Sigfried Giedion accompanied for decades the development of the modern movement, he was the main promoter of the idea that a new spatial-temporal conception had been born in architecture just as in the physical sciences and the avant-garde art. The title f our thesis comes from his later book 'Architecture and the phenomena of transition, the three space conceptions in architecture'; his main argument is that through history there have been a few different spatial conceptions -or ages-, with modernity inaugurating a third unprecedented conception. From the Industrial Revolution three centuries were needed to arrive at a new spatiality, that with the aid of new materials : concrete, iron, steel and glass, would change our idea of constructed space in a radical way, incorporating transparencies , spatial interpenetrations, disappearance of the boundaries between exterior and interior, a dynamic space never experienced before. In the same degree, the new speeds of communication and travel would change in a deep and irreversible way our concepts and uses of time. The new spatiality and new temporality would also have a profound impact in our modes of perception. Giedion describes the spatial-temporal operations of the artistic avant-garde: the simultaneity in Cubism or the movement in Futurism; in architecture he explains Le Corbusier's ville Savoye: Interior and exterior intertwining and the impossibility to grasp architecture from a static point of view, the dynamic space. Giedion argues that the slow changes in spatial-temporal conceptions are the product of all sorts of factors : social, religious, scientific, technical, ethnological, etc. From here our subtitle: "Development of the physical and social space-time conception in architecture". We sustain that there are physical , mental and social components of the spaces and times that conform our built environment; after commenting and contrasting Giedion's hypotheses we'll construct a theoretical framework and schemes that explain the multiplicity of our intuitions and uses of space and time which coexist and are reflected in the architecture; we need support from multidisciplinary sources and from concepts like the 'cronothope' that Mikhail Bakhtin uses to analyze the spatial-temporal relations in the novel. In the second part we'll concentrate on the work of Gerrit Rietveld as an example of the first moment of modernity, as we will see, there are many characteristics of Giedion's third spatial conception in his work and, at the same time, a physical-mental-social vision of architecture . His work can be read form many points of view: beyond his furniture designs and his first house, the Schröder, understood as the paradigm ofthe De Stijl movement, to us his value lies in the combination of the new 'elemental' aesthetic with a renewal of the historic typologies of Dutch houses, at the same time proposing new relations between inside-outside, public-private, etc. Combining the search of a new plastic language based in neutral lines and planes with the project of new forms of dwelling for the XX century that were critical with the prevailing bourgeois ideas of comfort and consistent with the new social reality. His main goal was to compose space with maximum clarity to potentiate the multi-sensorial perception of architecture and its environment, lo heighten our own spatial-temporal awareness. Almost hundred years have passed since that period of the modern movement so it is necessary to dedicate a third part to analyze our actual spatial-temporal practices through two design lines that seem most relevant, to determine what has happened to the motors that according to Giedion produced the new spatial conception?, to what extent Giedion's hypotheses are still valid? It's not that architecture is better or worse if it follows the modern ideals or not, but what we aim to demonstrate is that there are "chronotopically" richer architectures than others . / Sigfried Giedion acompañó durante décadas el desarrollo del movimiento moderno, fue el gran impulsor de una nueva concepción espacio-temporal se había gestado en la arquitectura moderna al igual que en las ciencias y el arte de las vanguardias. El título de la Tesis proviene de su libro "La arquitectura fenómeno de transición, las tres edades del espacio en arquitectura"; su argumento central es que ha habido poquísimas concepciones espaciales diferentes en la historia de la arquitectura, inaugurando la modernidad una tercera concepción inédita. A partir de la revolución industrial se tardó tres siglos para llegar a una nueva espacialidad, que de la mano de los nuevos materiales: hormigón, hierro, acero y cristal, cambiaría nuestra idea del espacio construido de manera radical, incorporando transparencias, interpenetraciones espaciales, desaparición de los límites interior-exterior, espacios dinámicos nunca antes experimentados. De la misma manera las nuevas velocidades de transporte y comunicaciones cambiarían de manera profunda e irreversible nuestra concepción y nuestros usos del tiempo. La nueva espacialidad y la nueva temporalidad impactarían profundamente también nuestros modos de percepción. Giedion describe las operaciones espacio-temporales de las vanguardias: la simultaneidad del Cubismo, el movimiento del futurismo y en arquitectura habla de la ville Savoye de Le Corbusier: interior y exterior compenetrándose, la necesidad de recorrer el espacio para percibirlo. Giedion sostiene que los lentos cambios en las concepciones espacio-temporales son producto de factores de todo tipo: sociales, religiosos, científicos, técnicos, etnológicos, etc. De aquí nuestro subtítulo: “Desarrollo de la concepción espacio-temporal física y social en arquitectura”. Sostenemos que hay componentes físicos, psicológicos y sociales del espacio y el tiempo que conforman el medio ambiente construido; una vez comentadas y contrastadas las hipótesis de Giedion, construiremos un marco teórico y esquemas que expliquen la multiplicidad de las intuiciones y usos del espacio y el tiempo que coexisten y se reflejan en la arquitectura; para ello recurriremos a fuentes multidisciplinares y a conceptos como el de “cronotopo” con el que Mijaíl Bajtín analiza las relaciones espacio-temporales en la novela. En la segunda parte nos centraremos en la obra de Gerrit Rietveld como ejemplo del primer momento de la modernidad, veremos en su obra muchas características de “tercera edad del espacio” de Giedion y a su vez una visión físico-psico-social de la arquitectura. Su obra puede leerse desde muchos puntos de vista: más allá de sus muebles y de su primera casa, la Schröder, entendidos como el paradigma arquitectónico del movimiento De Stijl, su valor a nuestro entender, radica en combinar la nueva estética “elemental” con una renovación de las tipologías históricas de la vivienda holandesa, al tiempo que replantear las relaciones dentro-fuera, público-privado, etc. Combinar la búsqueda de un nuevo lenguaje plástico basado en líneas y superficies planas y neutras con el proyecto de nuevas formas de habitar para el siglo XX, críticas contra las ideas de confort burgués imperantes y consecuentes con la nueva realidad social. Su objetivo era componer el espacio con la máxima claridad para potenciar la percepción multi-sensorial de la arquitectura y el entorno, aumentar la conciencia espacio-temporal. Casi cien años han pasado de aquella primera etapa del movimiento moderno y es necesario dedicar una tercera parte a analizar nuestras prácticas espacio-temporales actuales a través de dos líneas proyectuales, así como ¿qué ha sucedido con los motores que de acuerdo con Giedion dieron origen a una nueva concepción espacial?, ¿Hasta qué punto sus hipótesis son aun vigentes? No es que una arquitectura sea mejor o peor si sigue o no los ideales modernos, lo que intentamos demostrar es que sí existe una arquitectura “cronotópicamente” más rica que otra.

