Cette recherche propose d’investiguer l’espace entre ma pratique artistique et ma pratique comptable à travers une approche qui déploie des activités de recherches théoriques sur l’art, des activités de recherches théoriques en comptabilité, la réalisation d’un protocole de création en atelier, et la prestation d’une conférence. L’approche flexible, multifocale et exploratoire adoptée se situe en affinité avec Intermedia, développé par Dick Higgins. Partant de ces deux figures type d’opposition, l’art et la comptabilité, je contextualise cette opposition avec l’analyse socio-historique d’Ève Chiapello. Je présente plusieurs pratiques artistiques contemporaines et actuelles de la posture d’opposition spécifique appelée critique artiste. Ces artistes représentent une pluralité de figures d’opposition que j’explique, pour ensuite proposer d’autres figures telles la permutation, la fusion par That’s Painting et la confusion par Dick Higgins et Intermedia. Je convoque les recherches comptables aux fondements historiques de la comptabilité hors de l’implication monétaire et se situant majoritairement dans le champ interprétatif de la recherche selon Burrell et Morgan. La comptabilité moderne ayant comme point de repère Fra Luca Pacioli, j’y relie mes recherches comptables aux recherches de l’archéologue Denise Schmandt-Besserat afin de développer une réflexion sur l’objet analogique dans l’histoire du calcul comptable, et ce, jusqu’à la mise en place de la monétarisation que l’on connait aujourd’hui. Je convoque les écrits de Bernard Colasse portant sur les principes comptables. J’engage les principes de monétarisation, d’indépendance des exercices et le principe de continuité à travers une réflexion critique sur la valeur, la durée et la finitude. Ce mémoire privilégie les recherches théoriques expliquant la quête humaine de savoir combien et les fonctions de mémoire et de contrôle de la comptabilité. Je présente le protocole d’atelier intitulé Compter mes jours de même qu’une analyse dialectique qui convie ces théories comptables et des pratiques artistiques, en particulier Tehching Hsieh. J’exprime comment Compter mes jours est le récit qui rend compte et devient l’archive d’un récit, un compte rendu. Cette comptabilité domestique a été divulguée lors de La Conférence présentée le 30 mai 2017. La Conférence poursuit l’analyse d’une pratique rituelle, morale et politique, soulignant les recherches de James A. Aho, Ève Chiapello, Hans Derks, Mahmoud Ezzamel, Basil S. Yamey. L’ensemble de cette recherche exploratoire engage une réflexion singulière sur l’existence.

Ce texte constitue une analyse des motivations qui m’ont poussé à réaliser l’œuvre intitulée G.S.B.T.N.C.A.C.S.F.F.M.L.R.S.W.W.O.C.R.R.S.I.S.W.B.W. (2014- ). Cet ouvrage représente l’essentiel de ma recherche et se présente sous la forme d’un montage numérique de très grand format (290 000 x 85 000 pixels), réalisé avec un grand nombre d’images récoltées à l’aide de l’outil de recherche d’images du site web google.com. Prenant comme point de départ mes études en design graphique, il sera révélé comment la perception de l’image que j’y ai développée s’est progressivement érodée depuis les débuts de ma pratique artistique. On constatera que ce changement de perception m’a amené à défier certaines règles du design graphique et à privilégier l’image plurivoque, où le détail foisonne. / The following text focuses on the motivations which brought me to create G.S.B.T.N.C.A.C.S.F.F.M.L.R.S.W.W.O.C.R.R.S.I.S.W.B.W. (2014- ). This single work constitutes the whole of my recent research and came into shape as a digital collage of great size (290 000 x 85 000 pixels). A large number of pictures taken from the internet have been used as material to build this work, most of which were found using google’s image search tool.Beginning with an analysis of my former perception of the image as medium, shaped by my studies in graphic design, this text increasingly reveals how my switch to visual arts helped to corrode the latter, and how it made me appreciate the more polyvocal images inside of which detail is flourishing.

Ce travail de maîtrise présente mon Programme de découverte spatiale pour ceux qui mélangent les chiffres et la poésie : S⁴DP+. Ce projet fictif aux allures d’un récit de voyage science-fictionnel aborde l’écart entre le réel et la fiction, le vrai et le faux et les questions relationnelles entre l’instance auctoriale et l’instance narrative comme hypothèse à un syncrétisme discursif, où le discours théorique et conceptuel agirait de pair avec le discours sensible de l’œuvre. Mon travail repose principalement sur les travaux du spécialiste en narratologie Gérard Genette qui me permettent de présenter l’univers diégétique comme un laboratoire expérimental. Incidemment, par le biais d’un monde fictionnel, je propose la construction d’une connaissance alternative libérée des contraintes du réel et qui a comme objectif de produire une xéno-encyclopédie, c’est-à-dire un nouveau système sémantique en continuelle évolution indexée sur l’œuvre fictive. L’éclectisme, la diversité et l’hétérogénéité sont donc au cœur de cette entreprise liée à la connaissance et se matérialisent dans une approche artistique multidisciplinaire. En passant par l’installation et la scénographie, mes œuvres abandonnent l’autonomie de l’objet au profit d’un régime de l’ensemble. Présentées comme des fragments diégétiques ou métafictionnels, elles créent un effet de monde à travers l’immersion perceptive, l’association sémantique, la linéarité indéterminée et le pessimisme épistémique. Ce projet s’inscrit également dans une pratique qui se veut temporelle, évolutive et dont l’ensemble ne sera perceptible qu’à travers un procédé d’archivage. Chaque exposition devient alors un corpus circonstanciel à reconstruire dans le temps. Je finis par présenter mon corpus qui s’apparente à celui de l’amateurisme professionnel regroupant peintures, photographies, photogrammes, vidéo-performance, sculptures et sons. Il est bâti, à l’aide d’une stratégie narrative empreinte d’autofiction, sur la rencontre du théorique et du sensible où l’espace-temps est investi par les chiffres, la poésie et la mélancolie.

