Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Design e Expressão Gráfica, Florianópolis, 2016. / Made available in DSpace on 2017-01-10T03:14:26Z (GMT). No. of bitstreams: 1 343121.pdf: 93672550 bytes, checksum: 9cd01a819135b111b06741cc2d95af24 (MD5) Previous issue date: 2016 / Na atualidade nota-se uma crescente produção de filmes de animação,agregando tecnologias diversas em suas criações. Em muitos casos, paraotimizar o processo de pré-produção destes filmes percebe-se anecessidade de um melhor esclarecimento frente ao uso da imagem esua composição enquanto narrativa visual. Neste contexto, este estudopropõe a criação de um instrumento de análise relacionando planos decâmera e os elementos da narrativa visual no âmbito dos filmes deanimação. Para tanto, foi realizada uma fundamentação abordando osconceitos fundamentais de animação, os planos de câmera e a narrativavisual. A partir deste referencial, elaborou-se duas matrizes para analisaranimações premiadas no evento 3º Anima Catarina. Com base no estudoaplicado, foi possível, verificar o uso dos elementos da narrativa visual eo grau de complexidade das animações em questão. Por meio daorganização do fluxo de análise e da configuração das matrizes,considera-se que o estudo realizado contribui para a identificação dascaracterísticas, potencialidades expressivas e especificidades quanto aoselementos visuais e planos de câmera visando o aprimoramento dasetapas de pré-produção de animações desenvolvidas em contextosacadêmicos. O processo para a construção das matrizes, distribuição dascenas, análise e discussão das animações também traz contribuição paraníveis acadêmicos, pois foi desenvolvido de maneira clara e direta, epode ser replicado para as mais diversas áreas da animação comotambém de filmes tradicionais.<br> / Abstract : At present note is a growing production of animated films, addingseveral technologies in their creations. In many cases, to optimize thepre-production process of these films we see the need for a betterunderstanding as to use the image and its composition as a visualnarrative. In this context, this study proposes the creation of ananalytical instrument relating camera plans and elements of visualnarrative in the context of animated films. Therefore, a foundationaddressing the fundamental concepts of animation was held cameraplans and the visual narrative. From this framework, it elaborated twomatrices to analyze animation prize at the event 3rd Anima Catarina.Based on the study applied, it was possible to verify the use of elementsof visual storytelling and the degree of complexity of the animation inquestion. Through the organization of the flow analysis andconfiguration of the matrix, it is considered that the study contributes tothe identification of the characteristics, expressive potentialities andspecificities as the visuals and camera plans aimed at improving thestages of pre-production animations developed in academic contexts.The process for the construction of the headquarters, distribution ofscenes, analysis and discussion of the animations also bringscontribution to academic levels, as it was developed in a clear andstraightforward manner, and can be replicated to the various areas ofanimation as well as traditional film.

Dissertação (mestrado)—Universidadea de Brasília, Instituto de Artes, Programa de Pós-Graduação em Artes, 2012. / Submitted by Jaqueline Ferreira de Souza (jaquefs.braz@gmail.com) on 2012-06-12T12:32:33Z No. of bitstreams: 1 2012_Fernando Mourao Gutierrez.pdf: 4248128 bytes, checksum: 7549964035512afb5bf108a137a6d47f (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Ferreira de Souza(jaquefs.braz@gmail.com) on 2012-06-12T12:32:54Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012_Fernando Mourao Gutierrez.pdf: 4248128 bytes, checksum: 7549964035512afb5bf108a137a6d47f (MD5) / Made available in DSpace on 2012-06-12T12:32:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012_Fernando Mourao Gutierrez.pdf: 4248128 bytes, checksum: 7549964035512afb5bf108a137a6d47f (MD5) / A pesquisa investiga o processo de realização audiovisual em animação, elencando seu histórico e descrevendo a sua evolução técnica em virtude do surgimento de novas tecnologias. Analisando seu processo evolutivo discute a influência das novas tecnologias no fazer artístico de animação, desde o acetato, às tecnologias digitais de manipulação de imagens, até a captura de movimento digital. A partir deste contexto histórico, organiza as propriedades que regulam os trabalhos de animação, com base nos modelos industriais e nas produções independentes, que não se sujeitam às regras e amarras criativas estabelecidas pelo mass media. Dentro dessa perspectiva propõe uma reflexão a respeito das motivações de um animador, do que o instiga, e da filosofia que sustenta o ato de animar. Dedica-se a exposição sequencial e normativa da realização de uma obra cinematográfica em