L’art sonore et la musique apparaissent plus régulièrement dans la programmation de musées d'art depuis le tournant du 21e siècle et provoquent des transformations majeures au sein des pratiques de l'exposition. Toutefois, aucun modèle expositionnel n'a permis jusqu'à maintenant de réinvestir le sujet à partir des enjeux spécifiques au sonore, de ses technologies et de ses possibilités d'écoute, qui sont souvent négligées, ni de réévaluer intrinsèquement les limites des modèles oculocentristes qui ont orienté les discours et les pratiques des institutions muséales. Cette thèse revisite l'exposition du musée d'art, soit l'ensemble des espaces discursif et physique qui interagissent avec le lieu, en démontrant l'épuisement d'une logique rappelant les codes du white cube et de la black box, en proposant le studio de son et le concert de musique comme nouveaux modèles d'exposition, issus des modèles de production et de diffusion de l'industrie de la musique. Pour ce faire, cette recherche défend le postulat selon lequel le développement du sonore dans l'exposition est tributaire des sons enregistrés produits grâce aux technologies de reproduction et de diffusion sonores ainsi que des pratiques – individuelles et collectives – d’écoute de la sphère quotidienne. L'étude s'appuie sur une série d'expositions dévoilant différentes déclinaisons de la relation entre le discours muséal et la mise en espace selon des points d'ancrage sonores spécifiques : l'exposition d'art sonore Soundings: A Contemporary Score (2013) au Museum of Modern Art ; Ragnar Kjartansson (2015) et Anri Sala (2011) au Musée d'art contemporain de Montréal ; la musique électronique de Sonic Process (2002) au Centre Pompidou ; et finalement, la musique populaire au sein de l'exposition David Bowie Is (2013) développée par le Victoria & Albert Museum. De là, cette thèse démontre, en s'appuyant sur les théories des sound studies et de la phénoménologie de l’écoute, la manière dont le son exposé renvoie à des enjeux qui lui sont propres, à des éléments de mixage qui favorisent des régimes d'écoute au musée d'art et qui reconstruisent la posture du visiteur par l'errance. Au-delà de la dimension sensorielle, le son dans le contexte du musée d'art déplace les modèles théoriques et disciplinaires de manière à abolir les hiérarchies et à reconfigurer l'idée du musée sous l'angle de la résonance. / Sound art and music have appeared in art museum programming with increasing regularity since the turn of the 21st Century and have caused major shifts in the exhibitory practices. However, no exhibition model has so far been able to properly account for the multifarious issues raised by sound in the museum space. There has been a failure to adequately address both the technological and audible opportunities of sound and, concomitantly, an inability to re-evaluate the intrinsic limits of oculocentric models that have guided the discourses and practices of museum institutions. This thesis revisits the exhibition practices of the art museum—the set of discursive and physical spaces that interact within these locations. It demonstrates the limits of a logic built on codes reminiscent of the white cube and the black box, proposing instead the idea of the sound studio and the music concert as new exhibition models, which are related to the production and distribution models of the music industry. To do so, this research initially argues that the development of sound in an exhibition context depends on the recorded sounds of reproduction and distribution technologies as well as the practices—individual and collective—of listening in everyday. The study is based on a series of exhibitions that reveal variations in the relation between the museum discourse mapped out above and the organization of the exhibition spaces according to sound-specific pieces: the exhibition of sound art Soundings: A Contemporary Score (2013) at the Museum of Modern Art; Ragnar Kjartansson (2015) and Anri Sala (2011) at the Museum of Contemporary Art in Montreal; the electronic music of Sonic Process (2002) at the Center Pompidou; and finally, popular music in the David Bowie Is exhibition (2013) developed by the Victoria & Albert Museum. From here, the thesis will demonstrate—based on the theories derived from both sound studies and listening phenomenology—the ways in which the sound within the exhibition space raises specific issues, how mixing encourages regimes of listening in the art museum and how the visitor's posture is transformed by the possibilities of wandering through the museum space. Beyond the sensory dimension, sound in the art museum context brings about a shift in theoretical and disciplinary models; abolishing hierarchies and reconfiguring how we understand the idea of the museum from the concept of resonance.

