éloquence) est au centre de cette recherche, dans le but de rendre notre interprétation cohérente avec le discours rhétorique implicite dans les compositions. De même, les préceptes rhétoriques conçus par les compositeurs et appliqués délibérément par nous tout au long de la création de notre propre discours s'expriment lors de notre représentation publique ou pronuntiatio. Comme référence de cette phase rhétorique, nous estimons certaines considérations exposées en 2012 par Rafael Palacios Quiroz (1962), les théorisations publiées en 1752 par Johann Joachim Quantz (1697 - 1773), et des informations iconographiques et documentaires (traités) des XVIIe et XVIIIe siècles. Les procédures herméneutiques liées à ce type de recherche sont développées à partir de l'analyse critique et la triangulation des renseignements contenus dans des sources littéraires et visuelles historiques et contemporaines, ainsi que sur la prise de décisions interprétatives issues du processus dialogique de recherche, de pratique et de réflexion. / This research is an auto-ethnographic thesis framed within the methodological canons of practice-led research, oriented towards an historicist interpretation of 18th-century cantatas and motets preserved in Hispano-American archives. Our goal is to validate the application of musical rhetorical procedures in the development of a historically verisimilar interpretation. This study is based on ideo-aesthetic principles of historicist interpretation, mainly associated with the concept of verisimilitude proposed in 1988 by Richard Taruskin (1945); as well as on interacting precepts of musical rhetoric and theories of the passions, particularly those theorized in 1739 by Johann Mattheson (1681 - 1764). We focus on the intersemiotic relationship between the literary text and the rhetorical figures that affect the melody, based on the categorization proposed in 2000 by Rubén López-Cano (1966). In this sense, the analysis of elocutio (rhetorical style, elocution, eloquence) is at the center of this research, with the aim of making our interpretation consistent with the rhetorical discourse implicit in the compositions. Likewise, the rhetorical precepts devised by composers and deliberately applied by us throughout the creation of our own discourse find expression in our public performance or pronuntiatio. As a reference of this rhetorical phase, we review some considerations exposed in 2012 by Rafael Palacios Quiroz (1962), the theorizations published in 1752 by Johann Joachim Quantz (1697 - 1773), and iconographic and documentary information (treaties) of the XVII and XVIII centuries. The hermeneutical procedures related to this type of research are developed from the critical analysis and triangulation of information contained in historical and contemporary literary and visual sources, as well as from the interpretative decision-making resulting from the process of research, practice, and reflection.

La présente recherche a pour but d'optimiser l'avaglyphe, un outil d'interprétation gestuelle pour des Sourds. Dans un premier temps, l'avaglyphe est conçu pour permettre aux personnes sourdes un accès à des documents, sur des supports transportables et dans leur langue. Deuxièmement, cet outil s'avère un moyen à privilégier aux fins de recherches ultérieures. L'avaglyphe permet l'accessibilité à de l'information, à des connaissances diversifiées qui permettront le développement de l'autonomie des Sourds (1). En effet, l'isolement et le manque de communication empêchent les Sourds d'être informés au même titre que les personnes entendantes et par conséquent, de participer pleinement à la vie de société. L'avaglyphe est disponible sur des supports qui permettent la diffusion d'information et la transmisson de divers messages. L'avaglyphe est un médium : un interprète revêt ses traits et rend un message en langue des signes sans qu'on ne puisse l'identifier soit, sans caractéristiques personnalisantes. Des interprètes différents peuvent le revêtir sans qu'on ne perçoive de changements en suivant des normes préétablies dans cette étude. Des recherches antérieures ont étudié les aspects linguistiques et la compréhension du discours avec l'avaglyphe ainsi que les processus impliqués dans l'acte d'interpréter en langue des signes. Cette recherche s'attarde à la création de gabarits pouvant être utilisés par différents interprètes. Les résultats de la recherche démontrent que l'avaglyphe a une apparence humaine, qu'il est anonyme, fidèle et uniforme grâce aux gabarits. Par contre, seul le visage de l'avaglyphe est analysé. Des commentaires permettent de signaler que les avant-bras de l'avaglyphe devront être ajustés aux différentes caractéristiques physiques des interprètes. Il est essentiel de poursuivre les recherches pour contribuer au développement d'outil, qui peut permettre une meilleure intégration d'une communauté isolée, dans la société actuelle." (1) Woodward (1972) a suscité un consensus autour de l'emploi du substantif "Sourd", avec un S majuscule, pour désigner les personnes dont la langue des signes constitue un fondement culturel. Le substantif "sourd", avec un "s" minuscule, est utilisé en référence aux aspects physiologiques de la surdité.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