animação, estruturando seus passos e a organização de suas propriedades conceituais, norteada pela experimentação de diversas técnicas de animação, a fim de corroborar e fomentar novas discussões para o entendimento do fazer artístico contemporâneo. _______________________________________________________________________________ ABSTRACT / The study investigates the process of realization of audiovisual entertainment, detailing its history and describing its technical evolution because of the emergence of new technologies. By analyzing its evolutionary process discusses the influence of new technologies in the artistic animation, from acetate, the digital technologies of image manipulation, to digital motion capture. From this historical context, organize the properties that govern the animation work, based on industrial models and in independent productions, which are not subject to rules established by the mass media. Within this perspective proposes a reflection on the motivations of an entertainer than the instigator, and philosophy that underlies the act of animating. Dedicated to the sequential and regulatory work for an animated film, structuring their steps and conceptual organization of their properties, guided by experimenting with different animation techniques in order to corroborate and to stimulate further discussions to understand the art making contemporary.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Graduação em Comunicação Social, 2014. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2014-11-28T14:52:50Z No. of bitstreams: 1 2014_AnaCarolinaRoureMaltaSa.pdf: 2400288 bytes, checksum: 0f361ee1f543321d836d7410b2c63798 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2014-12-01T13:40:02Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_AnaCarolinaRoureMaltaSa.pdf: 2400288 bytes, checksum: 0f361ee1f543321d836d7410b2c63798 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-12-01T13:40:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_AnaCarolinaRoureMaltaSa.pdf: 2400288 bytes, checksum: 0f361ee1f543321d836d7410b2c63798 (MD5) / O cinema como expressão poética só é possível a partir do ato criador de um artista que se utiliza de procedimentos estéticos em favor do processo artístico da expressão, concedendo ao filme o caráter de obra de arte e ao espectador a possibilidade de vivenciar uma experiência estética singular. A fotografia é um dos elementos fundamentais para a constituição de um cinema como expressão poética e o fotógrafo o grande responsável por tornar isso possível, já que é ele quem dá o tratamento às imagens a partir dos enquadramentos, da iluminação, do foco, dos movimentos de câmera, da escolha das lentes, dos ângulos e das cores utilizadas. Este trabalho se propõe a investigar as possíveis relações entre cinema e artes plásticas, a partir de recorrências estéticas reveladoras desse diálogo na fotografia cinematográfica de Walter Carvalho, diretor de fotografia brasileiro. Os pares sombra/luz; foco/desfoque; ausência/presença, visível/invisível, opacidade/transparência são formalizações estéticas recorrentes no trabalho de Walter Carvalho, resultado de um trabalho de experimentação com a linguagem cinematográfica que pretende obliterar uma fotografia naturalista, colocando em questão a produção de representações que tem como objetivo levar para a tela a realidade tal como ela é. Para investigar o que se propõe optou-se por um corpus fílmico constituído por três obras que contaram com a direção de fotografia de Walter Carvalho. São elas: Lavoura Arcaica (CARVALHO, 2001); Madame Satã (AÏNOUZ, 2002) and O veneno da Madrugada (GUERRA, 2004). / The movie as a poetic expression is only possible from the creative act of an artist who uses aesthetic procedures in favor of the artistic process of expression, giving the film the character of the art work and to the viewer the chance to experiencing a unique aesthetic frame. The photograph is a fundamental element for the formation of a film as poetic expression and photographer largely responsible for making this possible, since he is the one who gives the treatment to images, such as lights, focus, movement of camera. This work aims to investigate the possible relationship between cinema and visual arts, from film photography by Walter Carvalho, Brazilian cinematographer. Aspects shadow / light, focus / blur, absence / presence, visible / invisible, opacity / transparency are recurring aesthetic formalization in the work of Walter Carvalho. These aesthetic formalizations are result of the work of experimentation with film language that subverts naturalistic photography, questioning the production of representations that aims to represent the reality as it is. To investigate what it claims we chose three films which had the cinematographer Walter Carvalho. They are: Lavoura Arcaica (CARVALHO, 2001); Madame Satã (AÏNOUZ, 2002) and O veneno da Madrugada (GUERRA, 2004).

