Die ersten Diskussionen musikalischer Modulation oder Ausweichung von einer Tonart zu einer anderen finden sich nicht in Kompositionslehren, sondern in Generalbasstraktaten. Dabei erscheinen diese neuen Konzeptionen grundsätzlich bei Autoren, die auch neue Tonartensysteme anerkennen. Es gibt keinerlei Verbindungen zu früheren Begriffen wie mutare il modo (Zarlino) oder Mutatio toni und Alteratio modi (Bernhard). In England und Frankreich, wo sich auch die ersten Tonartkategorisierungen nach Moll und Dur finden, zeigen sich ab 1667 erste Beschreibungen von Modulation im neueren Sinne. Matthew Locke gab 1673 noch keine Regeln, aber Notenbeispiele für Übergänge von einer Tonart in eine andere. Gasparini 1708 und Heinichen 1711 geben Vorzeichenregeln. Erst mit Rameaus Traité von 1722 und seiner Anerkennung charakteristischer Dissonanzen für Dominante und Subdominante werden Regeln für Modulation auf eine neue Basis gestellt. / The first discussions of musical modulation or transition from one key to another are not to be found in composition primers but in thorough bass treatises. These new concepts generally appear with authors who also offer new key systems and have no relations to earlier terms of mutare il Modo (Zarlino) or Mutatio toni and Alteratio modi (Bernhard). It is in England and France, where we also find the first key categorizations according to major and minor, that – from 1667 – we find the first descriptions of modulation in the modern sense. Matthew Locke in 1673 did not give rules but musical examples for transitions from one key to another. Gasparini in 1708 and Heinichen in 1711 give rules of accidentals. Only with Rameau’s Traité of 1722 and his recognition of characteristical dissonances for dominant and subdominant that rules for modulation receive a new basis.

Die musiktheoretische Schriften Joseph Riepels (1709-1782) sind nicht nur für ihren Beitrag zur Satzlehre des 18. Jahrhunderts, sondern auch für ihre Dialogstruktur und Riepels eigenwilligen Sprachgebrauch bekannt. In der Tat, Riepels Traktate, die einem wirklichen Kompositionsunterricht ähneln und sich als lebhaftes Zwiegespräch zwischen einem Lehrer und Schüler entfalten, bestehen nicht aus einer Sammlung trockener Kompositionsregeln, sondern sie konfrontieren uns mit dem musikalischen Denken des 18. Jahrhunderts. Gender-Metaphern spielen eine große Rolle in Riepels Beschreibung von musikalischer Form. Während er, nicht unerwartetet, den Dur-Moll Tonartenkontrast dem männlichen und weiblichen Geschlechtsunterschied gleichsetzt, erstreckt sich sein Gebrauch von Gender zur Erklärung von Musik auch auf andere Gebiete. Beispielsweise vergleicht Riepel den Effekt einer Komposition in Moll, die mit einem Dur-Akkord endet, mit einem Mann, der, nachdem er für eine lange Zeit den Geschichten seiner Frau zugehört hat, ihr dann einfach sagt: »Halt den Mund Frau«. Er bezeichnet eine bestimmte melodische Fortführung als ›verkehrten Zwitter‹, beurteilt Melodien in Bezug auf Gender und erklärt, »nur ein Weiberer liebt so einen weichherzigen Gesang«, und er vergleicht nicht zuletzt die Hierarchie innerhalb einer Tonart mit der Rangordnung zwischen Männern und Frauen auf einem Bauernhof. Ausgehend von den Studien von Lakoff und Johnson betrachte ich Metaphern nicht einfach als unterhaltsame Art und Weise, um über Musik zu sprechen, sondern ich verstehe sie als Zeugnis dafür, wie soziale Strukturen in musikalische Strukturen eingebettet sind. Während stetige Strömungen der Zeit und ein größeres Verlangen für sprachliche Abstraktion, diese Verbindung zwischen musikalischen und sozialen Strukturen weggewaschen haben, bringen Riepels Schriften sie nachdrücklich zum Vorschein. In diesem Vortrag untersuche ich deshalb einen Moment in der Entstehung von Gender-Metaphern als Beitrag zur historischen Bewertung von musikalischen Konzeptionen. / The music theoretical writings of Joseph Riepel (1709-1782) are known not only for their contribution to eighteenth century compositional theory but also for their dialogue structure and Riepel’s idiosyncratic language usage. Indeed, Riepel’s treatises, which resemble actual lessons in composition and unfold as lively dialogues between a teacher and a student, render not stifled attempts in regulating musical composition but confront and engage us with mid-eighteenth century musical thought. Gender metaphors play a large role in Riepel’s account of musical structure. While not unexpectedly he equates the major-minor key difference with the masculine-feminine opposition, his use of gender as a means of explaining music extends to other areas as well. For example, within his discussion of form he compares the effect of a composition in minor that ends with a major chord to a husband who, after listening for a long time to his wife’s stories, simply says to her “Shut up woman,” and he identifies a particular continuation of a phrase as a “reversed hermaphrodite.” He judges melodies in terms of gender, stating, for example, that “… only a womanly man would love such a softhearted melody.” And, finally, he compare the relationships within a given key to the hierarchical relationship between the men and women working on a farm. Drawing on Lakoff and Johnson’s work I argue that these metaphors constitute not simply “entertaining” ways of talking about music, but that they tell us something about how underlying social structures reside in musical structure. While the steady currents of time and the desire for greater linguistic abstraction have washed away the association between musical and social structures, Riepel’s writings forcefully articulate these associations. This paper examines a moment in the formation of gender metaphors contributing to a historical appraisal of musical conceptions.

