Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Dans l’histoire de la musique occidentale, de nombreuses formes orchestrales se sont imposées de l’orchestre symphonique aux ensembles de musique de chambre. L’intérêt pour ces formes s’est rarement porté sur les ensembles d’instruments à vent particulièrement adaptés à la musique de plein air. Le choix de la longue durée historique laisse entendre tous les possibles d’une histoire politique, culturelle et sociale de 1700 à 1914. Les conditions dans lesquelles sont nés et se sont développés ces ensembles en France, permet d’en voir leur usage, leur répertoire, leur sociabilité et leur impact sur la vie musicale.L’histoire de l’ensemble à vent est complexe. Musique ostentatoire ou militaire il est pendant longtemps l’objet sonore du pouvoir. L’étude des conditions de la création musicale spécifique pour ces ensembles fait apparaître des usages musicaux particuliers et permet d’établir un premier recensement d’oeuvres originales et de compositeurs, tout en montrant les relations entre création musicale savante et usage utilitaire ou populaire.La pratique instrumentale évolue avec les innovations de la facture tout comme l’art de l’orchestration. Le statut des musiciens évolue du professionnalisme à l’amateurisme orphéonique. La modélisation de la musique d’harmonie ou de fanfare et son instrumentalisation par le pouvoir lui confère une fonction représentative officielle. Le modèle « français » se répand sur tous les continents. Parallèlement, d’un usage ostentatoire et privé, l’ensemble à vent devient musique du peuple et sa pratique se diffuse sur l’ensemble du territoire national imposant un mode original de transmission musicale en marge des enseignements officiels et en quête de reconnaissance.Entre unité et diversité cette étude invite à redécouvrir la part patrimoniale des ensembles d’instruments à vent dans les champs historiques, sociologiques et musicologiques, à l’heure où, pour de multiples raisons, ces ensembles sont menacés. / In the history of western music, a lot of different shapes of bands grew on, from the symphony orchestra to the chamber music ensembles. But among these bands, the wind bands hardly attracted interest to perform outdoor music. With the choice of a historically long time period we are able to imagine all that their political, cultural and social history could be, from 1700 to 1914. The conditions of birth and development of these ensembles allow us to observe what their uses, repertoire and sociability were and what was their impact on musical life.The history of the wind band is complicated. For a long time period, being either conspicuous music or military music, it was used by the political power as an object of expression. Studying the conditions of musical creation of these ensembles reveals specific musical uses. It enables to establish a first inventory of original works and composers, while linking scholar musical creation and practical or popular use.The instrumental practice changes according to the innovations in the making process, as the orchestration art. The musicians' status evolves from professionalism to band amateurism. The establishment of a model of concert band music or brass band music and its exploitation by the political power leads to an official representative function. France becomes all over the world a country to look up to in this matter. At the same time the wind ensemble, for a conspicuous and private use, happens to become the music of the people. Its practice spreads throughout France, setting a specific way to pass music on, detached from the official teachings and in search for recognition.Between unity and diversity, this study is an invitation to discover again the cultural heritage of the wind bands in the history, sociology and musicology fields, when today these bands are threatened.

La notion d'instrumentalité peut être définie comme la relation corporelle entre un humain et un objet physique, dit instrument. Ce corps à corps intime, qui adresse simultanément les différents canaux sensoriels d'action et de perceptions humaines, constitue un vecteur pour la connaissance enactive. Cette relation instrumentale joue notamment un rôle clé pour la richesse expressive des instruments musicaux.Dans le contexte informatique, un vaste champ de recherche concerne l'interaction sensorielle avec des entités virtuelles par le biais de capteurs et d'actionneurs, notamment l'interaction gestuelle avec les systèmes à retour d'effort. D'une part, les Réalités Virtuelles, historiquement centrées sur la visualisation, focalisent essentiellement l'interaction gestuelle sur des propriétés spatiales, souvent au détriment de qualités dynamiques. D'autre part, les Instruments Musicaux Numériques sont essentiellement centrés sur le contrôle interactif de processus de synthèse sonore numériques, basés sur le traitement de l'information. Ces deux scénarii synthétisent des phénomènes sensoriels destinés à différents canaux perceptifs selon une approche multimodale, l'objet virtuel étant décomposé en sous-parties, liées entre elles par des relations de contrôle.Il est néanmoins possible de concevoir des systèmes permettant l'interaction instrumentale avec un objet virtuel simulé, avec une cohérence énergétique bidirectionnelle totale, du geste au son et réciproquement. Il est alors nécessaire de regrouper (a) un formalisme de modélisation physique permettant la création d'objets virtuels intrinsèquement multisensoriels, possédant à la fois des propriétés visuelles, acoustiques et haptiques, (b) des systèmes à retour d'effort de grande performance dynamique et (c) des architectures de calcul spécialisées, permettant une boucle de simulation synchrone réactive à haute vitesse.Le travail de cette thèse consiste en l'extension et la convergence des concepts et techniques ci-dessus pour la mise en œuvre d'une plateforme de création musicale instrumentale, dite MSCI (modeleur-simulateur pour la création instrumentale), en proposant une répartition multifréquence du calcul de simulation des instruments virtuels sur une nouvelle architecture matérielle synchrone. Un environnement de modélisation permet de concevoir intégralement l'instrument virtuel sur des principes mécaniques et physiques et de configurer le couplage physique entre celui-ci et l'utilisateur du monde réel lors de la simulation à retour d'effort.Il adresse entre autre la question de la répartition de la chaine instrumentale en zones à caractère majoritairement non-vibrant, dont la dynamique est de l'ordre du geste sensori-moteur humain, et en zones vibrantes, productrices du son. Ces deux parties de l'instrument peuvent être simulées à des fréquences différentes, adaptées aux phénomènes physiques dont elles sont le siège. Dans le cadre d'un formalisme de simulation physique garantissant la cohérence énergétique des objets simulés, la séparation multifréquence est une problématique nouvelle qui nécessite d'être abordée avec précaution, pour des questions de respect du couplage physique ainsi que de stabilité numérique.Il s'agit, à notre connaissance, du premier environnement de création musicale par modélisation physique modulaire permettant la manipulation instrumentale d'instruments virtuels multisensoriels, respectant une cohérence énergétique entre homme et instrument, et permettant de jouir du potentiel créatif de la synthèse sonore tout en retrouvant l'intimité et la richesse de l'interaction gestuelle instrumentale. Au delà du cadre musical, ce travail pose les bases et les outils technologiques pour un véritable art multisensoriel, adressant conjointement la vision, l'oreille ainsi que le geste humain. / The notion of instrumentality can be defined as the corporal relationship between a human and a physical object, called an instrument. This intimate situation simultaneously addresses the various human action and perception sensory canals, and constitutes a vector for enactive knowledge. In particular, this instrumental relationship plays a key role in the expressiveness of musical instruments.In the digital context, a vast area of research concerns sensory interactions with virtual entities, by means of sensors and actuators, including gestural interaction with force feedback systems. On the one hand the Virtual Reality domain, historically focused on visual aspects, generally focus gestural interaction on spatial features, often losing the focus of dynamic features. On the other hand, Digital Musical Instruments are essentially centered on interactive control of digital sound synthesis processes, grounded in information technologies and signal processing. These two approaches synthesize sensory phenomena destined to different perceptive channels following a multimodal approach, the virtual object being decomposed into subsections, linked together by control relations.It is however possible to conceive systems that allow for instrumental interaction with a virtual simulated object, maintaining total and bidirectional energetic coherence, from gesture to sound and reciprocally. In this case, it is necessary to bring together (a) a physical modeling formalism that allows creating intrinsically multisensory virtual objects that possess visual, acoustical and haptic properties, (b) force feedback systems with high dynamic performances and (c) specialized computation architectures that allow for a reactive, high rate synchronous simulation loop.The work of this thesis consists in the extension and convergence of concepts and techniques hereby mentioned here-above, in order to create a platform for instrumental musical creation, named MSCI (Modeleur Simulateur pour la Création Instrumentale), proposing a multi-rate architecture for the simulation of virtual musical instruments on a new dedicated simulation architecture. A modeling environment allows complete design of the virtual instrument based on mechanical and physical principles, and to configure the haptic coupling between this instrument and the user during the force-feedback simulation.Notably, it addresses the separation of the instrumental chain into zones which present mostly non-vibrating phenomena within a dynamic range close to the human sensory-motor gesture, and zones which vibrate at acoustical rates, producing sound. These two sections of the instrument may be simulated at different rates, adapted to the physical phenomena that they give birth to. In the scope of a physical modeling formalism that guarantees the energetic coherence of simulated objects, this multi-rate separation is a new topic that requires careful handling, in terms both or respect of the physical coupling and of numerical stability.To our knowledge, this is the first environment for musical creation by means of physical modeling that allows for instrumental manipulation of multisensory virtual instruments, respecting an energetic coherence between the human and the instrument, and therefore allowing embracing the creative potential of digital sound synthesis while disposing of the intimacy and expressiveness of instrumental gestures. Beyond the musical scope, this work provides the basis and the technological tools for the emergence of a true multisensory form of art, jointly addressing vision, hearing and gesture.

