Cette thèse est le résultat d’une recherche-création en arts visuels analysée à travers une méthode autoethnographique afin d’établir quels savoirs provenant de la réalisation d’une création artistique sont transférables à l’enseignement des arts. En étudiant ma propre recherche-création, je mets en relief le dialogue de la création (Buber, 1923/2012) ainsi que la posture d’amateur public (Pentecost,2007). Je démontre comment le processus de création et la pratique réflexive d’une artiste-pédagogue peuvent alimenter sa posture d’accompagnement pédagogique. En utilisant une méthode autoethnographique (Chang, 2008; Ellis,2004, 2009; Ellis & Bochner, 2011; Reed-Danahay,1997), j’explore les liens unissant la pratique artistique et l’enseignement des arts visuels s’approchant d’une épistémologie constructiviste radicale (Glasersfeld,1981/1988, 1988) où le bricolage est mis à l’avant-plan (Denzin & Lincoln, 2011).Cette recherche se réalise sur deux fronts : d’abord par la réalisation d’un projet de création artistique, puis par l’observation et l’analyse de ce projet (processus et résultats) selon une perspective autoethnographique. Le projet de création, Bluetooth, est composé de pièces de céramique et d’estampes numériques inspirées d'une quête où se croise mon histoire personnelle à des faits historiques. II en découle une hagiographie fantasmée et improbable dans laquelle des dents bleues ainsi que le viking Harald Bluetooth et le Frère Marie-Victorin se retrouvent à l’avant-plan, au carrefour du dialogue de la création et du concept d’amateur public. La thèse est rédigée à la manière d’un récit autobiographique, un récit de pratique de création (Paquin, 2014) écrit à la première personne, à partir duquel j’extrais des connaissances nouvelles. La mise en relief de ces connaissances vise dans un premier temps à faire ressortir le dialogue bubérien présent dans l’expérience de création et à présenter une modélisation de mon processus de création. Dans un deuxième temps, je dégage des principes tirés de cette expérience de création personnelle et j’établis comment ils se transposent dans l’accompagnement pédagogique que je réalise auprès d’étudiants universitaires en enseignement des arts. Mots clés : accompagnement, amateur public, dialogue, pratique réflexive, processus de création / This thesis is the culmination of a research-creation in visual arts that employs an autoethnographic method of examination and analysis. My goal with this project isto determine which knowledge derived from artistic creation is transferable to arts education. By studying my own research-creation, I emphasize the dialogue of creation (Buber, 1923/2012) and how the position of the public amateur(Pentecost, 2007) can be embodied in the creative process. I demonstrate how the creative process and the reflexive practice (Schön, 1982) of an artist-teacher cannourrish the artist-teacher’s engagement with guided pedagogy (accompagnement pédagogique). Using an auto-ethnographic method (Chang, 2008; Ellis, 2004,2009; Ellis & Bochner, 2011; Reed-Danahay, 1997), I explore how the links between artistic practice and visual arts education approach radical constructive epistemology (Glasersfeld, 1981/1988, 1988) where bricolage construction is foregrounded.This research is carried out in two ways. First, by the realization of an artistic project, and second, by observing and analyzing the process and results of the project from an autoethnographic perspective.The creative project, Bluetooth, is composed of ceramic pieces and digital prints inspired by an investigation to see where my personal history crosses with historical facts. The end result is a fantasized and unlikely hagiography in which blue teeth, as well as the Viking Harald Bluetooth and Brother Marie-Victorin find themselves front and center, intersecting with the dialogue of creation and the concept of public amateur.The thesis is written as art practice narrative (Paquin, 2014), an autobiographical account written in first person from which I am able to draw out new knowledge.The first objective in high lighting this knowledge is to bring out the Buberian dialogue present in the experience of creation and to provide a model of my creative process. The second objective is to draw out principles from this experience of personal creation and to establish how they are transferred into the guided pedagogy that I engage in as an arts educator with my university students. Key words: guided pedagogy, public amateur, dialogue, reflexive practice, creative process

