En la actualidad existe un gran interés y mucho potencial de las personas por las artes visuales, sin embargo, Lima carece de un espacio específico para la CREACIÓN, EXHIBICIÓN, DIFUSIÓN Y CULTURA de estas. Lo más cercano que encontramos en Lima que podría estar relacionado a las artes visuales son pequeñas infraestructuras, ya sean escuelas o institutos, que no cuenta con los espacios y áreas necesarias para su correcto desarrollo. Carecemos de lugares especializados en propagar nuestra cultura y en difundir el desarrollo artístico. Por este motivo, se propone la creación de un Centro de Artes visuales, que incentive e incremente la cultura y sea un espacio de referencia para la exhibición, la creación artística y la investigación, divulgación e interpretación de las artes visuales; rebasando el concepto de los museos como un lugar sólo de exhibición y de las escuelas como un lugar sólo de enseñanza, logrando un lugar donde se realicen ambas actividades, teniendo un aprendizaje integral del arte. El Centro de Artes visuales se emplaza en el distrito de Santiago de Surco en el cruce de la AV. Encalada con Jirón Aldebarán, lugar con gran congestión vehicular y peatonal. Se busca crear a través de la arquitectura un espacio de convivencia, un espacio público que le dé un respiro a la congestión vehicular y peatonal existente en dicho cruce. / At present there is great interest and great potential of people for the visual arts, however, Lima lacks a specific space for the CREATION, EXHIBITION, DISSEMINATION AND CULTURE of these. The closest that we find in Lima that could be related to the visual arts are small infrastructures, whether schools or institutes, which do not have the necessary spaces and areas for their proper development. We lack specialized places to propagate our culture and to spread artistic development. For this reason, the creation of a Visual Arts Center is proposed, which encourages and increases culture and is a reference space for the exhibition, artistic creation and research, dissemination and interpretation of the visual arts; going beyond the concept of museums as a place only for exhibition and schools as a place only for teaching, achieving a place where both activities are carried out, having a comprehensive learning of art. The Visual Arts Center is located in the district of Santiago de Surco at the intersection of AV. Encalada with Jirón Aldebarán, a place with great vehicular and pedestrian congestion. Through architecture, the aim is to create a space for coexistence, a public space that gives a break from the vehicular and pedestrian congestion that exists at said intersection. / Tesis

Esta tesis propone crear una Escuela Superior de Artes Visuales para jóvenes artistas, donde el espacio de aprendizaje los motive a desarrollar sus habilidades artísticas, promoviendo el arte y la cultura. Es por este motivo que el proyecto mediante los recorridos, texturas e ingreso de la luz crea espacios con agradable confort para un artista y su imaginación. Al mismo tiempo, se plantea un parque que actúa como foyer del proyecto, un espacio donde se realizaran actividades culturales y artísticas, contribuyendo al espacio público y la conexión social. Además, el parque funciona como un colchón ante las avenidas congestionadas que rodean el proyecto. La incorporación de áreas verdes, jardines, recorrido espacial, texturas e ingreso de la luz permiten al usuario a sentirse libre de expresar sus ideas y realizarlas. / This thesis proposes to create a Superior School of Visual Arts for young artists, where the learning space motivates them to develop their artistic skills, promoting art and culture. It is for this reason that the project by means of the routes, textures and entrance of the light creates spaces with pleasant comfort for an artist and his imagination. At the same time, there is a park that acts as a foyer of the project, a space where cultural and artistic activities are carried out, contributing to public space and social connection. In addition, the park functions as a mattress against the congested avenues surrounding the project. The incorporation of green areas, gardens, spatial routes, textures and the entrance of light allow the user to feel free to express their ideas and make them come true. / Tesis