Ce document présente une démarche de recherche-création, intitulée Worst Practices, développée dans le cadre d’un Doctorat en Composition et Création Sonore effectué au sein de la Faculté de Musique de l’Université de Montréal. Il est lié une série de compositions qui sont le volet pratique de ce projet. Ce texte précise les notions théoriques sur lesquels il s’appuie. Il présente d’abord différentes stratégies compositionelles appliquées au sein de ce projet. Dans un second temps il procédera à une analyse des différentes pièces réalisées en présentant une première série des projets qui ont inspirés cette démarche, un second ensemble de pièces ou les techniques proposées apparaissent plus consciemment, pour enfin présenter deux projets plus conséquents qui ont été entièrement constitués selon le concept de Worst Practices. Cette démarche s’inspire de la notion de bifurcation néguentropique, proposée par le philosophe français Bernard Stiegler, et consiste en une voie artistique en réaction à un environnement où l’accélération technologique est source d’aliénation et ou la surproduction pose la question de la pérennisation de son travail. Ainsi une continuité avec la démarche d’artistes tels que Frank Zappa, Charles Mingus, ou encore Erik Satie, est établie. Par la suite une série de stratégies déviantes est présentée en commençant pas l’analyse de ‘mauvaises’ habitudes de travail volontairement assumées, puis par la description de méthodes artistiques : le détournement, le débordement et la déconstruction-lacération. Ces approches de création seront ensuite identifiées au cours des analyses qui occupent les trois derniers chapitres de ce texte. Dans ce cadre, la manière dont ces pratiques ont évolué au sein de ce projet de recherche-création sera mise en avant pour illustrer le déploiement progressif des Worst Practices dans cette série de compositions. / This document presents a research-creation process, referred to as Worst Practices, developed over the course of a Doctorate in Composition and Sound Creation at the Music Faculty of the University of Montreal. It is linked to a series of compositions that are the practical dimension of this project. This text addresses the theoretical notions on which it rests. It begins by presenting various compositional strategies applied within this project. In a second phase an analysis of the various compositions will be performed starting with a first group of works that inspired this process, a second group where several of the proposed techniques begin to appear more voluntarily, to finally present to more ambitious projects that were entirely formalised through the concept of Worst Practices. This course of action is inspired by the notion of neguentropic bifurcation, developed by the French philosopher Bernad Stiegler, and consists of an artistic path in reaction to an environment in which technological acceleration is the cause for alienation and where overproduction causes artists to question the perennity of their work. It thus establishes a continuity with artists such as Charles Mingus, Frank Zappa and Erik Satie. Following this a series of deviant strategies is presented starting with voluntary ‘bad’ work habits, and then describing artistic methods employed such as diversion, overflowing and shredding. These creative approaches will be identified throughout the analyses in the three final chapters of the text. In this context, the way these practices evolved within this research-creation project will be put forward in order to illustrate the progressive deployment of Worst Practices in this series of compositions.

La société musicale égyptienne est épanouit au début du vingtième siècle avec l’apparition des mouvementsréformistes. La constitution de cette société marquera sans doute profondément le paysage musical du répertoireclassique, mais c’est surtout à partir des années vingt et trente que tout un mouvement de jeunes musiciens essaierade faire une musique d’inspiration occidentale. Le compositeur-interprète égyptien Mohammad ‘Abd al- Wahhāb abien reflété ce mouvement rénovateur à travers son style de création musicale varié entre tradition et modernité,intertextualité et originalité, formalisme et liberté. Le répertoire de M. ‘Abd al- Wahhāb est un exemplereprésentatif pour étudier les premières tentatives de modernisation faisant appel à un métissage avec la musiqueoccidentale et bouleversant les paramètres : syntaxe, esthétique et style. Notre thèse a pour but de détecter les signesde la tradition et de la modernité apportés sur la forme musicale la plus authentique telle que l’improvisation vocalelayālī et mawwāl, en se basant sur une analyse comparative des oeuvres des grands maîtres qui ont marqué de leursempreintes le corpus de la musique égyptienne savante. Cette étude va permettre de dégager les constantes et lesvariantes qui ont déterminé l’évolution du répertoire de la musique traditionnelle au lendemain de la premièreguerre mondiale et d’étudier le processus adopté par M. ‘Abd al-Wahhāb pour imposer le renouveau contre leconservatisme tout en assurant le maintient de l’identité du système musical. / The Egyptian music society flourished in the early twentieth century with the apparition of the reformist movements.The constitution of this society would with no doubt deeply leave its marks on the music landscape of the classicrepertoire. However, it is especially from the twenties and the thirties that an entire movement of young musicianswould try a new music of western inspiration. The Egyptian composer-singer Mohammad ‘Abd al-Wahhāb wellreflected this innovation movement through his style of music creation, varying between tradition and modernity,intertextuality and originality formalism and liberty. The repertoire of Mohammad ‘Abd al-Wahhāb is arepresentative example to study the first attempts of modernization appealing to a mixture with western music andturning upside down the parameters: syntax, aesthetics and style. The aim of our thesis is to detect the signs oftradition and modernity brought to the most authentic music form such as vocal improvisation layālī and mawwāl,taking as a basis a comparative analysis of the works of the great Masters who left their marks on the corpus of theEgyptian skilful music. This study will allow to extract the constants and the variants that determined the evolutionof the repertoire of the traditional music in post World War I and to study the process adopted by Mohammad ‘Abdal-Wahhāb to impose the renewal against conservatism by assuring the maintaining of the identity of the musicsystem.