L'enseignement des arts au niveau universitaire est traditionnellement organisé par discipline afin de faciliter la formation d'artistes spécialistes pour chaque forme d'arts (Detels, 2000). Bien que cette spécialisation ait amené au développement d'artistes dotés d'une haute expertise, elle ne répondrait pas suffisamment aux pratiques et aux exigences actuelles du milieu professionnel, lesquelles se veulent de plus en plus portées sur la création et la collaboration entre plusieurs disciplines (Richard et al., 2015; Snook et Brown, 2017). En outre, la nouvelle génération d'apprenants accorde un grand intérêt aux pratiques qui favorisent un apprentissage moins formel de l'art (Cayari, 2014; 2015). C'est notamment les cas pour celles qui leur permettent de mélanger des disciplines (Richard et al., 2015) et d'utiliser des technologies (O'Neill, 2012), car elles seraient plus connectées avec le monde dans lequel ils vivent (Jenkins, 2009). Ce projet de recherche vise à décrire la manière dont des étudiants inscrits à des programmes universitaires en arts ont perçu une formation artistique reçue dans le cadre d'un cours multicycle les ayant invités à travailler en collaboration à l'aide d'une approche de cocréation interdisciplinaire lors de la session d'automne 2019. À cette fin, nous avons réuni un échantillon de dix-huit étudiants inscrits à un programme de premier ou de deuxième cycle universitaire en art visuel, en musique ou en théâtre à l'Université Laval. L'activité de recherche connectée à ce nouveau cours a permis de récolter et d'analyser diverses données pour mieux comprendre les retombées de ce cours sur leur formation universitaire d'artiste. Dans le but de documenter l'expérience vécue par les étudiants dans le cadre du cours, nous avons utilisé les journaux de bord qu'ils devaient remplir après chaque séance. De plus, à la suite de la dernière séance de cours, nous avons utilisé un questionnaire pour identifier les facteurs qui ont influencé positivement ou qui ont limité leur engagement envers l'approche de cocréation interdisciplinaire que nous leur avons proposée durant le semestre. Enfin, nous avons réalisé une entrevue de groupe semi-dirigée afin de valider notre interprétation de la perception des étudiants sur la pertinence de réaliser des échanges interdisciplinaires au sein d'une formation universitaire et pour faire émerger des pistes d'améliorations pédagogiques à intégrer au plan de cours. Les résultats du projet révèlent l'importance de favoriser l'intégration de pratiques qui rassemblent plusieurs disciplines durant la formation artistique et pédagogique au niveau des études supérieures. En effet, une adaptation du contenu des programmes actuels en arts avec davantage d'aspects liés à la collaboration entre les disciplines aurait pour effet de mieux connecter le contenu des formations universitaires avec le milieu de la création artistique actuelle. De plus, ce rapprochement permettrait aux étudiants de développer et de maîtriser des outils théoriques et pratiques pour atteindre de façon plus efficace la professionnalisation à leur sortie des études. La description de l'expérience vécue par les étudiants montre que l'utilisation d'activités d'exploration en groupe est idéale pour les introduire à une approche de cocréation interdisciplinaire. Les résultats mettent également en lumière que les étudiants ont parfois de la difficulté à collaborer lorsqu'on leur demande de réaliser un important objectif comme la cocréation d'une présentation finale. Les résultats liés au questionnaire sur l'engagement révèlent que la valeur liée aux activités et l'apprentissage actif ont été des vecteurs favorables pour soutenir l'engagement des étudiants. Plus précisément, l'intérêt et l'importance que les étudiants ont accordés à l'approche de cocréation interdisciplinaire et la réalisation d'activités variées, la prise d'initiatives et les responsabilités que les étudiants se sont données ont été des sources importantes d'engagement. À l'opposé, les sentiments de compétence et d'immersion ont pu limiter l'engagement et même les apprentissages des étudiants, car ces derniers manquaient d'expériences préalables envers ce type d'approche pour pouvoir satisfaire pleinement ces besoins. / Art education at university level has traditionally been organized by discipline to produce artists who specialize in different art forms (Detels, 2000). While this specialization has led to the development of a high level of expertise, it is no longer sufficiently connected to current professional