Ce mémoire de maîtrise porte sur les limites du dévoilement de soi et des autres dans les écrits autofictionnels. Il examine les conséquences du dévoilement et des processus de censure liés au genre de l’autofiction. La première partie de ce mémoire, La fille de nulle part, est un recueil de poèmes s'articulant autour d'un deuil amoureux. Divisés en cinq parties égales, les poèmes de cette collection explorent les thèmes de l’abandon, de l’estime personnelle et de la vengeance. Adressé à un TU (représentant l'ancien amoureux), ce recueil est porté par la voix d'un JE désabusé et profondément triste. Au fil des poèmes, les différentes étapes du deuil amoureux sont parcourues, sans toutefois conduire à l’acceptation et la reconstruction. Les poèmes sont portés par Paméla Personne, alter ego de la poète Paméla Couture. La deuxième partie de ce mémoire porte sur l'analyse du récit de Maude Veilleux, Prague. Il sera plus précisément question de confronter l’hypothèse suivante : Maude Veilleux n’est pas allée aussi loin que le sous-entendait le pacte de lecture de son récit Prague, quant au dévoilement de soi. Le chapitre premier porte sur les théories littéraires associées à l'autofiction, afin de déterminer si Prague correspond au genre. Les travaux de Vincent Colonna et de David Bélanger serviront de base de recherche pour cette section. Le chapitre deuxième étudie l’utilité et la portée des mensonges et divers évitements dans la fiction, dans le but de cerner l’intention des mensonges et contournements de Prague. Les recherches effectuées par John R. Searle serviront d’appui pour cette partie. Le chapitre troisième teste l'hypothèse du mémoire à l’aide d’entretiens faits avec l'écrivaine Maude Veilleux, à propos de son récit Prague. / This Master's thesis focuses on the limits of self-disclosure and others in autofictional writings. It examines the consequences of disclosure and censorship processes related to the autofictional genre. The first part of this dissertation, La fille de nulle part, is a collection of poems that revolves around a mourning love. Divided into five equal parts, the poems in this collection explore the themes of abandonment, self-esteem, and vengeance. Addressed to a YOU (representing the lost lover), this collection is carried by the voice of a disillusioned and deeply sad I. Throughout the poems, the different stages of the mourning are covered, without leading to acceptance and reconstruction. The poems are carried by Paméla Personne, alter ego of the poet Paméla Couture. The second part of this thesis focuses on the analysis of the story of Maude Veilleux, Prague. It will be more precisely a matter of confronting the following hypothesis: Maude Veilleux did not go as far as the author-reader contract suggested in her story of Prague, as to the disclosure of herself. Chapter One focuses on the literary theories associated to autofiction, to determine whether Prague corresponds to this particular genre. The works of Vincent Colonna and David Bélanger will serve as a research base for this section. The second chapter studies the usefulness and reach of the lies and various avoidances in fiction, in order to determine the intent of the lies and workarounds in Prague. The research done by John R. Searle will support this part. The third chapter tests the hypothesis of the Master through interviews with the writer Maude Veilleux, about her story Prague.

Cette thèse présente l'ensemble du parcours de création du metteur en scène québécois Denis Marleau, de la fondation de la compagnie de création UBU, qu'il dirige depuis 1982, jusqu'à 2005, année où est créé le spectacle Les Reines dont l'analyse du processus de création introduit ce travail. Construisant ses spectacles à partir d'œuvres littéraires et accordant une attention particulière à la profération du texte sur la scène par les acteurs, Marleau conçoit un théâtre s'inscrivant dans la mouvance du "théâtre de texte" qui se développe durant les années 1980, c'est-à-dire une pratique se fondant sur l'interprétation scénique d'une oeuvre textuelle, littéraire ou dramatique. Cette thèse observe le statut du texte dans les spectacles de Denis Marleau, en étudiant plus particulièrement le jeu des acteurs qui le profèrent. S'inspirant des œuvres littéraires qu'il met en scène, Marleau conçoit des modalités de jeu singulières qui éclairent en retour le texte. La perspective générale de cette thèse est ainsi la dramaturgie, entendue au sens de l'étude du passage entre le texte et la scène. Les différentes étapes du parcours de création du metteur en scène sont exposées à travers l'analyse de spectacles phares. Durant les années 1980, Denis Marleau conçoit des collages de textes appartenant aux répertoires des avant-gardes historiques. Pour interpréter ces collages, les acteurs développent des modalités de jeu où la théâtralité est exposée : gestes et diction sont artificiels et exacerbés. Marleau effectue un virage important au début des années 1990 lorsqu'il met en scène des pièces de Samuel Beckett, puis délaisse le collage pour se tourner vers des pièces "entières". Les modalités de jeu se transforment passablement, tandis que les acteurs conçoivent un jeu tout en retenue afin d'en favoriser la transmission limpide. La figure de l'auditeur apparaît dès lors de façon récurrente sur la scène de Marleau, figure qui écoute le texte proféré à l'instar du spectateur. Enfin, plus récemment, l'outil vidéo est utilisé sur la scène et participe autant à l'invention de nouvelles modalités de jeu qu'au raffinement de celles qui apparaissaient déjà dans les spectacles précédents. En commençant ce parcours dans les répétitions d'un spectacle, en procédant à l'analyse détaillée de trois spectacles et en évoquant plusieurs autres créations, cette thèse identifie différentes modalités de jeu afin de montrer l'évolution de la pratique du metteur en scène tout autant que la continuité dans sa vision esthétique. Si une rupture peut en effet être observée au tournant des années 1990, plusieurs modalités de jeu - le modèle de la marionnette, le jeu grotesque, le personnage-choral, la frontalité, entre autres exemples - sont récurrentes tout au long de son parcours. Le metteur en scène passe d'un "théâtre de l'exposition" à un "théâtre de la réduction", suivant les expressions élaborées dans cette thèse, mais il envisage le texte de la même façon, l'abordant comme une matière concrète, accordant autant d'importance au son et au sens des mots, et sa visée demeure semblable : Marleau souhaite trouver les stratégies pour le "faire entendre" avec clarté.

