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The portfolio of compositions comprises six pieces: a chamber opera, an orchestral piece and four shorter chamber works. These pieces are diverse and distinct from one another but collectively explore aesthetic tensions relating to tonality, aura and ontology. The largest piece is a chamber opera setting Margaret Atwood's novel, The Handmaid's Tale, which has been flexibly scored as a series of fragments in order to reflect the quality of her text. The remaining pieces draw influence from poetry, landscape and the environment. They all encompass a series of material contrasts but attempt to simply contain these tensions in some way, leaving them partially unresolved. The thesis is a re-assessment of the music of the Ukrainian composer, Valentin Silvestrov, in particular, his 'metamusic' approach to composition that treats pre-existing styles as a form of musical metaphor. Through a series of comparisons with landscape and photography, I offer new vantage points for approaching the aesthetic issues present in his work, relating to aura, imitation and historical reference. The metaphors of landscape and photography might appear far removed from his work, but mediated by the work of the artist Gerhard Richter, offer a basis for critically analysing Silvestrov's approach. Furthermore, by drawing upon the theories of Walter Benjamin, Roland Barthes and the geographer, Stephan Harrison, I demonstrate how concepts from other disciplines can be recast in order to be effective for approaching both Silvestrov and Richter. As a form of conclusion, I consider the role of photography in the production of CD covers and how this relates to the reception of Silvestrov's metamusic in a commercial setting.

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Trataremos de posturas composicionais e interpretativas que abordam a questão da fisicalidade presente na atuação instrumental, em situações nas quais as potencialidades do conjunto executante - instrumento são levadas a situações limite. Isso se dará levando-se em consideração as seguintes variáveis: características intrínsecas do instrumento; interação do intérprete com o instrumento; elementos mecânicos de interferência nessa relação. Serão abordadas, especialmente, obras dos compositores Helmut Lachenmann, Iannis Xenakis, Brian Ferneyhough, Aaron Cassidy e Simon Steen-Andersen. Também será abordada a produção artística do autor do trabalho. / In this work we deal with music, both from the composition as well as from the performance viewpoints, in which the potentials of the relationship between performer and musical instrument are taken to limit situations. This is done with an analysis of the following elements: specific and intrinsic characteristics of an instrument; interaction between performer and instrument; mechanical elements of interference in this relationship. We will approach, specially, works of Helmut Lachenmann, Iannis Xenakis, Brian Ferneyhough, Aaron Cassidy and Simon Steen-Andersen. Recent musical pieces of the author of this work will also be mentioned.

A presente pesquisa se propõe a investigar as características fundamentais da música-teatro de Gilberto Mendes. O trabalho divide-se em três partes. No primeiro capítulo, apresentamos uma ampla revisão bibliográfica sobre o desenvolvimento do gênero música-teatro, buscando sua raiz desde a ideia de Gesamtkunstwerk de Wagner, passando pelas experiências das primeiras décadas do século XX, até seu estabelecimento de fato como uma prática, nos anos 60. Também procuramos promover um diálogo entre a obra de Gilberto Mendes e as pesquisas contemporâneas sobre música-teatro, especialmente com Salzman & Dési (2008) e Roesner & Rebstock (2012), a fim de inserir o compositor dentro da discussão internacional sobre o gênero. No segundo capítulo, investigamos minuciosamente os principais traços constituintes da linguagem composicional de música-teatro do compositor, visando identificar seus processos mais recorrentes e idiomáticos. Por fim, no terceiro capítulo analisamos quatro obras de Gilberto Mendes: Cidade (1964), Son et Lumière (1968), O Último Tango em Vila Parisi (1987) e Escorbuto - Cantos da Costa (2006). Para desenvolver as análises, adaptamos a teoria de multimídia musical de Nicholas Cook (1998), de modo que pudéssemos identificar os tipos de relações e soluções operados por Gilberto Mendes na composição com elementos artísticos de origens diversas. Consideramos que esta pesquisa contribuirá para as pesquisas sobre a música-teatro produzida fora dos grandes centros europeus, além de aumentar o escopo de estudos sobre o gênero no Brasil e, especialmente, sobre a produção de Gilberto Mendes. / This current research aims at investigating the fundamental characteristics of Gilberto Mendes\'s music theater. This work is divided into three parts. In the first chapter, we present a broad bibliographical review about the development of music theater genre, seeking its root from Wagner\'s idea of Gesamtkunstwerk, going from the experiences of the first decades of the twentieth century to its actual establishment as a practice, in the 60s. We also seek to promote a dialogue between Gilberto Mendes\'s works and contemporary researches on music theater, especially Salzman & Dési (2008) and Roesner & Rebstock (2012), in order to insert the composer into the international discussion about the genre. In the second chapter, we scrutinize the main constituent features of the composer\'s compositional language of music theater, in order to identify its most recurrent and idiomatic processes. Finally, in the third chapter we analyze four Gilberto Mendes\'s works: Cidade (1964), Son et Lumière (1968), O Último Tango em Vila Parisi (1987) and Escorbuto - Cantos da Costa (2006). In order to develop the analyses, we adapted Nicholas Cook\'s musical multimedia theory (1998), so that we could identify types of relations and solutions operated by Gilberto Mendes in the composition with artistic elements from diverse origins. We consider that this research will contribute with music theater researches done outside major European centers, in addition to increasing the scope of studies about this genre in Brazil and, especially, about Gilberto Mendes\'s production.