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Graduação em Comunicação, 2014. / Submitted by Patrícia Nunes da Silva (patricia@bce.unb.br) on 2014-05-15T13:16:12Z No. of bitstreams: 1 2014_MauricioGomesSilvaFonteles.pdf: 28870458 bytes, checksum: 7e6ab4153821ef0a806d20de6a0035fe (MD5) / Approved for entry into archive by Patrícia Nunes da Silva(patricia@bce.unb.br) on 2014-05-15T13:17:08Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2014_MauricioGomesSilvaFonteles.pdf: 28870458 bytes, checksum: 7e6ab4153821ef0a806d20de6a0035fe (MD5) / Made available in DSpace on 2014-05-15T13:17:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2014_MauricioGomesSilvaFonteles.pdf: 28870458 bytes, checksum: 7e6ab4153821ef0a806d20de6a0035fe (MD5) / No universo sonoro da animação, independente da técnica de realização, um dos maiores atrativos e desafios para os produtores é a ausência de sons, considerada muitas vezes como uma “página em branco” do ponto de vista criativo. Visto que na criação de animação não há como captar sons ambientes provenientes dos cenários e nem as vozes do personagens, a construção da camada sonora depende completamente do trabalho de composição realizado pelos editores e técnicos de som, representados no âmbito dessa pesquisa pelos Sound Designers. O estudo se baseia em uma série de questionamentos que atravessam as teorias de áudio e cinema e refletem-se nas questões da representação do espaço de maneira visual e sonora. Considerando os aspectos históricos e tecnológicos que influenciam e permeiam os filmes em animação 3D, a pesquisa visa analisar a sua trilha sonora. Enquanto trilha sonora, compreendemos todos os sons dos filmes, incluindo vozes, efeitos sonoros, ambiências e músicas. Partiremos do princípio de que a animação 3D possibilita uma visualização espacial diferenciada, e que representa com maiores detalhes as características realistas dos espaços e ambientes reais, o questionamento chave para a pesquisa é: como a dimensão sonora influencia nessa representação espacial diferenciada? E a partir desse ponto, quais as influencias sobre à construção da narrativa fílmica? O trabalho de pesquisa aborda a dimensão sonora e sua interação com a imagem no cinema de animação 3D, a partir de uma decupagem e análise de curtas-metragens do estúdio Pixar selecionados no período de 1987 a 2013. Nossa busca é pela definição de um espaço, tomado como imaginário, construído pelo universo da animação e ao longo da pesquisa e análise fomos desvendando as técnicas e composições criadas para essa representação. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / In the sonic universe of animation , regardless of technical realization , one of the biggest attractions and challenges for producers is the lack of sounds , often considered as a "blank page" fromthe creative point of view . Since the creation of animation has no way to capture ambient sounds from the scenarios nor the voices of the characters , the construction of the sound layer completely depends on the composition work done by editors and sound engineers represented within this research by Sound Designers. The study is based on a series of questions that run through the theories of film and audio and reflect on issues of spatial representation of visual and sound manner. Considering the historical and technological aspects that influence and permeate the films in 3D animation, the research aims to analyze its soundtrack. While soundtrack, understand all the sounds from the movies, including voices, sound effects, ambiences and music. Will assume that the 3D animation enables a differentiated spatial visualization, and representing in more detail the characteristics of realistic spaces and real environments, the key question for research is: how the sound dimension that influences differentiated spatial representation? And from that point, which influences on the construction of filmic narrative? The research work addresses the spatial cues and their interaction with the image in the 3D animated film , from a decoupage and analysis of short films selected from Pixar Studios in the period 1987-2013 . Our quest is the definition of a space, taken as imaginary, built by the animation universe. Throughout the research and analysis we’re revealing the techniques and compositions created for this representation.

El objetivo principal de esta investigación es demostrar que el vídeo participativo posee naturaleza fílmica y que puede ser enmarcado dentro del género documental. Con ello se pretende introducir esta práctica en la Teoría del Cine y abrir esta disciplina a nuevas formas de producción cinematográfica colaborativas y horizontales. Para llevar a cabo dicho objetivo, esta investigación se separa en dos fases diferenciadas. En primer lugar, se sistematizará la taxonomía formulada por el teórico Bill Nichols mediante una metodología cuali-cuantitativa que recurrirá a técnicas como el card sorting, procedentes de la Psicología y de la Arquitectura de la Información. En segundo lugar, revisará las nociones de documental de autores importantes dentro de la Teoría del Cine con el fin de extraer una definición agregada y cotejará la bondad con la que la práctica del vídeo participativo puede ajustarse a dicha definición. Por último, clasificará una muestra de vídeos participativos mediante la taxonomía de Bill Nichols previamente sistematizada con el pretexto de conocer cuáles son las alfabetizaciones fílmicas de las comunidades involucradas en esta práctica. / The main goal of this research is to demonstrate that Participatory Video has film nature and that it can be framed into the Documentary genre. By doing so, this work seeks to introduce this practice into the Film Studies and open this discipline to new forms of horizontal and collaborative film production. To satisfy this objective, this research splits in two different phases. Firstly, it will systematize the taxonomy formulated by Bill Nichols through a quali-quantitative methodology that will resort to techniques like card sorting, which come from disciplines such as Psychology or Information Arquitecture. Secondly, it will review the notions of Documentary of several important authors within Film Studies field in order to extract an aggregated definition and will check up to which extent Participatory Video can adjust to it. Finally, this work will classify a sample of Participatory Videos through the previously systematized taxonomy under the pretext of knowing which are the film literacies of the communities involved with this practice. This doctoral thesis expects to tackle with the study of Participatory Video under a perspective from which it has not been already explored. It will introduce, as well, novel quantitative methologies into the Film Studies, a field that researches mainly from the heuristic and literary inquiry and the critical review.

