L'étude Koltès : zones d'ombre dans la cité contemporaine propose une lecture thématique selon laquelle dans toutes les pièces de l'auteur français contemporain Bernard-Marie Koltès (1948-1989), le plateau du théâtre met en scène une cité caractérisée par le danger, la destruction, Y animalité, le passage et la nuit. L'espace de la civilisation, dont la scène est la métaphore dans la dramaturgie de Koltès, est donc un espace de chaos. Pour sa part, le citoyen de cette cité est un étrange personnage, à l'image de la cité qu'il habite, hante, c'est-à-dire un être de destruction, de danger, d'animalité et de nuit - à moins que ce ne soit le contraire, que l'homme n'ait bâti la cité à son image. Dans ce théâtre, pour paraphraser un mot célèbre de Georges Duhamel, la civilisation ne semble pas être dans le cœur de l'homme ; peut-être est-elle nulle part - cela expliquerait les nombreuses et curieuses utopies que développent les personnages pour exprimer leur mal de la civilisation, voire leur mal de l'humanité.

Près de quarante-cinq ans après la publication du premier roman de Jacques Poulin, Mon cheval pour un royaume, la production de cet auteur a généré un lot considérable d'études critiques. Cependant, certaines questions restent irrésolues, notamment celles concernant le plan narratif de l'oeuvre. En effet, au niveau narratif, l'oeuvre poulinienne a été largement catégorisée comme minimaliste. Depuis, les études observant cette poétique - une dimension de l'action très limitée - se sont déployées, réduisant cette oeuvre à une pauvreté certaine du récit. Un filon, cependant, reste guère exploité ; peu de recherches envisagent le potentiel de la dimension passionnelle de ces récits. Ce mémoire vise donc à questionner à nouveau la narrativité poulinienne, jusqu'alors surtout définie par l'étiquette minimaliste. Si les romans pouliniens restent plus pauvres au plan de l'action, ils semblent contenir, en revanche, une grande richesse au plan du ressenti, de la passion. Cette étude entend donc proposer des analyses de trois romans basées sur une logique jusqu'ici inexplorée, à savoir une logique pathémique. Ces romans témoignent selon nous d'une narrativité - purement contemporaine - orientée vers le « sensible »; ce sont des récits dans lesquels les personnages ne peuvent agir, étant submergés par leur affectivité. La recherche vise par la suite à évaluer les conséquences thématiques de cette logique affective dans les romans de Jacques Poulin. Si la narration poulinienne expose des personnages qui semblent dominés par leurs passions, elle donne à voir également une tension de ceux-ci vers la littérature, un objet privilégié. Par l'étude des tensions affectives des actants vers la littérature, nous entendons développer une réflexion nouvelle sur la place de la représentation du littéraire dans l'oeuvre poulinienne.

Jacques Ferron a écrit 197 lettres dans différents journaux et revues du Québec. De cet ensemble, 47 lettres forment le corpus à l'étude. Toutes ces lettres ont été écrites entre 1960 et 1969 et on les retrouve dans les pages du Devoir. La pratique de la lettre ouverte chez Ferron est méconnue et très peu étudiée. La manière dont Ferron l'utilise pour s'exprimer est au coeur de ce mémoire. Le traitement des cibles et la construction de l'ethos sont les éléments importants qui ont été analysés pour comprendre comment Ferron entre en relation avec ses adversaires et comment il se présente dans les lettres pour assurer la crédibilité de sa parole. Par la suite, le choix d'un discours, polémique ou pamphlétaire, et les conséquences d'un tel choix sur l'écriture ont fait l'objet d'une analyse, tout en tenant compte d'une perspective chronologique. Observer la manière dont Ferron pratique la lettre ouverte nous a amené à constater qu'il entretient des relations conflictuelles surtout avec des cibles ayant un lien direct ou indirect avec le pouvoir. Dans ces confrontations, Ferron tente de présenter l'image de celui qui est instruit et solidaire des préoccupations de la population tout en défendant son indépendance d'esprit. Quant au choix des discours, Ferron semble privilégier, tôt dans la décennie, le discours polémique, voulant ainsi entretenir le dialogue avec l'autre. Par contre, plus la décennie avance, plus le discours pamphlétaire et une forme hybride (présence dans une même lettre du discours pamphlétaire et polémique) s'imposeront comme choix. Il semble évident que le discours public de Ferron dans les lettres aux journaux se radicalise avec le temps.