A partir de l'arxiu Renart dipositat a la Biblioteca de Catalunya, s'estudien els papers de Josep Renart i Closes (Barcelona 1746-1824), un destacat mestre de cases al servei de la Corona i també incipient professional liberal. Renart és important, sobretot, perquè va escriure una sèrie de textos encara inèdits, Els quinzenaris (dels que se n'ha transcrit una part) on passa revista a l'arquitectura barcelonina i a la construcció catalana del seu temps. Precisament en aquell temps Barcelona experimentà, al fil d'una primera industrialització, un gran augment de l'activitat constructiva. Aquest increment impulsà canvis en el sector i també una modernització de les mateixes tècniques que es manifestà sobretot en la manera de construir les cases de pisos: la caixa d'escala, que permetia l'accés a cada pis per separat; el terrat pla, en lloc de la teulada; el sostre estanc, amb revoltons; i la substitució de les gruixudes parets de pedra per altres molt més primes de maó. Foren els trets fonamentals d'aquests canvis que tendien a alleugerir el pes dels edificis i a disminuir el temps i el cost de la construcció a la vegada que a fer-lo quantificable per tal de poder-ne controlar els guanys i permetre equiparar la construcció a qualsevol altre negoci. Aquesta nova manera de construir de finals del segle XVIII, tot i que sovint la considerem tradicional, és sobretot moderna. Després sistematitzada, servirà per acabar la ciutat vella de Barcelona, construir l'Eixample, i acompanyarà l'arquitectura catalana de la contemporaneïtat. Aquests canvis, en bona part ja havien estat detectats, però han estat entroncats una i altra vegada amb la renovació iniciada pels enginyers militars setcentistes i amb la posterior acció de l'Acadèmia. Diferentment, la tesi destaca el paper protagonista que el gremi local, governat per un lobby de mestres distingits i cultes, té en el procés, i com la modernització surt de les pròpies necessitats i capacitats de la societat que l'impulsa. No es vol dir amb això que l'etapa anterior, d'abundants construccions militars, no hagués tingut repercussió, doncs, és evident que fou allà on el gremi es va fer fort; però cap a la tercera part del segle XVIII la influència dels militars havia minvat a Catalunya i la capacitat organitzativa era molt més decisiva que la ciència estancada. A més, l'Acadèmia de San Fernando, que tenia a Madrid un paper cabdal, quedava molt lluny de Barcelona i la seva influència aquí fou esporàdica i poc rellevant. Així doncs, a Barcelona i a Catalunya, el caràcter de les innovacions de finals del segle XVIII en el terreny de la construcció i de l'arquitectura, que marcaran per molt de temps el futur, podria trobar-se més a prop del model anglès, més recolzat en la iniciativa privada i en l'acció dels particulars locals, que no pas en el francès, impulsat per les institucions públiques i el tarannà acadèmic de la cort. / Del archivo Renart de la Biblioteca de Catalunya, se estudian los documentos de Josep Renart i Closes (Barcelona 1746-1824), un destacado maestro de obras al servició de la Corona que también ejerció, aunque de modo incipiente, como profesional liberal. Renart es especialmente importante porque escribió una serie de textos (todavía inéditos), Los quincenarios (de los que se ha transcrito una parte) en los que el autor analiza la arquitectura de Barcelona y la construcción catalana de su tiempo.Precisamente en aquel tiempo, Barcelona experimentó, al hilo de una primera industrialización, un gran aumento de la actividad constructiva. Este incremento impulsó cambios en el sector y la modernización de las técnicas se puso de manifiesto sobre todo en la construcción de los edificios de habitación de varias plantas: la caja de escalera que permitía el acceso independiente a cada vivienda; la azotea en lugar del tejado, el techo estanco forjado con bovedillas de ladrillo y la substitución de los gruesos muros de piedra por otros mucho más delgados de ladrillo. Estas fueron las características fundamentales de unos cambios que tendían a aligerar el peso de los edificios y a disminuir los tiempos y el coste de la construcción permitiendo cuantificarla su beneficio con el fin de poderla equiparar a un negocio cualquiera.Esta nueva manera de construir de finales del siglo XVIII, aunque a menudo ha sido considerada tradicional, es sobre todo moderna. Sistematizada mas tarde, servirá para colmatar la vieja ciudad de Barcelona y construir el Ensanche y acompañará la arquitectura catalana de la contemporaneidad. Estos cambios en buena parte ya habían sido detectados, pero han sido entroncados una y otra vez con la renovación iniciada por los ingenieros militares del setecientos y con la posterior acción de la Academia.Distintamente, la tesis destaca el papel protagonista que el gremio local, gobernado por un lobby de maestros distinguidos y cultos, tiene en el proceso, y como la modernización surge de las propias necesidades y capacidades de la sociedad que la impulsa. No se quiere decir con esto que la etapa anterior, de abundantes construcciones militares no hubiera tenido repercusión, pues, es evidente que fue allí donde el gremio creció; pero hacia la tercera parte del siglo XVIII la influencia de militares había disminuido en Cataluña y la capacidad organizativa era mucho más decisiva que la ciencia estancada. Además, la Academia de San Fernando, que jugaba en Madrid un papel de primer orden, quedaba muy lejos de Barcelona y su influencia aquí fue esporádica y poco relevante.Así pues, en Barcelona y Cataluña, el carácter de las innovaciones de finales del siglo XVIII en el campo de la construcción de la arquitectura, que marcaran el futuro durante mucho tiempo, podría encontrarse mas cercana al modelo inglés, mas apoyado en la iniciativa privada y en la acción de los particulares locales, que no en el francés, impulsado por las instituciones publicas y el carácter académico de la corte. / From the Renart archives entrusted to the Library of Catalonia the thesis studies the papers of Josep Renart i Closes (Barcelona 1746-1824), a prominent master builder in the service of the Crown, and incipient liberal professional. Renart is important, mostly, because of a series of text, still unpublished, "Els quinzenaris" o fortnightlies (part of which have been transcribed) where he reviews the architecture of Barcelona and Catalan construction of his time.At precisely that time Barcelona undergoes, at the root of an early stage of industrialization, a great increase in building activity. This increase produces changes in this sector as well as a modernization of the techniques themselves which become apparent most of all in the way flats were being built: the stairwell, allowing entry to each flat separately; a flat roof, instead of tiling; a watertight ceiling, with small vaults; and the substitution of thick stone walls for much thinner brick walls. Being the fundamental features of these changes the lightening in weight of the buildings as for the reduction in time and costs of the construction and at the same time making it quantifiable in order to control the earnings thus bringing it in line with any other business.This new manner in building of the late 18th century, although we often consider it traditional, is highly modern. Later, systematized, will be used to finish the old city of Barcelona, the construction of the Eixample, and accompany contemporary Catalan architecture. These changes, substantially had been detected, but linked time and time again with the renewal initiated by the 18th century military engineers and by subsequent doings of the Academy.In quite a different way, the thesis emphasizes the leading role that the local guild, governed by a lobby of prominent and educated masters, bear on the process, and how modernization emerges from the necessities and capacities of the society which impels it. This is not to say that the former period, of copious military constructions, didn't have its repercussions, so much so, that it is quite evident that it was then that the guilds grew strong; but around the third part of the 18th century the military influence had diminished in Catalonia and the organisational capacity was much more decisive than science which had come to a standstill. Furthermore, the Academy of San Fernando, which was still especially relevant in Madrid, was a long way away from Barcelona and its influence here was sporadic and scarcely relevant.In this way, in Barcelona and in Catalonia, the nature of innovations towards the end of the 18th century in the field of construction and architecture, that showed the way for a time to come, could be found more in the English standards that leant more heavily on private enterprise and local individual initiative, than the French model, driven by public institutions and the academic manner of the court.