Ce mémoire intitulé L’impact du nombre. Vers une neutralisation de l’érotisme dans les œuvres de Vanessa Beecroft et de Spencer Tunick explore les liens entre érotisme et nudité dans les œuvres de Vanessa Beecroft et de Spencer Tunick. Les œuvres de ces deux artistes contemporains présentent une multitude de corps dénudés, qui semblent pourtant se détacher de la dimension érotique. Afin de montrer les différentes façons par lesquelles les œuvres tendent vers une neutralisation de l’érotisme, nous interrogerons le rapport entre les corps présentés et la tradition du nu artistique, tout en nous intéressant aux problématiques plus actuelles en art comme la position du spectateur et l’influence de la biopolitique. Nous proposons ainsi que la neutralité qui traverse les œuvres de Beecroft et de Tunick n’est pas seulement un problème de nudité, mais qu’elle est liée aux différents enjeux soulevés par la représentation du corps dans un contexte spécifique.

Ce mémoire traite du processus créatif et de l’avènement de l’image dans l’œuvre, par la lumière. Comment remonter le temps en sculptant la lumière par des signes secrets afin de représenter la survivance de la brûlure? Comment représenter l’image qui, témoin de ma vulnérabilité, brûle encore? La base onirique de cette recherche représente l’intervalle du temps dans la mémoire, où se révèle l’émotion latente, montrant un passé proche et/ou éloigné, d’images réduites en cendres. La lumière est le matériau de base; c’est elle qui (re) construit l’image dans l’espace-temps, qui fixe un contact visuel avec une forme, un geste, un moment. Elle est un vecteur de création qui épouse la forme en plus de révéler et de dramatiser le lieu physique de manière inattendue. Son interaction évidente avec le vide et la transparence s’accompagne d’un questionnement théorique suscité par l’éveil d’un geste animé par les concepts d’imagination, d’émotion, de mémoire et de temps multiples. Chaque signe annonce sa disparition; c’est la conjuration d’une chose absente et des traces qui ont survécu à la perte. Vivre, c’est assumer lucidement la tension entre les absolus.

±Sous tous ces rapports, l'art reste pour nous, quant à sa suprême destination, une chose du passé¿ (HEGEL, G.W.F., Cours d'esthétique I, trad, de Jean-Pierre Lefebvre et Veronicka von Schenck, Paris : éd. Hotho, Aubier, 1995, p. 18). Voilà de quelle façon s'amorce le Cours d'esthétique de Hegel. D'emblée, le professeur y annonce la fin de l'art. L'allégation est brutale, voire polémique, mais somme toute délicate comparée aux suspicions passées de la philosophie à l'endroit de la forme artistique. La question que pose Hegel est la suivante : l'oeuvre d'art est-elle une force qui persiste à affirmer sa présence malgré les conditions défavorables des temps modernes? Avant tout, l'étude présentée a pour objectif de relater le passage de l'art religieux à l'art conceptuel à travers la déclaration de la fin de l'art du philosophe, mais aussi, elle propose quelques éclaircissements concernant la vie de la forme artistique contemporaine. Ce mémoire ne tente pas de circonscrire la modalité exacte de l'art, quoique bien délimitée par la philosophie de Hegel; plutôt, il demande si la thèse de la fin de l'art est un jugement justifiable à son époque, et s'il peut l'être encore aujourd'hui.

Ce mémoire rend compte d’où j’en suis dans ma pratique artistique, à un moment où je tente d’articuler un questionnement sur l’habiter incluant la mobilité, avec sa matérialisation dans une œuvre statique. Dans ce texte comme dans ma production, vous trouverez des fragments provenant de lieux divers, personnels, publics, naturels, urbains, autant que d’univers de pensée variés. En effet, la philosophie, la géographie et la psychanalyse sont mises à contribution et assemblées tant bien que mal pour tenter de saisir comment se joue une présence au monde, dans le corps, le lieu, la pensée, le mouvement, les choses. Ces réflexions accompagnent un corpus d’œuvres tirées de l’exposition Ma nature a horreur du vide, qui ont été réalisées à la suite de déambulations, en ville et en forêt.