« ...le mot design a jeté un pont. S'il a pu le faire, c'est parce qu'il manifeste le rapport intime entre la technique et l'art. C 'est pourquoi ce mot désigne aujourd'hui approximativement le point où l'art et la technique en viennent à se recouvrir pour ouvrir la voie à une nouvelle culture » Vilém Flusser C'est en créant un contexte d'apprentissage basé sur la méthode maître-apprenti pour consolider mes acquis techniques, que j ' a i pu vivre une expérience de rencontre avec les détenteurs des savoir-faire artisanaux québécois. Le Cercle de Fermières de St-Fulgence ainsi que d'autres heureuses rencontres ont contribué à alimenter mon travail artistique, en plus de m'enraciner dans un terrain de création fertile. Je tente ainsi de créer un pont entre moi et l'autre, entre l'art et la technique, entre les savoir-faire traditionnels et ma pratique artistique contemporaine, entre l'architecture de l'objet et la matière textile, entre la tradition et l'innovation. Explorer cette zone de P«entre» me permet de créer des objets hybrides n'appartenant ni tout à fait à l'un, ni tout à fait à l'autre. Ma pratique artistique en design est parsemée de ces petits moments qui nous connectent aux autres ou qui nous ramènent à nous-mêmes : C'est en m'inspirant de gens, de rencontres, d'environnements, de situations, d'états d'âme qui font partie du quotidien, que j'aime créer des zones d'errances. Mes créations ne sont pas simplement des propositions d'espaces fonctionnels mais des propositions d'espaces intérieurs, un voyage en dedans. D'un point de vue plus philosophique, j'exploite le vide, la pause, comme une zone flottante de « l'entre » deux actions, matérialisé dans la création d'objets qui sont simplement des propositions, des invitations dans le parcours, ici et là... qui font émerger des instants non inscrits... qui suscitent l'envie du presque rien... des moments suspendus... Je définis « l'Objet de mon parcours » à travers mes expériences, mes rencontres, mes actions, mes réflexions et les retombées inhérentes au projet. Je propose une série d'objets issus de l'expérience, évoquant des souvenirs enfouis dans nos mémoires, des scènes, des images, des activités, des techniques, des matières empruntées au passé, actualisées dans une démarche résolument contemporaine, suscitant ainsi un renouvellement de nos perceptions. Également dans une perspective de transmission, il est important que cette expérience permette de perpétuer certains savoir-faire traditionnels qui sont en danger de disparition.

Ce mémoire se veut le récit d'une recherche de création en atelier et, plus que tout, une quête intérieure. L'Exploration d'une poésie picturale dans une approche métaphorique de la femme-arbre à travers laquelle je prends contact avec mes racines ancestrales en redonnant à l'instinct sa faculté de faire naître la pulsion créatrice. Écrit avec une intention poétique et sous la forme d'un essai, je partage une vision de la femme-arbre, femme contemporaine, qui désire renouer avec un territoire sauvage dont elle garde la nostalgie sans vraiment l'avoir connue. C'est un appel de l'intérieur qui se traduit dans un désir de transmettre ma conception d'unité entre l'humain et la forêt. Un besoin que j'exprime à travers une poésie picturale que je tente de définir dans cette recherche. C'est avec l'objectif de développer une philosophie écologique que s'est amorcée ma réflexion et qui ouvre sur mon questionnement. Comment puis-je habiter la forêt d'une manière harmonieuse en préservant cette force naturelle vivante? Comment transmettre, dans ma création, cette essence profonde et sauvage qui demande à être en relation avec l'arbre? Je présente donc l'écophénoménologie comme une façon de sonder la nature imperceptible de la forêt à travers les sens. Concept plutôt récent, l'écophénoménologie est en quelque sorte le croisement entre la pensée environnementale et la phénoménologie qui ouvre sur un questionnement de notre rapport au monde. Dans une intention d'unité, je croise ma pensée à celle d'autres artistes qui partagent la quête intérieure de leur nature sauvage et pour qui l'environnement a autant de valeur que l'humain lui-même. Tous, ils ont posé leur regard sur la forêt et en ont dégagé l'essence dans une perspective unique. La recherche en atelier propose une méthodologie phénoménologique. Tout le travail est axé sur les perceptions. Par les sens et surtout par la réconciliation avec mon sixième sens, l'instinct, je raconte ma forêt et je déterre le lexique propre à ma poésie visuelle en proposant une compréhension des étapes essentielles dans l'évolution de mon projet. Dans ce mémoire, coexistent le récit de ma recherche picturale poétique et des extraits de mon cahier de création qui s'ouvre sur Forêt humaine, exposition qui dévoile l'expérimentation femme-arbre.