La tesi s’organitza en dos volums; el contingut del primer volum és la tesi pròpiament dita, mentre que el segon conté tota la documentació que s’ha fet servir per a la realització de la tesi. El primer volum consta de l’anàlisi de cada una de les vint-i-quatre obres, en les vessants de l’edifici i de les columnes, amb unes conclusions parcials que serveixen per situar i relacionar l’obra en concret amb les demés. Per tal de ser més aclaridor, hom afegeix unes dates sobre les incidències de l’edifici, això com un extens reportatge fotogràfic. Tot això ha estat organitzat per capítols, a raó d’una obra per capítol. A part de l’anàlisi, hi ha dos documents que són la síntesi de la tesi: el primer són les conclusions generals des sistema columnari, concretant-se en els capitells, que es situen en l’últim capítol de la tesi. El segon document és un quadre-resum que sintetitza de forma gràfica els vuitanta-set capitells de l’obra de Domènech i Montaner, mitjançant el dibuix de cadascun, i els classifica per obra i de forma cronològica, dins de l’evolució del sistema columnari. El volum segon contempla tres apartats: el primer tracta del personatge, amb la biografia, els seus escrits i documents personals. El segon apartat conté tota la documentació escrita relacionada amb les obres. El tercer apartat conté l’índex de la Bibliografia en què hom ha basat per desenvolupar la tesi.

El proyecto de la Iglesia Saint-Pierre de Firminy-Vert se caracteriza por una variedad de elementos compositivos y arquitectónicos que introducen sensaciones apasionantes, perceptibles y proporcionales. En el trazado regulado de sus cuerpos y superficies se configura la composición precisa y el rigor geométrico. Un proyecto considerado por Le Corbusier como la tercera aportación “aceptable” en la construcción de Iglesias, junto con la Capilla de Ronchamp y el Convento de la Tourette. La investigación se estructura en dos partes cuyos contenidos pueden ser leídos y analizados individualmente. En la primera parte se inicia con la descripción y el análisis del proceso negociador de la firma del contrato y la realización de la obra. En los tres primeros epígrafes, se contextualiza el encargo del proyecto de la Iglesia de Firminy-Vert dentro del Plan Director de urbanismo de Firminy elaborado entre los años 1954-1955, se describe el conjunto Firminy-Vert así como las observaciones y los croquis que realiza Le Corbusier en sus primeras visitas a Firminy. En el epígrafe cuarto, se aborda el largo proceso de negociación de la firma del contrato de la Iglesia de Saint-Pierre de Firminy-Vert llevado a cabo entre las diferentes partes implicadas en el proyecto. Este análisis, estructurado en lo que hemos definido como pormenores, se describe a partir de la lectura, clasificación e interpretación de la abundante correspondencia que entre junio de 1960, momento en que se encarga el proyecto de la Iglesia a Le Corbusier, y 1963, año en que se firma el contrato. En éste se reflejan los posicionamientos de los diferentes actores involucrados en las distintas fases del proceso negociador, los acuerdos y las desavenencias que se originan entre los mismos y las implicaciones que todo ello tiene en la elaboración de las cinco versiones del proyecto de la Iglesia de Saint-Pierre de Firminy-Vert. Este marco analítico, se aplica asimismo, en el apartado quinto, la fase de realización de la obra, que mantiene la misma estructura que el apartado anterior. En el epígrafe sexto, se hace un recuento de los hechos que desencadenan la elaboración del proyecto de adaptación y de construcción de la Iglesia Saint-Pierre de Firminy-Vert. Finalmente a modo de conclusiones, señalamos las principales consideraciones que se extraen del análisis del proceso del encargo del proyecto de la Iglesia de Saint-Pierre de Firminy-Vert a Le Corbusier y del proceso de adaptación realizado por José Oubrerie. En la segunda parte se estudian las cinco versiones que componen el proceso proyectual de la Iglesia Saint-Pierre de Firminy-Vert. El objetivo de esta labor es profundizar en el desarrollo de cada una de las versiones del proyecto, que nos permita visualizar a través de los diferentes elementos compositivos la creación de esta obra arquitectónica. En este sentido, hemos establecido unas pautas de organización y de estructura de este apartado, establecidas en tres partes. En la primera, se examina el programa arquitectónico y su temática (liturgia) como paso previo para la realización de los primeros esquemas del proyecto. Estos esquemas se sustentan en la memoria arquitectónica del arquitecto, los intereses plásticos y formales, y la sensibilidad por los fenómenos naturales como elementos preliminares para el desarrollo del proyecto. En la segunda parte, se estructura en el orden cronológico de cada una de las versiones, proponiendo unas contantes compositivas que permiten visualizar las transformaciones generales de cada versión. Estos componentes establecidos, tales como la orientación, la circulación, el soporte y la distribución son el comienzo del recorrido a través de la representación gráfica, en el que veremos los tanteos, las dudas, certezas e injerencias por las cuales poco a poco se van materializando y configurando cada uno de los dibujos y las maque-tas de las cinco versiones del proyecto de la Iglesia Saint-Pierre de Firminy-Vert. Por último, señalamos las principales consideraciones que se extraen de la descripción y del análisis del proceso proyectual de la Iglesia de Saint-Pierre de Firminy-Vert. Se pone de manifiesto la importancia de los componentes plásticos como la génesis compositiva, la aplicación de una metodología transgresora en cuerpos compuestos como búsqueda de un modelo descriptivo, y la ubicación estratégica y central que ocupa la Iglesia Saint-Pierre de Firminy-Vert dentro del conjunto de equipamientos del barrio de Firminy-Vert / The project of the Church Saint-Pierre de Firminy-Vert is characterised by a variety of component elements and architectural details that introduces exciting, perceptible and proportional sensations. In the regular tracing of its forms and surfaces there is a clear representation of the precise composition and geometric rigour. A project considered by Le Corbusier to be the third "acceptable" contribution in the construction of Churches, together with the Ron champ Chapel and the Convent of the Tourette. The investigation is structured in two parts, it's content can be read and analyzed individually. The first part begins with the description and an analysis of the process negotiating the signing of the contract and the accomplishment of the work. The first three epigraphs, contextualise the order of the project of Firminy Vert's Church within the Directive Plan of Firminy's urbanism elaborated between the years 1954-1955, he describes the set Firminy-Vert as well as the observations, and the sketches what Le Corbusier realize in his first visits to Firminy. In the fourth epigraph, we encounter the long process of negotiation of the signing of the contract of Saint-Pierre de Firminy Vert's Church defining the different parts involved in the project. This analysis, structured in what we have defined as preliminaries, describes the classification and interpretation of the abundant correspondence that between June, 1960, a time in which Le Corbusier takes on the project of the Church, and 1963, year in which the contract is signed. In this document are reflected the positioning of the different actors involved in the different phases of the negotiating process, the agreements and the disagreements that originate between the same ones and the implications that all this has in the elaboration of five versions of the project of Saint-Pierre de Firminy-Vert's Church. This analytical frame, is applied likewise, in the fifth paragraph, the phase of completion of the work, which supports the same structure that the previous paragraph. In the sixth epigraph, is an inventory of the facts that unleash the elaboration of the project of adaptation and of construction of the Church Saint-Pierre de Firminy-Vert. Finally like conclusions, we indicate the principal considerations that Le Corbusier extracts from the analysis of the process of the order