El presente proyecto de investigación parte de la trayectoria utópica literaria que trata sobre las sociedades futuras proyectadas desde Platón hasta H. G. Wells, con objeto de explorar en qué términos el cine universal (en Francia, Alemania, Gran Bretaña, EEUU de América y URSS) ha adaptado sus visiones. Pero esta investigación sobre arquetipos de mitos universales corre en paralelo con otro estudio de arqueología local que tiene su origen en fuentes autóctonas (documentos de archivos, memoria oral...) sobre la llegada de el cine a la población catalana de El Prat de Llobregat (donde está localizado el aeropuerto, junto a la ciudad de Barcelona, de donde procede la autora). La investigación local cubre el período 1907-1936, el mismo que ocupa el principal corpus de investigación basado en las películas internacionales estudiadas. Al mismo tiempo, dicho corpus es relacionado con las principales vertientes de la filosofía de la creación humana (arte, ciencia y sociedad), dedicando una especial atención a las relaciones que se establecen entre las iconografías fílmicas y el ámbito del diseño. Los resultados de la investigación son finalmente comparados con el tratamiento dado en una singular película futurista de animación producida y realizada en 1990 ("Peraustrinia 2004") por ciudadanos de El Prat de Llobregat. El objetivo de esta tesis consiste en sacar a la luz las características y componentes (tanto objetuales como conceptuales) del imaginario futurista detectado en el cine primitivo universal, el cual se descubre que se va generando como modelo arquetipo, continuándose y consolidándose en el cine clásico. Este modelo es asociado con la visión particular del imaginario futuro creado desde el referente local, revelándose que el "mundo global" universal que la cinematografía ha ayudado a generar ha quedado colectivizado y tiende a perpetuarse en el tiempo, siendo muy difícil variar sus componentes; por lo que el modelo arquetipo universal ejerce siempre una mayor influencia sobre el ser humano durante el proceso creativo, en el acto de imaginar un mundo futuro, que las posibles influencias ejercidas a partir de las circunstancias y la historia del "mundo singular" al cual pertenece y que le ha tocado vivir. Por otro lado, a lo largo de esta investigación se descubre que los elementos que poseen mayor carácter de anticipación, no son precisamente los que han sido imaginados a propósito de recrear en el cine un mundo futuro, sino aquellos que se han añadido casualmente con otro fin, como pudiera ser aquel elemento que se introduce con objeto de provocar humor por ejemplo, o para complementar el modelo, y no para describirlo o con la intención de futurizar. Curiosamente este tipo de elementos son los que tienen mas posibilidades de aparecer en un futuro formando parte de nuestro contexto sociocultural. Podríamos decir que la casualidad venida del impulso inconsciente tiene mucho mayor poder visionario que no aquello que conscientemente ha sido representado cuando nos situamos en el mundo que viene. Nos topamos pues, de lleno con las teorías de Karl Jung, quien ya afirmara que el inconsciente actuaba como si estuviese dotado de inteligencia propia. ¿Pero quiere decir esto que nuestro destino está escrito en nuestro inconsciente? Mas bien podemos decir que el ser humano persigue su propio destino, que no es otro que aquello que proyecta como lo ideal o como finalidad utópica, y como tal, sus deseos emergen del inconsciente, apareciendo en la representación imaginaria del mismo modo que podría aparecer en sus sueños; por lo que es posible que se encuentren más tarde, ya fuera de la ficción, los impulsos del inconsciente (deseos que aparecieron en la ficción) con su propio destino. Lo que parece quedar bastante claro, y coincidiendo también con Jung, es que a lo largo de esta investigación se demuestra que poseemos un inconsciente común conformado por arquetipos. Todo ello es explicado en el documento de las conclusiones finales, donde se explica también cuales son las orientaciones de futuro que desde el cine primitivo y clásico se desvelan (como ejemplo puede verse bien reflejado como la cinematografía primitiva que se situaba en el futuro nos advertía ya sobre el peligro de crear en la sociedad falsas necesidades a través de la tecnología.). El documento conclusivo lleva por título: "Orientaciones de futuro desde el objetivo cinematográfico primitivo y clásico. Descripción del modelo arquetipo". Pero deberíamos preguntarnos cual es la razón, de qué manera estamos conectados para que nuestros pensamientos, hallazgos, invenciones, formas representadas..., se configuren similarmente. Al final de esta tesis se ofrece una teoría como hipótesis que podría, dando un paso más a las teorías de Jung, dar una respuesta que nos permitiría explicar la existencia de nuestro inconsciente común. Dicha teoría se recoge en el apartado que lleva por título: "Inconsciente colectivo y transferencia de las ideas: En el umbral de la memoria externa". Dicha teoría principalmente se desarrolla en base a la idea de que si inventamos imitando y copiando a la naturaleza (algo que se desprende ya como denominador común desde la perspectiva utópica), es más que probable que también todo lo que inventemos exista antes en la naturaleza. Por tanto, si el ser humano ha sido capaz de inventar una red de información y contenidos global, accesible a todos los individuos como es Internet, ¿no sería lógico pensar que ello mismo ya exista en la naturaleza y no lo sepamos.? Y por último, esta tesis, que de por sí según su director, Román Gubern, se sustenta en una "estructura atípica aunque original", también incluye una experiencia artística, como ensayo creativo, titulada "Transfer", en la cual el inconsciente común es representado por una mujer de ficción llamada Numen. A los ojos de la humanidad, el mundo de Numen se nos aparece