Cette étude traite de la conception de l'art public de Jean-Paul Mousseau. Elle s'inscrit ainsi dans la continuité des travaux réalisés par les historiennes de l'art Francine Couture, Rose-Marie Arbour et Danielle Doucet. Mousseau a été une figure importante dans la transformation de l'art public au Québec dans les années cinquante et soixante. Durant cette période, il a prôné l'accessibilité de l'art contemporain, refusé l'isolement traditionnel de l'artiste en adoptant la figure de l'« artiste coloriste » et proposé un art public marqué d'un grand enthousiasme face aux nouveaux matériaux, plutôt que l'art public commémoratif traditionnel. Cet artiste cherchait aussi à synchroniser l'art et les réalités modernes, il a ainsi pris part à plusieurs aspects de la modernisation de la société québécoise. Avec son oeuvre de l'église Saint-Maurice de Duvernay (1963), Mousseau s'est inscrit dans le renouveau de l'art religieux au Québec, alors qu'avec l'oeuvre de la station de métro Peel (1966), il a prit part à modernisation du transport urbain. Pour la réalisation de ces oeuvres, Mousseau s'est associé à des architectes et des artistes partageant cette volonté de transformation et avec qui il a développé des relations privilégiées. Ces oeuvres exemplifient également son engouement pour les nouveaux matériaux tels la technique Art Kaleïray à Duvernay et le développement de nouveaux procédés en coloration de la céramique en collaboration avec Claude Vermette à la station Peel. L'étude des conditions de production des deux oeuvres a également permis de révéler les modes de collaboration entre l'artiste et les architectes ainsi que ses relations avec les commanditaires. À la Mousse Spacthèque de Montréal (1966), Mousseau a pris part à la transformation des loisirs en créant un environnement pour une discothèque. Cette oeuvre s'inspirait d'un projet d'Andy Warhol: The Exploding Plastic Inevitable. Pour sa réalisation, Mousseau s'est associé à une équipe d'innovateurs, les entrepreneurs Gilles Archambault et Claude de Carufel, avec qui il a développé une relation d'affaire, s'associant éventuellement à eux pour créer la compagnie Arfel corporation qui a permis à une chaîne de Mousse Spacthèque de s'étendre de Alma à Ottawa. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Jean-Paul Mousseau, Art public, Art religieux, Métro de Montréal, Discothèque.

Les interventions de Les Levine dans des espaces publicitaires des années 1980 et 1990 sont caractérisées par trois aspects fondamentaux : une ambiguïté dans le sens, un rôle actif accordé aux spectateurs et une dimension politique. De ces trois éléments, le dernier est certainement le moins développé dans la littérature scientifique portant sur le sujet. L'étude propose de pallier ce manque en se fondant sur l'analyse de deux politiques actualisées dans ces campagnes médiatiques. La première est celle d'une domination des intérêts de l'émetteur qui est dirigée vers le récepteur à travers un message, qu'il soit artistique ou publicitaire. La seconde est celle que Jacques Rancière a appelé le « dissensus » ; elle oppose à ce mode transitif de réception un autre mode, esthétique, à partir duquel il est possible en même temps de saisir cette politique qui accorde à chacun un rôle prédéterminé et la possibilité d'une reconfiguration de ce « partage du sensible ». Une promesse d'émancipation distingue la seconde politique de la première : elle tend ultimement vers une « communauté du sentir » marquée par l'égalité des chances et des places de chacun. L'objectif de l'étude est de démontrer que l'ambiguïté et l'appel aux spectateurs dans les campagnes médiatiques de Levine ne convergent pas seulement vers une politique de la domination mais pointent également vers une efficacité politique dissensuelle des œuvres. Il est possible d'entrevoir cette politique à travers l'expérience esthétique de l'indécidabilité des affiches de Levine. En procédant au mélange entre art et publicité, entre le mode esthético-rhétorique et la suspension esthétique, entre la critique d'une politique de domination en place et la participation de cette politique dans l'œuvre, elles se jouent de leur indécidabilité et rétablissent par le fait même l'indétermination nécessaire à leur expérience esthétique. C'est par l'expérience esthétique de cette indécidabilité qu'il est possible d'atteindre, même à l'ère consensuelle contemporaine où le dissensus ne semble plus possible, cette seconde politique par laquelle se dessine une « transformation métapolitique du sensible ». L'étude comprend quatre chapitres. Le premier propose une définition basique de l'expérience esthétique politique et des enjeux théoriques et philosophiques engendrés par un tel phénomène. Le second cerne le cadre théorique proposé par Rancière. Le troisième applique le cadre aux campagnes médiatiques dans ce qu'elles ont de communes : le partage publicitaire du sensible, les trois aspects menant à leur indécidabilité et les limites d'une telle analyse. Enfin, deux études de cas, We Are Not Afraid (1982) et Blame God (1985), permettent d'illustrer concrètement comment l'efficacité politique dissensuelle des œuvres de Levine peut être envisagée à travers l'expérience esthétique de l'indécidable. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Les Levine, art politique, billboard art, art public, art et publicité, expérience esthétique, esthétique, indécidabilité.