practice and demands that are increasingly focused on creation and collaboration across multiple disciplines (Richard & al., 2015; Snook & Brown, 2017). In addition, young learners show a great interest in practices based on less formal approaches to teaching and learning arts (Cayari, 2014; 2015). They are especially interested in approaches that allow them to mix disciplines (Richard et al., 2015) and use technologies (O'Neill, 2012), which would be more connected to the world where they live (Jenkins, 2009). The purpose of this research project is to describe how students enrolled in university art programs perceive the integration of an interdisciplinary co-creative approach. To conduct this study, we gathered a sample of 18 participants studying in undergraduate or graduate programs in visual arts, music, and theater at Laval University. In the fall 2019 semester, they participated in the before-mentioned arts course. Data were first collected through a journal that participants completed after each session to document their experience in the course. Following the final course semester, we administered a survey to identify factors that positively influenced or limited participants' engagement with the interdisciplinary co-creation approach. Finally, we conducted a semi-structured group interview to validate our interpretation of students' perceptions regarding the relevance of interdisciplinary approaches in university education and to identify pedagogical improvements to be integrated into the course plan. Results indicate the importance of encouraging the integration of practices that bring together several disciplines during artistic and pedagogical training at both undergraduate and graduate levels. Indeed, adapting the curriculum of current art programs to incorporate more collaboration between disciplines would connect the content of university training with the current creative arts milieu. Furthermore, it provides students with more theoretical and practical tools to achieve professionalization more effectively after graduation. The description of the students' experience shows us that the use of group exploration activities is an ideal tool to introduce an interdisciplinary co-creation approach. Results also reveal that students have difficulty to collaborate when asked to accomplish a major goal such as co-creating a final presentation. Analyses related to the engagement survey show that the activity value factor and the active learning factor were favorable vectors to support student engagement, especially concerning the interest and the importance that students place on the interdisciplinary co-creation approach. Additionally, the completion of a set of varied activities, the possibility of taking initiatives, and the responsibilities that students gave themselves were important sources of engagement. In contrast, the sense of competence and immersion may have limited student engagement and even learning, due to participants little prior experience with this kind of approach and collaborative work to fully meet these needs.

Cette étude descriptive examine la perception de la compétence ***Créer des œuvres musicales*** chez des enseignants de musique d'écoles secondaires au Québec. Parmi les trois compétences devant être enseignées dans le programme de formation de l'école québécoise (***Créer, Interpréter, Apprécier des œuvres musicales***), la compétence ***Créer*** est celle qui reçoit le moins de temps d'enseignement (Pierre-Vaillancourt et Peters, 2013). L'étude se base sur le modèle génératif de la pensée des enseignants concernant la créativité musicale de Odena et Welch (2009) dans lequel on suggère que la perception en regard de cette compétence peut se modifier avec le temps et que les expériences musicales antérieures ainsi que l'enseignement quotidien en classe façonnent cette perception. Neuf enseignants provenant d'écoles et de régions différentes ont participé à des entretiens de groupe afin d'échanger sur leurs perceptions de la créativité musicale. De plus, ils ont été invités à décrire leurs expériences musicales antérieures par le biais de l'outil du ***Chemin de carrière musicale***, une technique d'élicitation constructiviste développée par Denicolo et Pope (1990) et Burnard (2000, 2005) appelée ***Critical Incident Charting***. Les résultats suggèrent que les participants voient des avantages à mener des activités créatives en classe et perçoivent la compétence comme accessible à tous les élèves. Cependant, la plupart des enseignants ne réalisent que