en tonalidades de negros, blancos y grises desde donde controla a los humanos que viven en la Tierra. Nos copia nuestra identidad, registra todos nuestros materiales y transfiere ideas a la civilización que nos ayudan a progresar: es la "inspiración". Toda una utopía en el arte en gran parte inspirada por "Una Utopía Moderna" de H. G. Wells. Pero de esta exposición artística, quizás lo más original sea la transferencia en la que se asocia la fórmula geométrica de la sección áurea (de oro) que calcula la media proporcional ("la perfecta proporción" entre las partes), con el concepto de "idea" en relación al arte y la ciencia, obteniéndose la siguiente reflexión: "La idea es a la ciencia de la misma manera que el arte es a la idea" (lo que es lo mismo: la idea es igual a la raíz cuadrada de arte por ciencia). Todo proceso creativo requiere de un pensamiento científico, así una idea surge como equilibrio entre ambos. Román Gubern en el libro del visitante, dejó escrito: "la retroalimentación idea-arte-ciencia es una brillante idea". / The present project of investigation begins in the literary Utopian path that treats about the future societies projected since Plato up to H. G. Wells, with the object to explore in which terms the universal cinema (in France, Germany, Great Britain, the USA of America and URSS) has adapted its visions. But this research on archetypes of universal myths runs in parallel with another study of local archaeology that has its origin in autochthonous sources (documents of files, oral report...) on the arrival of the cinema to the Catalan population of The Prat de Llobregat (where the airport is located, close to the city of Barcelona, wherefrom the authoress comes). This research covers the period 1907-1936, the same one that occupies the principal corpus of investigation based on the international studied movies. At the same time, the mentioned corpus is related to the principal elements of the philosophy of the human creation (art, science and society) out of the fiction, dedicating a special attention to the relations that are established between the movie iconographies and the area of the design. The results of the research are finally compared with the treatment given in a singular futurist movie of animation (Peraustrinia 2004) produced and realized by citizens of The Prat de Llobregat in 1990. The objective of this thesis consists of extracting to the light the characteristics and components (so much objects as concepts) of the imaginary futurist detected in the primitive universal cinema, which discovers that archetype is generated as model, being continued and being consolidated in the classic cinema. This model is associated with the particular vision of the imaginary future created from the local model, being revealed that the " global world " universal that the cinematography has helped to generate has remained collectivized, tends to be perpetuated in the time, being very difficult to change its components, for what the model universal archetype exercises always a superior influence on the human being when we are imagining a future world, that the exercised one from the circumstances and the history of "singular world " in which we live and we belong. On the other hand, along this research it is discovered that the elements that possess more character of anticipation, are not, precisely, those who have been imagined to recreate in the cinema a future world, nevertheless those that have been added by chance with another purpose (to complement the model as, for example, to provoke humour...), not for describing the future model; curiously these types of elements are those who have more possibilities of appearing outside of fiction in the future, belonging to our real world. We might say that chance (coincidence) which comes from the unconscious impulse has more power of anticipatory vision than that thing which consciously has been represented when we imagine the world that comes. So we connect with, squarely, the theories of Karl Jung, who already was affirming that the unconscious one was acting as if it was provided with own intelligence. But does this want to say that our destiny is written in our unconscious one? Rather we can say that the human being prosecutes his own destiny, which is not other different that those which we project as the ideal thing or as utopian purpose, and as such, our desires emerge of the unconscious one, they appear in the imaginary representation in the same order than they might appear in our dreams; for what is possible that they are later found, already outside of the fiction, the impulses of the unconscious one (which appeared in the fiction as desires) with our destiny. What seems to remain clear enough, and coinciding also with Jung, it is that along this investigation there is demonstrated that we possess the unconscious common one shaped by archetypes. All this is explained in one document with the final conclusions (it's explained too which are the future advice obtained from the primitive and classic cinema, how is this future imaginary.) titled "Future orientations since the objective of the primitive and classic cinematography. Description of the archetype model". But we should wonder what the reason is, of what way we are connected in order that our thoughts, finds, inventions, represented forms ..., conform of so similar form. At the end of this thesis a theory is offered as hypothesis that might, giving to Jung's theories one step more, to give a response that might explain the existence of our unconscious common. The mentioned theory is developed under the title: "Unconscious Collective and Transfer of the Ideas: In the limit of the external memory". This theory principally is based on the idea that if we invent since the imitation and the copy of the nature (what already was detected as common denominator since