Se donnant pour cadre les lieux et modes d'inscription d'une marginalité paradoxale, la présente thèse propose une (re)lecture transversale de l'œuvre romanesque de Réjean Ducharme de 1966 à 1976 (première période) et de 1990 à 1999 (deuxième période). La marginalité sert de fil conducteur et souligne la cohérence de l'ensemble du corpus, en témoignant de sa productivité à différents niveaux : place de l'auteur ; personnel romanesque et espace ; usage délibérément « violenté » de la langue et remise en cause des genres et des canons littéraires. Tous ces aspects sont observés sur le mode du dialogisme et d'un éclectisme théorique inspiré de la notion de bricolage de Lévi-Strauss, privilégiant la réappropriation et l'interpénétration des méthodes, au plus proche d'un texte confrontant trivialité et érudition. Ils font ressortir le caractère paradoxal d'une posture marginale érigée en modèle et en figure centrale de la littérature québécoise. Sont analysés : marginalité auctoriale et topos du grand écrivain ; marginalité des personnages et des lieux ; marginalité langagière : effets de diglossie, joual, bérénicien, langage des fleurs, équivoque et potentiel érotique et idéologique ; marginalité générique et narratologique : « maghanage », recyclage de formes anciennes (facétie, ménippée), intertexte d'Henry Miller et une narrativité essentiellement logodynamique fondée sur la parole, le quotidien, la musique et le désir. Espace d'expérimentation à l'écoute de tous les discours, l'œuvre procède d'un art manifestaire qui tend à élever la langue parlée à la dignité d'une langue écrite qu'elle revigore en consacrant le triomphe de l'oral. Le tout converge vers une poétique de convivialité ou de sympathie restaurant la fonction communicative de la littérature en fondant une « complicité communautaire » par le biais des codes narratif, culturel et affectif. Bref, du bilan de ce qui apparaît en marge des écrits antérieurs et de ce qui ressort de l'œuvre, ce qui en renouvelle la vision et permet de la comprendre « autrement », ce sont les différents modes d'expression d'une tendresse paradoxale manifeste à tous points de vue qui définissent un rapport au monde et à la littérature fondé sur de nouvelles affinités électives participant du compagnonnage.

Devant son incapacité à expliquer tant sa naissance que sa mort, l'homme cherche à se définir, et c'est en se mesurant à son environnement qu'il le fait. Ainsi de tout temps la relation le liant à l'animal est teintée par son désir de se définir par la mise en place de divers rapports dualistes. Ma production artistique questionne ce rapport ainsi que les dualités associées. C'est en utilisant le fragment comme fil conducteur que nous traverseront les différentes étapes de ma création artistique toujours imprégnée par ce rapport et de différentes notions connexes telle que la perception. Ce mémoire complète l'exposition "Arias" qui a présenté à la galerie des Arts Visuels les oeuvres produites lors des deux années passées à la Maîtrise en Arts visuels. Ces dernières malgré les diverses formes prises ( sérigraphie, reliure, animation, installation, sculpture, etc.) ont toutes été conçues suivant les idées amenées dans ce document.

Ce mémoire vise à discuter de la démarche artistique entreprise au sein du projet La matérialité du geste : un parcours de construction. Je porte d'abord un regard sur mon parcours dans le domaine des arts afin de saisir la continuité de mon approche sur les plans conceptuel et méthodologique. Trois champs de connaissance ressortent dans mon parcours : l'architecture, le métier d'art et les arts visuels. Par conséquent, le cadre théorique aborde ces trois domaines tout en soulignant la pertinence de la culture de l'artisanat comme un lieu de convergence de mes intérêts artistiques. En plus des questions liées au travail artisanal, l'influence de quelques enjeux présents dans la démarche de Nelson Felix sur le projet est prise en compte, notamment la réversibilité et la temporalité. Finalement, je traite de la méthode utilisée dans le projet. Cette méthode est principalement centrée sur le dessin, la pratique artisanale, la réversibilité et la grille. La matérialité du geste opère dans l'entrecroisement de différents domaines des arts où le travail artisanal favorise une expérience intime du phénomène artistique.

