Ce travail interroge le rapport entre la parole et son contexte médiatique d’énonciation. À ces fins, nous avons choisi comme observable l’adaptation en vertu du fait que cette pratique comporte le passage du même contenu d’un média à un autre. Nous avons constitué un corpus contrastif formé du Petit Prince de Saint-Exupéry et de son adaptation théâtrale par Virgil Tanase, choisie parmi d’autres selon des critères de représentativité et pertinence par rapport à notre angle d’attaque linguistique. Afin de traiter ce corpus dans une perspective linguistique, nous avons convoqué des notions et des cadres théoriques issus de la théorie de l’énonciation, la pragmatique et la linguistique cognitive. Des notions sémio-narratologiques ont également été mises à contribution. L’analyse, divisée en trois parties, se focalise d’abord sur les propriétés sémiotiques (schéma actantiel et macroséquence) et linguistiques (point de vue et isotopie) communes au conte et à la mise en scène. Ces caractéristiques assurent l’équivalence entre adapté et adaptation. Ensuite, sont brièvement analysées les propriétés linguistiques qui permettent le passage du média livre au média théâtre (relation hyponymie/hyperonymie des noms communs et dialogues). Enfin, nous nous focalisons sur les marqueurs qui enregistrent le passage d’un média à un autre en termes de traitement cognitif du référent (déictiques, actes de nomination) de la part de l’instance de réception. Les résultats de cette analyse mettent en lumière l’influence du contexte médiatique sur l’acte d’énonciation selon un double cadre théorique : celui d’une perspective élargie de l’énonciation qui prend en compte l’inscription volontaire et autonome de l’allocutaire dans une situation d’énonciation et celui d’une approche symétrique et réaliste dans le traitement de la référence / Our work enquires about the relation between enunciation and media. We chose the adaptation as a case study, since it is a semiotic practice that requires transferring the same content from one media to another. Hence, we built a contrastive corpus based on Le Petit Prince by Antoine de Saint-Exupéry and its theatrical adaptation by Virgil Tanase, which we consider to be the most representative for our linguistic approach. In order to adopt a linguistic perspective, we articulate notions and frameworks from the French theory of enunciation, pragmatics and cognitive linguistics. Notions from a narratology background are also contributive. The corpus analysis is organized in three main sections. The first one states the equivalence between the adapted story and its adaptation through some semiotic (actantial model and model of narrative sequence) and linguistic parameters (point of view and isotopy) shared by the book and the play. The second part briefly points out the features that enable the story to transfer from one media to another (dialogues, lexical choices). The third and final part focuses on verbal marks (deictic expressions, naming) that encode the media change (from the book to the play) and require the audience to perform some cognitive processing to properly understand the theatrical play. Results of this analysis show the influence of media context on enunciation while relating this kind of context to two linguistic frameworks : an extended enunciation theory, in which the addressee is actively taking part in the meaning production, and a reference theory based on a symmetric relationship between word and object in meaning production

Depuis l’émergence d’une culture franco-ontarienne dans les années 1970, la poésie a été produite aux côtés du théâtre sur les scènes de la province. Si elle demeure une activité périphérique à la production théâtrale pendant plusieurs décennies, à l’aube des années 2000, elle s’allie réellement à la mise en scène dans le cadre de certaines productions phares. De fait, entre 1998 et 2004, trois metteurs en scène provenant des trois pôles traditionnels de production de l’Ontario français choisissent de porter à la scène les textes du poète Patrice Desbiens. Alors que la poésie est une forme littéraire qui se définit principalement par l’indissociabilité entre forme et contenu, ce mémoire propose une analyse des stratégies textuelles et scéniques privilégiées dans la plus récente des trois productions sus mentionnées : L’homme invisible/The Invisible Man, spectacle produit par le Théâtre de la Vieille 17 à Ottawa en 2004. À l’aide d’outils théoriques tirés des champs de l’adaptation et de la dramaturgie contemporaine, les spécificités propres au récit original et les opérations transformatives qui se sont opérées sont relevées. Les modalités organisatrices de la mise en scène sont ensuite étudiées. Les créateurs réalisent une « adaptation-non-adaptation » (Plana, 2004) dans laquelle, tout en conservant le caractère non-dramatique du texte, ils privilégient l’apparition d’un « métadialogue » (Sermon, 2005) qui s’appuie sur le caractère dualiste et bilingue du récit original. La mise en scène s’articule quant à elle dans la mise en tension de deux modes de figuration tributaires du récit poétique adapté : la métaphore et la métonymie, en faisant un détour par le mimétisme.