of the project of Saint-Pierre de Firminy-Vert's Church and from the process of adaptation realized by Jose Oubrerie. In the second part we studied five versions that compose the project process of the Church Saint-Pierre de Firminy-Vert. The aim of this labour is to penetrate into the development of each one of the versions of the project, which allows us to visualize across the have established a few guidelines of organization and of structure of this paragraph, established in three parts. In the first one, is examined the architectural program and his subject matter (liturgy) as previous step for the accomplishment of the first sketches of the project. These sketches are sustained in the architectural memory of the architect, the plastic and formal interests, and the sensibility for the natural phenomena as preliminary elements for the development of the project. In the second part, it is structured in the chronological order of each one of the versions, proposing a few constants components that allow visualisation the general transformations of every version. These establish, such components as the orientation, the circulation, the support and the distribution are the beginning of the tour across the graphical representation, in which we will see the comparisons, the doubts, certainties and interferences for which little by little they are materializing and forming each of the drawings and the models of five versions of the project of the Church Saint-Pierre de Firminy-Vert. Finally, we indicate the principal considerations that are extracted from the description and from the analysis of the project process from Saint-Pierre de Firminy-Vert's Church. It manifests the importance of the plastic components as the component genesis, the application of a methodology transgressor in physical compounds as search of a descriptive model, and the strategic and central location that occupies the Church Saint-Pierre de Firminy-Vert inside the set of equipment of Firminy-Vert's neighborhood.

A pesar de la amplia bibliografía sobre arquitectos del Movimiento Moderno y sobre los debates de las Vanguardias, aún permanecen obras sin estudiar de arquitectos y artistas, cuyos compromisos contribuyeron en el Nacimiento de las Vanguardias, abriendo camino a la eclosión del Movimiento Moderno. Esta tesis se desarrolla desde la implicación de dos artistas, el arquitecto Michael Loewe (1871-1955) y su hija, la artista Margot Loewe (1905-1974), cuyas obras nos permiten reconocer como se entrelazaron dos generaciones en pro de unos mismos ideales, y como el dialogo entre técnica y arte y entre arte e industria propició nuevos espacios y nuevos modos de vivir. La investigación se ubica en Berlín, escenario cultural de confrontación entre tradición y modernidad, de búsqueda de una nueva identidad arquitectónica, y gran laboratorio urbanístico y social que pasa de pequeña capital de Provincia a Metrópoli, entre 1871 y 1933, desde Bismarck hasta la República de Weimar. El estudio desglosa la trayectoria profesional del arquitecto alemán, partiendo de su formación y carrera como Regierungbaumeister en la Königliche Technische Hochschule de Berlin-Charlottenburg, y sus obras construidas en Berlín entre 1907 y 1933. Por orden de aparición, las obras presentadas son los edificios de Bismarckstrasse 82-83 (1907), Olivaerplatz 8 (1909), Manfred-von-Richthofen-Strasse 2 (1912), Pariser Strasse 20 (1913), los grupos de viviendas de Prausestrasse 5-27 (1920), de Kuno-Fischer-Strasse 3-4-5 (1923) y de Pichelswerder (1927). En las obras de Michael Loewe identificamos una primera etapa, previa a la I Guerra Mundial, de reacción contra el exceso ornamental de los estilos históricos y del Jugendstil, moviéndose entre la desnudez y la simplicidad geométrica, con una clara influencia del Biedermeier y del Neoclasicismo Alemán, y en la que colabora con el arquitecto-ingeniero de prestigio Bruno Möhring. En su segunda etapa, de Entre Guerras, evoluciona y se compromete tempranamente hacia un lenguaje próximo a la Neue Sachlichkeit, en que integra su proyecto en el paisaje, explorando nuevas tecnologías y nuevas formas de vivir, que le permiten expresarse con más libertad, situándose en la primera generación de influencia de F. L. Wright en Europa. En ese temprano compromiso por la Modernidad, Michael Loewe despertó reacciones favorables de partidarios del Neues Bauen, pero también fue punto de mira de los adversarios de la Nueva Arquitectura, cuyos artículos y posicionamientos se radicalizaron, convirtiéndose en objeto de lucha política En su obra afloran sus compromisos profesionales a favor de la Nueva Objetividad, que plantea el problema de la posición del arte en la sociedad, de la relación entre arte y artesanía, entre arte y técnica y finalmente el de la forma y función. Sus compromisos personales le llevaron a ejercer de promotor en los momentos de crisis económica, a adherirse a propuestas de Existenzminimum, y a experimentar nuevas formas de vivir. También le llevaron a impulsar a su hija Margot Loewe a acceder al Bauhaus, que estudia entre 1929 y 1933 en Bauhaus-Dessau, bajo la dirección de Hannes Meyer y de Mies van der Rohe. La trayectoria artística de Margot Loewe que se expone aquí, corresponde al breve periodo comprendido entre los años de sus estudios en Bauhaus-Dessau y el exilio, pero entendido como parte del debate entre las Vanguardias utópicas y la Bauhaus, en su contexto de dialogo entre tecnología y arte, en el que la tecnología permitió una nueva concepción del espacio, argumento común de la arquitectura y del arte. Los compromisos técnicos y sociales de Michael Loewe le llevaron a nuevas propuestas formales y a explorar nuevas maneras de vivir, y en sus motivaciones artísticas participó con su hija Margot Loewe en esa nueva mirada subjetiva, provocando impresiones visuales y emociones, que empuja al arquitecto a experimentar con nuevos espacios, y a la artista a la abstracción de su pintura. / Despite the extensive literature concerning architects of the Modern Movement and debates on the Avant-Garde, several works of architects and artists remain unstudied. The commitments of these individuals contributed to the birth of the Avant-Garde Movement, opening the door for the flourishing of the Modern Movement. This thesis was developed and inspired by the works of two artists, architect Michael Loewe (1871 -1955) and his daughter, the artist Margot Loewe (1905-1974). These artists' work allows us to recognize how these two generations were interwined and contributed the same ideals, as well as how the dialogues between technique and art and between art and industry led to new spaces and new ways of living. This research project was conducted in Berlin, a cultural center of confrontation between tradition and modernity and a city that is in search of a new architectural identity. Berlin represents a major urban and social laboratory that changed from a small provincial capital into a metropolis between 1871 and 1933. This study anlyses this German architect's career, starting from is training and career as a Regierungbaumeister in the Königliche Technische Hochschule of Berlin-Charlottenburg to his architectural accomplishments that were built between 1907 and 1933. The works presented include the buildings of Bismarckstrasse 82-83 (1907), Olivaerplatz 8 (1909), Manfred-von-Richthofen-Strasse 2 (1912), Pariserstrasse 20 (1913), the housing projects of Prausestrasse 5-27 (1920) and of Kuno-Fischerstrasse 3-4-5 (1923), and Pichelwerder (1927). Regarding the works of Michael Loewe prior to World War I, we have identified an initial stage of reaction against the ornamental excess of historical styles and Jugendstil that moved between unadorned designs and geometric simplicity with clear influence from German Neoclassicism . Collaborative works with the prestigious architect-engineer Bruno Möhring were also identified in this stage. In the second stage of hi work in the years between the wars , Michael Loewe envlved and undertook early steps towards a !anguage close to the Neue Sachlichkeit, integrating his project ¡nto the landscape and exploring new technologies and new ways of living that allowed him to express himsell more freely. During