Ce mémoire s'intéresse à la question du stéréotype autochtone dans l'espace public canadien diffusé à travers les monuments historiques. Divisé en quatre chapitres, ce travail de recherche tente d'abord de comprendre les impacts de ce stéréotype dans la construction identitaire des peuples des Premières Nations. Compte tenu des caractéristiques propres au monument historique, on proposera aussi que la diffusion d’une image biaisée de l'Amérindien dans ces monuments comporte son lot de conséquences et au-delà, sert une idéologie nationale particulière. De plus, selon ce qui est avancé dans ce mémoire, l’exposition du stéréotype dans l'espace public peut restreindre l'accès à celui-ci pour les communautés visées par ces représentations. Ce qui a pourtant motivé la rédaction de ce travail de réalisation de la maîtrise est la conviction que non seulement les stéréotypes peuvent être remis en question, mais aussi, que les frontières symboliques créées dans la sphère publique par ces représentations imaginaires peuvent être franchies dans le but d'en arriver à une meilleure compréhension des différentes identités autochtones du Canada actuel. L'étude de deux artistes autochtones canadiens, Jeff Thomas et Bill Reid, permettra d’aborder deux stratégies de remise en question du stéréotype amérindien présenté dans la sculpture monumentale. À l'aide de quatre notions théoriques (rapatriement visuel, art et espace public, notion d'auteur, lieu de mémoire), il sera possible de voir les apports, mais aussi les limites de ces deux démarches dans cette lutte identitaire à travers l'espace public. En articulant leurs œuvres autour des monuments destinés à créer des points de repère historiques, Reid montre sa volonté de partager la mémoire d'un univers artistique propre à la communauté dont il est issu, tandis que Thomas tente de faire ressortir la complexité au cœur d’une identité autochtone urbaine et actuelle. Leur implication dans la sphère publique est non seulement une façon de démontrer la nécessité de remettre en question certaines représentations amérindiennes pouvant être jugées offensantes, mais c’est aussi un excellent moyen de diffuser une image plus appropriée des différentes identités autochtones qui composent le pays. Deux œuvres seront particulièrement abordées pour défendre ces idées, soit une série de Thomas intitulée What's the Point? qui comprend sept photographies, ainsi qu'une sculpture monumentale de Bill Reid qui a pour titre l'Esprit d'Haida Gwaii, le Canoë de jade que l'on retrouve à l'aéroport international de la ville de Vancouver. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : stéréotype, monument historique, Autochtone, art public, identité, mémoire

Thèse (M.A.)--Université Laval, 2004. / Bibliogr.: f. 106-111. Publié aussi en version électronique.

