O presente trabalho tem por objetivo investigar as possibilidades de aplicação dos principais conceitos da solmização e do contraponto na música inglesa entre os séculos XVI e XVII. Para a realização deste propósito, partindo de uma extensa pesquisa bibliográfica, foram selecionados os tratados de William Bathe (c. 1596), Thomas Morley (1597), Thomas Campion (c. 1613), John Playford (1655) e Christopher Simpson (1667) que foram sistematicamente estudados. Em seguida, selecionaram-se 40 canções compostas pelos autores das preceptivas acima. As peças foram analisadas de forma a verificar se as regras do contraponto e da solmização oferecidas nos tratados possibilitam uma aplicação prática real nos exemplos musicais, e, de forma geral, se os preceitos contidos nos tratados permitem o efetivo aprendizado da solmização e do contraponto. Considerando a escassez de trabalhos em português discorrendo especificamente sobre a solmização e sobre o contraponto na música inglesa, este trabalho oferece uma contribuição relevante para futuros estudos sobre o assunto. / The objective of this study is to investigate the possibilities of the use of the main concepts of solmization and counterpoint in the English music betweeen the XVI and XVII centuries. To this purpose, I carried a comprehensive bibliographical research and then selected and systematically studied the following treatises: William Bathe (c. 1596), Thomas Morley (1597), Thomas Campion (c. 1613), John Playford (1655) and Christopher Simpson (1667). Secondly, I chose and analyzed 40 songs by these authors in order to verify if the rules of counterpoint and solmization presented in the treatises in actual fact enable a practical use in the musical samples and, broadly speaking, if the precepts found in the treatises promote the effective learning of solmization and counterpoint. Taking into consideration the lack of studies in the Portuguese language specifically covering solmization and counterpoint in the English music, this study offers a relevant contribution to future studies on this subject.

Este trabalho se propõe estudar as peças Prologue (1976), Périodes (1974), Partiels (1975) e Modulations (1977), do compositor francês Gérard Grisey (1946-1998). As peças são integrantes do ciclo Les Espaces acoustiques, obra fundamental para a compreensão do que se convencionou chamar espectralismo francês. Além de sua importância como ponto de referência em sua época, o ciclo é também significativo do ponto de vista do desenvolvimento da linguagem do compositor, porque, composto ao longo de onze anos (1974-1985), apresenta momentos diversos do estabelecimento de sua linguagem. O trabalho de análise foi construído, principalmente, com base nos escritos teóricos do compositor, reunidos postumamente em um volume intitulado Écrits, publicado em 2008. Em nossa análise, buscamos encontrar nas peças a aplicação prática das principais preocupações apontadas por Grisey em seus textos. Além dos textos de Grisey, as análises são apoiadas também por outros autores que se dedicaram à sua música, como Jerôme Baillet, Philippe Leroux e François Féron. As análises são precedidas por um primeiro capítulo, que trata das maiores influências recebidas pelo compositor das mãos de seus mestres, no Conservatório de Paris, na Villa Médicis e em Darmstadt. São apontados pontos de conexão com a obra de Olivier Messiaen, Karlheinz Stockhausen, Gyorgy Ligeti, Iannis Xenakis e Giacinto Scelsi. Nas conclusões, buscamos esboçar um sumário das ideias compiladas por Grisey em relação a passagens específicas das peças analisadas no trabalho. Incluímos um anexo, contendo traduções das bulas e instruções para performance das peças estudadas. O trabalho se justifica por contribuir para a compreensão e divulgação de uma música que começa a ser mais amplamente explorada no Brasil, tanto do ponto de vista da performance, como em seus aspectos teóricos. / This work studies the pieces Prologue (1976), Périodes (1974), Partiels (1975) and Modulations (1977), by the French composer Gérard Grisey (1946-1998). The pieces are part of the cycle Les Espaces acoustiques, a milestone work for the comprehension of the so-called French spectralism. Besides its importances as a reference in its time, the cycle is also meaningful from the point of view of the composer\'s technique, because, once it took eleven years to be completed (1974-1985), it presents different aspects of Grisey\'s music. The analyses are based in the composer\'s writings, posthumously gathered in an edition called Écrits, published in 2008. In our analyses we try to find in the music the application of the major concerns stated by Grisey in his writings. Besides his texts, the analyses also benefits from texts of other authors, like Jerôme Baillet, Philippe Leroux and Françóis Féron. The first chapter deals with the major influences received by the composer through the hands of his masters, in the Paris Conservatoire, at Villa Médicis and at the Darmstadt summer courses. References are made to connections between the work of Grisey and those of Olivier Messiaen, Karlheinz Stockhausen, Gyorgy Ligeti, Iannis Xenakis and Giacinto Scelsi. As conclusions, we present a summary of the ideas stated by Grisey in relation to particular extracts studied in the thesis. We also include an annex with the Portuguese translation of the performance notes and instructions contained in the scores. This work is relevant because it consists in a contribution for the comprehension and disclosing of a kind of music that begins to be widely studied in Brazil, both in its theoretical aspects as from the performance point of view.

