Cette recherche, inspirée par notre pratique artistique de l'art interactif spatialisé, questionne l'art expérientiel (Alva Noë, 2001), dans sa dimension interactive. Il s'agit d'une interrogation sur l'esthésie de ce type d'oeuvre en tant que saisie immédiate par une réception prémotrice, sensori-motrice et émotionnelle, c'est-à-dire non intellectualisée de l'oeuvre. L'art interactif n'est pas réductible à un art du calcul, c'est également un art énactif qui place le vivant au centre du dispositif artistique. La recherche de Francisco Varela est ici convoquée pour analyser les modifications des associations perceptives dans l'oeuvre. Le déploiement dans l'espace de l'art interactif permet en particulier de réunir plusieurs regardeurs dans l'oeuvre et de multiplier les possibilités d'interaction et d'interférence entre les individus. Il nous semble donc que la particularité de l'art interactif spatialisé est non seulement de proposer des exercices sensoriels pendant l'interfaçage aves le dispositif, mais aussi d'amener l'interacteur à les vivre en présence d'autrui. La théorie simondienne du psycho-social est alors également convoquée dans un domaine scientifique qui n'est pas le sien, à savoir celui de la théorie de l'art, notamment interactif. Nous avons donc tenté de concilier la théorie de l'énaction et la théorie simondienne du transindividuel pour expliquer l'esthésie de l'art interactif spatialisé.Pour répondre à notre questionnement, nous avons élaboré le concept de somagraphie en tant qu'inscription corporelle de l'environnement artistique. La somagraphie s'appuie sur trois sources théoriques : le sens du mouvement d'Alain Berthoz (1997), la théorie de l'énaction de Francisco Varela (1988) et la soma-esthétique de Richard Shusterman (2007). Le corps du regardeur est alors problématisé, c'est-à-dire qu'il n'est pas donné, c'est un corps en devenir. Nous proposons de faire évoluer l'analyse phénoménologique de la réception de l'art interactif en intégrant dans le discours une analyse des émotions. Trois études de cas dans des dispositifs interactifs de type enveloppant, à réalité alternée, ou avec dispositif agi, permettront de découvrir et de donner un sens aux différentes modalités esthésiques de ce type d'oeuvre. Nos résultats ont notamment mis en évidence l'importance du contexte de la visite et montré qu'il y a transindividuation de l'esthésie. Au cours de ces observations est apparu le rôle fondamental des émotions secondaires comme l'empathie. C'est ainsi qu'un souci de la médiation, qui n'était pas présent en amont de la recherche, a émergé en tant que relation singulière au monde, intersubjective et condition de l'être ensemble (Jean Caune, 1999). Les médiations créatrices, en particulier, intègrent le public dans la conception et la réalisation de l'oeuvre, afin de le rendre plus critique / This research questions Alva Noë's publication on 2001, Experience and experiment in art, about what he called "experiential art". My research issue deals with the enactive behavior (Francisco Varela, 1988) of the viewer in an interactive and spatialized artistic device. It is first of all a question of the aesthesia of this type of work which means immediate seizure of the work, as premotor, sensorimotor and emotional reception, that is to say a not intellectualized one. Interactive art can't be reduced to an art of calculation, it's also an interactive art that sets the living at the centre of the artistic device. Francisco Varela's research is used here to analyse the perceptive modifications and associations in the piece of art. The interactive art's spreading in space specifically allows to gather several visitors in the installation and to multiply the possibilities of interaction and interference between them. So it seems to us that space-spread interactive art particularity is on the one hand to propose sensitive exercises during the interfacing with the device, and on the other hand to bring the interactor to experience them in the presence of other people. Simondon's psychological and social theory is also used in a scientific context that isn't his: art theory and more precisely interactive art. So we have tried to gather the enaction theory and Simondon's transidividual theory to explain space-spread interactive art aesthesia. To answer my questions, I developed the concept of "somagraphy" which indicates experiential installations writing their presence on the visitors' body. Somagraphy relies on three theoretical sources, the sense of movement (Alain Berthoz, 1997), Richard Shusterman's soma-aesthetic (2007) and the theory of enaction of Francisco Varela. The body of the viewer is then problematized, that is to say, this body is not given but submitted to automatic procedures that somagraphy wants to break. The hypothesis of this research was that the aesthesia's analysis of interactive spatial art must include emotional processes as well as the learning phase of the technical device. My results have highlighted in particular the importance of the context of the visit as well as the age factor. But they also show that there is transindividuation of aesthesis. During these observations I had to consider the mediation's issue which was not present upstream of the research, it inspired the third part of the thesis. Creative mediations try to reach different audiences and enhance their critical approach of art