This diploma thesis deals with a wide field of performing arts in the public space, the so-called busking, in relation to two main lines of thought - partly to the barriers for implementation of activities, across cities; second, to the cultural development policies within the region. Collected theoretical knowledge and practical experience (eg from historical development of urban communities, studies of numerous legislative documents, cultural development policies, the author's own research, numerous observations and interviews with the artists themselves and with representatives of institutions across the world which are setting up standards, analysis of obstacles to the implementation of activities in public space and more) which the author converts first in comparison of two cities - Prague in the first place, and London with a model approach to artistic activities in public space in the second, and than in a series of specific recommendations for the creation of a standard, strategy and related legislation leading to the implementation of measures related to the topic of this diploma thesis within the capital city of Prague. The author works on the assumption that performing arts do belong to the public space, as they have the potential to improve the quality of life, to educate the people and substantially increase their creativity, to develop the potential of sites, to reduce crime, to generate economic multiplication and more.

Ce mémoire de maîtrise a pour but d'accompagner mes recherches et les expositions que j'ai présentées au cours de mes études dans le programme de maîtrise en arts visuels. Je désire par ce travail réfléchir sur ma pratique personnelle ainsi que sur mon processus de travail en atelier. Sans aucun doute, cette expérience d'études m'a aidée à développer et à rapprocher davantage mon travail de différentes conceptions de l'art. Les deux premiers chapitres portent sur mes deux expositions, soit L'Avenir est plus loin qu'on pense, présentée chez Engramme, et Living dans l'espace, présentée à la Galerie des arts visuels de l'Université Laval. Elles questionnent l'espace public et la perception de l'espace architectural à l'époque de la standardisation. Le troisième chapitre aborde principalement les thématiques élaborées dans ces deux expositions, l'appropriation de l'image, le design et l'art populaire. Une série de photographies de ces deux expositions et certaines œuvres d'artistes viennent appuyer mes idées tout en aidant le lecteur à suivre le déroulement de mes recherches et de mes expérimentations.

Dans un contexte de développement urbain en pleine vitesse de la province du Guangdong (au sud de la Chine), notamment de sa capitale Guangzhou, la transformation paysagère rapide et radicale nous incite à nous interroger sur les relations entre la société et l’environnement, les habitants et les lieux de vie, l’art et la ville. Face aux enjeux politiques et économiques liés aux mutations urbaines, quelle est la place et l’action de l’art sur l’aménagement de la ville? Sous quelles formes et de quelles manières l’art s’y intègre-t-il? Avec les interventions artistiques dans l’espace public, l’artiste est-il capable de rétablir, in situ, la communication réciproque entre les habitants et les lieux ? Quelles sont les approches et les modalités envisageables pour répondre à ces questions?Vu qu’il y a de nombreux bâtiments occidentaux construits à Guangzhou depuis une trentaine d’années, qui font face aux sculptures traditionnelles chinoises qui ne correspondent pas au style occidental, comment peut-on trouver les voies intermédiaires réconciliant deux polarités – la forme moderne occidentalisée et l’esprit traditionnel cantonais – dans la création de la sculpture urbaine ? Il devient nécessaire de reconstruire une version moderne de l’ancien système en proposant une forme urbaine locale contemporaine utilisant les savoirs-faires traditionnels des artisans qui dépasseraient la dissonance entre contexte architectural occidentalisé et sculpture régionale cantonaise. / In a context of urban development at full speed in Guangdong (South of China), especially its capital Guangzhou, the rapid and radical transformation of landscapes raises a number of questions about the relationship between societies and their environment, the local peoples and the living places, art and the city. Faced with political and economic issues related to urban change, what is the role and work of art on the city layout? In what forms and in what ways the art it does integrity? With artistic interventions in public space, the artist is capable of restoring it in situ, mutual communication between people and places? What approaches and possible ways to address these issues?Since there are many western buildings built in Guangzhou last thirty years, face to face traditional Chinese sculptures that do not fit the Western style, how can we find the subchannels reconciling two polarities - the modern westernized form and the traditional Cantonese spirit - in the creation of urban sculpture? It therefore becomes necessary to rebuild a modern version of the old system by providing a local contemporary urban form using the traditional skills of artisans who exceed the dissonance between westernized architectural context and Cantonese regional sculpture.