Este trabalho tem como objetivo apresentar um modelo de análise musical que fundamenta uma possibilidade interpretativa dos Lieder - gênero musical resultante da fusão das linguagens poética e musical - de Clara Schumann, pianista e compositora alemã do século XIX que teve papel relevante no cenário musical de sua época, realizando a primeira audição e divulgação da obra de muitos dos seus contemporâneos, especialmente de seu marido, Robert Schumann. As análises evidenciam o elevado nível artístico dessas composições, as quais abordam questões relacionadas ao período romântico em um contexto musical extremamente elaborado. A gravação que acompanha esta dissertação pretende oferecer um esboço de possibilidades para a interpretação dos Lieder analisados. / This paper introduces a musical analysis model which underlies an interpretative possibility of the Lieder - musical form resulting from the fusion of poetry and music - by Clara Schumann, German pianist and composer of the 19th Century. Her role in the musical scenario was quite relevant, since she held first auditions and thus disseminated the works of many contemporary composers, specially her husband, Robert Schumann. The analysis corroborates the high artistic level of these compositions, which bring into contact with issues related to the romantic period in a highly elaborated musical work. The included CD offers interpretation possibilities for the analyzed Lieder.

Esta dissertação desenvolve uma análise musical de Concert à quatre (1990-1991), obra composta por Olivier Messiaen para quatro solistas (flauta, oboé, violoncelo, piano) e grande orquestra, apresentando os procedimentos harmônicos e os principais elementos que caracterizam a linguagem do compositor. Busca identificar e compreender a utilização de conceitos estabelecidos por Messiaen, bem como investigar os processos que estruturam a harmonia de Concert à quatre, priorizando uma abordagem baseada na análise das vozes comuns. Destacando Vingt Leçons d\'Harmonie (1951) no interior do levantamento bibliográfico que relaciona estudos sobre a produção bibliográfica do compositor, associa-o com os principais elementos composicionais de Concert à quatre e aborda referenciais que remetem à formação teórico-musical de Messiaen. Utiliza a segmentação por conjuntos e o mapeamento de vozes comuns em sucessões de acordes como ferramentas analíticas. O resultado da análise demonstra como os Modos de Transposições Limitadas e seus subconjuntos estruturam a obra, concomitante à ocorrência de breves tonicizações e à formação de centros referenciais harmônicos, evidenciando alturas e intervalos recorrentes. Além disso, destaca o uso dos elementos finalizadores de seções e os constituintes de trechos transitórios, os quais consolidam a sonoridade gerada pelas seções. / This work develops a musical analysis of Concert à quatre (1990-1), a work for four soloists (flute, oboe, cello, piano) and large orchestra, by Olivier Messiaen, presenting the harmonic procedures and the main elements that characterize his compositional language. Seeks to identify and understand the use of concepts established by Messiaen, as well as investigate the processes that structure Concert à quatre harmony getting priority to an approach based on analysis of common voices. Highlighting Vingt Leçons d\'Harmonie (1951) within the literature that relates studies on the bibliographic production of the composer, it associates this production with the main compositional elements of Concert à quatre and addresses references that refer to Messiaen\'s theoretical and musical studies. It uses sets segmentation and mapping common voices chord sequences as analytical tools. The analysis shows how the Modes of Limited Transposition and its subsets structure the work, being concurrent with the occurrence of brief tonicizations and forming harmonic reference centers, showing classes and recurring intervals. Furthermore, it emphasizes the use of the elements that are finishers constituent sections and transient portions, looking forward to consolidate the sound generated by each section.