A radical transformation is taking place in today’s society with the rapid developments in digital technology. The digital dispersion of information occurs globally at an unprecedented speed, altering innumerable aspects of cultural memory to the extent that the experience of cyclical time of ritual culture is gradually replaced by the prevalence of linear time of progress and chaotic time of computerized processes. As a result, both formation and experience of meaning are changed. With that, an important question arises with regards to music: how does musical meaning transpire in contemporary culture? As a theoretical companion to my compositional work, this doctoral dissertation addresses this question from the perspective of memory. Based on the idea that musical meaning is informed through its contextualization within the manifold intersections of memory, cultural memory, and digital technology, its first three chapters explore the relationships between memory and identity, externalized memory and culture, time and meaning in music, and how these relationships can inform musical analysis. The fourth chapter provides analytical approaches to compositions by Luciano Berio, Helmut Lachenmann, John Cage, and Pierluigi Billone informed by the conclusions gained from the previous chapters. The last three chapters focus on the added complexity of the relationships between musical memory and cultural memory as impacted by digital technologies. It will be explored how digital processes affect various aspects of musical memory and musical time. Correspondingly, the final chapter offers musical analyses of compositions with live electronics by composers Brian Ferneyhough and Jonathan Harvey, and the dissertation will be concluded by an analysis of my dissertation composition #ffffff which is appended. Central to the investigation are the post-structuralist ideas of philosophers Bernard Stiegler, Jacques Derrida, Gilles Deleuze and Félix Guattari, as well as theories regarding cultural memory brought forth by Jan and Aleida Assmann. In order to apply these concepts to an examination of music, they will be reconciled with the musical philosophy of Gunnar Hindrichs, the musical semiotics of Jean-Jacques Nattiez, the cultural semiotics of Roland Posner, and the critical media studies of Wolfgang Ernst. / Graduate / 0413 / annette.mailbox@gmx.net

En s’appuyant principalement sur le travail de Gilbert Simondon (1989) et sur celui de Bernard Stiegler (2010, 2012, 2013), ce mémoire de maîtrise explore la relation entre les notions d’individu et de collectif. D’une part, cette relation est conceptualisée et développée à travers les concepts de transindividuation et d’individuation collective ; et d’autre part, celle-ci est explorée via les théories de l’improvisation libre (free improvised music). S’intéressant aux différentes modalités de cette pratique musicale (Bailey, 1992 ; Saladin, 2002, 2010, 2014 ; Corbett, 2004, 2016 ; Peters, 2009), cette recherche conçoit l’improvisation libre comme une approche radicale permettant d’aborder autrement la relation entre les notions d’individu et de collectif. L’agencement, la confrontation et la négociation des singularités individuelles des musiciens.nes en présence étant au centre de la pratique de l’improvisation libre, la méthodologie mobilisée vise à cerner les dynamiques permettant de saisir la complexité de cette relation. En s’appuyant particulièrement sur la research-from-creation et la creation-as-research (Chapman & Sawchuk, 2012), l’aspect méthodologique de ce mémoire est ancré dans la recherche-création. En ce sens, les principaux matériaux d’analyse ont émergé de l’expérience de séances d’improvisation libre dans laquelle l’immédiateté et l’éphémérité de la création ont été vécues, discutées et ultérieurement analysées à travers les concepts de rythme et de présence propres à la rythmanalyse d’Henri Lefebvre (1980, 1992). / Relying mainly on the work of Gilbert Simondon (1989) and Bernard Stiegler (2010, 2012, 2013), this master’s thesis explores the relation between the notions of individual and collective. On one hand, the relation is conceptualised and developed through the concepts of transindividuation and collective individuation ; and on the other hand, it is explored through free improvisation / free improvised music theories. Looking at the different modalities of that musical practice (Bailey, 1992 ; Saladin, 2002, 2010, 2014 ; Corbett, 2004, 2016 ; Peters, 2009), this research conceives free improvisation as a radical approach to tackle differently the relation between the notions of individual and collective. The assemblage, confrontation and negotiation of individual singularities of musicians being at the centre of free improvisation, the chosen methodology tends to define the dynamics allowing to understand the complexity of that relation. Relying particularly on research-from-creation and creation-as-research (Chapman & Sawchuk, 2012), the methodological aspect of this thesis is anchored in research-creation. In that sense, the main analysis materials have emerged from the experience of free improvisation sessions in which the instantaneity and ephemeral aspect of creation were lived, discussed and subsequently analysed through the concepts of rhythm and presence inherent to Henri Lefebvre’s rhythmanalysis (1980, 1992).