Esta investigación busca responder a la siguiente pregunta: ¿De qué manera la cocreación de rúbricas propicia el desarrollo y la autoevaluación de la capacidad de autogestión del proyecto artístico de fin de carrera de los estudiantes de una Facultad de Arte y Diseño en una universidad privada de Lima? El objeto de estudio de la investigación es la implementación de un proyecto de innovación en la docencia universitaria cuyo objetivo principal es desarrollar la capacidad de autogestión del proyecto artístico y su autoevaluación mediante el diseño colaborativo de rúbricas en el curso Taller de Proyecto Final Escultura 2, facilitado a distancia debido a la pandemia de COVID-19. Para ello, se incorpora el enfoque de la evaluación como aprendizaje (Earl, 2003; Western and Northern Canadian Protocol for Collaboration in Education [WNCP], 2006; Dann, 2014) y empoderamiento (Rodríguez-Gómez e Ibarra-Sáiz, 2015), que consiste en guiar y acompañar a los estudiantes en sus propios procesos a través del monitoreo y reflexión crítica realizados por ellos mismos. Con el objetivo de incorporar este enfoque en el desarrollo del proyecto de innovación, se establece una secuencia metodológica para la cocreación de instrumentos de evaluación, tomando como referencia las investigaciones de Fraile et al. (2013), Gámiz-Sánches et al. (2015) y Kilgour et al. (2020). Estos estudios señalan que las dinámicas de cocreación de rúbricas favorecen el involucramiento de los estudiantes en el proceso de evaluación, lo cual fomenta su autorregulación, autonomía y mejora su rendimiento académico. El método empleado es la Investigación-acción (IA) y los instrumentos diseñados para el análisis de resultados son: el diario docente, un cuestionario mixto de tipo panel y una guía de grupo focal aplicada al final del proyecto de innovación. Los resultados evidencian que la cocreación de rúbricas propicia el desarrollo y la autoevaluación de la capacidad de autogestión del proyecto artístico de los estudiantes. Además, el enfoque de la evaluación como aprendizaje favorece su empoderamiento, pues a partir de la cocreación de rúbricas y su posterior aplicación lograron incorporar mecanismos para ajustar y avanzar en la autogestión de sus proyectos de fin de carrera, participando en eventos, concursos y convocatorias de interés. / This investigation seeks to answer the following question: In what way does the co-creation of rubrics promote the development and assessment of self-management skills during students' end-of-degree artistic projects in the studio-based course Final Sculpture Project 2 of a private University in Lima? The object of study of this investigation is the implementation of an innovation in higher education teaching which has the development of self-management capabilities of the artistic project and its self-evaluation through the collaborative design of rubrics in the studio-based course Final Sculpture Project 2, facilitated remotely due to the COVID-19 pandemic as the main objective. To this end, two different approaches are incorporated; assessment as learning (Earl, 2003; Western and Northern Canadian Protocol for Collaboration in Education [WNCP], 2006) and empowerment (Rodríguez-Gómez and Ibarra-Sáiz, 2015), which consists of guiding and accompanying the students in their processes through monitoring and critical thinking which are lead by the own students. With the aim of incorporating this approach into the development of an innovation project, a methodological sequence is established for the co-creation of evaluation instruments, taking the research lead by Gámiz-Sánches et al. (2015) and Kilgour et al. (2020) as reference. Both studies indicate that the dynamics involved in the co-creation of rubrics favour the involvement of students in the evaluation process, which encourages their self-regulation, autonomy and improves their academic performance. The method used is that of Action Research (AR) and the instruments designed for the analysis of results are the teaching diary, a mixed panel-type questionnaire and a focus group guide to be applied at the end of the innovation project. The results show that the co-creation of rubrics fosters the development and self-evaluation of the student’s self-management during their artistic project. In addition, the approach to assessment as learning favours their empowerment, since through the co-creation of rubrics and their subsequent application students managed to incorporate mechanisms to adjust to and advance in the self-management of their end-of-degree projects, participating in relevant events, contests and open calls.

