L'exposition «Un temps à part» a été présentée à la Galerie des arts visuels de l'Université Laval. D’une part, de grands dessins blancs créés à partir d'ajouts suivis d'altérations ne laissant à la surface que quelques fragments et des traces d'effacement désormais illisibles. L'autre partie de l'exposition était constituée de sculptures en plâtre réalisées à partir d’un processus d'agglomération, soit par stratification de couches alternées de papiers imprimés et de plâtre créant des blocs, ou par incorporation de débris dans des formes compactes évoquant des phénomènes géologiques. Les oeuvres sculpturales étaient ensuite constituées d'accumulation de ces objets multipliés, les amoncellements suggérant l'état de ruine. Le mémoire décrit l'évolution du processus créatif où l'altération de l'oeuvre génère une esthétique de ce qui reste, proposant une expérience visuelle prenant sa source dans cette ambiguïté entre une oeuvre très présente dans ses caractéristiques matérielles et formelles tout en évoquant un état passé disparu.

Le présent mémoire est un texte d’accompagnement qui témoigne du développement de mon travail de recherche tout au long de mon parcours de maîtrise en arts visuels. Ce texte prend la forme d’un journal de bord qui aborde mon cheminement d’artiste d’une façon chronologique. Ce texte évolue au rythme des réalisations ponctuelles et des réflexions qui y sont liées. L’aboutissement prend la forme d’une synthèse par la mise en espace des meilleures expériences retenues durant mes études.

La photographie argentique est receleuse de traces et de mémoire. C’est dans cette optique que j’ai travaillé avec des clichés de mon passé et que j’ai choisi de les altérer afin de les décharger de leur cette charge affective et de cette notion de passé qui leur étaient reliées. Comme dans un rite funéraire, je crée des masques mortuaires pour chacune des mes photographies en utilisant tulle et broderie, pour ensuite insérer le masque selon différents moyens : par empreinte superposée à la photo et par ajout concret sur une forme découpée. Le masque apparaît alors sur l’image. Il se confond dans les traits et les détails de cette dernière et y fait apparaître un fantôme ; forme fantasmagorique qui fait état de survivance, entre le passé et le présent. La nature intrinsèque du cliché est changée, elle n’est plus trace d’un passé et le cliché passe d’image à œuvre.

Ce mémoire accompagne l’exposition Ordinaire distinction qui se tenait du 15 octobre au 26 octobre 2014 à la galerie Espace Projet à Montréal. Le projet Hibou(x) dont il est question dans ce mémoire présentera une centaine de sculptures de plâtre créées à partir d’un même moule, se transformant par un ajout de glaise ponctuel lors de chacun des moulages. Ce processus témoigne du passage cumulatif entre un prisme rectangulaire et rien du tout, en passant par plusieurs formes évoquant celle du hibou. Il s’agira d’abord de percevoir tous les éléments impliqués dans une création très systématique. D’autre part, il s’agira, par l’expérience et le processus de l’œuvre, de percevoir si cette création, très programmée, peut échapper à la programmation. Le mémoire tentera de mettre en évidence ce qui lie le singulier et le multiple, la masse et l’individu, la norme et l’évolution. Il mettra de l’avant une exploration qui affiliera les divergences de ces oppositions en les faisant converger vers un tout. Avec les écrits notamment de Georges Canguilhem, Tristan Garcia et Giorgio Agamben, je développerai une analyse se situant quelque part entre une hypothèse et une expérience. Je tenterai de distinguer ce qui les oppose et ce qui les lie au travers d’une série de sculptures répétitives et évolutives. Ce mémoire souligne l’espace existant entre l’idée et la manifestation; l’idée et l’incarnation de l’idée

Ce mémoire utilise la démarche expérimentale afin de détourner des images et des objets de leur usage fonctionnel conventionnel afin de créer des expériences artistiques nouvelles. Ce projet s'appuie d'abord sur une recherche théorique qui identifie des critères d'appréhension de l'image à partir d'études de cas et d'analyses de projets. La seconde partie de la recherche fait état des expériences effectuées sur le terrain et évalue leur efficacité à la lumière des constats faits dans la première partie.