the Utopian perspective), it is possible that also everything what we invent exists before in the nature. Therefore, if the human being has been capable of inventing a global and accessible net of contents and information to all the individuals as is Internet, it would not be logical to think that it already exists in the nature and we still do not know it. And finally, this thesis, that according to his director, Roman Gubern, it is sustained in a " atypical structure though original ", also includes an artistic experience, as a creative essay, titled "Transfer", in which the unconscious common is represented by a woman of fiction that is called Numen. She lives in a world of black, white and grey tonalities since where she controls humans that live on the Earth, she copies us our identity and she registers all of our materials. She transfers us ideas to the civilization by what we can progress. This is a Utopia in the art inspired by "Una Utopía Moderna" of H.G.Wells. But of this artistic exhibition, probably the most original concept is the transfer in which it is associated the geometric formula of the golden section that calculates the proportional average (" the perfect proportion " between the parts), with the concept of "idea" in relation to the art and the science, obtaining the following reflection: " The idea is to the science in the same way that the art is to the idea " (what is the same that to say: the idea is equal to the square root of art multiplied by science). Any creative process needs from the scientific thoght, so the idea arises from the balance between both. Roman Gubern in the book of the visitor wrote: "the feedback of idea-art-science is a brilliant idea ".

El llenguatge cinematogràfic és un llenguatge artístic i comunicatiu certament complex. El punt de partença del treball és que la presència de la música en els films defineix part dels mecanismes ontològics, narratius, expressius, dramatúrgics, psicològics o, fins i tot, històrics amb què el llenguatge cinematogràfic articula la seva diègesi. Es porta a terme una recerca entorn de l'estudi de la música present en el cinema, posant el focus en l'obra cinematogràfica que el director català Pere Portabella realitza en el període comprès entre 1967 i el 1976. Portabella, nascut a Figueres l'any 1927, desenvolupa la seva activitat com a realitzador cinematogràfic a partir de la segona meitat dels anys seixanta del segle XX. Des d'un punt de vista sincrònic, la episteme de la "imatge contemporània" conjuga, en el seu si, la dualitat del valor icònic i del valor sonor i musical. Així, tot i que aquest treball estudia la música en el cinema, i la relació estètica i formal de la imatge i la música en el conjunt de l'expressió cinematogràfica, aquest és, també, un treball sobre la "imatge", en el qual es prova d'explicar aquest fet: com la música és un element que pertany als mecanismes de la construcció de la imatge moderna i contemporània. Aixi, hem procurat entendre i justificar com la principal construcció icònica del segle XX -la imatge que neix amb el cinematògraf, la imatge que capta, finalment, el moviment del món- adquireix i assimila una dimensió sonora i musical en el seu flux, en el seu camp epistemològic. D'altra banda, des d'una perspectiva diacrònica, el llenguatge cinematogràfic ha evolucionat de manera constant durant el transcurs del segle XX i provem d'estudiar quin ha estat el paper de la música en aquesta evolució. L'anomenada Manera de Representació Primitiva (mrp), pròpia dels inicis del cinematògraf, es transforma en la Manera de Representació Institucional (mri), que s'expressa en el cinema considerat clàssic. A partir dels anys seixanta, quan amb l'eclosió a Europa dels Nous Cinemes la mri és posada en dubte, estudiem una nova concepció cinematogràfica anomenada "cinema de la modernitat" o Manera de Representació Moderna. És en aquest darrer període en què podem contextualitzar la proposta cinematogràfica de Pere Portabella en el període 1967-1976: en certa manera, Portabella inaugura la modernitat cinematogràfica a l'Estat Espanyol, subvertint amb el seu cinema els cànons del llenguatge de la mri. La nostra investigació procura atendre com Portabella articula aquesta subversió del llenguatge cinematogràfic a través de la música; és a dir, l'estudi des d'un punt de vista estètic, de com el cineasta situa la seva praxi artística als marges de la sintaxi imperant i quin és el valor que té, la presència de la música, en l'articulació d'aquesta proposta cinematogràfica moderna. L'anàlisi del cinema del director català en la seva etapa 1967-1976, ens permet estudiar aquesta "imatge" en l'articulació moderna del cinema i atendre la seva relació amb la música en aquesta epistem que, en el transcurs del treball, anomenem "imatge musicada". Proposem aquest terme -"imatge musicada", entesa com a aquella expressió, aquell flux de vibracions i d'ones, de sons i de llum, que aglutina en el seu si la dimensió icònica pròpia de la (re)presentació visual i la dimensió sonora pròpia del llenguatge musical de la "imatge"-, per enfocar, d'una manera original i interdisciplinària, l'estudi de la "imatge" i la música en la construcció del llenguatge cinematogràfic modern a través de l'anàlisi dels films del director català. Les característiques estètiques i l'evolució d'aquesta formulació epistemològica és el que aquest treball ha estudiat, investigació que s'ha concretat en l'anàlisi de l'obra cinematogràfica de Pere Portabella.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Graduação em Comunicação, 2015. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-03-01T12:13:23Z No. of bitstreams: 1 2015_RonaldSouzadeJesus.pdf: 8688639 bytes, checksum: 78957dc813e5ada01a91e98d675f7510 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana(raquelviana@bce.unb.br) on 2016-03-01T19:13:13Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_RonaldSouzadeJesus.pdf: 8688639 bytes, checksum: 78957dc813e5ada01a91e98d675f7510 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-03-01T19:13:13Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_RonaldSouzadeJesus.pdf: 8688639 bytes, checksum: 78957dc813e5ada01a91e98d675f7510 (MD5) / Unindo métodos de análise de conteúdo, análise fílmica, crítica de processo, entrevistas não estruturadas realizadas com diretores de fotografia e guiando-se pelos conceitos de Choque Lumínico e de fiat lux, este trabalho apresenta um corpus composto por 35 filmes de Sertão lançados entre 1996 - ano que marca a Retomada do Cinema Brasileiro – e 2013. O texto expõe um panorama das luzes e das sombras no Sertão do cinema de ficção sob as seguintes categorias de análise: luz, sombra, temperaturas de cor, luminosidade, formatos e suportes de captação – elementos físicos responsáveis pela materialização dos roteiros em narrativas visuais. Após uma análise panorâmica, a leitura volta-se para três filmes que, em conjunto, reúnem características de iluminação presentes em todo o corpus: Guerra de Canudos (1997), A máquina (2006) e À beira do caminho (2012). / Joining methods of content analysis, film analysis, criticism of process, unstructured interviews conducted with directors of photography and guided by the concepts of Luminous Shock and fiat lux, this work presents a corpus composed of 35 films released between 1996 - year that marks the Resumption of Brazilian Cinema – and 2013. The text exposes a panorama of lights and shadows in the Brazilian Backland - Sertão - of cinema of fiction under the following categories of analysis: light, shadow, color temperature, brightness, formats and media of recording, physical elements responsible for the materialization of the scripts in visual narratives. After the panoramic analysis, the reading turns to three films that, together, bring together lighting features present throughout corpus: Guerra de Canudos (1997), A máquina (2006) and À beira do caminho (2012).

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Gradução em Comunicação, 2012. / Submitted by Elna Araújo (elna@bce.unb.br) on 2012-06-28T22:14:28Z No. of bitstreams: 1 2012_CesarHenriquedaRochaArrais.pdf: 25651919 bytes, checksum: 70b9e8a3125286a3162a4437b1829d17 (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Ferreira de Souza(jaquefs.braz@gmail.com) on 2012-07-04T12:13:30Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2012_CesarHenriquedaRochaArrais.pdf: 25651919 bytes, checksum: 70b9e8a3125286a3162a4437b1829d17 (MD5) / Made available in DSpace on 2012-07-04T12:13:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2012_CesarHenriquedaRochaArrais.pdf: 25651919 bytes, checksum: 70b9e8a3125286a3162a4437b1829d17 (MD5) / Uma reflexão acerca da linguagem e das estratégias narrativas no cinema documentário contemporâneo é o objetivo deste projeto de pesquisa. A investigação é realizada a partir da análise do filme israelense Valsa com Bashir (2008), que se tornou um marco na história da não-ficção ao radicalizar tendências que há décadas vinham se constituindo de forma marginal aos postulados clássicos dessa cinematografia, encarnados, sobretudo, no estilo cinema direto e cinéma vérité. A obra do diretor Ari Folman propõe um mergulho na memória de seus personagens, construindo-se a partir de suas subjetividades. Consegue, assim, trazer para o discurso realista característico do documentário elementos pouco usuais como sonhos, alucinações e reminiscências carregadas de traumas e culpas. Mais que isso, Valsa com Bashir dá vida a tais elementos intangíveis, representando-os na realidade imagética por meio da técnica da animação, estruturando uma história em que o mundo fático e o mundo da imaginação misturam-se e revezam-se de forma caótica. Tudo isso tendo como pano de fundo um dos mais infames episódios das seis décadas de embate entre israelenses e palestinos na Terra Santa: o massacre de Sabra e Chatila durante a Guerra do Líbano em 1982. Ao expor a dor dos ex-combatentes e ao reconhecer a tragédia palestina, Valsa com Bashir aproxima-se de parte expressiva da cinematografia produzida atualmente em Israel, que caracteriza-se por apresentar visões alternativas acerca do conflito. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / A reflection about the language and the narrative strategies of the contemporary documentary cinema is the purpose of this project. The research is carried out from the analysis of the Israeli full-length film Waltz with Bashir (2008), which became a milestone in the nonfiction history by radicalizing tendencies which had been constituted on the borderline of the classical postulates of the nonfiction cinematography for decades, embodied, especially, in styles like the direct cinema and the cinéma vérité. The film directed by Ari Folman comes up with an excursion throughout the depths of character’s memories, building up its storyline through their subjectivities. Thereby, it brings unusual elements like dreams, hallucinations and recollections replete of trauma and guilt to the documentary’s realistic discourse. More than that, Waltz with Bashir gives life to these intangible elements, depicting it on the imagery reality through animation techniques, structuring a story where the factual world and the imaginary one mix and switch among themselves chaotically. All this considering as background one of the most infamous episodes of the six decades of clashes between Israelis and Palestinians in the Holy Land: the massacre of Sabra and Chatila during the Lebanon War in 1982. By exposing the former soldiers pain and recognizing the Palestinian tragedy, Waltz with Bashir approaches to significant part of the current cinematography produced in Israel, characterized by presenting alternative points of view about the Israel-Palestine conflict.

