Cette approche de recherche sur Fernando Arrabal et le théâtre panique pointe une période circonscrite à l’œuvre théâtrale du dramaturge dite « panique ».L’objet de cette thèse cherche donc à essayer de comprendre la théorie panique (la mémoire, le hasard et la confusion) ainsi qu’une thématisation sur les différents modèles artistiques de ses pièces paniques et l’influence arrabalienne dans le devenir scénique d’aujourd’hui. L’étude part d’une nouvelle esthétique théâtrale baroque allant du texte à la scène ainsi que de la stratégie utilisée par l’écrivain dramaturge dans ces pièces appelée la cérémonie panique.La problématique centrale est celle de la perception esthétique et cathartique qui plonge le spectateur vers la confusion de la scène et de la vie. Le panique suivant la théorie artauldienne fusionne la réalité et le cauchemar. L’individu est confronté au chaos de la vie jusqu’à la fin tragique de la mort.La dramaturgie arrabalienne mène l’écrivain sur un double questionnement, celui de la quête de la gloire, de l’identité avec la réalité à travers la connaissance de soi et du monde mais aussi aux peurs que cela provoque. La représentation de ce théâtre plonge le spectateur dans un véritable choc émotionnel. Le théâtre panique de Fernando Arrabal est un théâtre universel, mais aussi un théâtre de l’extrême, qui va à l’encontre de la vérité, de la liberté et de la panique. Une panique individuelle et collective qui à travers un théâtre total fait éclater la raison et les carcans sociétaux cherchant un monde meilleur. L’écrivain est d’autant plus d’actualité que la triste réalité nous confronte au théâtre panique. / This approach to the research on Fernando Arrabal and the panic theater points out to a specific and limited time of the playwright’s theatrical work called "panic".The aim of this thesis is therefore to try to understand the panic theory (memory, chance and confusion) as well as a thematization on the different artistic models of these panic plays and the Arrabalian influence on the scenic future of today. The study begins with a new baroque theatrical aesthetics ranging from text to scene and from the strategy used by the playwright in these panic plays called the panic ceremony.The central problem is that of the aesthetic and cathartic perception that plunges the viewer into the confusion of the scene and of life. The panic following the Artauldian theory merges reality and nightmare. The individual is confronted with the chaos of life until the tragic end of death.The Arrabalian dramaturgy leads the writer on a double questioning, that of the quest for glory, of identity with reality through the knowledge of the self and of the world, but also that of the fears it fathers. The representation of this theatre plunges the viewer into a real emotional shock. The panic theater of Fernando Arrabal is not only a universal theatre, but also a theatre of the extreme, which goes against the truth, freedom and panic. An individual and collective panic which, through a complete theater, is breaking out reason and social contraints, and also looking for a better world. The writer is all the more topical as the sad reality confronts us with panic theater.

Made available in DSpace on 2015-04-11T13:49:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Stephane Soares Girao.pdf: 815578 bytes, checksum: a4bd155e52feefa3aed028147fc9068c (MD5) Previous issue date: 2013-09-30 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado do Amazonas / O tema desta dissertação versa sobre o desenvolvimento do processo dramatúrgico no texto teatral, elegendo-se como perspectiva o Teatro Moderno, para a apreciação crítica das peças Pic-nic (1952) e Fando y Lis (1955), de Fernando Arrabal. O escopo da pesquisa consiste em uma análise em torno das peças a partir de uma abordagem teórica que leia as obras sob o prisma histórico-filosófico, com vistas à compreensão dos fatores que direcionam a escrita dramatúrgica. Primeiramente, apresentamos uma contextualização histórica e teórica sobre os movimentos estéticos que fazem parte dos fundamentos do Teatro do Absurdo, e, consequentemente, da dramaturgia de Arrabal. Na segunda parte (composta pelos dois últimos capítulos) analisamos os discursos, os tipos sociais e suas relações com a guerra e a violência, bem como a representação dos espaços e objetos nos contextos literários estudados, para compreender as orientações estéticas utilizadas pelo dramaturgo. As principais referências teóricas se apoiam em Anne Ubersfeld, Francisco Torres Monreal e Ángel Berenguer.

À son retour en France en 1946, André Breton reçoit avec enthousiasme des pièces de théâtre qui parviennent à renouveler les pratiques dramatiques de l'époque. Ionesco, Schehadé, Gracq, mais aussi Adamov, Arrabal, Audiberti, Limbour, Obaldia, Vian et Weingarten, créent entre 1945 et la fin des années soixante des pièces audacieuses qui ont tout pour séduire le chef de file du surréalisme.Même si la plupart des auteurs n'entretiennent qu'un lien tenu voire inexistant avec le mouvement surréaliste, ils héritent de certaines préoccupations du premier surréalisme par le truchement de dramaturges et théoriciens de théâtre (tels que Artaud et Jarry), de penseurs (philosophes ou psychanalystes) mais aussi de metteurs en scènes. Les vingt pièces étudiées ici questionnent l'existence humaine en analysant tantôt la perception de l'absurdité du monde, l'incapacité à communiquer, tantôt la perte des valeurs et de repères, poussant les personnages à s'interroger sur leur identité, leurs souvenirs et leurs désirs.Au-delà de ces réflexions caractéristiques de la production dramatique de l'après-guerre, les dramaturges de notre corpus explorent de nouvelles voies dramatiques. Les uns proposent un travail linguistique qui vise à retrouver la poésie au sein des conversations quotidiennes. D'autres interrogent les certitudes établies par le biais de l'humour et de l'ironie. Enfin, d'autres encore se tournent vers l'exploration de l'inconscient, des rêves et de la folie. Ces trois démarches nées d'initiatives individuelles des dramaturges s'inscrivent dans une esthétique surréaliste, mais il n'est pas sûr qu'elles suffisent à résumer la diversité des entreprises dramatiques ni à définir a posteriori une nouvelle conception du théâtre surréaliste / When André Breton comes back to France in 1946, he's thrilled with theatre plays which manage to renew the dramatic practices of the time. Between 1945 and the late sixties, Ionesco, Schehadé, Gracq, and also Adamov, Arrabal, Audiberti, Limbour, Obaldia, Vian and Weingarten create daring plays which have everything to allure the leader of surrealism.Even if most authors only have a tenuous or even non-existent link with the surrealist movement, they inherit certain notions of first surrealism through playwrights and theatre theorists - such as Artaud and Jarry-, thinkers -philosophers or psychoanalysts- but also stage directors.The twenty plays studied here question human existence by either analyzing the perception of the nonsense of the world and the incapacity to communicate, or the loss of values and reference markers, leading the characters to wonder about their identities, their memories and their desires. Beyond these reflections characteristic of the dramatic production of the post-war period, the playwrights of our corpus explore new dramatic paths. Some propose a linguistic work which aims at finding poetry within daily conversations. Others question what we take for granted through humour and irony. Finally, others turn to the exploration of one’s unconscious, dreams and madness.These three approaches born of individual initiatives of the playwrights get close to a surrealist aesthetics, but they may not by themselves summarize the diversity of dramatic attempts nor define a posteriori a new idea of surrealist theatre.