Ce travail de recherche vise à mettre au jour un aspect particulier de l’œuvre d’Eduardo De Filippo (Naples, 1900 – Rome, 1984), à savoir l’intrusion du surnaturel dans la production théâtrale de l’auteur-acteur-metteur en scène. Nous avons structuré notre thèse en deux phases. Nous analysons d’abord l’adhésion de De Filippo au théâtre dit “réaliste”, sa conception de la fonction du théâtre, l’ancrage thématique dans l’Histoire du XXe siècle et dans le vécu personnel de l’auteur ; nous nous attachons à la manière dont De Filippo intègre la tradition littéraire et théâtrale du XXe siècle et propose une autre vision du réel faisant appel aux catégories du fantastique. Puis nous examinons l’espace scénique, lieu de l’ailleurs et du fantasme par excellence, dans les différentes composantes de la scène (scénographie, objets), du jeu actoriel (la parole, la corporéité, le personnage et le fantôme) et du contrat spectatoriel pour mettre en lumière la relation que tous les participants au spectacle entretiennent avec le surnaturel. Enfin, nous mettons à l’épreuve de l’analyse la traduction sur scène des problématiques liées au fantôme et au fantasme dans deux interprétations exemplaires et très différentes de La grande magia : celle de Giorgio Strehler au Piccolo Teatro de Milan en 1985 et celle de Dan Jemmett à la Comédie-Française en 2009. / This research work focuses on a specific point of Eduardo De Filippo’s work (Naples, 1900 – Rome, 1984), that is to say the irruption of the supernatural in the production of the author-actor-stage director. We have structured our thesis in two phases. We first analyse the authors’s compliance with the so called « realistic » theatre, his vision of the role of theatre, the thematic foothold in the 20th century history and in his personal experience ; we are concerned with how De Filippo integrates the literary and theatrical tradition of fantasy and offers a realistic vision appealing to the Fantastic categories. Then we investigate the stage space as an ideal place for fantasy and fantasies, we examine the stage varied components (stage design, objects), the acting of the actors (voice, corporeality, the character and the ghost) within the stage-audience conventions to bring to light the particular link that all those who participate to the performance maintain with the supernatural. Finally, we study the process of traduction on stage of problematics linked to ghost and fantasy in two remarkable and very different interpretations of La Grande magia : the one by Giorgio Strehler at the Piccolo Teatro of Milan in 1985 and one by Dan Jemmett at Comédie-Française in 2009.

Michael Moore est une icône culturelle aux États-Unis. Son nom évoque la polémique, la contestation politique mais aussi le film documentaire à succès (Bowling For Columbine, primé aux Oscars, Fahrenheit 9/11, Palme d’Or à Cannes). Les six films du corpus, —Roger & Me (1989), The Big One (1998), Bowling For Columbine (2002), Fahrenheit 9/11 (2004), Sicko (2007) et Captain Mike Across America (Slacker Uprising) (2008) —, posent une triple problématique : la tension entre documentaire classique et documentaire hybride, la présence/absence du documentariste dans son film, et la réception du spectateur organisée par le divertissement et/ou la politique. Trois axes majeurs émergent, autour desquels l’articulation de la thèse peut s’effectuer : le divertissement, la politique et l’autosuffisance. La méthodologie pour rendre compte de cette triple problématique résulte d’un montage quali-quanti. Il s’agit de faire appel à l’analyse de discours mais aussi à l’analyse de contenu (pour mesurer la présence de manière quantitative). L’histoire américaine et l’histoire du documentaire sont également nécessaires pour situer Moore à la fois dans la lignée de certains de ses ainés, mais aussi pour mesurer sa propre influence sur le genre avec ses propres héritiers. Au bout du processus, il est possible de constater que Moore a insufflé un nouvel élan dans le genre du film documentaire en rejetant le modèle classique de type info-argument, rendant ses productions aussi populaires que des blockbusters hollywoodiens. Cette transformation vient de la combinaison inédite des finalités de divertissement et de politique pour créer un documentaire à la Michael Moore du type info-tainment. Avec l’ajout d’une troisième finalité d’autosuffisance, le documentaire moorien se signale aussi par une augmentation considérable de la présence du documentariste à l’écran et une densification de ses interventions au montage. En modifiant le documentaire classique, Moore a mis en place plusieurs stratégies de regard