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação, 2013. / Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2013-11-13T09:51:57Z No. of bitstreams: 1 2013_ErizaldoCavalcantiBorgesPimentel.pdf: 11207658 bytes, checksum: 1f01dbb60baffc7b0b84dfd3f0723c6f (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-11-13T13:12:29Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_ErizaldoCavalcantiBorgesPimentel.pdf: 11207658 bytes, checksum: 1f01dbb60baffc7b0b84dfd3f0723c6f (MD5) / Made available in DSpace on 2013-11-13T13:12:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_ErizaldoCavalcantiBorgesPimentel.pdf: 11207658 bytes, checksum: 1f01dbb60baffc7b0b84dfd3f0723c6f (MD5) / Esta pesquisa é parte integrante do grupo "Linguagens audiovisuais, arte, conhecimento e educação no mundo contemporâneo", na área de pesquisa "Educação, Tecnologias e Comunicação (ETEC)", da Pós-Graduação da Universidade de Brasília (UnB), sob a coordenação da professora Dra. Laura Maria Coutinho. Nela verificamos que, entre tantas estratégias adotadas pelos professores para a dinamização de suas aulas, uma, especialmente, apresenta grandes resultados e as pesquisas indicam que apenas demos os primeiros passos na exploração de seu grande potencial: trata-se da produção de vídeos com e para os alunos. Esta tese apresenta resultados colhidos após a realização da oficina “Cine Com Ciência”, no âmbito da qual foram apresentados os elementos da linguagem cinematográfica para um grupo de alunos de uma Escola de Ensino Médio, no Cruzeiro – DF. Após três meses e vinte e oito dias de encontros realizamos a montagem do vídeo “100% Completamente Bem Resolvida” que, expressivamente, motivou os nove alunos participantes da Oficina e envolveu quinze professores e cem alunos em sua produção. Os resultados indicam que a utilização de vídeos na escola é algo irreversível; mesmo atualmente é preciso estudar a história da construção da linguagem cinematográfica para apreendê-la em sua extensão e complexidade, e que a estratégia de montar vídeos com os alunos abre possibilidades para o diálogo, gerando aprendizagem sobre a linguagem cinematográfica, além de permitir o debate de assuntos relativos ao universo juvenil, incluindo os estudados nas disciplinas das escolas. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This research is part of the "audiovisual languages, art, knowledge and education group in the contemporary world" in the "Education, Communication and Technology (ETEC)" search area, at the Graduate Program at the University of Brasilia (UnB), coordinated by Professor Dr. Laura Maria Coutinho. In this paper, we find that among the many strategies used by teachers to boost their classes, one especially has shown great results and researches indicate that it has only given the first steps in the exploration of its great potential, which is the production of videos made by and for the students. This thesis presents results from the completion of the workshop "Cinema with Science", under which was presented the elements of film language to a group of students from a High School, in Cruzeiro - DF, in Brasília, Capital of Brazil. After three months and twenty-eight days of meetings, we performed the edition of the video "100% Completely Well Settled", which significantly motivated nine students former workshop participants and involved fifteen teachers and one hundred students in its production. The derived results indicate that the use of videos in school is something irreversible, that even today it is necessary to study the history of the construction of cinematic language to grasp it in its length and complexity, and that the strategy of making videos with students opens possibilities for dialogue, generating learning about film language and it allows the discussion of issues related to the youth universe, including the subjects studied in schools.