O presente trabalho aborda os 7 Estudos para piano de Gilberto Mendes, utilizando a análise voltada para questões interpretativas. Ao conjugar esse objetivo com o de registrar as técnicas composicionais utilizadas, procuramos relacioná-los com algumas obras anteriores buscando, assim, um maior entendimento da linguagem deste que é considerado um dos maiores compositores brasileiros da atualidade. Reunido esse grupo de obras, e observando-as segundo esses critérios, procuramos elaborar um trabalho que possa servir de incentivo a posteriores pesquisas sobre Mendes e o repertório brasileiro contemporâneo para piano. Acrescentamos também a este trabalho a edição digitalizada dos quatro estudos do autor que permaneciam inéditos, a fim de facilitar o acesso a essas obras ainda pouco divulgadas, bem como a transcrição de uma entrevista com o compositor acerca de seu processo criativo. Acompanha este trabalho um disco compacto contendo gravações de alguns estudos pelo pianista e professor José Eduardo Martins, além de uma conversa entre os dois músicos. / This work approaches the seven piano Études by Gilberto Mendes in an analysis focusing interpretation issues. In combining this objective to that of registering the compositional techniques applied, we tried to compare these pieces to earlier works, looking for a better understanding of the language of this composer who is considered one of the best in Brazil today. Having gathered this group of works and observed them according to these criteria, our aim was to write a study that could encourage further research on Mendes and the contemporary Brazilian piano repertoire. To facilitate access to these less publicized pieces, a digital edition of the four previously unreleased Mendes études has also been added to this work, as well as a transcript of an interview with the composer about his creative process. A compact disc featuring some of the études, interpreted by pianist and professor José Eduardo Martins and followed by a recorded conversation between the two musicians is also enclosed in this work.

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The second part presents the paper, which aims to study the use of multiple percussion in Iannis Xenakis solo and mixed chamber music, identifying and discussing performance characteristics of this set of works as well as idiosyncratic elements of percussion written by this composer. The paper begins with the concept of multiple percussion, historically situates the percussion in Western classical music during the twentieth and twenty-first centuries, and underscores the importance of Iannis Xenakis as a composer for this new lineage of percussion. The paper also proposes an approach to the works in which there is one percussionist playing multiple percussion set-ups, in solo or mixed chamber music context. Thus, the selected works are: Psappha (1975), Dmaathen (1976), Komboï (1981), Kassandra (1987), Oophaa (1989), Rebonds (1987/89) and Plektó (1993). After delimiting the repertoire to be studied, this paper identifies and discusses four characteristics of the works: (1) instrumentation, (2) the use of polyrhythms, (3) issues relating to the impossibilities in Xenakis’ music and (4) the use of polyphonic textures. The discussion section suggests traits that characterize the composer’s writing, identifying elements of recurrent use in various works, developing benchmarks, proposing technical solutions and developing interpretive conceptions that seek to contribute in the preparation of the performance of this set of works. / Esta pesquisa está organizada em duas partes: A – Produção artística e B – Artigo. A primeira parte apresenta os programas e as notas de programa dos concertos de qualificação e defesa, realizados, respectivamente, nos dias 23 de agosto de 2013 e 25 de abril de 2014. A segunda parte consiste no artigo, que tem como principal objetivo estudar a utilização da percussão múltipla em obras solo e de câmara mista de Iannis Xenakis, identificando e discutindo particularidades da performance desse conjunto de obras, bem como elementos idiossincráticos na escrita percussiva do compositor. O artigo parte da conceituação de percussão múltipla, situando historicamente a percussão na música clássica ocidental durante os séculos XX e XXI, e ressalta a importância de Iannis Xenakis como compositor para essa nova linhagem do fazer percussivo. O trabalho também propõe dar um enfoque nas obras em que há um percussionista tocando percussão múltipla, seja solo ou em um contexto camerístico misto. Assim, as obras selecionadas e discutidas ao longo deste artigo são: Psappha (1975), Dmaathen (1976), Komboï (1981), Kassandra (1987), Oophaa (1989), Rebonds (1987/89) e Plektó (1993). Delimitado o repertório a ser estudado, este artigo identifica e discute quatro particularidades das obras: (1) instrumentação, (2) uso de polirritmias, (3) questões referentes a impossibilidades na música de Xenakis, e (4) uso de texturas polifônicas. A discussão aponta traços que caracterizam a escrita do compositor, identificando elementos de uso recorrente nas diversas obras, elaborando pontos referenciais, propondo soluções técnicas e desenvolvendo conceitos interpretativos que buscam contribuir para a preparação da performance do conjunto de obras.