Pesquisa realizada com o propósito de levantar uma discussão sobre o caráter pedagógico da comédia e em especial da comédia barroca alemã. Através de um levantamento teórico e uma breve análise do Schimpfspiel do autor Andreas Gryphius, intitulado Absurda Comica oder Herr Peter Squenz, no qual são investigadas sua linguagem e figuras cômicas, procura-se comprovar o valor moralizante do texto, utilizando-o como exemplificação da comédia no período, a fim de evidenciar, acima de tudo, seu papel como disciplinador social. / The research was carried out to raise a discussion about the pedagogical nature of comedy and, in particular the German Baroque Comedy. A survey and a brief theoretical analysis of Andreas Gryphius Schimpfspiel, which is entitled Absurda Comica Oder Herr Peter Squenz were my starting point. Its language and its comic figures were isolated, in order to pursue the moralizing value of the text, used as an example of comedy presented in the Baroque period. The goal was to highlight above all the comedy social role as a disciplinarian.

L’histoire chrétienne latino-américaine est le résultat d’une rencontre entre deux civilisations très différentes : l’Europe de la Contre-Réforme et le monde des Guaranis.Dans cette rencontre, les missionnaires jésuites occupèrent la position d’intermédiaires privilégiés entre le Paraguay et l’Europe. Ils initièrent les Guaranis aux arts et aux techniques européennes, qui rayonnaient alors de toute leur nouveauté. Ceci fut possible grâce, notamment, à la présence de nombreux musiciens de talent embarqués dans l’aventure missionnaire, dont, incontestablement, se dégage le personnage de Domenico Zipoli (1688-1726). En retour, ces musiciens recréèrent en Amérique une musique d’esthétique baroque, longtemps restée sinon ignorée du moins mythique, et aujourd’hui dévoilée. / Christian history in Latin America is the result of an encounter between two verydifferent civilizations: the Europe of the Counter-Reformation and the world of theGuaranis. In this meeting, Jesuit missionaries occupied the privileged position ofintermediaries between Paraguay and Europe. They initiated the Guaranis to Europeanarts and techniques, in the full radiance of their novelty. This was possible especiallythanks to the many talented musicians embarked on the missionary adventure, where,undoubtedly, emerges the figure of Domenico Zipoli (1688-1726). In return, in Americathese musicians recreated the music of Baroque aesthetics, which remained for long if notignored, at least mythical, and is unveiled to us today.

Sigismondo D’India (1582 ?-1629 ?), contemporain de Claudio Monteverdi, est un compositeur parmi les plus importants du début du XVIIe siècle : l’un des pères fondateurs de la musique moderne. La présente thèse entend le situer dans un contexte qui nécessite d’être rappelé et mis à jour, celui de la cour de Turin où le musicien s’est établi de 1611 à 1623, période la plus fructueuse de sa carrière musicale dont l’étude s’organise autour de trois problématiques : la musique, le mécénat et l’identité nobiliaire.Il s’agit, dans un premier temps, d’étudier la circulation des musiciens, artistes, imprimeurs et sources musicales mais également d’analyser certaines œuvres du compositeur. Ainsi, D’India, chanteur, guitariste, compositeur et poète, apparaît comme l’un des musiciens les plus audacieux et les plus singuliers de son temps.Le mécénat artistique accompagne sa carrière musicale : il favorise ses déplacements, relie les différentes villes où se trouvent le musicien et ses dédicataires et facilite l’émulation créatrice. L’étude du mécénat à travers sa production musicale dévoile notamment la multiplicité des rapports entre D’India et ses dédicataires. Enfin, par identité nobiliaire, nous entendons étudier la manière dont le compositeur contribue à la construction de l’identité culturelle d’une cour en même temps qu’il construit son propre statut de noble. L’identité nobiliaire peut être ainsi considérée comme un préalable à l’identité nationale. Nous voulons par ailleurs montrer que D’India remplit parfaitement le rôle de musicien-Gentilhomme et que sa musique participe à la construction d’un modèle d’urbanité. / Sigismondo D’India, (1582? -1629?) a contemporary of Claudio Monteverdi, was one of the major composers of the early XVIIth century and one of the founding fathers of modern music. This thesis aims at setting him against a background which requires some reminiscing and updating, that of the court of Turin, where the musician settled between 1611 and 1623. It was the most fruitful period of his musical career, the study of which addresses three issues: music, patronage and nobiliary identity.I shall first study the movements of musicians, artists, printers and musical sources, and shall analyse besides some works by the composer. It appears that Sigismondo D’India, together a singer, a guitar-Player, a composer and a poet, stands out as one of the boldest and the most idiosyncratic musicians of his days.His musical career goes hand in hand with artistic patronage, which made his travelling easier, connected the various cities accommodating the musician and his dedicatees and facilitated creative emulation. The study of patronage through D’India’s creativity in music points out, among other things, the numerous relationships between him and his dedicatees.Finally, through the notion of nobiliary identity, I shall focus on the way in which the composer contributed to building up the cultural identity of a court while building up his own status as a nobleman. The nobiliary identity can thus be considered a first step toward national identity. I also aim at showing that D’India was perfectly up to the role of gentleman-Musician, and that his music contributed to building a model of urbanity.