Ce mémoire traite du processus créatif et de l’avènement de l’image dans l’œuvre, par la lumière. Comment remonter le temps en sculptant la lumière par des signes secrets afin de représenter la survivance de la brûlure? Comment représenter l’image qui, témoin de ma vulnérabilité, brûle encore? La base onirique de cette recherche représente l’intervalle du temps dans la mémoire, où se révèle l’émotion latente, montrant un passé proche et/ou éloigné, d’images réduites en cendres. La lumière est le matériau de base; c’est elle qui (re) construit l’image dans l’espace-temps, qui fixe un contact visuel avec une forme, un geste, un moment. Elle est un vecteur de création qui épouse la forme en plus de révéler et de dramatiser le lieu physique de manière inattendue. Son interaction évidente avec le vide et la transparence s’accompagne d’un questionnement théorique suscité par l’éveil d’un geste animé par les concepts d’imagination, d’émotion, de mémoire et de temps multiples. Chaque signe annonce sa disparition; c’est la conjuration d’une chose absente et des traces qui ont survécu à la perte. Vivre, c’est assumer lucidement la tension entre les absolus.

Ce mémoire présente le travail de réflexion qui a conduit à la création d’une œuvre nommée Frontières quotidiennes. La recherche prend pour thème initial le quotidien d’un artiste. Par une série de questions, l’auteur s’interroge sur la notion de vérité en art. Il passe en revue les étapes de création de son projet, de l’idée à l’exposition. Il positionne son travail en relation avec d’autres œuvres réalisées par des artistes ayant une grande renommée. En conclusion, ce mémoire révèle la vérité. Elle tient au fait qu’il existe de multiples vérités. Les artifices mis en place par l’artiste dans son projet amènent le spectateur à construire un moteur d’inférence qui oriente sa perception et son interprétation du réel. L’auteur incite le spectateur à porter un regard critique sur les images numériques qui lui sont soumises par les médias actuels.

L’arrivée des nouvelles technologies dans notre mode de communication amène à elle seule le changement d’approche dans notre contact aux autres. Par mon travail photographique, je change mon propre rapport aux gens et au monde. La perception que nous avons du monde dépend de la lentille que nous adoptons. Mes photographies exposent un univers fantastiquement réel de corps fuyant et émergeant du monde expérimental. J’ai souhaité que ce travail en photo se profile à l’image d’une quête sur l’ouverture des principes établis du corps, du mouvement photographié et de la représentation physique du monde. Également, je questionne la temporalité du monde moderne en jouant avec le flou photographique. Je cherche tout ce qui m’échappe : je questionne cette zone grise intangible où un autre univers s’y illustre.

Dans ce texte, je discute de ma pratique artistique actuelle, plus particulièrement des œuvres d’art que j’ai réalisées dans l’espace public. J’explique d’une part l’articulation de mon travail autour des thèmes de l’architecture et de l’urbanisme ainsi que l’intérêt que je porte à l’espace public. J’explore d’autre part la possibilité d’intégrer un usage dans une œuvre d’art et je traite de certaines théories en rapport à la notion d’usage, en particulier la théorie des affordances de Gibson et la théorie des sites comportementaux de Barker. J’explique ensuite la façon dont l’étude des comportements humains s’immisce dans mon processus créatif ainsi que le type d’expérience que je cherche à créer par des œuvres d’art destinées à l’usage. Je traite également de la perception corporelle que je désire provoquer et j’aborde le concept d’appropriation relié aux opportunités d’usage présentes dans la ville. Enfin, j’aborde et explique les différents projets d’art que j’ai réalisés au cours de ma maîtrise.

Ce court essai décrit une recherche créative, touchant la notion d’inclusion/exclusion mise en corrélation avec l’aphorisme Le monde est absurde. Une recherche que j’ai entreprise dans le cadre de ma pratique interdisciplinaire en arts visuels. Par ce fait même, je me questionne sur l’origine et le sens de la vie, sur la raison de notre existence et sur nos comportements sociaux. Le document est divisé en quatre chapitres. Le premier définit la notion d’inclusion/exclusion juxtaposée au spencérisme et à la sélection naturelle de Darwin. Le deuxième chapitre montre de quelle façon je fais agir la notion d’inclusion/exclusion à l’intérieur du projet Iris et de ses différents aspects : la métaphysique, la narrativité, le sujet et l’architecture. Le troisième chapitre illustre la manière dont le projet Iris se développe par le truchement des vecteurs d’expansion tels que l’implicite et la ligne de pensée rhizomatique suggérée par Gilles Deleuze et Félix Guattari. Finalement, le dernier chapitre décrit l’évolution et les multiples transformations physiques du projet Iris à partir d’un quelconque début jusqu’à aujourd’hui, et du possible à venir. C’est-à-dire, les directions qu’Iris pourrait emprunter dans son déploiement et sa transformation.