Syftet med studien är att få syn på hur jag approprierar kulturella redskap på kontrabas inom jazzgenren och hur den sociala kontexten påverkar mitt lärande. Det sociokulturella perspektivet ligger till grund för min studie och fokuserar på ökat deltagande, mästarlära och appropriering av kulturella redskap. Perspektivet, bakgrundslitteratur och relevant forskning inom området presenteras i bakgrundskapitlet. Efter detta följer ett metodkapitel där jag presenterar metoderna; videoobservation och loggbok vilka är de jag valt att använda för att besvara mina forskningsfrågor. Därefter presenteras ett resultat innehållande två huvudrubriker; Att lära sig i en social kontext samt Improvisation och kommunikation. Resultatet behandlar gehörstraditionen, lärlingars beroende av sina mästares erfarenhet, för och nackdelar med att tillhöra en grupp samt avsaknaden av kvinnliga instrumentalister på Musikhögskolan Ingesund. Slutligen diskuterar jag resultatet utifrån refererad tidigare forskning och bakgrundslitteratur. Diskussionen innehåller bland annat kritiska faktorer inom gehörsspel, hur studenter blir mer centrala deltagare i den sociala praxisen med hjälp av sina lärare samt hur genusperspektivet kan ge en bakgrundsförståelse för de mentala svårigheter jag möter under studiens gång. / The aim of this project is to study how I develop my double bass skills in the jazz genre, using cultural tools that depend on the social context.  The sociocultural perspective focuses on enhanced participation, apprenticeship and learning trough cultural tools which is what I base my study on.  The theoretical perspective, relevant literature, and previous research is presented in the background chapter. In the following chapter I present the methods that I’ve used to answer my research questions, which are videoobservation and keeping a journal. Subsequently I present the results to my study using two headlines; To learn in a social context and Improvisation and communication. The result describes the tradition of playing by ear, apprentices’ reliance on their more experienced masters, pros and cons of group affiliation and the lack of female instrumentalist on Musikhögskolan Ingesund.  Finally, I discuss the results using the previous research and background literature. The discussion is mainly about critical factors that affect playing by ear, how students become more central participants in the social praxis guided by their teachers and how a gender perspective can explain the mental difficulties that I faced during my study.