Depuis l’émergence d’une culture franco-ontarienne dans les années 1970, la poésie a été produite aux côtés du théâtre sur les scènes de la province. Si elle demeure une activité périphérique à la production théâtrale pendant plusieurs décennies, à l’aube des années 2000, elle s’allie réellement à la mise en scène dans le cadre de certaines productions phares. De fait, entre 1998 et 2004, trois metteurs en scène provenant des trois pôles traditionnels de production de l’Ontario français choisissent de porter à la scène les textes du poète Patrice Desbiens. Alors que la poésie est une forme littéraire qui se définit principalement par l’indissociabilité entre forme et contenu, ce mémoire propose une analyse des stratégies textuelles et scéniques privilégiées dans la plus récente des trois productions sus mentionnées : L’homme invisible/The Invisible Man, spectacle produit par le Théâtre de la Vieille 17 à Ottawa en 2004. À l’aide d’outils théoriques tirés des champs de l’adaptation et de la dramaturgie contemporaine, les spécificités propres au récit original et les opérations transformatives qui se sont opérées sont relevées. Les modalités organisatrices de la mise en scène sont ensuite étudiées. Les créateurs réalisent une « adaptation-non-adaptation » (Plana, 2004) dans laquelle, tout en conservant le caractère non-dramatique du texte, ils privilégient l’apparition d’un « métadialogue » (Sermon, 2005) qui s’appuie sur le caractère dualiste et bilingue du récit original. La mise en scène s’articule quant à elle dans la mise en tension de deux modes de figuration tributaires du récit poétique adapté : la métaphore et la métonymie, en faisant un détour par le mimétisme.

Depuis l’émergence d’une culture franco-ontarienne dans les années 1970, la poésie a été produite aux côtés du théâtre sur les scènes de la province. Si elle demeure une activité périphérique à la production théâtrale pendant plusieurs décennies, à l’aube des années 2000, elle s’allie réellement à la mise en scène dans le cadre de certaines productions phares. De fait, entre 1998 et 2004, trois metteurs en scène provenant des trois pôles traditionnels de production de l’Ontario français choisissent de porter à la scène les textes du poète Patrice Desbiens. Alors que la poésie est une forme littéraire qui se définit principalement par l’indissociabilité entre forme et contenu, ce mémoire propose une analyse des stratégies textuelles et scéniques privilégiées dans la plus récente des trois productions sus mentionnées : L’homme invisible/The Invisible Man, spectacle produit par le Théâtre de la Vieille 17 à Ottawa en 2004. À l’aide d’outils théoriques tirés des champs de l’adaptation et de la dramaturgie contemporaine, les spécificités propres au récit original et les opérations transformatives qui se sont opérées sont relevées. Les modalités organisatrices de la mise en scène sont ensuite étudiées. Les créateurs réalisent une « adaptation-non-adaptation » (Plana, 2004) dans laquelle, tout en conservant le caractère non-dramatique du texte, ils privilégient l’apparition d’un « métadialogue » (Sermon, 2005) qui s’appuie sur le caractère dualiste et bilingue du récit original. La mise en scène s’articule quant à elle dans la mise en tension de deux modes de figuration tributaires du récit poétique adapté : la métaphore et la métonymie, en faisant un détour par le mimétisme.