Cette thèse est le fruit d’une étude comparative de la peinture et de la poésie des XVIe et XVIIe siècles. Dans ce document, la poésie et la peinture se répondent, s’entrecroisent, s’éclairent à tour de rôle, grâce à une analyse comparée des similitudes et différences qu’elles expriment sur le même thème, qui est le portrait satirique baroque. Notre étude est ancrée dans une approche esthétique de l’univers visuel baroque, et met l’accent sur la réception des œuvres d’art par le spectateur. Quant à la poésie, nous nous éloignerons du modèle classique de la satire, pour pénétrer la littérature satirique, riche d’une langue imagée, et bien souvent obscène. Notre thèse est composée de cinq chapitres. Nous donnerons tout d’abord une définition du portrait en poésie et en peinture. Dans un deuxième temps, nous montrerons qu’en représentant un individu, l’artiste dévoile également son âme, et que, dans cette époque tourmentée, l’âme apparaît à travers laideur et difformité dans les portraits sociaux et misogynes. Le troisième chapitre sera consacré à la notion d’esthétique paradoxale, qui montre l’homme et l’univers de façon renversée, comme un écho au monde bouleversé du tournant de XVIème siècle, avec les conséquences que cela implique sur le récepteur de l’œuvre d’art. Nous analyserons ensuite plus particulièrement la poésie misogyne de Sigogne, avant de conclure notre travail sur l’étude du monde fantastique et surnaturel qui s’empare de sa poésie, et de la poésie baroque de manière générale. / This thesis results of a comparative study of painting and poetry of the XVIth and XVIIth centuries. In this document, painting and poetry throw light on each other, thanks to an analysis of discrepancies and similarities about a same theme, which is the baroque satirical portrait. Our study sets out an aesthetical approach of the baroque visual universe, while it puts an emphasis on the reception of the work of art. The poetry we are about to analyse is straying from classical satire as it is to be found in satirical writing, which uses a colourful and often obsene language. Our thesis is divided into five chapters. First, we will give a definition of the portrait in painting and poetry. We will then show that depicting a human being also means revealing his soul, and that, in these tormented times, the souls appear through ugliness and deformity in social and misogynist portraits. The third chapter will be dedicated to the notion of paradoxical aesthetic, that is to say showing the man and the universe in a reversed way- like an echo to the shattered world at the turn on the XVIth century- with the consequences it implies on the reader. We will then analyse more deeply the misogynist poetry of Sigogne, before ending with the study of the fantasy world of his poetry and of the baroque poetry in general.

L’objet de cette thèse est d’étudier les changements qui s’opèrent au cours du XVIIe siècle dans la manière dont les passions sont exprimées et représentées dans la fiction narrative en prose. Avec le passage des longs romans aux nouvelles galantes, la date de 1660 est souvent considérée comme une date charnière pour le genre romanesque. Ce renouveau formel intéresse tout particulièrement la question de l’affectivité – aussi bien sur les plans stylistique, énonciatif que pragmatique. Alors que l’expression pathétique se voit redéfinie par la critique de l’ornement et la promotion du naturel, les vicissitudes du roman semblent en partie corrélées à celles de l’art de parler. Travaillant sur le siècle en son entier, à partir d’un vaste choix de textes fictionnels, de rhétoriques et de poétiques, nous avons voulu décrire une à une les étapes de ce bouleversement. Cette mise en perspective invite à nuancer le caractère novateur de la nouvelle historique et galante. Si le roman baroque se présente comme une anthologie de discours passionnés, on assiste, dès les années 1620, à l’effacement de la voix narrative et, par conséquent, des marques d’une narration émue. De même, le psycho-récit qui est associé dans l’histoire littéraire à La Princesse de Clèves est déjà une technique narrative bien attestée dans le premier XVIIe siècle. Nous inscrivant dans la lignée d’une histoire des formes littéraires, nous souhaiterions proposer une nouvelle périodisation du genre romanesque, à partir de l’examen de la sémiotisation des passions. / This PhD dissertation aims at studying the changes that took place during the XVIIth century in the way passions are expressed and represented in narrative fiction in prose. With the transition from long novels (« longs romans ») to the « nouvelles galantes », the year 1660 is often considered a landmark date for the novelistic genre. This formal renewal has a particular bearing on the question of affectivity, from a stylistic, enunciative and pragmatic point of view. Whereas pathetic expression is redefined by the critique of ornament and the promotion of the natural, the vissicitudes of the novel seem to be partly correlated to those of the art of speaking. By taking the whole century as our object of study, through a vast choice of fictional, rhetoric and poetic texts, we have tried to describe one by one the stages of this evolution. This perspective leads us to qualify the innovative character of the « nouvelle historique et galante ». The baroque novel presents itself as an anthology of passionate discourses. However, from the 1620s on, a fading away of the narrative voice, and consequently of the marks of an emotional narration, take place. Equally, the psycho-narration associated in literary history with the Princesse de Clèves is already a well attested narrative technique in the first XVIIth century. Following the tradition of the history of literary forms, we wish to offer a new periodisation of the novelistic genre, through the analysis of the semiotisation of passions.