Ce mémoire a pour ambition d’explorer une tension, celle de l’immanence et de la transcendance, qui traverse l’ensemble de l’oeuvre phare de Proust : À la recherche du temps perdu. L’hypothèse de ce travail est que cette tension structure non seulement la pensée philosophique et esthétique de Proust, mais également son imaginaire et son style d’écriture. Cette étude s’attarde donc à analyser les principaux thèmes sur lesquels se construit ladite tension.

Notre mémoire intitulé « Le personnage-enfant à la recherche de l'utopie féminine » se proposera d'examiner la manifestation de la figure du personnage-enfant dans Les petits enfants du siècle et La porte du fond de Christiane Rochefort. Nous nous intéressons à la fonction que remplit ce personnage romanesque, en tant que narrateur et personnage principal de l'intrigue, dans les deux romans de Rochefort. Sous cet angle, nous examinerons la relation qui se noue entre le personnage-enfant et son lecteur, ainsi que les stratégies de narration des personnages-enfants de Rochefort. Ce jeune personnage va remplir différentes fonctions dans le texte ainsi qu'il va orienter la réception du lecteur. En effet, mettre en scène un personnage-enfant provoque une adhésion immédiate du lecteur, puisqu'il constitue le garant d'une certaine naïveté et d'une certaine vraisemblance Cette analyse s'appuiera sur les théories de sociocritique que développe Edmond Cros dans son ouvrage La sociocritique pour montrer comment le social influence le littéraire, c'est-à-dire, comment le milieu social va influencer la figuration et le discours narratif du personnage-enfant dans la littérature. En effet, l'univers fictionnel telle que créé par Rochefort est un univers structuré qui nous a transmis une certaine vision du monde d'un certain groupe social à travers la fiction. Dans cette perspective, nous étudierons la relation que noue ce jeune personnage avec sa société s'urbanisant et se trouvant en pleine mutation. De plus, nous examinerons le rapport qui lie le personnage-enfant à sa famille dont le rôle s'affaiblit de plus en plus et aux adultes qui l'entourent. D'ailleurs, le contexte social et la représentation de l'espace vont influencer la personnalité du personnage-enfant et, par conséquent, sa vision utopique de monde.