his early commitment to Modernity, Michael Loewe's work elicited favorable reactions from supporters of the Neues Bauen, but he was also targeted by the opponents of the New Architecture, whose papers and positions were radicalized, and became the subject of political conflict. In Michael Loewe's work, his professional commitments emerge in favor of the New Objectivity,which raises the issue of the position of art in society and the relationships between art and craft, art and technology, and form and function . Michael Loewe's personal commitments led him to join Existenzminimum proposals, and to experience new ways of living . He encourages his daughter Margot Loewe to study between 1929 and 1933 at the Bauhaus-Dessau under the guidance of Hannes Meyer and Mies van der Rohe. The artistic trajectory of Margot Loewe that is presented corresponds to the brief period between the years of her studies at the Bauhaus-Dessau and her exile. Margot Loewe's work is understood as part of the discussion between utopian Avant-Garde and Bauhaus, as well as its context for dialogue between technology and art, where techlology enabled a new conception of space, which is a common theme in both architecture and art. The technical commitments of Michael Loewe led him to create new formal proposals and as a result of his artistic motivations, he also participated alongside his daughter Margot Loewe in new forms of subjective insight, which created visual impressions and emotions that pushed the architect to experiment with new spaces and led the artist to the abstraction of her painting.

El periodo de la arquitectura brasileña comprendido entre los años 30 y los 60 siempre ha sido reconocido internacionalmente y por la academia brasileña como uno de los más importantes de toda la historia arquitectónica de aquel país. Este periodo, que se conoce como arquitectura moderna, ha sido evaluado en relación con el tratamiento de las cuestiones ambientales y las soluciones de acondicionamiento pasivo desarrollado por los arquitectos brasileños de la época. La influencia de la arquitectura colonial, que ha sido estudiada en el tratamiento de la envolvente de los edificios, se presenta como la gran contribución de ese periodo histórico para el desarrollo de la arquitectura moderna a nivel nacional e internacional. / The period of Brazilian architecture between the years 30 to 60 has always been recognized internationally and by the Brazilian academia as one of the most important of all architectural history of this country. This period, known in literature as modern architecture, has been evaluated in relation to the environmental questions and the solutions of passive conditioning developed by brazilian architects of that period. The influence of the colonial architecture was studied and the careful treatment of the envelope of the buildings is evaluated and presented as the difference in the contribution that historical period for the development of this new architecture nationally and internationally.

De las fases del ciclo de vida de un edificio, es común suponer que la de uso y explotación es la de mayor consumo energético asociado. Los factores que condicionan e influyen en este consumo son diversos y han sido analizados en mayor o menor grado. Se da por aceptado que los edificios consumen mucha energía para funcionar, se da por obvio que la forma de los edificios, su envolvente, los sistemas que posean o el uso que alberguen tienen mucho que ver. Pero ¿cuanto influye cada factor?, ¿Cómo se mide esta influencia?, ¿se puede medir?, ¿De estos factores "obvios", cuál tiene el mayor peso.La parametrización y evaluación del uso y la gestión de los edificios como factores que inciden en el consumo final de energía, es el planteamiento de partida de esta tesis, cuyo objetivo es demostrar de qué modo a través de una metodología adecuada es posible cuantificar, analizar y valorar dicha incidencia.Como planteamiento de partida, se define que para cada uso energético el consumo energético de un edificio estará relacionado con la Demanda energética del edificio, el Rendimiento de los sistemas que atienden dicha demanda, y el Perfil de uso y gestión que en el caso de nuevos edificios se prevea que tendrá el edificio, o en el caso de edificios existentes, que se pueda verificar.Si se considera cada uno de estos factores como una variable a conocer, el consumo energético podría comportarse de acuerdo a la solución de la siguiente ecuación en la que habría que definir la forma de interactuar y relacionarse de las diferentes variables:CE = D * ? * GeDonde:CE = Consumo de energíaD = Demanda energética (Edificio, clima, uso)? = Rendimiento medio de las instalacionesGe = Factor de gestión* = Operadores a definirA partir de estas consideraciones la hipótesis planteada es que el uso y la gestión asociadas a las características operacionales y funcionales son parametrizables, controlables, y que merecen una consideración especial ya que determinan principalmente a cada uno de los restantes factores que intervienen en el consumo de El análisis y verificación de la hipótesis se lleva a cabo mediante el estudio de las características y el seguimiento del consumo energético de algunos edificios con diferencias y similitudes en cuanto a los factores que a priori se considera que determinan dicho consumo.Una vez definido la muestra a estudiar, se realiza el trabajo de campo para obtener, de una parte todos los datos relacionados con las características del edificio (arquitectónicas, constructivas, instalaciones, etc.) a manera de inventario, y de forma paralela se realiza un seguimiento detallado de cómo se consume la energía en cada edificio, y como varían las condiciones ocupacionales y funcionales durante el período de estudio.Para el análisis de cada una de las variables planteadas, se han seleccionado diferentes instrumentos, desde metodologías de análisis desarrolladas por grupos de investigación especializados en algunos casos, hasta herramientas informáticas sencillas o software especializado. En otros casos ha sido necesario definir, de acuerdo a los objetivos del trabajo, el tipo de metodología o herramienta de análisis apropiada, lo cual constituye parte del aporte de la tesis.La comprobación de la hipótesis de partida se realiza en primer lugar, definiendo la forma en que interactúan las diferentes variables para resolver la ecuación propuesta, a continuación, se valoran los resultados obtenidos, se evalúan los objetivos iniciales, se revisa el planteamiento de partida, y se plantean escenarios alternativos de análisis que permitan establecer las conclusiones.La principal conclusión es que el consumo energético de una edificación es función, principalmente, del perfil de uso como factor determinante. Se evidencia la necesidad de definir una estrategia energética desde el proyecto arquitectónico que debe partir necesariamente de la definición de este perfil de uso, por ser el factor principal que condiciona todas las variables que influyen en el consumo de sus recursos energéticos.En cuanto a la metodología planteada, se comprueba que esta permite verificar la hipótesis de partida, que es posible establecer la incidencia de cada uno de las variables propuestas y se evidencia el peso y la importancia del uso de los edificios en el consumo final. / The consideration of the use and the management, as a factors of greater incidence in the final energy consumption in the buildings is the initial approach of this work that proposes a methodology to quantify, to value and to analyze this influence.Understanding, that the use is not only referred to the activities that are developed into a building, but also to the energy resources that utilizes to carry out these activities and to satisfy the comfort needs of users, the total consumption of energy will be related to the different energy uses in the building. Taking as premise that for each energy use the consumption should be related to the systems and available machines in the building, its performance and the use that be done of them, if we consider each one of these factors as a variables to know, the energy consumption would be defined according to the solution of an equation that relate these three