deux ou trois activités de création par an et ne se sentent pas suffisamment qualifiés pour enseigner l'improvisation. Nous concluons que la sous-valorisation de la compétence est assujettie à la fois à une distorsion conceptuelle, à des facteurs d'ordre de l'organisation scolaire et à un manque d'expérience et de formation. / This descriptive study examines the secondary music teachers' perceptions of musical creativity in Quebec. Of the three disciplinary competencies to be taught in the Quebec school curriculum (Creating, Performing and Appreciating), the creative competency receives the least amount of instructional time (Pierre-Vaillancourt and Peters, 2013). The study is based on Odena and Welch's (2009) generative model of teachers' thinking about musical creativity, which suggests that perceptions of this competency may change over time, and that previous musical experiences and daily classroom instruction shape these perceptions. Nine teachers from different schools and regions participated in focus groups to share their perceptions of musical creativity. In addition, they were asked to describe their previous musical experiences using the Musical Career Path Tool, a constructivist elicitation technique developed by Denicolo and Pope (1990) and Burnard (2000, 2005) called Critical Incident Charting. Findings suggests that participants see benefits in conducting creative activities in the classroom and perceive creativity as an accessible skill for all students. However, most teachers only implement two or three creative activities per year and feel inadequately qualified to teach improvisation. We conclude that the undervaluing of the skill is subject to a combination of conceptual distortion, school organization factors and a lack of experience and training. / Este estudio descriptivo examina cómo los profesores de música de las escuelas secundarias de Quebec perciben la competencia de creación de obras musicales. De las tres competencias que deben enseñarse en el currículo escolar de Quebec (Creación, Interpretación, Apreciación de obras musicales), la competencia de creación es la que recibe menos tiempo de enseñanza (Pierre-Vaillancourt y Peters, 2013). El estudio se basa en el modelo generativo de Odena y Welch (2009) sobre el pensamiento de los profesores acerca de la creatividad musical, que sugiere que las percepciones de esta competencia pueden cambiar con el tiempo y que las experiencias musicales previas y la enseñanza diaria en el aula dan forma a estas percepciones. Nueve profesores de diferentes escuelas y regiones participaron en entrevistas de grupo para discutir sus percepciones de la creatividad musical. También se les pidió que describieran sus experiencias musicales previas utilizando el ***Instrumento de Trayectoria Musical***, una técnica de elicitación constructivista desarrollada por Denicolo y Pope (1990) y Burnard (2000, 2005) llamada ***Critical Incident Charting***. Los resultados sugieren que los participantes ven ventajas en la realización de actividades creativas en el aula y perciben esta habilidad como accesible a todos los alumnos. Sin embargo, la mayoría de los profesores sólo realizan dos o tres actividades creativas al año y no se sienten suficientemente calificados para enseñar a improvisar. Se concluye que la infravaloración de la habilidad se debe a una combinación de distorsión conceptual, a factores de organización escolar, a la falta de experiencia y formación.

Les artistes organisent des ateliers pour les sans-abri et pour les malades dans les hôpitaux, les pratiques culturelles en amateur gagnent en popularité. Sur le terrain de l'école, une demande croissante semble être formulée pour des programmes et des pratiques pédagogiques qui prennent en compte la subjectivité de chaque élève. En outre, de nombreux gouvernements à travers le monde, tels que celui du Québec, cherchent à favoriser les collaborations entre les enseignants et les artistes. La dimension culturelle de la société, comprise au sens d'une dimension dominée par les arts et l'esthétique (Kerlan, 2004), qui avait été restreinte par la modernité aux institutions culturelles et, à l'école, aux cours d'arts et de musique, paraît s'intégrer à plusieurs sphères de l'existence. Comment interpréter ce phénomène sur le terrain de l'école ? Pour répondre à cette question, nous avons eu recours au cadre théorique de la sociologie de la justification (Boltanski, 1990 ; Boltanski et Thévenot, 1991 ; Boltanski et Chiapello, 1999). Nous avons également examiné, à l'aide des analyses de