et de récit/storytelling afin de favoriser une assimilation efficace de ces trois finalités dans l’esprit du spectateur. / Michael Moore is a cultural icon in the United States. The mere mention of his name evokes polemics, political protest but also blockbuster documentary films (The Academy award winning Bowling For Columbine and Fahrenheit 9/11 which won the Palme d’Or at Cannes). The six films of this corpus—Roger & Me (1989), The Big One (1998), Bowling For Columbine (2002), Fahrenheit 9/11 (2004), Sicko (2007) and Captain Mike Across America (Slacker Uprising) (2008)—, are problematic in three ways: the discordant relationship between classic and hybrid documentary, the presence/absence of the documentary filmmaker in his own film, and the spectator’s reception of the film along the lines of entertainment and/or politics. Three main areas, thus, emerge around which the thesis can be constructed: entertainment, politics and self-sufficiency. The methodology used to attend to these three matters of discussion comes directly from quali-quanti research. This implies calling on discourse analysis but also content analysis (to measure Moore’s presence quantitatively).The history of the United States as well as that of the documentary film are also necessary to situate Moore not only in the footsteps of some of his predecessors but also to measure his own influence on the genre as evidenced by his very own successors. Ultimately, it can be noted that Moore has breathed new life into the documentary film genre by rejecting the traditional info-argument model, thereby making his films as successful as Hollywood blockbusters.This transformation arises from the unique combination of entertainment and politics to make a Michael Moore info-tainment style documentary. With the added third documentary finality of self-sufficiency, the Michael Moore documentary film is marked by a considerable increase of the filmmakers on-screen presence as well as density of the documentarian’s interventions in the editing room. By modifying the traditional documentary film form, Moore has established several strategies of gaze and narrative/storytelling in order to stimulate the effective absorption of his three main documentary finalities into the mind of the spectator.

Ce mémoire de maîtrise étudie le traitement cinématographique de la sexualité et de la corporéité féminines dans le travail de réalisatrices contemporaines. Il prend appui sur les films Anatomie de l’enfer (Catherine Breillat, 2004), Sleeping Beauty (Julia Leigh, 2011), Nuit #1 (Anne Émond, 2011), et Klip (Maja Milos, 2012). Notre hypothèse est que ces réalisatrices adoptent une posture féministe, affirmée ou non, par leur révision des stéréotypes de genre relatifs au corps et à la sexualité féminine. Dans un premier temps, nous nous intéressons à la dynamique érotique entretenue, à travers l’Histoire, entre la femme comme objet de désir et l’homme comme sujet désirant, au cinéma comme ailleurs. Puis, nous analysons la déconstruction des stéréotypes de genre féminins de pudeur et de passivité au sein du corpus choisi. Nous démontrons ainsi qu’en révisant ces stéréotypes, les réalisatrices déjouent volontairement le spectateur dans son expérience érotique. Enfin, nous examinons les stratégies d’auto-réification du corps féminin récurrentes chez les cinéastes étudiées. Nous estimons que les cinéastes s’inscrivent de la sorte dans une tendance à la subversion observable dans les pratiques artistiques féministes contemporaines. / This master’s thesis examines how female corporeality and sexuality are dealt with in the work of contemporary female film directors. It draws on the films Anatomy of Hell (Catherine Breillat, 2004), Sleeping Beauty (Julia Leigh, 2011), Nuit #1 (Anne Émond, 2011), and Clip (Maja Milos, 2012). Our hypothesis is that these directors adopt a feminist attitude, whether it is asserted or not, by reviewing gender stereotypes about the female body and sexuality. To begin with, we focus on the erotic dynamic, maintained throughout history, between the woman as an object of desire and the man as a desiring subject, in film and elsewhere. Subsequently, we analyze the deconstruction of female gender stereotypes pertaining to modesty and passivity in the chosen corpus. Thus, we demonstrate that by revising these stereotypes, the directors voluntarily thwart the spectator’s erotic experience. In conclusion, we examine the recurring self-objectification strategies of the female body employed by the filmmakers. These directors are part of a trend of subversion which can be observed in contemporary feminist artistic practices.