Através da análise das atividades inseridas nos processos de estudo de dois experientes violonistas professores universitários, o presente trabalho investiga as estratégias de estudo utilizadas na preparação da execução musical da Elegy (1971) de Alan Rawsthorne. A construção da execução musical, quando vista como atividade de solução de problemas (problem solving activity), através da utilização consciente de estratégias de estudo, pode ser otimizada em termos de qualidade e quantidade de estudo. A elaboração do modelo analítico, a partir das bases teóricas expostas no presente trabalho, permitiu a identificação das estratégias de estudo utilizadas pelos violonistas, bem como o enfoque dado por cada um a essas. / By analyzing the activities included in the study processes of two experienced classical guitarist’s academics, this paper investigates the study strategies used in the preparation of the musical performance of Elegy (1971) by Alan Rawsthorne. The construction of musical performance, when viewed as an activity of problem solving (problem solving activity), through the conscious use of practice strategies, can be optimized in terms of quality and quantity of study. The elaboration of the analytical model, based on the theoretical basis outlined in this study, permitted the identification of practice strategies used by guitarists as well as the emphasis given by each of these.

O balé Agon é considerado o ápice da produção conjunta entre Stravinsky e o coreógrafo russo George Balanchine, e sua concepção foi repleta de descontinuidades. As ideias iniciais que motivaram a composição do balé datam de 1948, entretanto, Stravinsky começou a esboçar os primeiros rascunhos somente no final de 1953 e concluiu a obra, após algumas interrupções, em meados de 1957. Durante os anos de criação do balé, Stravinsky operou mudanças significativas em seu processo composicional, alguns movimentos remetem ao diatonismo de seu período neoclássico, enquanto outros são construídos a partir de elaborações seriais, desenvolvidas pelo compositor após o início da década de 1950. Este trabalho expõe os diferentes aspectos envolvidos na concepção do balé e, através da análise dos processos composicionais presentes na obra, busca determinar pontos de conexão em meio às referências díspares estabelecidas no diálogo entre música e dança. / The ballet Agon is considered the apex of the partnership between Stravinsky and the russian choreographer George Balanchine, and its creation was full of discontinuities. The initial ideas that motivated the composition of the ballet came up in 1948, but only in the end of 1953 Stravinsky began sketching the first drafts, and then in 1957, after some interruptions, he completed the work. During this years, Stravinsky made significant changes in his compositional process, some movements refers to the diatonicism of his neoclassical period, while others are constructed from serial elaborations, all of them developed by the composer after the 1950s. This dissertation expounds the several different aspects about the creation of the ballet and through the analysis of the compositional processes in the work, it attempts to determine the connection among the disparate references established in the dialogue between music and dance.