contenu et de discours, les trois groupes de données suivantes : le discours officiel québécois sur l'intégration de la dimension culturelle à l'école, de 1991 à 2005 ; 55 formulaires dans lesquels des enseignants décrivent le dispositif qu'ils souhaitent réaliser dans le cadre du programme La culture à l'école 2004- 2005 ; douze entretiens semi-dirigés effectués avec six personnes du milieu scolaire et six personnes du milieu culturel ayant pris part au programme La culture à l'école au cours des années 2004 à 2006. Nos résultats suggèrent que l'intégration de la dimension culturelle découle d'un compromis entre des justifications multiples, qu'elle maintient en tension grâce au dialogue entre l'artiste et l'enseignant. C'est lorsque ce compromis est présent que l'initiation culturelle propre à l'intégration de la dimension culturelle peut avoir cours, c'est-à-dire de familiariser les élèves avec les visages pluriels de la culture contemporaine, en vue de former le citoyen capable d'y réussir et d'y faire régner le bien commun. / Artists organize workshops for the homeless and for hospitalized patients, amateur cultural practices' popularity is growing. There also appears to be a growing demand for curricula and teaching practices which take into account each student's subjectivity. Across the world, many governments, like the Province of Québec's, try to establish partnerships between teachers and artists. Society's cultural dimension, understood mainly as the dimension which concerns arts and aesthetic (Kerlan, 2004) and which had been restricted by Modernity to cultural institutions and arts and music classes, seems to be more and more integrated into others spheres of existence. How can we interpret this phenomenon, especially in schools? To answer this question, we have relied on the sociology of justification theoretical framework (Boltanski, 1990; Boltanski and Thévenot, 1991; Boltanski and Chiapello, 1999). We also used content and discourse analyses to examine the official discourse of the Province of Québec on the integration of the cultural dimension in schools, from 1991 to 2005; 55 forms of the Culture in Schools 2004-2005 program, in which teachers had described the pedagogical device they wished to realize; twelve semi-structured interviews we made with six individuals from the school world and six persons from the cultural world who ail had participated to the Culture in Schools program, during the 2004-2006 period. Our results suggest that the integration of the cultural dimension in schools proceeds from a compromise between multiple justifications, which are maintained in tension through the dialogue of the artist and the teacher. When this compromise is present, the cultural initiation associated to the integration of the cultural dimension can occur, namely to familiarize pupils with the plural aspects of contemporary culture, in order to instruct the citizen able to succeed in it and to have common good prevail.

Le but de la présente étude de cas est d’analyser et de comprendre comment on choisit de devenir un spécialiste en enseignement des arts plastiques. Le contexte de stage permet au futur enseignant de se familiariser principalement avec la communauté de pratique d’enseignant titulaire de classe lorsqu’il s’agit d’un stage vécu en milieu scolaire. Les deux régions ciblées pour notre étude sont la Mauricie et le Centre-du-Québec parce que ces deux régions n’offrent pas toujours le modèle de spécialiste en enseignement des arts plastiques. Les réflexions qui s’amorcent au sujet de la quête identitaire professionnelle peuvent émerger avant, pendant ou après la formation initiale. Qu’en est-il pour celui ou celle qui souhaite devenir un spécialiste en enseignement des arts plastiques? À la lumière des lectures effectuées sur ce sujet et de l’expérience pratique de la chercheuse, il nous apparaît important de s’interroger sur ce que nous conviendrons d’appeler la quête d’identité professionnelle chez les futurs spécialistes en enseignement des arts. Cette problématique revient dans les revues de la littérature scientifiques et influence la perception des futurs enseignants à propos de leur choix de carrière. Nous présentons les résultats de cette recherche sous forme d’étude de cas, menée auprès de sept participants issus du programme de formation universitaire Baccalauréat en enseignement des arts (arts plastiques, art dramatique) (7173) à l’Université du Québec à Trois-Rivières. L’analyse de ces résultats donne accès à de nouvelles perspectives de recherche.