Instrument privilégié des compositeurs d’aujourd’hui, l’accordéon est désormais doté d’un vaste répertoire de musique savante : que ce soit en solo, en musique de chambre, dans l’ensemble ou l’orchestre, la profusion des œuvres est le témoignage d’une intégration de plus en plus grande de cet instrument à la création musicale et l’orchestration contemporaine. Cette recherche explore le développement de la création musicale contemporaine pour l’accordéon en Europe depuis 1990 : la constitution d’un corpus de plus de 9100 œuvres – Ricordo al futuro – est le point de départ d’une étude sociologique sur les raisons qui ont motivé ce développement, un regard sur la définition d’une nouvelle identité sonore de l’instrument et une analyse des différentes conceptions esthétiques du répertoire des accordéonistes en Europe. Par la création d’outils à destination des interprètes et des compositeurs, cette recherche se donne pour objectif d’encourager la diffusion d’œuvres récentes auprès de tous les publics. / Cherished by many composers today, the contemporary accordion posseses a vast body of art music. Whether it be solo, chamber, ensemble or orchestral repertoire, the sheer abundance of works with accordion rightfully reflects a growing integration of the instrument within musical creation and contemporary orchestration. This project explores the development of European contemporary music composed for the accordion since 1990, seen through the making of Ricordo al futuro, a vast corpus consisting of more than 9100 works. This database has been used as a starting point for an investigation into the coining of a new sonic identity, a sociological study on the reasons which have triggered this development and a meticulous analysis of the diverging aesthetic conceptions of accordion repertoire in Europe. By creating tools destined for both performers and composers, this research project aims to help circulate this new and extremely rich repertoire to as many audiences as possible.

Ce travail vise à rendre compte des relations entre création musicale, politiques de la diversité et mondialisation dans l'Allemagne d'aujourd'hui en partant d'un cas : creole, un cycle de compétitions organisé selon un principe fédéral, qui donne lieu à des festivals dans différentes villes et débouche tous les deux ans sur un prix récompensant trois ensembles de " musiques du monde d'Allemagne ". Selon les textes des programmes, cette manifestation est censée illustrer la créolisation du monde et les connexions émergeant entre différentes cultures et genres musicaux présents en Allemagne. Lorsque l'on se penche sur le processus d'émergence de ce projet et les dynamiques de mobilisation des participants, il s'avère cependant que le spectre des attentes est plus complexe et que ces événements, plutôt qu'illustrer une réalité univoque, fabriquent en des versions plurielles tout un monde de musiques d'Allemagne. L'étude de ce cas n'est pas une fin en soi mais un moyen pour appréhender divers aspects de l'Allemagne contemporaine. Les débats qui ont cours dans l'intimité du secteur des " musiques du monde " (" die Nische Weltmusik ") manifestent plus largement des tensions traversant la société allemande d'aujourd'hui : en tant que terre d'immigration partagée entre l'idéalisation du métissage et la mise en avant de cultures distinctes, en tant que " pays de musique " connu pour la richesse de son patrimoine savant et en même temps désireux de promouvoir des artistes " populaires " ou " modernes ", en tant que système politique fédéral devant composer avec les diverses instances locales et les cadres mondialisés du marché et de la politique culturelle. Autant l'arrière-plan considéré dans ce travail est large, autant l'attention portée aux situations d'interaction se veut précise : pour rendre compte du processus de fabrique des festivals et des environnements différenciés dans lesquels ils s'inscrivent, des logiques de sélection et des dynamiques de délibérations des jurys, des cadres organisant chaque épreuve ainsi que des débats qui surgissent parmi les spectateurs sur " l'esprit " des festivals creole.