Este trabalho se propõe estudar as peças Prologue (1976), Périodes (1974), Partiels (1975) e Modulations (1977), do compositor francês Gérard Grisey (1946-1998). As peças são integrantes do ciclo Les Espaces acoustiques, obra fundamental para a compreensão do que se convencionou chamar espectralismo francês. Além de sua importância como ponto de referência em sua época, o ciclo é também significativo do ponto de vista do desenvolvimento da linguagem do compositor, porque, composto ao longo de onze anos (1974-1985), apresenta momentos diversos do estabelecimento de sua linguagem. O trabalho de análise foi construído, principalmente, com base nos escritos teóricos do compositor, reunidos postumamente em um volume intitulado Écrits, publicado em 2008. Em nossa análise, buscamos encontrar nas peças a aplicação prática das principais preocupações apontadas por Grisey em seus textos. Além dos textos de Grisey, as análises são apoiadas também por outros autores que se dedicaram à sua música, como Jerôme Baillet, Philippe Leroux e François Féron. As análises são precedidas por um primeiro capítulo, que trata das maiores influências recebidas pelo compositor das mãos de seus mestres, no Conservatório de Paris, na Villa Médicis e em Darmstadt. São apontados pontos de conexão com a obra de Olivier Messiaen, Karlheinz Stockhausen, Gyorgy Ligeti, Iannis Xenakis e Giacinto Scelsi. Nas conclusões, buscamos esboçar um sumário das ideias compiladas por Grisey em relação a passagens específicas das peças analisadas no trabalho. Incluímos um anexo, contendo traduções das bulas e instruções para performance das peças estudadas. O trabalho se justifica por contribuir para a compreensão e divulgação de uma música que começa a ser mais amplamente explorada no Brasil, tanto do ponto de vista da performance, como em seus aspectos teóricos. / This work studies the pieces Prologue (1976), Périodes (1974), Partiels (1975) and Modulations (1977), by the French composer Gérard Grisey (1946-1998). The pieces are part of the cycle Les Espaces acoustiques, a milestone work for the comprehension of the so-called French spectralism. Besides its importances as a reference in its time, the cycle is also meaningful from the point of view of the composer\'s technique, because, once it took eleven years to be completed (1974-1985), it presents different aspects of Grisey\'s music. The analyses are based in the composer\'s writings, posthumously gathered in an edition called Écrits, published in 2008. In our analyses we try to find in the music the application of the major concerns stated by Grisey in his writings. Besides his texts, the analyses also benefits from texts of other authors, like Jerôme Baillet, Philippe Leroux and Françóis Féron. The first chapter deals with the major influences received by the composer through the hands of his masters, in the Paris Conservatoire, at Villa Médicis and at the Darmstadt summer courses. References are made to connections between the work of Grisey and those of Olivier Messiaen, Karlheinz Stockhausen, Gyorgy Ligeti, Iannis Xenakis and Giacinto Scelsi. As conclusions, we present a summary of the ideas stated by Grisey in relation to particular extracts studied in the thesis. We also include an annex with the Portuguese translation of the performance notes and instructions contained in the scores. This work is relevant because it consists in a contribution for the comprehension and disclosing of a kind of music that begins to be widely studied in Brazil, both in its theoretical aspects as from the performance point of view.

Este trabalho tem como objetivo apresentar um modelo de análise musical que fundamenta uma possibilidade interpretativa dos Lieder - gênero musical resultante da fusão das linguagens poética e musical - de Clara Schumann, pianista e compositora alemã do século XIX que teve papel relevante no cenário musical de sua época, realizando a primeira audição e divulgação da obra de muitos dos seus contemporâneos, especialmente de seu marido, Robert Schumann. As análises evidenciam o elevado nível artístico dessas composições, as quais abordam questões relacionadas ao período romântico em um contexto musical extremamente elaborado. A gravação que acompanha esta dissertação pretende oferecer um esboço de possibilidades para a interpretação dos Lieder analisados. / This paper introduces a musical analysis model which underlies an interpretative possibility of the Lieder - musical form resulting from the fusion of poetry and music - by Clara Schumann, German pianist and composer of the 19th Century. Her role in the musical scenario was quite relevant, since she held first auditions and thus disseminated the works of many contemporary composers, specially her husband, Robert Schumann. The analysis corroborates the high artistic level of these compositions, which bring into contact with issues related to the romantic period in a highly elaborated musical work. The included CD offers interpretation possibilities for the analyzed Lieder.