Ce mémoire accompagne l'exposition Suspendu entre deux néants, présentée dans le cadre du projet final de la maîtrise en art en avril 2009. Le travail de création et le mémoire abordent la question de l'hégémonie du discontinu dans le découpage conceptuel du monde, le réduisant ainsi en une accumulation d'objets et de formes immobiles, face à la sensation de l'écoulement continu du temps. Pour réfléchir sur ce sujet, l'exposition utilise des archives familiales comme matériau dans des vidéos, des oeuvres en deux dimensions et des installations vidéo. Le texte utilise une approche philosophique pour étudier cette question. Dans un premier temps, nous posons les bases d'un langage et d'une réflexion sur le discontinu et le temps, amenant l'hypothèse que la conscience est prise dans un schéma organisational qui est basé sur un système de pensée de la fragmentation du monde. Ce que nous appelons le paradigme du discontinu ; ce que le philosophe Henri Bergson a nommé la pensée cinématographique. Ce paradigme entraîne la problématique d'une dichotomie entre une pensée rationnelle qui segmente le temps et qui compartimente le réel et un corps sensible qui habite le temps dans la continuité. Dans un deuxième temps, nous poursuivons la réflexion sur le discontinu dans son lien intime avec le cinéma. À travers une réflexion sur le cinéma d'animation, nous observons ce qu'il peut révéler de la complexité du couple continu/discontinu, donc de îa complexité d'habiter le réel. Finalement, nous observons comment l'exposition a été alimentée par cette recherche théorique et comment, à son tour, elle alimente la réflexion posée par la recherche. Cet aller-retour nous conduit entre autres à remettre en question l'image en mouvement dans la représentation de la continuité qu'elle propose. Nous constatons que la continuité, soit le réel, est une forme visqueuse et vibrante qui est plus que l'addition linéaire des photogrammes d'un film, ce que Bergson appel des coupes immobiles sur le mouvant.

La réflexion sur l'identité, sur le sens et la présence autour du vide et du manque, amène à une théorisation de l'image, du paysage comme élément figuratif de contemplation. Dans cet essai sur les états limites, les figurations de l'espace se distinguent par différentes formes d'art et techniques artistiques, appelant cette multiplicité pour mieux rendre cette perceptivité de l'ordre du sensible; l'architecture qui dispose et construit avec l'espace, l'installation liant par l'espace l'objet à un lieu, la sculpture érigeant dans l'espace un volume sur lequel la lumière glisse et s'accroche et la peinture, qui est vue dans un lieu mais qui n'est pas proprement considérée comme un art de l'espace puisque prise dans les limites d'un plan, peut être toutefois définie comme l'art de creuser une surface. Ce parcours se construit à partir de sujets-troubles, sensibles, ayant une connotation fort axée sur le rapport humain, l'évolution de la personne et son milieu et par le fait même, interroge la pluralité des matières ainsi que leurs limites comme objets de mise en forme dans l'oeuvre plastique picturale et sculpturale. Forme, ligne, étirement, déformation, profondeur, espace, déplacement, jusqu'à ne plus être, ou jusqu'à devenir plutôt autre chose, se déconstruire pour mieux se reconstruire, la matérialité de l'oeuvre n'est que suggérée à travers la disposition de ces éléments. Représentation consciente de l'esprit, la perception est une interprétation élémentaire des objets, des événements, des lieux avec lesquels nous entrons en contact. Les perceptions donnent sens à l'objet et à l'espace. Elles se rencontrent dans cette figuration panoramique de l'espace où l'analyse de la forme déclenche le processus de création. Comme un balbutiement, l'oeuvre s'affirme, d'abord fragile mais l'éclatement de l'image et de ses repères la rendent encore plus forte, la poussant jusqu'à l'incohérence. Cette dramatisation du sujet opère sur la décomposition du sens, prolongeant ainsi le doute jusqu'à l'effritement de sa présente ou sa possible disparition. La proximité à laquelle se confrontent les perceptions provoque un trouble, générant ainsi un questionnement sur la légitimité de l'interprétation personnelle sur l'objet d'art.