factors.For some energy uses (electrical appliance uses, f. exam) these variables corresponds to fixed values relatively easy to identify because are not associates to "external factors" that can modify them. In other energy uses as the artificial lighting or the HVAC systems these variables can have a great variation in function of the factors that influence in the definition of each one of them. In the case of HVAC consumption, the use of a specific systems is related with "the energy needs of the building" Demand (D). Associated with some factors (comfort parameters, building type, and the use or uses that be given).For the "Use" variable is necessary to distinguish between the use of buildings space's, and the energy resources use, because other type of factors would affect and have a great influence in the performance of the systems (P). Assuming those considerations the Use variable probably need to be considered as the Use management (Um) variable that include it. Taking in account as it exposed, the equation proposed to obtain the building energy consumption, in the case of HVAC uses is:m U * P * D EC =EC = Energy consumptionD = Energy demandP = Performance of systemsm U = Use management* = Variables operator (to define)From these considerations the hypothesis presented is that the use and the management associated to the functional and operational characteristics are measurable, controllable, and needs a special consideration, because determine mainly each one of the remaining factors that inside in the consumption of energy in buildings. The solution of this equation intends to identify and to quantify, if it's possible, this incidence.The analysis and verification of the hypothesis is carries out by means of the study of the characteristics and the monitoring of the energy consumption and the use of some buildings with differences and similarities for the factors considered "a priori" that determine the energy consumption.To carry out the analysis of each variable, different instruments have been selected, from analysis methodologies developed by research groups in some cases, to simple data processing tools or specialized software. In other cases has been necessary to define, according to the targets of the work, the type of methodology or appropriate analysis tool, which constitutes part of the contribution of the thesis.The verification of the hypothesis is carried out defining the interaction between the different variables to resolve the proposed equation, then, the obtained values are analyzed, the initial objectives are evaluated, the initial approach is revised, and alternative analysis settings are proposed to define the conclusions.The main conclusion is that the energy consumption of a building is function, mainly, of "the use profile" as a determinant factor. It's necessary to define an energy strategy from the architectural project that should be proposed necessarily from the definition of this use profile.As for the proposed methodology, is verified that allow to validate the initial hypothesis, and it's possible to establish the incidence of each one of the proposed variables, and to establish the weight and the importance of the use of the buildings in the final energy consumption.

When it comes to museological exhibition, architecture presents an added difficulty in comparison with other artistic disciplines: the material alluded to is never present The principal means of museographic discourse i.e. the presentation of the object, testimony of the past or present, is not possible. For this reason, architecture is often invoked through documents or elements which represent it but, in many cases, offer a superficial or aseptic transfer of architectural knowledge. However, throughout the history of the discipline various architects have created exhibitions of architecture which not only attempt to document but also realise architecture, providing in this way a far more direct communication of the discipline. This work proposes an interested joumey spanning three centuries (the nineteenth, twentieth and twenty-first) through the medium of exhibition. The aim is not to write an exhaustive study of the history of architectural exhibitions, but rather to offer a fragmentary approach. The intention is to analyse examples which go beyond the artistic paradigm: exhibitions which are not merely presentations of objects or documents, but which have eminently considered the exhibition of architecture as a place in which to act upon concepts inherent to the discipline; exhibitions which attempt to transmit architecture through a concrete and conscious experiencing of it. The exhibitions analysed in this work treat space as something which is demonstrative and, to this end, they do not try to 'reproduce' but to 'produce' something new; they are not works 'in' a space but rather works that 'create' a space. They are examples which aim to transmit that which one lives and feels in a space, and which is difficult to express in words, images or graphics; they talk not of dwellings but of living; they talk not of buildings but of space; not of architects but of architecture. They are exhibitions which evoke the qualities of space, revealing thus its architectural potential. They reconfigure the relationship between the body and the place by changing the experience of such. They arouse a new awareness of the space in which they are; theymake it tangible. The questions here formulated are, amongst others: What kind of exhibitive responses have the architects given in these cases? What concepts have they tested in their exhibitions? What role has the visitor been assigned? How has the communicated message changed over time? The work attempts both a rereading of the development of museographic exhibition of architecture. with voluntary pauses at moments of paradigmatic change, and also the analysis of scattered but marked episodes with the aim of demonstrating the most outstanding strategies employed over the last century and a half to reveal the essence of architecture and to communicate this through an exhibition. The method used is that of design analysis of each case (considering the place, the materials, the itineraries, the light, the sights), hereby discovering the intentions of the creators and the architectural instruments implemented to fulfill these intentions, and, at the same time, to observe how not only the exhibitive language but also the message and consideration of the receptor have become modified over time. In the end, to learn from these experiences and also highlight extraordinary examples of architectural museography truly capable of communicating. / En el momento de su exposición museológica, la arquitectura presenta una dificultad añadida comparada con otras disciplinas artísticas: el material al que alude nunca está presente. El principal medio del discurso museográfico, la presentación del objeto -testimonio del pasado o del presente-, no es posible. Por ello, a menudo, la arquitectura se invoca mediante documentos o elementos que la representan dando como resultado, en muchos casos, una transmisión del conocimiento arquitectónico superficial o aséptica. Sin embargo, a lo largo de la historia de la disciplina diversos arquitectos llevan a término exposiciones de arquitectura que no sólo pretenden documentar sino, sobre todo, realizar arquitectura proponiendo, de este modo, una comunicación mucho más directa de ésta. El trabajo propone un paseo interesado a través de tres siglos -el XIX, el XX y el XXI- de la mano de la exposición. No se pretende la redacción de un estudio exhaustivo sobre la historia de las exposiciones de arquitectura, sino un acercamiento fragmentario. Se trata de analizar ejemplos que van más allá del paradigma artístico: exposiciones que no funcionan sólo como dispositivos de presentación de objetos o documentos, sino que han considerado la exposición de arquitectura eminentemente como un lugar en el que actuar sobre conceptos que son propios de la disciplina. Exposiciones que pretenden transmitir arquitectura mediante su experimentación concreta y consciente. Las exposiciones analizadas en este trabajo tratan el espacio como algo que demuestra y para ello, no tratan