Depuis l’émergence d’une culture franco-ontarienne dans les années 1970, la poésie a été produite aux côtés du théâtre sur les scènes de la province. Si elle demeure une activité périphérique à la production théâtrale pendant plusieurs décennies, à l’aube des années 2000, elle s’allie réellement à la mise en scène dans le cadre de certaines productions phares. De fait, entre 1998 et 2004, trois metteurs en scène provenant des trois pôles traditionnels de production de l’Ontario français choisissent de porter à la scène les textes du poète Patrice Desbiens. Alors que la poésie est une forme littéraire qui se définit principalement par l’indissociabilité entre forme et contenu, ce mémoire propose une analyse des stratégies textuelles et scéniques privilégiées dans la plus récente des trois productions sus mentionnées : L’homme invisible/The Invisible Man, spectacle produit par le Théâtre de la Vieille 17 à Ottawa en 2004. À l’aide d’outils théoriques tirés des champs de l’adaptation et de la dramaturgie contemporaine, les spécificités propres au récit original et les opérations transformatives qui se sont opérées sont relevées. Les modalités organisatrices de la mise en scène sont ensuite étudiées. Les créateurs réalisent une « adaptation-non-adaptation » (Plana, 2004) dans laquelle, tout en conservant le caractère non-dramatique du texte, ils privilégient l’apparition d’un « métadialogue » (Sermon, 2005) qui s’appuie sur le caractère dualiste et bilingue du récit original. La mise en scène s’articule quant à elle dans la mise en tension de deux modes de figuration tributaires du récit poétique adapté : la métaphore et la métonymie, en faisant un détour par le mimétisme.

Le présent travail compte deux parties. La première (section création), intitulée Léon et le vent du diable, consiste en l'adaptation dramatique que j'ai faite du roman de Bruno Hébert C'est pas moi, je le jure ! Cette adaptation a donné lieu à un exercice présenté devant public au LANTISS (Laboratoire des nouvelles technologies de l'image du son et de la scène) de l'Université Laval, en janvier 2006. La deuxième partie (section essai) consiste en un retour sur l'ensemble de l'expérimentation théâtrale (adaptation, mise en scène et création) menée dans le cadre de ma recherche de maîtrise. Il s'agit d'une réflexion personnelle sur mon parcours de création, intitulée « De l'adaptation dramatique de C'est pas moi, je le jure ! à la représentation scénique de Léon et le vent du diable ». Une des représentations publiques a été captée sur DVD. Ce DVD accompagne et complète le travail.

Notre recherche-création porte sur la problématique que représente l’adaptation d’un texte narratif au théâtre lorsqu’il s’agit d’y incorporer les possibilités offertes par les médias numériques, et d’adopter la forme d’écriture élargie qui en découle. Pour ce processus d’adaptation qui s’éloigne de la façon de procéder traditionnelle, nous optons pour une approche intermédiale. Nous nous penchons plus particulièrement sur le théâtre hypermédia, ce qui nous permet de nous interroger sur les connexions qui surviennent entre les écritures visuelles, sonores, spatiales et textuelles, ainsi que sur leurs dynamiques de coprésence dans la scène théâtrale. Une partie essentielle de la méthodologie de cette recherche-création repose sur l’élaboration d’une série de laboratoires de recherche scénique dans lesquels ont été créés des dispositifs vidéographiques, sonores et spatiaux. Ces dispositifs ont été intégrés dans la création dramaturgique, présentée sous la forme d’une écriture intermédiale. Les chapitres 1 et 2 touchent le cadre conceptuel. Dans le premier chapitre, nous présentons les concepts d’intermédialité, de théâtre comme hypermédia, d’écriture intermédiale ainsi que d’autres notions qui nous permettent de discuter l’adaptation et sa relation avec les médias. Dans le deuxième chapitre, nous étudions la vidéo, le son, l’espace et le texte en relation avec les médias numériques. De plus, nous réfléchissons à la composition dramaturgique de chacun de ces éléments expressifs et aux points de repère qui peuvent contribuer à concevoir la dramaturgie. Les chapitres 3 et 4 discutent le volet pratique et la création. Dans le troisième chapitre, nous décrivons les dispositifs scéniques créés dans les quatre laboratoires de recherche scénique et les processus de création. Nous