Mon projet a pour objet le contexte communautaire des jeunes des Premières Nations au Québec. Le projet cherche à valoriser une démarche identitaire chez ces jeunes afin de la déployer et de la partager avec d'autres jeunes ainsi qu'avec leur communauté. Pour ce faire, j'ai conçu un atelier photographique évoquant le photovoice, ainsi qu'une plateforme internet favorisant l'échange, la créativité, l'apprentissage et surtout, une reconnaissance culturelle entre différentes communautés des Premières Nations éloignées géographiquement. Cet atelier et la mise en réseau qui en découle aliient à la fois des nouvelles technologies très accessibles et une démarche artistique (la photographie et son exposition) qui prend en compte le vécu et la mémoire des jeunes des Premières Nations, tout en permettant une appropriation singulière de leur culture. Cette interaction appelle à l'implication de différents partenaires : les éducateurs, les chercheurs-créateurs, les enseignants et bien sûr les jeunes des Premières Nations. Ma recherche théorique et pratique a fait naître un médium pour rapprocher des jeunes au sein d'une population éclatée géographiquement. La mise en contact qui en découle offrira des possibilités de rencontre avec l'autre, à la fois semblable et différent; une conscientisation individuelle et collective d'une histoire et d'un quotidien qui offre à ces jeunes une occasion de transformer leur inscription dans leur vie sociale et culturelle.

Ce mémoire sonde les origines de ma pratique; de l'articulation des concepts et inspirants d'une pratique transdisciplinaire. Il relate l'entièreté de mes deux ans à la maîtrise en art. Il est construit dans l'idée du Parcours; oscillant entre mes projets antérieurs et L'Allégorie du Membre Fantôme, mon projet final. Ce dernier, démontre bien l'aboutissement de la pensée métacognitive qui naît à l'intérieur de ma recherche- création. Mon mémoire trouve sa structure grâce à une articulation théorique, où les projets se greffent de façon chronologique, subissant des renversements temporels qui questionnent la transversalité de ma démarche créatrice. Né dans un questionnement entre l'art sonore et l'art visuel, ce parcours a donné lieu à différentes finalités telles que l'environnement sonore, le dispositif, le livre d'artiste et Y installation. Ma démarche s'articule entre les médiums et traite de la transformation de ceux-ci. J'ai tenté de définir cette relation grâce à des termes tels que : sensorialite', synesthésie, trans- sensorialité et transdisciplinarité. L'Allégorie du membre fantôme c'est tout ce qui vibre en nous que l'on ne peut percevoir. L'écriture comme une geste qui ausculte l'espace interne qui fait résonner en soi les parties connues et inconnues qui nous habitent. C'est une histoire qui sonde l'identité, entre les femmes dont je porte la chair (ma mère et ma grand-mère) et les événements qui ont marqués ma vie. C'est aussi la quête d'une présence perdue que je cherche à incorporer. L'art peut-il être une façon de sublimer la perte? Le premier chapitre se trouve à être l'entrée à l'intérieur d'un système qui traite du terme de ré(ai)sonance. AUSCULTER LE CORPS, fait le parallèle entre les multiples sens du mot ré(ai)sonner, entre la pensée qui articule une référence mémorielle (raisonner) et le domaine de l'acoustique, principalement traitant de l'état d'écoute (résonner). Dans ce chapitre, je ferai également le parallèle entre deux théoriciens et praticiens de l'art audio : Raymond Murray Schafer et Pierre Schaeffer, qui m'ont fait prendre conscience des différents niveaux d'écoute qui existent entre le en direct et l'enregistré, ce dernier qui met en rapport la mémoire et le geste d'archivage. Le deuxième chapitre : MORCELLEMENT DE L'ÊTRE, traite de la notion du corps sonore et corps sans organes de Deleuze à travers la polymorphie/phonie de l'être, produit à l'intérieur d'un état de transe. Il fait donc le parallèle entre la pratique de plusieurs disciplines et d'un questionnement plus personnel sur l'être multiple, engendrant la notion de corps morcelé/propre de Lacan et de membre fantôme. Le troisième chapitre : LA TRANSVERSALITÉ DES SENS, traite de l'espace et du temps, entraînés par un questionnement sur une pratique transdisciplinaire à.'installation articulée grâce à un métalangage allégorique.

Ce mémoire porte sur la mélancolie, ses origines, son influence dans l'art et dans ma pratique artistique. Dans ce mémoire, je situe mon travail par rapport à l'histoire de l'art, où la mélancolie est un thème récurrent, de l'Antiquité à l'Art actuel. Mes recherches m'ont amenée à examiner la conception de la mélancolie de médecins, d'artistes, d'écrivains, de poètes et de philosophes tels Hippocrate, Caspar David, Charles Baudelaire, Gérard de Nerval, Sigmund Freud, Walter Benjamin et plus près de moi, d'artistes qui m'inspirent : Sophie Calle pour son désir de conjurer l'angoisse de l'absence , Bill Viola pour ses ?uvres sur le mystère de la vie et la mort, Betty Goodwin pour son travail sur le deuil et ses ?uvres empreintes d'angoisse, d'incertitude. Mes recherches m'ont démontré la vision occidentale de la mélancolie : la dépression, le « spleen », la « bile noire » le « burn-out », mais également celle de l'Orient : le Wabi- Sabi, la beauté des choses imparfaites, la simplicité, les détails de la vie, l'acceptation du temps qui passe. Cette démarche m'a également permis de définir ma propre vision de la mélancolie, laquelle prend forme dans ce mémoire et dans l'exposition Le cardinal s'endort quand la lune est pleine. Il s'agit aussi et surtout d'une quête spirituelle d'un état plus grand que nous et plus grand que l'art : Vinstemps.