Cette recherche s’intéresse à l’interrelation entre l’expérience de l’art public et celle du paysage. Elle se penche sur l’art public utilitaire, plus précisément sur le cas de quatre œuvres-banc situées dans le Parc linéaire de la rivière Saint-Charles, à Québec. La position assise suggérée par ces productions artistiques occasionne un contact sensoriel direct avec l’œuvre, mais surtout, elle orchestre un retournement du regard vers le paysage selon une posture et un angle de vue définis. L’activation de la fonction de banc par l’action de s’y asseoir, ou du moins la compréhension de cette possibilité d’usage, donne alors accès à une expérience du paysage environnant qui, loin d’être fortuite, fait partie intégrante de l’œuvre-banc. Cette étude analyse ainsi les œuvres-banc afin de mieux comprendre comment elles sont reçues par le public, mais également comment elles participent à l’expérience paysagère. Les réponses obtenues à la suite d’un questionnaire en ligne ont permis d’évaluer les différents aspects de la compréhension et de l’exploration de la fonction de banc des œuvres, selon une grille d’analyse conçue en adaptant certains postulats de la théorie des affordances de Gibson (1979; 2014), de la matrice de préférences de Kaplan & Kaplan (1989a, 1989b) et du modèle environnemental de Carlson (1979) aux enjeux de la recherche. Les données cumulées et traitées ont ensuite permis de démontrer que les œuvres-banc participent à une expérience paysagère de qualité. Cette contribution est principalement liée à la position assise suggérée par l’œuvre, elle qui invite les usagers du parc à s’immerger dans la scène tout en offrant une perception multisensorielle du paysage. En somme, cette recherche a fait émerger des constats sur l’apport des œuvres d’art à l’aménagement de l’espace public et à la qualité de l’expérience vécue par les citadins, deux volets sous-explorés de la recherche en art public. / This research questions the relationship between the experience of public art and that of the landscape. It focuses on utilitarian public art, more specifically on the case of four artistic benches located in the Saint-Charles River Linear Park, in Quebec City. The seated position suggested by these artistic productions causes direct sensory contact with the work, but above all, it orchestrates a reversal of the gaze towards the landscape according to a defined posture and angle of view. The activation of the bench function by the action of sitting on it, or at least the understanding of this possibility of use, then gives access to an experience of the surrounding landscape which, far from being fortuitous, is an essential aiming of the artistic bench. This study thus analyzes artistic benches in order to better understand how they are received by the public, but also how they participate to the landscape experience. The answers obtained following an online questionnaire allowed to evaluate the different aspects of under-standing and exploring the bench function in the art piece. An analysis grid was designed by adapting certain postulates of Gibson's affordance theory (1979; 2014), Kaplan & Kaplan's preference matrix (1989a, 1989b) and Carlson's environmental model (1979). The data ana-lyzed according to this grid then made it possible to demonstrate that the artistic benches contribute to a quality landscape experience. This contribution is mainly linked to the seated position suggested by the work, which invites park users to immerse themselves in the scene while offering a multisensory perception of the landscape.