L'interprétation de la musique classique et de la musique traditionnelle québécoise sont deux univers très différents qui comportent chacun leurs particularités. La transition d'un genre à l'autre s'avère ardue pour la plupart des musiciens, en grande partie en raison du parcours d'apprentissage contrastant. Les musiciens classiques apprennent de façon formelle, généralement à l'aide d'une partition et dans un contexte où l'enseignement est prodigué de façon stricte (i.e. conservatoire ou université). Du côté de la musique traditionnelle, le répertoire est transmis oralement et de façon informelle (Green 2001). Ces deux univers musicaux se côtoient donc difficilement. Plus encore, peu de chercheurs discutent de la transition d'un genre à l'autre. Certains auteurs se penchent sur l'apprentissage de la musique populaire (Browning 2016; Thibeault 2009; Wiedemann 2014), mais aucun n'aborde spécifiquement l'impact d'une formation classique lorsqu'une violoniste s'immerge dans la musique traditionnelle québécoise (MTQ). Par une approche de recherche-création, où les méthodes de recherche et les activités de création s'influencent mutuellement (Stévance et Lacasse 2018), je me plonge moi-même dans l'univers de la MTQ. Mon objectif est d'évaluer dans quelle mesure ma formation, en tant que violoniste classique, pourrait influencer ma conception et ma pratique de la musique traditionnelle québécoise instrumentale (MTQI). Plus largement, cette recherche, en éclairant non seulement l'impact de ma formation classique lorsque j'aborde un autre genre musical et les défis rencontrés lors de cette incursion (que ce soit sur le plan des techniques instrumentales, de l'esthétique musicale ou du contexte social et musical qui influence l'aspect psychologique de l'apprentissage et de la performance), pourrait nourrir d'autres études en vue de mieux comprendre les avantages et les limites de ce changement de style. Dans le cadre de la présente recherche, je procède à des analyses qualitatives (entrevues, autoconfrontation croisée, logiciel d'analyse vidéo) et quantitatives (logiciels d'analyse de vibrato, d'articulation, de timbre et d'intonation), en vue d'observer et de décrire les paramètres musicaux qui émergent de ce changement de paradigme, lesquels pourraient servir de cadre de référence, de points de départ pour des études similaires avec d'autres instruments ou d'autres genres. / The performance of classical music and traditional music in Québec are two very different worlds, each with its own particularities. The transition from one genre to the other is difficult for most musicians, in large part because of the contrasting learning paths. Classical musicians learn formally, usually with the aid of a score, and in a context where instruction is strictly provided (i.e. conservatory or university). In traditional music, the repertoire is transmitted orally and informally (Green 2001). These two musical universes are therefore difficult to reconcile. Moreover, few researchers discuss the transition from one genre to the other. Some authors examine the learning of popular music (Browning 2016; Thibeault 2009; Wiedemann 2014), but none specifically address the impact of classical training when a fiddler immerses herself in traditional music from Québec (MTQ). Through a research-creation approach, where research methods and creative activities influence each other (Stévance and Lacasse 2018), I am immersing myself in the world of MTQ. My goal is to assess the extent to which my training, as a classical violinist, might influence my conception and practice of instrumental traditional music from Québec (MTQI). More broadly, this research, by shedding light not only on the impact of my classical training when I approach another musical genre and the challenges encountered during this incursion (whether in terms of instrumental techniques, musical aesthetics, or the social and musical context that influence the psychological aspect of learning and performance), could inform other studies in order to better understand the benefits and limitations of this change of style. In this research, I am conducting qualitative (interviews, self-confrontation, video analysis software) and quantitative (vibrato, articulation, timbre and intonation analysis software) analyses, in order to observe and describe the musical parameters that emerge from this paradigm shift, which could serve as a frame of reference, as starting points for similar studies with other instruments or other genres.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