de 'reproducir' sino de 'producir' algo nuevo; no son obras 'en' el espacio sino obras que 'hacen' espacio. Son muestras que pretenden transmitir aquello que se vive y se siente en los espacios y que es difícilmente expresable en palabras, en imágenes. en gráficos; no hablan de viviendas, hablan de habitar; no hablan de edificios, hablan de espacio; no hablan de arquitectos, hablan de arquitectura. Son exposiciones que activan las cualidades del espacio, revelando su potencialidad arquitectónica. Reconfiguran la relación entre el cuerpo y el lugar cambiando la experiencia del mismo; despiertan una nueva consciencia del espacio en el que están; hacen que sea tangible. Las preguntas formuladas son, entre otras: ¿Qué tipo de respuestas expositivas han dado, en esos casos, los arquitectos? ¿Qué conceptos han ensayado en sus exposiciones? ¿Qué papel le han concedido al visitante? ¿Cómo ha ido variando el mensaje comunicado? Se trata de releer el desarrollo de la exposición museográfica de la arquitectura con paradas voluntarias en momentos paradigmáticos de cambio; de analizar episodios dispersos pero señalados, con la voluntad de poner de manifiesto algunas de las estrategias más destacadas realizadas en el último siglo y medio para revelar la esencia de la arquitectura y para comunicarla a través de una exposición. El método utilizado es el análisis proyectual de cada caso (la consideración sobre el lugar, los materiales, los recorridos, la luz, las visuales ... ), indagando cuáles son las intenciones de los creadores y los instrumentos arquitectónicos puestos en juego para llevarlas a cabo y a la vez observar cómo, con el paso del tiempo, se modifica no sólo el lenguaje expositivo, sino el mensaje y la consideración misma del receptor. En última instancia, para aprender de lo experimentado y, en todo caso, para poner de relieve extraordinarios ejemplos de museografía arquitectónica capaz de comunicar

From the projects developed by Mies in 1929 - the Tugendhat house and the German Pavilion for the Universal Exposition in Barcelona - we could say that it is showed in a more evident way a phase of experimentation, in which he stands apart from his contemporaries. For example, in these projects he uses materials never used before that became recurrent such as marble, onyx and glass. This way of doing architecture that was being forged through years kept as main goal its own refinement using limited and self-imposed means that let him create a particular universe. In addition, it must be said that what characterized his architecture and work philosophy, is precisely his insistence in the use of the same means, improved and adapted in each project. Continuing with this logic, we maintain that is in the latest projects developed by Mies in which this fanguage" is showed in the clearest way, and this thesis study. This language pretends to be universal and is used in these projects in spite of the site where are placed and the program that hold; in this manner we can find office projects with similar characteristics placed in England, Brazil or the United States, that also shared similarities with museum or educational projects located in dissimilar places. We have chosen as object of analysis the projects developed in the period between 1954 and 1969; this period spans through the last fifteen years of Miess life as an architect and includes projects developed by him but built after his death. We take the classification made by Peter Carter, collaborator in Mies van der Rohe's office that worked beside him in the last years before his death and that in his book Mies van der Rohe at Work classified Mies's projects by its mechanic structure, which in the case of Mies's work, also correspond with its spatial structure: high-rise skeleton frame buildings, low-rise skeleton frame buildings and clear span buildings. Through the analysis of the chosen projects, and understanding each group defined by Carter as an archetype, this thesis aims to bear out the statement that the same archetype is capable of responding to different programs and places in an effective way. The projects are studied in a way that the idea of archetype that each one has implicit is revealed alongside the values that each one promote. The constancy of a same way of doing architecture, reflected in the archetypes, questions sorne paradigms, preconceived ideas and prejudices on decisions made while developing architecture projects. lt is of our interest to know what are the operations made by Mies that allow him to use the same archetype in different conditions, how from the generality of the archetype he's able to generate a spectrum of strategies that transform each case in a singular project, without losing sight of a system that surround all the projects and that can even surpass the archetype itself, transcending the particularities that each project impose. / A partir de los proyectos desarrollados por Mies en 1929 -la casa Tugendhat y el Pabellón Alemán para la Exposición Universal en Barcelona- podríamos decir que se nota de manera más evidente una etapa de ensayo, en la que se desmarca de sus contemporáneos Por ejemplo, a partir de estos proyectos utiliza materiales inéditos en su obra anterior, que se volvieron recurrentes a partir de entonces: mármol, acero, ónix y vidrio. Esta manera de hacer arquitectura que fue forjando en el transcurso de los años mantuvo como principal objetivo su propio perfeccionamiento a partir del uso de recursos limitados y autoimpuestos que le permitieron generar un universo particular. Se debe recalcar que si hay algo que caracteriza su arquitectura y su filosofía de trabajo, es precisamente la insistencia en la utilización de los mismos recursos, mejorados y adaptados en cada proyecto. Siguiendo con esta lógica argumental, sostenemos que es en los últimos proyectos desarrollados por el arquitecto donde se manifiesta con la máxima claridad este lenguaje, que la presente tesis doctoral procura estudiar. Se trata de un lenguaje que se pretende universal y que se emplea en todos los proyectos desarrollados independientemente del sitio donde se emplazan y el programa que alojan; de esta manera, podemos encontrar proyectos de edificios de oficinas con características similares en Inglaterra, Brasil o Estados Unidos, y que además comparten similitudes con proyectos de museos o edificios educativos ubicados en emplazamientos disímiles. Hemos escogido como objeto de análisis los proyectos desarrollados en el período que va de 1954 a 1969 -etapa de perfeccionamiento-; dicho lapso abarca los últimos quince años de vida y práctica profesional del arquitecto e incluye además edificios proyectados por él pero construidos después de su muerte. Seguimos la clasificación elaborada por Peter Carter, colaborador en la oficina de Mies van der Rohe que trabajó junto a él en los últimos años antes de su muerte y que en su libro Mies van der Rohe at Work clasificó sus proyectos a partir de la estructura portante, que en el caso de la obra de Mies se corresponde con su estructura espacial: edificios altos con esqueleto estructural, edificios bajos con esqueleto estructural y edificios de una sola luz estructural. Esta tesis pretende, a través del análisis de los proyectos y entendiendo cada familia definida por Carter como un arquetipo, corroborar el supuesto de que un mismo arquetipo resulta capaz de responder a distintos programas y sitios de manera solvente. Se trata de estudiar los proyectos de modo que quede en evidencia la idea de arquetipo que cada uno lleva implícito y los valores que desde cada uno se promueven. La constancia de una misma manera de hacer arquitectura, reflejada en los arquetipos, cuestiona algunos paradigmas, ideas preconcebidas o prejuicios sobre las decisiones tomadas en torno al proyecto de arquitectura. Interesa saber cuáles son las operaciones realizadas por Mies que permiten utilizar el arquetipo en diferentes condiciones, cómo desde la generalidad del arquetipo se logra generar un abanico de estrategias que convierten cada caso en único sin perder de vista un sistema que envuelve todos los proyectos y que puede incluso superar al mismo arquetipo, trascendiendo las particularidades que impone cada proyecto.