Les expositions de projets d’art public, nouvelle forme de commande artistique née dans les années 1970, changent de manière significative les paramètres de la création artistique contemporaine dans la ville. Associant une présentation dans l’espace public à la création in situ, elles incitent les artistes à réaliser leurs œuvres en vue d’un événement citadin et en fonction d’éléments spécifiques du contexte d’exposition urbain (comme la topographie du lieu, son histoire, son architecture...). Si l’impulsion première que ces manifestations délivrent aux artistes est primordiale pour la création de tout projet d’art public, elles laissent une marque plus précise dans les attaches individuelles qui relient ces œuvres à leurs sites urbains. Retraçant l’évolution du concept d’exposition de ses origines jusqu’en 2007, se dessinent successivement trois générations principales dont la césure correspond, au niveau de leur contenu artistique, à des élargissements substantiels du vocabulaire formel des participants. Une distinction entre formes abstraite, urbaine et relationnelle nous permet d’évaluer des retombées importantes de la commande artistique sur les œuvres en saisissant les différents degrés de leur intégration contextuelle, laquelle atteint son apogée dans des projets qui se construisent autour de ready-mades assistés ou simples trouvés sur place.Nouveaux types de monuments, éphémères pour la plupart, ces derniers constituent un art public sans précédents historiques dont nous mesurons, à travers l’exemple de douze études de cas, le rapport à la démarche artistique individuelle. / In the 1970s site-specificity revolutionizes the framework for artists working in the arena of public art. A new exhibition format, entirely based on new commissions, extends institutional activity way into the heart of the city space. By challenging artists to create new works that engage their particular urban surroundings (for example, the topographical, historical or architectural aspects of a site), these exhibitions of mostly temporary public art projects give a crucial new impulse to contemporary artistic creation in the city.This dissertation examines the effects this new form of commission exerts on the artists’ works by analyzing the ties that bind the projects to their installation sites. Following the evolution of public art project exhibitions from their inception to 2007, we distinguish between three main trends. Not only do they present major organizational differences, but their artistic content is characterized by a successive and substantial expansion of the participants’ formal vocabulary. A distinction between an abstract, an urban and a relational form enables us to evaluate the different degrees of contextual integration of extrinsic elements into the works of art and to locate the impact these commissions have on projects created with urban ready-mades found on the site. New types of monuments, mostly ephemeral, constitute a public art without historic precedents and of which we measure, at the example of twelve case studies, the relation to individual artistic methods.

Pour notre mémoire, nous proposons d'analyser comment s'est définie l'intervention des villes québécoises qui ont associé des sculpteurs à la démarche de conception des espaces publics. Nos recherches visent à démontrer que, à l'instar des instances françaises, les dirigeants des grandes villes du Québec tentent actuellement d'instituer une nouvelle forme d'art qui participe à la qualification des espaces urbains et qui favorise la collaboration de l'artiste avec les autres métiers de la ville. Nous nous intéresserons dans un premier temps à la Ville de Montréal, qui a procédé en 2003 à une commande auprès d'artistes professionnels pour l'intégration d'une oeuvre en lien avec un nouveau parc urbain situé à l'arrière du métro Papineau. L'artiste Michel de Broin a alors proposé une oeuvre, Révolutions, pour exploiter la fonction mécanique d'un escalier en étirant la forme, puis en la contorsionnant jusqu'à ce qu'elle présente l'aspect des rails d'un manège. Puis, en 2002, les dirigeants de la Ville de Sherbrooke ont confié l'aménagement d'un nouveau lieu, l'esplanade Frontenac, et l'installation d'une sculpture sur la place des Moulins à l'artiste et architecte de réputation internationale Melvin Charney. Une oeuvre emblématique de la transformation de la force du courant en électricité, Une célébration... de l'eau à la lumière, a vu le jour en 2004. Finalement, une autre expérience de commande publique s'est déroulée dans la Ville de Gatineau. La proposition présentée par l'équipe multidisciplinaire composée de Simon Bouffard, architecte-paysagiste, de Claude Chaussard, architecte et artiste, et d'André Fournelle, artiste, a été retenue. Constituée de soixante-quatre «arbres géants» faits d'acier corten et de bois, et munis d'un dispositif de lumière réfléchissant, l'oeuvre Réflexion (2006) envahit littéralement l'espace urbain. L'analyse de la conception des oeuvres d'art de notre corpus étudiera les modes de coopération entre l'artiste et les autorités de la ville, représentée par des élus et des employés municipaux, dont les décisions s'appuient sur des politiques urbanistiques et culturelles définies, mais aussi sur l'élaboration de procédures de la commande publique. Elle considérera également les étapes qui ont mené à la réalisation de l' oeuvre, jusqu'à sa disposition dans l'espace urbain. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Art public, Politique culturelle, Commande publique, Espace urbain, Sculpture, Michel de Broin, Melvin Charney, André Fournelle, Claude Chaussard.