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Angesichts der zunehmenden Häufigkeit von Rechtsstreiten über musikalische Urheberrechtverletzungen, bei denen es um Millionenbeträge geht, scheinen Musiktheoretiker*innen gute Voraussetzungen mitzubringen, ihre esoterische Ausbildung für einen ausgesprochen praktischen Zweck einsetzen zu können, nämlich in Form sachlicher Expertise innerhalb einer “forensischen Musikforschung”, die “grundlegende Ähnlichkeiten” (substantial similarities, so der juristische Terminus) zwischen musikalischen Werken einschätzt. Dieser Artikel befasst sich mit einem kürzlichen derartigen Fall, “Skidmore v. Zeppelin et al.”, der aus dem Vorwurf entstand, dass der Beginn von Led Zeppelins Stairway to Heaven (1971) auf jenem von Taurus (1968) der Band Spirit beruhe. Die “grundlegende Ähnlichkeit” hierbei umfasst die absteigende Harmoniefolge der eröffnenden akustischen Gitarre, ein Ausschnitt aus einer Lamentobassfigur von der Tonika A fallend bis zum F (die Dominante E erscheint in einer oberen Stimme), eine Variante des Drooping-Modells im Rock. Nach einer Diskussion relevanter Details des Rechtsstreits, stelle ich kurz einen Abschnitt aus der Geschichte der Drooping-Figur im Rock vor, als Querschnitt berühmter Aufnahmen in den Jahren unmittelbar vor Led Zeppelins Platte. Mein Ziel ist es dabei nicht, den Rechtsstreit “Skidmore v. Zeppelin et al.” zu lösen, sondern vielmehr die entscheidenden Aspekte dieses Falls zu erhellen und die Rolle, die Musikologen in ihrer Bestimmung eingenommen haben. Abschließend argumentiere ich dafür, dass Musiktheoretiker_innen verstärkte Anstrengungen unternehmen sollten, um sich im Bereich der forensischen Musikforschung einzubringen, zum Wohle nicht nur der Gerichtsverfahren, sondern auch der Musiktheorie selbst, einer akademischen Disziplin, die in historischer Sicht selbst von ihren engsten Geschwisterfächern isoliert war, von der allgemeinen Öffentlichkeit gar nicht zu reden. / In light of the growing prevalence of multimillion-dollar musical copyright infringement litigation, music theorists seem positioned to use their esoteric training for a decidedly practical purpose: as an informed presence within “forensic musicology,” the practice of evaluating “substantial similarities” (the legal term) between musical works. This article examines a recent example of such litigation, “Skidmore v. Zeppelin et al.”, involving the accusation that the opening of Led Zeppelin’s Stairway to Heaven (1971) is based on Taurus (1968) by the band Spirit. The “substantial similarity” in question involves the opening acoustic-guitar descents, a partial lamento bass figure sinking from tonic A down to F (the dominant E appearing in an upper voice), a version of rock’s “drooping” schema. After discussing relevant details of the case, I briefly outline some of the history of rock’s drooping figure across multiple prominent recordings in the years immediately before Led Zeppelin’s record. My aim is not to solve the issues of “Skidmore v. Zeppelin et al.” but rather to shed light on what the issues in fact are in this particular case, and what role music scholars have played in their determination. In the end, I advocate that music theorists make a concerted effort to involve themselves in forensic musicology, to the benefit not only of the lawsuits but also of the profession of music theory itself, an academic discipline historically isolated from even its closest musicological siblings, let alone the general public.

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Principles of “transforming leadership” have been widely promoted since the publication of James McGregor Burns’ book Leadership, especially among Christian leaders. The purpose of this study is to examine the ethical foundations of his model and Bernard Bass’ “transformational leadership”. Imprecise use of the terms “transforming”, “charismatic”, and “transformational” leads to an adoption of methods without adequate understanding of the underlying value system. This literature review compares and evaluates the source texts within a framework of world view, intention, character and menschenbild, as well as the Christian ethical mandates of Dietrich Bonhoeffer. Valuing the imago Dei in others has significant implications for a leader-follower relationship. Bonhoeffer’s mandates will help leaders reflect their position within their organisations and the wider society. Though the incentive for this research was leadership within the context of the Wycliffe Global Alliance, its findings will be relevant to Christian leadership in general, especially in intercultural contexts. / Philosophy & Systematic Theology / M. Th. (Theological Ethics with specialisation in Christian leadership in context)

Principles of “transforming leadership” have been widely promoted since the publication of James McGregor Burns’ book Leadership, especially among Christian leaders. The purpose of this study is to examine the ethical foundations of his model and Bernard Bass’ “transformational leadership”. Imprecise use of the terms “transforming”, “charismatic”, and “transformational” leads to an adoption of methods without adequate understanding of the underlying value system. This literature review compares and evaluates the source texts within a framework of world view, intention, character and menschenbild, as well as the Christian ethical mandates of Dietrich Bonhoeffer. Valuing the imago Dei in others has significant implications for a leader-follower relationship. Bonhoeffer’s mandates will help leaders reflect their position within their organisations and the wider society. Though the incentive for this research was leadership within the context of the Wycliffe Global Alliance, its findings will be relevant to Christian leadership in general, especially in intercultural contexts. / Philosophy and Systematic Theology / M. Th. (Theological Ethics with specialisation in Christian leadership in context)