Un Museo de Arte Contemporáneo es aquel que ofrece colecciones de pintura, escultura, dibujos, grabados; conocidos como bellas artes; y también nuevas técnicas como la instalación, el performance, el video art, la fotografía o el arte sonoro; que en conjunto se llaman artes visuales. En el Perú existen 6 museos que difunden el arte contemporáneo, siendo todos de administración privada y el principal representante en Lima el MAC, ubicado en el distrito de Barranco. Sin embargo, dicha institución no tiene un alcance metropolitano debido a su ubicación foránea. A esto se le añade que está en un terreno concedido por 30 años por parte de la municipalidad distrital a cambio de su futura administración y que su colección se basa en donaciones privadas o préstamos por parte del Ministerio de Cultura. Esto nos refleja la ausencia que tiene el estado peruano con respecto al arte contemporáneo siendo el Perú uno de los países con mayor riqueza cultural en el mundo. El proyecto se desarrolla en el Centro Histórico de Lima, donde se encuentra el 50% de todos los museos de la capital convirtiendo a la zona en un gran foco cultural. El museo se sitúa en un entorno urbano importante donde convergen edificios de diferentes estilos arquitectónicos correspondientes a distintas épocas y busca sumarse a ellos a través de una arquitectura contemporánea que responda a las características del lugar integrando alineamientos, alturas, formas, ritmos y materiales; ya que a pesar de la peculiaridad de cada edificio logran entenderse en conjunto. / A Museum of Contemporary Art is one that offers collections of painting, sculpture, drawings, and engravings; known as fine arts; and also new techniques such as installation, performance, video art, photography or sound art; which together are called visual arts. In Peru, there are six museums that spread contemporary art, all of which are private managed and the main representative in Lima is the MAC, located in the district of Barranco. However, this institution does not have a metropolitan scope due to its remote location. To this is added that the district municipality in exchange for its future administration on land grants it for 30 years and that its collection is based on private donations or loans from the Ministry of Culture. This reflects the absence of the Peruvian state with respect to contemporary art, Peru being one of the countries with the greatest cultural wealth in the world. The project takes place in the Historic Center of Lima, where 50% of all the museums in the capital are located, making the area a great cultural focus. The museum is located in an important urban environment where buildings of different architectural styles corresponding to different periods converge and seeks to join them through contemporary architecture that responds to the characteristics of the place by integrating alignments, heights, shapes, rhythms and materials; since despite the peculiarity of each building they manage to understand each other together. / Tesis

[EN] SUMMARY Title: The Plural Body. Integrated Dance and Inclusion. A renewal of the look Submitted by MARIA LUISA BRUGAROLAS ALARCON Directed by GEMA HOYAS FRONTERA This research deals with theory and practice of inclusion of people with functional diversity in dance creative processes and the role it represents in the changing aesthetic paradigm of contemporary art. From a critical, artistic, social and cultural perspective our purpose is to demonstrate how the access of people with disabilities to the professional world of theatre and dance brings a renewal to contemporary art, thus the rethinking of body image and the diversity of identities represented. We developed three broad objectives: to connect the importance our culture gives to the body as a place of control and legitimizing instrument of power with the absence of bodies with disabilities in the artistic discourse; to analyse how the inclusion of bodies traditionally known as unable in the Performing Arts can undermine the normalising role they have regarding the body models; and to demonstrate how the Integrated Dance, with the participation of people with and without disabilities from an inclusive paradigm, can cooperate in the deconstruction of a uniform body standard and offer a new vision of the Performing Arts. In our interdisciplinary methodology, different areas of knowledge are used from a critical approach: Visual Arts, Dance, Education, Philosophy and Aesthetics, Sociology and Cultural Studies. This research is theoretical, biographical with empirical work, using dialectical tools from a qualitative approach and the action-research model. As our main conclusions, we highlight the location of Integrated Dance as an Inclusive Art, showing how it has pioneered good practices that encourage the