O presente trabalho pretende dar continuidade à pesquisa de Mestrado concluída em 2002 na PUC-SP, sobre um método de análise das Zeitgestalten, voltado para a performance musical. Tendo por base o livro Denken und spielen (Pensar e tocar), escrito pelo pianista e pedagogo alemão Prof. J. Uhde, em parceria com a filósofa e pianista Profa. Dra. R. Wieland (1989) pesquisou-se naquela época os fundamentos teóricos do método, tendo sido analisadas as Zeitgestalten de peças para piano solo. O projeto de Doutorado tem como objetivo principal, compreender os limites e aplicações deste procedimento metodológico na Prática Instrumental de Música de Câmara, não desenvolvido pelos autores. A obra escolhida para esta pesquisa foi escrita em 1930 por um importante compositor pertencente à História da Música Brasileira do final do século XIX e início do XX. Trata-se do Trio em sol menor para piano e cordas, de Francisco Braga, obra de representatividade dentro daquele período histórico. Após encontro com a Profa. Dra. R. Wieland, em janeiro de 2008, ocasião em que foram discutidos assuntos relacionados a Zeitgestalt em obras camerísticas, e analisada o 1º mov. do Trio em sol menor, o trabalho foi direcionado à escrita da tese e ao estudo analítico-interpretativo da obra, junto a um trio formado por jovens estudantes de música do curso de graduação, formado especialmente para este projeto. Pode-se dizer após esta investigação, que o método de Uhde e Wieland se aplica, sim, em repertório camerístico tendo trazido resultados bastante positivos. Faz parte também desta pesquisa, além da questão analítica-interpretativa, a questão editorial. / The present work extends the research presented for Masters concluded in 2002 at PUC-SP, on a method of analysis of Zeitgestalten towards musical performance. On that occasion it was carried out a study on the theoretical foundations of the method and the Zeitgestalten analysis of pieces for piano solo, based on the book Denken und spielen (Thinking and Play) written by the German pianist and pedagogue, Prof. J.Uhde, in partnership with the philosopher and pianist Prof. Doctor R. Wieland (1989). The actual project aims the understanding of the limits and applications of this methodological procedure in the Performance of Chamber Music, which is not developed by those authors. For that purpose the chosen musical work belongs to Francisco Braga, na important composer who lived between the end of the 19th century and the beginning of the 20th century and is part of the Brazilian Music History. The composition written in 1930 is the Trio in g minor for piano, violin and cello, a work of representativiness within that period of history. After meeting with Prof. Dr. R. Wieland in January 2008, when issues related to Zeitgestalt in Chamber Music works were discussed and the analysis of the first movement of the Trio in g minor was done, the work was directed towards the writing of the thesis and the interpretative-analytical study of it, with a trio constituted by young music students from the graduation course formed specifically for this project. Doubtless the method of Wieland and Uhde certainly applies to Chamber repertoire, and the results brought highly positive results. The work also includes, besides the analytical-interpretative question, the editorial matters results.

Esta pesquisa estuda o processo composicional sob um enfoque dialógico, tendo como exemplificação minhas próprias composições. No intuito de entender em que se fundam as decisões tomadas por este compositor, no Capítulo 1 é proposta uma aplicação do conjunto de conceitos relacionados àquele de dialogismo proposto por Bakhtin na composição, uma vez que tais conceitos tratam da relação entre a orientação dos diferentes participantes na comunicação discursiva. Através dos capítulos 2 e 3 são abordados diferentes casos referentes às peças escritas durante o doutoramento, em que as diferentes situações dialógicas foram percebidas. Já nas considerações finais, é destacado que o aspecto dialógico que se evidencia ao longo de toda a prática musical, em todas suas demissões (ensaios, apresentações e apreciações e valorações, por exemplo) sustenta e orienta as decisões composicionais, pelo menos em parte. Finalmente, arrisca-se propor que, em seu o aspecto dialógico, a composição pode ser entendida como uma proposição fundada nos valores de uma pessoa, que no acontecer musical, dialoga com os valores de outras. Ou seja, é como uma constante de propostas e respostas entre as posições emocional e volitiva dos participantes do acontecer musical. / This research studies my own compositional process in a dialogic approach. In order to understand on what are based the decisions made by the composer, in Chapter 1 an application on composition of a set of concepts related to Bakhtin’s dialogism are proposed, since such concepts deal with the relationship between the orientation of different participants in discursive communication. Through the chapters 2 and 3 different cases relating to pieces written during my PhD, in which different dialogical situations were perceived are discussed. Already in the final considerations, it is highlighted that the dialogical aspect that are evidenced throughout the musical practice, in all its dimensions (rehearsals, presentations, appreciations and valorizations, for example) supports and guides the compositional decisions, at least in part. Finally, some risk are taken by proposing that, in a dialogical aspect, the composition could be understood as a proposition founded on the values of a person, that dialogues with the values of others in the musical-occurrence. In other words, it is like a constant of proposals and responses between the emotional and volitional positions of the participants of musical-occurrence.