En nous fondant sur six romans de Patrick Chamoiseau, Ken Bugul et Marie NDiaye, cette thèse examine la profondeur de la pratique métatextuelle qui alimente les textes. De ces œuvres et auteurs d’une grande diversité, la constante repose sur une réflexion sur l’art du roman au sein de la fiction : pourquoi et comment le commentaire critique s’articule-t-il ? Quel est son statut dans la fiction ? Quels enjeux pour ces romans qui se regardent fonctionner ? Cette recherche aborde ces questions à travers l’analyse de romans dont la double réflexion sur la société et la littérature est dense. Ces auteurs martiniquais, sénégalais et français nous amènent à réfléchir sur l’essence de la fiction, les jeux et enjeux de discours et les implications sociales de leur prise de parole. Le métatexte interroge donc la complexité et le fonctionnement de l’œuvre et médite sur les aspects principaux de sa littérarité. Toutefois, la critique du roman et du regard de l’auteur pratiquée dans ces textes contient des visions précises et singulières de l’apport de la fiction à l’examen de la société. Les quatre chapitres de la thèse sont guidés par des théories de la sociologie institutionnelle et de l’analyse discursive. Ce cadre méthodologique permet d’observer l’articulation entre le contexte socio-historique extérieur aux romans et les procédés discursifs à l’intérieur de leurs pages. Des visions du genre romanesque entrent en concurrence dans les champs littéraires antillais, africain et français dans lesquels Chamoiseau, Bugul et NDiaye participent. De même, ces auteurs développent une idée du roman au sein de leurs œuvres de fiction. Cette articulation, rendue possible par une pratique autoréflexive du roman, montre la prépondérance dans leurs œuvres de l’hybridité générique, de la pluralité (de discours, de savoirs et de points de vue), de l’opacité, de l’ambivalence et de la conscience critique du texte et de ses procédés. Cette thèse montre en quoi, pour Chamoiseau, Bugul et NDiaye, l’histoire du roman est inséparable d’une enquête sur l’auteur, l’écriture, le langage, le référent et le monde des lettres. / This thesis examines metatextual practices in novels by Patrick Chamoiseau, Ken Bugul and Marie NDiaye. Among the great diversity of their works, a major constant is the reflection on writing and the novel. Why and how is a critical commentary expressed in the novels? What is its status in a work of fiction? What is at stake in these novels that observe their own functions and practices? These questions are answered through the analysis of novels containing a rich reflection on both society and literature. These authors from Martinique, Senegal and France bring the reader to reflect on the essence of fiction, the consequences of discourse and the social implications of their writing. The novel’s metatext therefore interrogates the complexity and the functioning of the work, as well as the principle aspects of what makes it literature. Furthermore, the critique of the novel and of the author’s gaze practiced in these texts contains precise and singular visions on the advantages of fiction in the analysis of society. The four chapters of this thesis are guided by theories on institutional sociology and discourse analysis. This methodological framework allows for the observation of the links between the novel’s socio-historical context and its discursive practices. While competing visions of the novel as a genre populate the Caribbean, African and French literary landscapes, the authors also develop an idea of the novel in their works of fiction. This research examines how the expression of an “idea of the novel” is made possible through self-reflexive practices. It also looks at the preponderance in the texts of generic hybridity, plurality (of discourses, types of knowledge and viewpoints), the opaque, ambivalence and a critical consciousness of the novel and its practices. This thesis demonstrates how, for Chamoiseau, Bugul et NDiaye, the novel’s story is inseparable from an inquiry into language, writing, the author, the referent and the literary world.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Du fait du peu d'intérêt apparent de son contenu, la conversation banale porte en elle-même un a priori en sa défaveur. Parler de la pluie et du beau temps ou de la lenteur des transports en commun entraîne autant de clichés propres à faire oublier qu'elle est en fait une relation sociale complexe et singulière. Cette thèse offre une piste de réflexion sur les possibles de la conversation banale via ses représentations. Elle y est décrite comme une relation entre inconnus se nouant lors d'une situation de communication éphémère aux règles informelles et mouvantes. Plus largement, la problématique de l'interprétation et de l'accès au sens des relations ordinaires, permet, à travers la question du genre, une mise en débat : de l'approche interactionniste « traditionnelle » au profit d'une analyse socio-sémiotique de la représentation ; d'une méthode, la re-mise en scène, basée sur l'analyse du métadiscours.