inclusive model in the Arts and Education fields. We have placed Integrated Dance in the expanded field of Art, on the basis of the displacement of Contemporary Art, the performative dimension of Art and the fluid identities paradigm. It is an artistic practice that nourish itself from a conscious construction of reality through the practice of difference, away from therapy or exclusively social spheres. We have established that there is a direct relation between learning processes and artistic work, introducing Improvisation, Contact-Improvisation and Somatic Education as inclusive methodologies applied to Integrated Dance, allowing diverse people to be a part in the learning processes, strengthen each person skills and developing new ones with the support of group diversity. New interdependent skills are created this way, widening the artistic discourse richness, offering performances that show fluid identities and making of dance a space for transformation. We have analysed several artists and companies, verifying that not all the Integrated Dance productions contribute to deconstruct the classic and standardised models of human body. We have come to the conclusion that artists that use difference and inclusive methodologies, transforming their reality trough a performative gesture, create a type of dance capable of destabilize the idea of people and bodies as a fixed place. And from there we argue about the necessity of an artistic public education within inclusive systems that allow people with functional diversity to engage in the study of dance and Performing Arts. Keywords: Integrated Dance, Inclusive Dance, Diversity, Performing Arts, Identity, Disability, Contact-Improvisation, Somatic Movement. / [ES] RESUMEN Titulo El Cuerpo Plural. Danza Integrada en la Inclusión. Una renovación de la mirada. Presentada por MARIA LUISA BRUGAROLAS ALARCÓN Dirigida por GEMA HOYAS FRONTERA Esta investigación versa sobre la teoría y la práctica de la inclusión de personas con diversidad en el ámbito de la creación en danza y el cambio de paradigma estético que ello representa en el arte actual. Desde un análisis crítico, artístico, social y cultural, nuestro propósito es demostrar cómo la entrada de personas con diversidad funcional en el mundo profesional de la escena y la danza, aporta una renovación al arte contemporáneo, tanto por el replanteamiento de la imagen del cuerpo como por la diversidad de las identidades representadas. Así desarrollamos tres objetivos generales: conectar la importancia que nuestra cultura otorga al cuerpo como lugar de control e instrumento legitimador del poder con la ausencia de cuerpos con diversidad funcional en los discursos artísticos; analizar cómo la inclusión en las artes escénicas de cuerpos tradicionalmente nombrados discapaces puede subvertir el carácter normalizador y sublimatorio que éstas han tenido con respecto a los modelos de cuerpo y demostrar cómo la Danza Integrada en la que participan personas con y sin diversidad funcional, desde un paradigma inclusivo, colabora en la deconstrucción del cuerpo homogéneo y en la renovación de la mirada sobre el arte escénico. Para ello seguimos una metodología de carácter interdisciplinar donde los ámbitos de conocimiento utilizados, desde un enfoque crítico, son: Artes Visuales, Danza, Educación, Filosofía y Estética, Sociología y Estudios Culturales. Es una investigación teórico-biográfica de carácter empírico, en la que se emplean herramientas dialécticas, desde una aproximación cualitativa, utilizando el método investigación-acción. Como resultados destacamos la localización de la Danza Integrada dentro de las Artes Inclusivas, demostrando cómo ha sido pionera en las prácticas que activan los modelos de inclusión en el ámbito artístico y educativo. Hemos inscrito la Danza Integrada en el campo expandido del arte a partir del descentramiento de las prácticas artísticas, en la dimensión performativa del arte y en el paradigma de identidades móviles, situándola como una práctica artística que nutre sus producciones desde un acto consciente de construir la realidad a través del ejercicio de la diferencia, alejándola de los ámbitos terapéuticos o exclusivamente sociales. Hemos constatado que los procesos formativos van en directa relación con la obra, presentando la Improvisación, Contact Improvisación, y la Educación Somática como metodologías inclusivas que aplicadas en la Danza Integrada dan cabida en los procesos de aprendizaje a personas muy diferentes, potenciando al máximo las capacidades de cada una y desarrollando otras nuevas que se derivan de la heterogeneidad de los grupos. Se crean así nuevas capacidades interdependientes, ampliando la riqueza del discurso artístico, ofreciendo creaciones escénicas que muestran identidades en flujo y haciendo de la danza un