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The diploma thesis deals with lives and masterpieces of the most important baroque artists and architectures. There are also descriptions of their works. The practical part of the thesis deals with the Kuks' area, the hospitál and spa, its historical, artistic and practical value. Lives of patients and nurses are also mentioned as well as the present-day situation of the Kuks' area and nearby Christian crib. There is a reference to F. A. Špork. He was an important man of that time who supported artists and gave an order for the project of Kuks' area.

Scenic Designs of High Baroque in the National Collections of the Czech Republic The thesis deals with the Baroque scenic designs which are situated in public collections of the Czech Republic. These are mainly the works by Josef Hager and Josef Redlmayer, whose production was inspired by the Italian baroque scene designer Giuseppe Galli Bibiena. The aim of the thesis is to describe inspirational sources which influenced the artists and to comprehensively classify their production within the European context of the Baroque period. The diploma work also explains the history of Baroque theatres in Bohemia as well as in the whole Europe. It shows their connection with the pompous cellebrations so popular in Baroque period. The thesis also informs about the progress of Italian scenography and scenic designs with the explaination of stage decorations. The thesis is divided into five general chapters which show the local and time consequences. The first part brings the general introduction into the baroque theatre and baroque theatrality. It explains the beginning, genres and technical issues of the baroque theatre. This information is extended further during the thesis. The second chapter deals with the baroque celebrations and their tight connections with the theatre. The third part deals with...

Dans le foisonnement et la diversité de la production romanesque, l'écriture baroque semble être une manifestation de la culture moderne, dans le sens où la sensibilité de l'homme s'écarte de la vraisemblance pour se retrouver, face à l'écroulement des certitudes, dans un monde en mouvement. De nos jours, l'esthétique néo-baroque en littérature se caractérise par l'éclatement des formes, l'instabilité, la multiplicité des voix et des points de vue, ainsi que la surenchère stylistique. Pour couvrir les aspects du néo-baroque, cette thèse propose de dresser une typologie du baroque qui appelle un retour sur le contexte historique de la Contre-Réforme, ainsi des définitions de la polyphonie et du dialogisme à partir des travaux de Mikhaïl Bakhtine, sans oublier l'intertextualité dont Julia Kristeva pose les fondements. J'aborderai trois perspectives d'analyse, dont le foisonnement et la métamorphose des personnages, l'éclatement de la structure narrative et la polyphonie, dans les univers fascinants des deux romans contemporains : Les Filles du Calvaire de Pierre Combescot (1991) et Mon nom est Rouge d'Orhan Pamuk (2001 [1998]). Je voudrai ainsi examiner deux romans qui s'insèrent dans deux contextes socio-politiques. J'y dégagerai deux manifestations du nouveau baroque, dues au dérèglement des codes narratifs et à l'abondance discursive. Si le roman de Combescot prône la diversité et la richesse du goût baroque, s'il cultive le bizarre, le réalisme proche d'un irréalisme exacerbé par l'impossibilité de pénétrer un monde proliférant, celui de Pamuk privilégie les voix croisées de monologues et la polyphonie discursive qui reflète un pan de l'histoire politique de la Turquie. L'étude de ces romans mène à la création d'un récit de fiction Meramérique , qui se veut une tentative de saisie baroque, selon des affinités électives avec l'imaginaire foisonnant. Les textes, chargés de terre, reflètent l'engagement des personnages dans la vie. Le rêve d'émigrer vers le Nouveau Monde y est un fil conducteur. Le texte omet pourtant tout détail sur l'arrivée des personnages en Amérique; il se met au service d'un monde fragmenté où la reprise des mêmes gestes organise son fonctionnement. Le texte mène aussi un discours sur l'imaginaire d'un village libanais Aïn Adam, dont les destinées des personnages interfèrent, remontent à la surface du texte afin de sauvegarder une mémoire que les uns veulent préserver alors que les autres la considèrent dérisoire. La présentation du processus de création oscille, quant à elle, entre le récit d'une vie et la réflexion sur la structure de Meramérique comme recueil de nouvelles. Réfléchir sur le processus permettrait de comprendre comment la terre d'où on vient est exigeante, et de rassembler les parcelles d'une mémoire à même la ruine de sa chair. La structure de Meramérique suggère de nombreux rapprochements avec le néobaroque. Les fictions se regroupent selon un système de polytextualité, lequel génère une certaine continuité sans nuire à l'unité de la fiction. Les effets de sens qui résultent de la structure du texte produisent de l'ambiguïté quant à l'inscription de Meramérique à un système déterminé.