El objeto de la investigación es estudiar el aporte y la contribución del arquitecto argentino Ernesto Kalzenstein a la arquitectura moderna en el período de 1954 a 1966. Fue uno de los más participativos en la arquitectura argentina de la segunda mitad del siglo XX y uno de los fecundadores de la arquitectura moderna en Buenos Aires. Nacido en 1931, en una familia de la aristocracia local, a Kalzenstein le gustaba el dibujo, la pintura y la lectura, además de dominar varios idiomas. Reconocido por algunos arquitectos como uno de los mayores intelectuales de su país, su obra se reconoce por el manejo de las proporciones, el uso racional de los materiales, el conocimiento de la técnica y la atención a las influencias históricas. Procurando no realizar una traducción literal de aquello que absorbía del viejo continente, se ha esmerado por alcanzar su propio lenguaje, con conciencia estética e histórica. Esta preocupación, complementada a un inagotable conocimiento de la historia de la arquitectura, fue la fuente que le permitió entender mejor el alcance de su propia arquitectura. Es meritorio que entre la larga lista de arquitectos con los que compartió su trabajo se encuentran Antonio Bonet, Justo Solsona, Josefina Santos, Marta Allio, Horacio Baliero, Carmen Córdova, Mario Roberto Álvarez, Eduardo Leston, Estanislao Kocourek, y otros que conforman el panorama de algunos de los arquitectos que más desarrollo lograron en la argentina de la segunda mitad del siglo xx. También fue profesor de la Universidad de Buenos Aires con Wladimiro Acosta, Manolo Borthagaray y en un instituto privado conocido como 'La Escuelita' con Tony Díaz, Rafael Viñoly y Justo Solsona entre otros. El común denominador es el respeto y la valoración de Kalzenstein como un arquitecto de cultura infinita y de gran habilidad para proyectar. Con esta investigación se intenta esclarecer un poco más la obra de Kalzenstein, y descubrir su naturaleza a través del recorrido temático que proponen sus cuadernillos prácticamente inéditos y las diferentes obras que realizó desde sus inicios con Antonio Bonet. Se trata entonces, de una aproximación meticulosa que permite darle apertura a su dimensión, que se deja testimoniado en diferentes análisis que asienten a comprender el valor de su obra. Los proyectos de Kalzenstein se inclinan por la elección de materiales tradicionales. como modo del lenguaje que perseguía un equilibrio entre la forma. La función y la estética -en el marco de lo moderno- pero con una fuerte conexión con la cultura local. Y esa elección consciente estaba fundamentada en el modo de concebir la arquitectura y la expresión artística que quisiera lograr en el objeto acabado. El punto de referencia en que se halla su arquitectura, se encuentra en la realización de una obra constituida por espacios modernos en equilibrio con la construcción tradicional, superando con frecuencia, el peligro de la inconsistencia formal que deviene de dicha fusión. Kalzenstein fallece el 23 de Agosto de 1995 en la ciudad de Buenos Aires, a los 64 años de edad. / The objective of the research is to study the contribution of Argentinean architect Ernesto Kalzenstein to modem architecture in the period from 1954 to 1966. He was one of the most participial or architecture in Argentina in the second half of the twentieth century and one of the precursors of modem architecture in Buenos Aires. Born in 1931 in a local aristocratic family, Katzenstein liked drawing, painting and reading, in addition to be fluent in several languages. Recognized by some architects as one of the greatest intellectuals of his country, his work is recognized by the management of the proportions, the rational use of materials, technical knowledge and attention to historical influences. Trying not to make a literal translation of that which absorbed from the old continent, has worked to achieve their own language, with aesthetic and historical awareness. This concern, supplemented with an inexhaustible knowledge of the history of architecture, was the source that enabled him to better understand the scope of his own architecture. It is commendable that among the long list of architects with whom he shared his work are Antonio Bonet, Justo Solsona, Josefina Santos, Marta AlIio, Horacio Baliero, Carmen Córdova, Mario Roberto Álvarez, Eduardo Leston, Estanislao Kocourek, and others who make up the overview of some of the architects who managed development in Argentina in the second half of the twentieth century. He was also professor at the University of Buenos Aires with Wladimiro Acosta, Manolo Borthagaray and a private school known as 'La Escuelita' with Tony Díaz, Rafael Viñoly, and Justo Solsona among others. The common denominator is respect and appreciation of Katzenstein as an architect of infinite culture and great ability to project. This research attempts to clarify Katzenstein's work, and discover its nature through its proposed theme-booklets virtually unpublished and the range of work carried out since its inception with, Antonio Bonet. It is then a meticulous approach, affording opening of its scale, which is left in different analyzes testified that nod to understand the value of his work. Katzenstein projects fall for the choice of traditional materials, as a mode of language that sought a balance between form, function and aesthetics -as part of the modern-, but with a strong connection with local culture. And that was a conscious choice based on the mode of thinking about architecture and artistic expression that would achieve in the finished object. The reference point is that his architecture is in the making of a work consisting of modern spaces in balance with traditional construction; often surpassing the danger of formal inconsistency comes from the merger. Kalzenstein died on August 23, 1995 in Buenos Aires, at 64 years of age.