espacio de transformación. Hemos analizado varios artistas y compañías, constatando que no toda la producción realizada en Danza Inclusiva/Integrada ayuda a deconstruir los modelos clásicos y homogéneos del cuerpo. Concluimos que los artistas que desde metodologías inclusivas utilizan los marcadores de la diferencia para crear, transformando su realidad en un gesto performativo, son productores de una danza capaz de desestabilizar las miradas que confinan al cuerpo y a las personas en lugares fijos. Y desde aquí planteamos la necesidad de una educación pública de las artes en sistemas inclusivos que permita a las personas con diversidad optar al estudio de la danza y artes escénicas. Palabras clave: Danza Integrada, Danza Inclusiva, Diversidad, Artes Escénicas, Identidad, Discapacidad, Contact Improvisaci / [CA] RESUM (Valencià) Títol:El Cos Plural. Dansa Integrada en la Inclusió. Una renovació de la mirada. Presentada per: MARIA LUISA BRUGAROLAS ALARCON Dirigida per: GEMA HOYAS FRONTERA Aquesta recerca versa sobre la teoria i la pràctica de la inclusió de persones amb diversitat en l'àmbit de la creació en dansa i el canvi de paradigma estètic que això representa en l'art actual. Des d'una anàlisi crítica, artístic, social i cultural, el nostre propòsit és demostrar com l'entrada de persones amb diversitat funcional al món professional de l'escena i la dansa, aporta una renovació a l'art contemporani, tant pel replantejament de la imatge del cos com per la diversitat de les identitats representades. Així desenvolupem tres objectius generals: connectar la importància que nostra cultura atorga al cos com a lloc de control i instrument legitimador del poder amb l'absència de cossos amb diversitat funcional en els discursos artístics; analitzar com la inclusió de cossos tradicionalment nomenats discapacitats en les arts escèniques pot subvertir el caràcter normalitzador i sublimatori que aquestes han tingut pel que fa als models de cos; i demostrar com la Dansa Integrada en la qual participen persones amb i sense diversitat funcional, des d'un paradigma inclusiu, col·labora en la deconstrucció del cos homogeni i en la renovació de la mirada sobre l'art escènic. Per a això seguim una metodologia de caràcter interdisciplinari on els àmbits de coneixement utilitzats, des d'un enfocament crític, són: Arts Visuals, Dansa, Educació, Filosofia i Estètica, Sociologia i Estudis Culturals. És una recerca teòric-biogràfica de caràcter empíric, en la qual s'empren les eines dialèctiques, des d'una aproximació qualitativa, utilitzant el mètode recerca-acció. Com a resultats destaquem la localització de la Dansa Integrada dins de les Arts Inclusives, demostrant com ha estat pionera en les pràctiques que activen els models d'inclusió en l'àmbit artístic i educatiu. Hem inscrit la Dansa Integrada en el camp expandit de l'art a partir del descentrament de les pràctiques artístiques, en la dimensió performativa de l'art i en el paradigma d'identitats mòbils, situant-la com una pràctica artística que nodreix les seves produccions des d'un acte conscient de construir la realitat a través de l'exercici de la diferència, allunyant-la dels àmbits terapèutics o exclusivament socials. Hem constatat que els processos formatius van en directa relació amb l'obra, presentant la Improvisació, Contact Improvisació, i l'Educació Somàtica com a metodologies inclusives que aplicades en la Dansa Integrada donen cabuda en els processos d'aprenentatge a persones molt diferents, potenciant al màxim les capacitats de cadascuna i desenvolupant altres noves que es deriven de l'heterogeneïtat dels grups. Es creen així noves capacitats interdependents, ampliant la riquesa del discurs artístic, oferint creacions escèniques amb identitats en flux i fent de la dansa un espai de transformació. Hem analitzat diversos artistes i companyies, constatant que no tota la producció realitzada en Dansa Inclusiva/Integrada ajuda a deconstruir els models clàssics i homogenis del cos. Concloem que els artistes que des de metodologies inclusives utilitzen els marcadors de la diferència per crear, transformant la seva realitat en un gest performativo, són productors d'una dansa capaç de desestabilitzar les mirades que confinen al cos i a les persones en llocs fixos. I des d'aquí plantegem la necessitat d'una educació pública de les arts en sistemes inclusius que permeti a les persones amb diversitat optar a l'estudi de la dansa i arts escèniques. Paraules clau: Dansa Integrada, Dansa Inclusiva, Diversitat, Arts Escèniques, Identitat, Discapacitat, Contact Improvisació, Moviment Somàtic. / Brugarolas Alarcón, ML. (2016). El cuerpo plural. Danza integrada en la inclusión. Una renovación de la mirada [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/62203 / TESIS / Premios Extraordinarios de tesis doctorales