en faisons une analyse intermédiale. Nous présentons également un modèle de protocole de recherche en création qui a émergé de ces expériences pratiques réalisées au Laboratoire des Nouvelles Technologies de l'Image, du Son et de la Scène (LANTISS). Enfin, dans le quatrième chapitre, nous présentons l’œuvre dramaturgique intitulée Le monde n’arrête pas et son processus de création. / Our research-creation addresses the problematic of adapting a narrative text to the theater when it comes to incorporating the possibilities offered by the digital media, and adopting the expanded text that follows. For this adaptation process, which is moving away from the traditional process, we opt for an intermedial approach. We focus more particularly on the hypermedia theater, which allows us to question the connections that occur between the visual, sonic, spatial and textual writings, as well as on their dynamics of co-presence in the theater scene. An essential part of the methodology of this research-creation rests on the development of a series of scenic research laboratories in which videographic, sound and spatial devices have been created. These devices have been integrated into the dramaturgical creation presented in the form of an intermedial script. Chapters 1 and 2 touch on the conceptual framework. In the first chapter, we present the concepts of intermediality, theater as hypermedia, intermedial writing and other concepts that allow us to discuss adaptation and its relationship with the media. In the second chapter, we study video, sound, space and text in relation to digital media. In addition, we reflect on the dramaturgical composition of each of these expressive elements and the points of reference that can contribute to the conception of dramaturgy. Chapters 3 and 4 discuss the practical and creative aspects. In the third chapter, we describe scenic devices in the four scenic research laboratories and creative processes. We make an intermedial analysis. We also discuss the working protocol that emerged from these practical experiences in the Laboratory of New Technologies of Image, Sound and Scene (LANTISS). Finally, in the fourth chapter, we present the dramaturgical work entitled “The World Does Not Stop” and its process of creation.

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Cette thèse de doctorat a pour objet l’édition critique, la traduction et l’analyse de l’oeuvre théâtrale complète de François de Cortète (1585-1667). Ce seigneur agenais a évolué dans l’entourage d’Adrien de Monluc, mécène et protecteur de nombreux auteurs de langue française et de langue occitane. Le théâtre de Cortète, partiellement édité après sa mort par ses fils, présente deux pastorales qui se distinguent par un certain « souci de réalité » dans la représentation des bergers mis en scène sur les terres dont il est le seigneur. La Miramondo explore les règles d’unités ; dans son Ramonnet Cortète reprend l’éthnotype comique du matamore gascon dont il inverse le sens du ridicule en dessinant un des premiers portraits de francimand de la littérature en langue occitane ; Sancho al palays del Duc est une comédie, qui sur le modèle de Guérin de Bouscal, adapte à la scène une dizaine de chapitres du second livre du Quichotte. A l’instar du poète toulousain Pierre Godolin en poésie, Cortète exploite et illustre les ressources de la langue d’oc en produisant une oeuvre théâtrale sur le modèle des créations contemporaines des élites européennes. Ses trois pièces reflètent la richesse et ladiversité de la production théâtrale en France entre les années 1630 et 1650 ainsi que les bouleversements qui la traversent. Cette édition, réalisée à partir des manuscrits autographes, se veut aussi fidèle que possible au texte tout en veillant à préserver sa lisibilité. Elle constitue aussi la première traduction française du théâtre de Cortète de Prades. Aucune indication de datation n’ayant été donnée par l’auteur sur la chronologie de la composition de ses pièces et la bibliographie critique étant extrêmement réduite, l’analyse donnée en introduction aborde les trois pièces de manièretransversale et tente de répondre à cette problématique chronologique tout en précisant et en explorant les principales questions qui définissent la singularité de cette oeuvre. / This doctoral thesis comprises the critical edition, translation and analysis