Cette étude s’est déroulée dans le contexte de l’École en réseau au Québec. Une classe du primaire a utilisé un espace numérique collaboratif (Knowledge Forum) pour la réalisation d’activités d’éducation artistique, soit l’appréciation d’un corpus d’oeuvres et la création d’un objet d’art. La progression du discours écrit relativement à ces deux objets de partage a été étudiée. Nos résultats montrent que les élèves ont réussi à faire progresser leurs contributions sur les deux objets partagés. En interagissant entre eux, ils ont créé des artéfacts de connaissances partagées et développé un langage artistique propre. À la suite de nos constats, des implications pédagogiques ont été formulées pour encourager la participation des élèves lors d’activités d’éducation artistique au moyen d’outils numériques qui soutiennent la collaboration. / This study was conducted within the context of the Remote Networked School (RNS) initiative in Quebec, Canada. An elementary classroom made use of a collaborative digital space (Knowledge Forum) for arts education. It supported the conduct of activities related to two shared objects, the appreciation of arts and crafts and the creation of an art object. This study focused on classroom discourse regarding these objects. Our results show that students were able to make contributions that advance their classroom discourse regarding the shared objects. By interacting with each other, they created knowledge artifacts and developed their own artistic language. Moreover, educational implications were drawn for encouraging students to participate during arts education activities using collaborative digital tools.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2016-2017 / Cette étude explore l'impact d'un examen final collégial aux enjeux critiques sur les pratiques d'enseignement et les perceptions des participants appartenant au programme d’Arts et lettres au Québec. Le test analysé lors de cette recherche mesure simultanément les compétences des étudiants en trois ou quatre langues (anglais, français, allemand et espagnol) en utilisant des techniques d'évaluation communes. L'étude a été menée dans un cégep anglophone et un francophone de la Ville de Québec. Des données ont été recueillies auprès de 67 étudiants et de sept enseignants en ayant recours à la méthode mixte séquentielle exploratoire comme modèle de recherche. D’ailleurs, nous avons utilisée plusieurs instruments de collecte (des entrevues avec les enseignants, des observations en classe, des analyses de documents et des questionnaires pour les enseignants et les étudiants) afin de collecter toutes les données de cette étude. Les résultats des analyses quantitatives (analyse multivariée, ANOVA) et qualitatives des données montrent que les tâches du test exercent une influence évidente sur le choix des activités menées en classe par les enseignants. Alors que le contenu (les connaissances littéraires ou générales) et le format (individuel ou collectif) des tâches de l’examen sont influencés par les cours du programme. Les conclusions indiquent une relation bidirectionnelle, la plupart du temps positive, entre les tâches de ce test aux enjeux critiques et le contenu des cours du programme. Les résultats montrent en outre que cette relation bidirectionnelle repose en partie sur la compréhension profonde que les enseignants ont des compétences promues par les cours des différents programmes, ainsi que sur leur connaissance des techniques d'évaluation qui mesurent le mieux ces compétences. L'implication de ces résultats pour les étudiants et le système éducatif est discutée. / This study explores the impact of a high-stakes college exit test on the teaching practices and perceptions of the stakeholders in the program of Arts and Humanities in Quebec. The test under investigation simultaneously measures test takers’ abilities in three or four languages (English, French, German and Spanish) using common evaluation techniques. The study was conducted in two major Anglophone and Francophone colleges in Quebec City. Adopting an exploratory sequential mixed-methods research design, data was gathered from 67 test takers and seven teachers using multiple instruments (teacher interviews, classroom observations, document analysis and teacher and student questionnaires). The results of the quantitative (multivariate analysis, ANOVA) and qualitative analysis of data show that the test tasks clearly influence the choice of classroom activities done by teachers; while the content (literary or general knowledge) and the format (individual or group) of the test tasks are influenced by the program courses. The findings point to a bidirectional and, for the most part, positive relationship between the high-stakes test tasks and the content of the program courses. The findings further show that this bidirectional relationship is driven in part by the teachers’ deep understanding of the competences promoted by the different program courses, as well as their familiarity with the evaluation techniques that best measure such competences. The implication of these results for the test takers and the educational system is discussed.