Ce mémoire de maîtrise porte sur un projet de création dont le fruit consiste en trois œuvres instrumentales récentes ayant pour source d’inspiration les timbres percussifs. Ces trois œuvres sont : 1. Et pourtant elle tourne ! pour quatuor à cordes ; 2. Obsession pour mezzo-soprano, flûte, clarinette, vibraphone, piano, violon et violoncelle ; 3. Au bord de l’eau pour orchestre. De manière générale, ce mémoire présente mes réflexions sur les manières dont le timbre peut servir d’élément de cohésion du discours musical. Plus spécifiquement, ce mémoire traite de mon souci de produire des timbres percussifs par des instruments de non percussion et des timbres non percussifs par des instruments de percussion, le tout en des discours cohérents et intéressants. Quant à la structure même du mémoire, suite à une introduction où sont exposés les origines du projet de création et son cadre théorique, le premier chapitre présente un survol historique de l’évolution du paramètre du timbre et de la place des percussions dans les musiques occidentales. Ce premier chapitre dévoile également un système permettant d’évaluer la qualité percussive d’une sonorité. Le deuxième chapitre présente, à l’aide de nombreux exemples tirés des œuvres à l’étude, les diverses incarnations du timbre percussif aux instruments de non percussion, ou son évitement aux instruments de percussion. La conclusion traite de l’incidence du projet de recherche sur mon langage musical. / This master’s thesis examines three of my recent instrumental compositions that use percussive timbres as inspiration. These three pieces are: 1. Et pourtant elle tourne ! for string quartet; 2. Obsession for mezzo-soprano, flute, clarinet, vibraphone, piano, violin and violoncello; 3. Au bord de l’eau for orchestra. This thesis presents my reflections on the parameter of timbre as a mean of strengthening the cohesion of the musical discourse. More specifically, this thesis explores how to generate percussive timbres by non-percussion instruments, as well as non-percussive timbres by percussion instruments, in the context of a coherent and interesting musical discourse. Following an introduction where the origins, objectives and theoretical framework of this creative project are presented, the first chapter lays out my preparatory research, outlining the history of the evolution of timbre and the role of percussion instruments in Western music, as well as building a system to identify and qualify sounds for their percussive qualities. In the second chapter, the pieces are examined and examples are provided. These examinations illustrate how percussive and non-percussive timbres were used. The conclusion discusses the impacts of this creative project on my musical language and future works.

Dans ce mémoire, je présente le réseautage de trois ouvrages textuels : Manières de faire des mondes du philosophe Nelson Goodman, A Brave New World du romancier et essayiste Aldous Huxley, et Envisioning Information du théoricien en design d'information Edward Tufte. Ce travail me sert de base théorique à la réalisation de mon projet de maîtrise qui consiste à réorganiser la structure d'une oeuvre de création littéraire de façon visuelle et spatiale. Pour ce faire, je recours à certains principes de visualisation de l'information relevant du design d'information. Le passage du roman en sa structure réorganisée se décline en quatre versions qui correspondent à l'exploration de formes artistiques distinctes : la base de données et le livre d'artiste, l'affiche et l'installation. Il en résulte la transformation du roman en une traduction expérimentale schématisée, dans une pratique se situant entre le design d'édition et le design d'information de recherche.

Cette étude vise à démontrer la participation de Blanche Lamontagne à l'entreprise de reconnaissance des femmes de lettres. L'élaboration de sa trajectoire ascendante particulière (1889-1918), en parallèle avec le tableau du champ littéraire au tournant du siècle et les trajectoires typiques des écrivains masculins et féminins, illustre comment elle se distingue de la génération de femmes journalistes qui la précède et comment elle annonce celle des femmes poètes de l'entre-deux-guerres. En fait, nous estimons qu'elle représente une étape intermédiaire entre ces deux générations à cause de la consécration institutionnelle rapide qu'elle acquiert grâce à ses études supérieures et surtout au réseau de la littérature nationale qu'elle intègre. Comme nous le démontrons, son parcours lui permet de s'insérer dans le champ littéraire plus tôt et plus facilement que les écrivaines avant elle.

Notre mémoire propose une analyse des portraits peints par Théophile Hamel. Nous avons choisi d'aborder ces portraits par le biais des notions de ressemblance et de caractère. Après une mise en contexte des oeuvres étudiées, cette étude nous conduit à une réflexion plus large sur les valeurs collectives de la bourgeoisie du Bas-Canada au XIXe siècle, valeurs reflétées dans l'impressionnante galerie de portraits que nous a laissés Hamel. Dans la première partie de ce mémoire, nous faisons appel à la morphopsychologie pour démontrer le talent du peintre à révéler l'intériorité de ses modèles en soulignant certains traits de leurs visages. Le second chapitre identifie les moyens employés par Hamel pour illustrer les valeurs et les sentiments des personnages portraiturés. En présentant le discours engendré par la réception de ses oeuvres dans le troisième chapitre, nous voulons prouver que l'artiste a dépassé le rendu de la ressemblance pour exprimer le caractère de ses modèles. Nous terminons cette recherche par une analyse de l'esthétique du peintre, esthétique mise au service de la biographie visuelle de ses sujets.