of the entire dramatic oeuvre of François de Cortète (1585-1667). This Agenais lord moved in the circles of Adrien de Monluc, patron and protector of numerous French and Occitan-language writers. Cortète’s plays, in part published posthumously by his sons, include two pastorals distinguished by a certain « concern for reality » in their representation of shepherds living on his seigneurial lands. LaMiramondo explores the three classical unities; in Ramonnet Cortète treats the comic ethnotype of the Gascon braggart (matamore), inverting its ridiculous characteristics by drawing one of the first portraits in Occitan literature of the francimand. A third play, Sancho al palays del Duc, a comedy in the style of Guérin de Bouscal, adapts for the stage a dozen chapters of the second book of Don Quixote. Following the example of the Toulouse poet Pierre Godolin, Cortète exploits the possibilities of the langue d’oc to produce dramatic works in the style of those of Europe’s elite contemporary playwrights. His three plays reflect the richness and diversity of the Theatre in France between 1630 and 1650, as well as the upheavals it lived through. This edition of the texts, based on the original manuscripts, tries to be as faithful as possible to them while preserving their readability. It also constitutes the first French translation of Cortète de Prades’ dramatic oeuvre. In the light of there being no indication of dating by the author of the chronology of composition of his plays and, moreover, thecritical bibliography being extremely small, the analysis undertaken in the introduction approaches the plays transversely and attempts to answer this chronological problem by specifying and exploring the major issues that define the uniqueness of this body of work.

Le présent mémoire de recherche-création a pour objet les réécritures théâtrales des contes. Si le conte merveilleux et le théâtre sont a priori deux genres littéraires distincts de par leur origine, leur nature et leur mode d’expression, ils présentent néanmoins des points communs qui facilitent la transgression des frontières génériques. Aussi les dramaturges se sont-ils parfois risqués à proposer des adaptations de contes merveilleux pour le théâtre. C’est par exemple le cas de Joël Pommerat, qui a récemment proposé des transpositions scéniques de trois contes traditionnels, revisitant et actualisant thèmes et personnages. Dans cet essai, je m’intéresse tout d’abord aux éléments qui favorisent la réécriture théâtrale des contes. Je m’interroge ensuite sur la manière dont Pommerat, qui fonde sa réflexion sur les apports de la philosophie, de la sociologie et de la psychanalyse, prépare ses spectacles ; ce que j’illustre en mettant en lumière la méditation menée par l’auteur sur le travail du deuil dans son spectacle Cendrillon. À l’instar de Pommerat, je présente enfin une étude psychanalytique des personnages du conte Blanche-Neige des frères Grimm. La création que je propose consiste en une transposition théâtrale du conte Blanche-Neige des frères Grimm, qui déplace situations et personnages dans le monde contemporain de l’entreprise. / The purpose of this research-creation master thesis is to rewrite the theatrical aspects of the fairy tales. While storytelling and theatre are a priori two literary genres distinct in origin, nature and mode of expression, they nevertheless share common qualities that facilitate the transgression of generic boundaries. So playwrights have sometimes ventured to offer adaptations of fairy tales for the theatre. This is the case, for example, of Joël Pommerat, who recently proposed scenic transpositions of three traditional fairy tales, revisiting and updating themes and characters. In this essay, I am first interested in the elements that promote the theatrical rewriting of fairy tales. I then ask myself how Pommerat, who bases his reflection on the contributions of philosophy, sociology and psychoanalysis, prepares his shows ; what I illustrate by highlighting the author's reflections on the work of mourning in his play Cinderella. Like Pommerat, I finally present a psychoanalytical study of the characters in the Grimm brothers' Snow White tale. The creation I propose consists of a theatrical transposition of the Grimm brothers' Snow White tale, which moves situations and characters into the contemporary world of business.