By combining examples of contemporary toy art, illustration, device art, digital artistic practices and through views of my own I will question the significance and development of traditional art in contemporary art creation and its impact on the my art. The article consists of three parts: In the first chapter, I will emphasize the embodiment of Chinese traditional art in Dunhuang art through the Dunhuang example. I will analyze how Dunhuang Buddhist art was formed and describe the architectures, sculptures and murals in Dunhuang Grottoes. For the murals, I will focus on the figure murals and story murals. Finally I will summarize the characteristics of Dunhuang art and its impact on contemporary art. In Chapter II, I will analyze contemporary illustration art, toy art and device art through art works of artists such as Yoshitomo Nara and Maywa Denki from Japan, of contemporary China such as Perk studio from China, and Mars-1 from America. In Chapter III, I will introduce my own art works as well as my own artistic views. For artistic views, I will analyze the importance of traditional art in contemporary art, the importance of art innovation and the way to carry on traditional art and create contemporary art works. Finally, I will present my own thoughts through art creation and the conclusion for the art study.

Observation comme outil de contemplation L'observation comme une méthode de la perception personnelle devant les choses qui me semblent privilégiées. L'observation comme une action de ma relation avec l'art et ma vie. L'observation comme une réflexion sur la place des individus dans l'environnement urbain. L'observation comme un regard timidement porté vers les situations qui passent, tout comme le temps. L'observation comme une prise de position critique sur ma situation en tant qu'individu. L'observation comme un état de conscience de sa présence dans un lieu. L'observation comme un constat sur le temps. L'observation comme un constat sur les formes qui structurent notre champ visuel. L'observation comme une documentation. Documentation du quotidien Je suis un documentariste de la vie quotidienne. Je suis un documentariste du temps qui passe. Je suis un documentariste par mon vécu en tant qu'individu. Je suis un documentariste par ma présence et ma perception de mon entourage. Je suis un documentariste des faits et gestes de ceux que j'observe.

Ma recherche-création invite à une réflexion sur le rapport esthétique/dramatique. Je m'intéresse principalement à la représentation de mises en scène photographiques narratives sous forme de tableaux vivants. Afin de parvenir à mon objectif qui tente d'utiliser l'attraction comme méthode d'introspection, je m'interroge sur la relation qui existe entre les réalités sociales et la beauté esthétique, entre l'histoire individuelle et collective, entre la prose et la poésie. La construction de mes images est stimulée tout d'abord par des histoires réelles reliées à ma propre vie qui sont ensuite reproduites et réinterprétées par des mises en scène inspirées de certains tableaux, de sculptures, de poésies et de photographies contemporaines. Ma recherche-création tourne autour de cinq thématiques : l'amour, la sexualité, la toxicomanie, la prostitution ainsi que la mort. Mon questionnement est principalement axé sur l'union du laid associé à des sujets dramatiques et du beau en rapport à l'harmonie et à la poésie. C'est-à-dire que j'unifie des sujets souvent insolites ou marginaux en contraste avec une approche visuelle se rapprochant de certains critères précis au niveau de l'esthétique tirée de l'histoire de l'art. Je tente d'utiliser des archétypes communs, des récits avec lesquels la plupart d'entre nous peuvent s'identifier. Je conceptualise mes images photographiques en passant par une stratégie visuelle attractive pour qu'ensuite le spectateur s'attarde à l'intériorité du sujet. Je cherche à sensibiliser ce dernier en passant par des sujets qui touchent l'ensemble d'une collectivité en créant des compositions originales et évocatrices. Je considère mon travail comme un miroir tendu à notre génération, voire comme un répertoire ré-enchanté de mes expériences passées et actuelles. Considérant que: «Le drame est une forme moderne d'expression qui s'adapte perpétuellement à la sensibilité de chaque époque» (Nathalie Macé-Barbier, 1999), j'utilise le réalisme qui est propre à susciter le pathétique qui est une dimension essentielle de celui- ci, ïl est intéressant de voir qu'à chaque époque, on peut redéfinir le pathétisme en lien avec la modernité du temps.