Cette thèse de recherche-création explore certaines des causes esthétiques, techniques et inter- artistiques qui font du cinéma un domaine privilégié pour l’étude du son. Les hypothèses de cette recherche sont formulées à partir de ma posture de concepteur sonore pour le cinéma et émergent des conditions pratiques et esthétiques singulières ayant menées à la création sonore de différentes œuvres. La première partie de la thèse explore ces trois axes (esthétique, technique et inter- artistique) par la mise en résonance d’expériences pratiques et de recherches théoriques : mon travail de conception sonore pour le film Le silence des semences (Guillaume Roussel-Garneau, 2021) m’amène d’abord à rendre compte de l’émergence du courant expressiviste à la fin du XVIIIe siècle (Taylor) et de la reprise de l’expression comme modèle théorique en art (Abrams) pour ensuite mettre ces modèles à l’épreuve des théories du son au cinéma (Chion, Fano) ; mon travail de post-production sonore pour le film Le rêve et la radio (Renaud Després-Larose et Ana Tapia- Rousiouk, 2022) m’entraîne à explorer ce qui, dans la nature mécanique et matérielle du son capté, monté et reproduit par différentes techniques (Altman, Lastra, Schaeffer, Schafer, Cardinal), permet de rejouer ces tensions entre représentation et expression ; ma « sensibilité technicienne » (Tapia-Rousiouk) me permet de faire l’étude des modes d’articulation et d’interaction des sons entre eux, avec l’image, avec le spectateur ou l’auditeur ; ces modes d’articulation et d’interaction sont empruntés aux autres arts sonores, et ils survivent dans l’univers cinématographique à travers les œuvres et la pratique des musiciens et créateurs sonores Ernst Karel (Heard Laboratories, Heard Laboratories Performed, Leviathan) et Christian Calon (Continental Divide). La deuxième partie de cette thèse prend la forme de quatre œuvres sonores crées pour l’exposition La couleur du temps, le son d’un espace, présentée au Centre d’exposition de l’Université de Montréal à l’été 2022. Chacune d’elles, par leur mise en scène du son, de l’écoute et du corps, permettent de rejouer ces enjeux esthétiques et techniques fondamentaux de la création sonore au cinéma : tension entre espace sonore et espace visuel ; matérialité du sonore, entre sens et sensation ; malléabilité des qualités temporelles du son ; qualités transformatives de l’écoute, tant au niveau de la création que de la réception. / This research-creation thesis explores some of the aesthetic, technical and inter-artistic reasons that make cinema a privileged field for the study of sound. The hypotheses of this research are formulated from my position as a sound designer for film and emerge from the singular practical and aesthetic conditions that led to the sound design of different works. The first part of the thesis explores this question along these three axes (aesthetic, technical and inter-artistic) through practical experiences and theoretical research. My sound design work for the film Le silence des semences (Guillaume Roussel-Garneau, 2021) leads me first to recount the emergence of the expressivist current at the end of the 18th century (Taylor) and the use of expression as a theoretical model in art (Abrams) and then confront these models to theories on sound in cinema (Chion, Fano). My audio post-production work for the film Le rêve et la radio (Renaud Després-Larose and Ana Tapia-Rousiouk, 2022) leads me to explore what, in the mechanical and material nature of recorded, edited and reproduced sound with the use of sound reproduction technologies (Altman, Lastra, Schaeffer, Schafer, Cardinal), replays the tensions between representation and expression. My “technical sensibility” (Tapia-Rousiouk) allows me to study the modes of articulation and interaction between sounds, between sound and image, with the spectator or the listener. These modes of articulation and interaction are borrowed from other sound arts, and they survive in the cinematic world through the works and practice of musicians and sound artists such as Ernst Karel (Heard Laboratories, Heard Laboratories Performed, Leviathan) and Christian Calon (Continental Divide). The second part of this thesis takes the form of four sound works created for the exhibition La couleur du temps, le son d’un espace, presented at the Centre d'exposition de l'Université de Montréal in the summer of 2022. Each of these works, through their staging of sound, listening and the body, reformulate these fundamental aesthetic and technical questions regarding sound creation in cinema: the tension between auditory space and visual space; the materiality of sound, between meaning and sensation; the plasticity of the temporal qualities of sound; the transformative qualities of listening, both in terms of creation and reception.

Mémoire en recherche-création. / Ce mémoire de recherche-création explore le processus de conception et de production menant à la performance audiovisuelle Capter les fréquences optiques. Ce processus repose sur la rétro-ingénierie de dispositifs optiques, tels que des têtes de numériseurs, afin de générer des sons et des images à partir d'objets en proximité des senseurs. Des panneaux solaires sont également détournés de leur fonction habituelle afin de rendre audibles diverses sources lumineuses. Les stratégies d’élaboration dans la création de ces dispositifs de lutherie expérimentale entre en résonances avec la culture du do-it-yourself (le faire par soi-même), caractérisée en partie par le recyclage, l’intégration des résidus et le détournement. Passant par la notion de nostalgie technologique vers la matérialité du bruit et de l’approche critique dans le glitch art, ce texte examine comment la matérialité infuse le processus à travers la réappropriation d’objets électroniques. Par conséquent, l'œuvre met en évidence la façon dont la matérialité des circuits électroniques sert de vecteur d'agentivité, jouant un rôle esthétique et conceptuel crucial tout au long du processus de création, et ce, jusqu'au contexte de la performance. / This research-creation memoir explores the design and production process leading to the audiovisual performance Capturing Light Frequencies. This process relies on the reverse engineering of optical devices, such as scanner heads, to generate sounds and images from objects in proximity to their sensors. Solar panels are also redirected from their usual function to generate sound from various light sources. The strategies employed in these experimental instruments resonate with the do-it-yourself culture, characterized in part by recycling, the integration of residuals and hardware hacking. Examining the notion of technological nostalgia towards the materiality of noise and the critical approach in glitch art, this text examines how materiality infuses the process through the appropriation of electronic circuitry. Consequently, the work highlights how the materiality of electronic circuits serves as a vector of agentivity, playing a crucial aesthetic and conceptual role throughout the creative process, right up to the context of performance.

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