Nous démontrons dans la partie reflexive de ce travail, que René Char tente de revenir, par diverses stratégies poétiques, à un langage qui n'opérerait plus, ou presque, de distinction majeure entre pensée et poésie, un langage qui se caractériserait par son dépouillement, ainsi que sa souplesse. Un langage dans lequel la poésie viendrait en quelque sorte au secours de la pensée, en prolongeant l'étendue de celle-ci, en préservant sa vigueur. Pour ce faire, nous prenons comme corpus principal les poèmes qui traitent de la poésie elle-même, et dont la plupart se retrouvent dans Fureur et mystère, La parole en archipel, ainsi que Les matinaux. Ces poèmes comptent parmi les plus éblouissants du poète, et ils illustrent à merveille sa conception de l'écriture et ses nombreuses obsessions, quant à l'élévation poétique de la parole. Nous avons divisé notre travail en cinq parties en prenant, comme point de départ, la volonté du poète de cerner la poésie, c'est-à-dire de prendre l'acte d'écriture comme sujet premier et tremplin poétique. Nous traitons ensuite de la brièveté et du dépouillement poétique, ainsi que de l'extrême importance du silence, en ce qui a trait au large déploiement des résonances. Nous traitons également, dans la troisième partie, du retour à un langage originel, ainsi que de la volonté du poète d'engager la totalité de son être dans l'acte d'écriture. Ce point important nous mène, en quatrième partie, au thème crucial de la violence poétique, engendrant mouvements et tensions, et se résolvant en légèreté, en souplesse, visées ultimes de l'écriture de Char. Nous tentons enfin, dans la dernière partie, de souligner l'apport majeur du poète de Fureur et mystère dans notre propre démarche poétique. Nous traitons plus particulièrement de notre détachement par rapport au surréalisme, ainsi qu'à la conception idéalisée de la femme qui s'y rattache. Nous démontrons du même coup l'influence importante de Char, en ce qui concerne le dépouillement et la maîtrise de l'exaltation, dans notre recueil de poèmes : Le travail au noir. / Dans la partie poétique, enfin, nous conservons cette volonté de maîtriser l'exaltation pour poursuivre un objectif d'épurement, et tenter de tracer les contours d'une poésie qui se voudrait à la fois discrète et perçante, brièveté et fulgurance. Le travail au noir est sans ornements, c'est un travail de l'inutile ("Vaste et long tâtonnement de paroles vers les vallées de l'inutile verdoyant"), se tramant dans l'obscurité, à l'insu de tous. 11 s'agit de retrouver les traces de son fleuve entre les lignes de la vie oublieuse... S'il y a, encore une fois, ce constant souci du dépouillement, c'est afin de ne pas se laisser prendre aux pièges d'une musique trop éclatante, ainsi que par des débordements qui, inévitablement, finissent par étouffer les sentiers possibles du poème. Il ne s'agit pas ici de séduire la multitude, donc, mais de nous apprendre quelque chose au sujet de nous-même, à prime abord. La poésie n'est pas un métier, elle est une vocation qui se superpose et agit sur toutes les autres facettes de notre existence. La gloire d'une telle recherche, d'une telle excavation, ne réside aucunement parmi les acclamations et les louanges. La prouesse la plus grande sera celle qui obligera le silence, et qui permettra du même coup l'enclenchement des résonances lointaines. C'est une musique de ± sillons en creux de main ¿ que nous nous proposons de pourchasser dans ce recueil. Musique secrète qui palpite derrière les murs, qui nous dévoile à nous-mêmes, qui nous force à l'ultime contrainte de l'attention et surtout, à la patience.

L'engagement de Gabrielle Roy n'ayant pas toujours été considéré comme allant de soi, ce mémoire se veut en quelque sorte une mise au point sur la question. En suivant la progression de deux tendances significatives qui traversent l'œuvre de la romancière, soit la subjectivation de la voix et la nuance du discours, notre recherche vise à mieux comprendre le rapport complexe que l'écrivaine entretient dans ses livres avec les enjeux de domination et à retracer, à même l'œuvre, l'évolution de son engagement pour la justice sociale. Notre hypothèse veut qu'il y ait non seulement un processus de nuance du discours au fil de la carrière romanesque de Gabrielle Roy, mais que celui-ci est indissociable du phénomène de subjectivation de la voix qui se trace en parallèle et que c'est précisément là, dans cette tension réconciliée par l'écriture, que se trouve le véritable engagement régien pour la cause des groupes dominés. Pour apporter des éléments de réponse à cette hypothèse, nous posons notre regard sur trois « chapitres » de la carrière romanesque de Gabrielle Roy (Bonheur d'occasion [1945], Rue Deschambault [1955] et La détresse et l'enchantement, [1984]) pour ainsi retracer l'évolution des stratégies narratives et stylistiques permettant à l'écrivaine de protéger son intégrité tout en forgeant un plaidoyer implicite en faveur de l'égalité et de l'inclusion.