Se fondant sur un corpus de huit romans de Calixthe Beyala (C'est le soleil qui m'a brûlée, Le petit prince de Belleville, Maman a un amant, Les honneurs perdus, La petite fille du réverbère, Comment cuisiner son mari à l'africaine, L'homme qui m'offrait le ciel et Le roman de Pauline) publiés entre 1987 et 2009, notre recherche a voulu interroger la disqualification de l'homme au-delà des clichés et des stéréotypes de lecture, en relation avec les enjeux symboliques de l'institution. Écrivaine polymorphe, Beyala, à travers ruses, dénégations, marque son entrée fracassante dans le champ par le meurtre de l'homme. Et, d'un roman à l'autre, la romancière accentue sa singularité par le rabaissement de l'homme. Celui-ci déserte généralement le couple conjugal, abandonne les enfants, ou alors il est pris en charge par la femme qui le soumet. La femme, quant à elle, est pleine de belles initiatives, mène une vie enviable et c'est elle qui pourvoit aux besoins des enfants. Mais ces thématiques sociales permettent à Beyala d'observer de préférence les petites circonscriptions de la vie quotidienne et à les traiter en données immédiates de la conscience sociale au niveau des rapports, à s'attacher à peindre la condition des gens de peu (les minorités, les démunis, les banlieues, l'Afrique) et celle des marginaux ou de ceux qu'on peut prendre pour tels, comme les relations mixtes sur le plan social, la polygamie, les enfants issus de ces relations. Ces sociologies qu'on appellerait de terrain sont, pour Beyala, fort instructives, pour autant qu'on veuille bien en dépasser le particularisme. En effet, la romancière ne saurait penser la réalité globale que construite, en dépit des contingences et incongruités dont elle fait son miel à l'ordinaire, et qui lui a valu une farouche levée de boucliers. Ainsi elle verra dans des formes très excentriques de positionnement de soi des occurrences très banales des stratégies distinctives inhérentes à tout groupement humain. Mais ces formes ne la retiennent que si elle peut s'élever à une conception plus générale des rapports sociaux entre dominants et dominés.

Jan van der Straet (1523-1605) est un artiste flamand qui migre des Pays-Bas vers l'Italie pour s'accomplir en tant que peintre et graveur. Son parcours en tant qu'artiste immigré à Florence à la fin du 16e siècle est unique en son genre, alors qu'il adopte un style à mi-chemin entre ses origines anversoises et le maniérisme florentin, qu'il maîtrisera avec succès. Le regard externe qu'il pose sur sa communauté adoptive est très éclairant pour en apprécier les préceptes qui la régissent. Ce mémoire a pour but d'explorer la manière dont Van der Straet assume sa double identité à travers les Nova Reperta, une série de gravures que l'artiste réalisa à la fin des années 1590 pour l'érudit Luigi Alamanni (1495-1556). Membre de l'Accademia degli Alterati, une académie qui s'intéresse particulièrement à la littérature et à l'art italien, ce dernier désirait voir représentées les principales inventions et découvertes du 15e et du 16e siècles. Pour les besoins de notre étude, nous avons sélectionné plus précisément trois gravures, soit Color Olivi, qui représente l'invention de la peinture à l'huile, America, qui concerne la découverte du continent américain, et Vermis Sericus, qui fait référence à l'introduction du ver à soie en Europe et à l'industrie textile qui en découle. En analysant ces trois œuvres sur les plans iconographique et stylistique, nous tenterons de faire ressortir respectivement les contextes artistique, politique et économique qui caractérisent la ville de Florence, tels que les perçoit alors Van der Straet en tant qu'artiste à la fois étranger, indépendant et proche des érudits académiciens. À travers cette démarche, notre étude entend souligner la façon dont l'art de Van der Straet fait valoir simultanément ses origines flamandes et le rayonnement de sa ville d'adoption, Florence. Seront plus précisément abordées les questions du mouvement maniériste, de la gouvernance du duc de Toscane Cosme 1er de Médicis et de l'identité culturelle, politique et économique de la cité florentine qui se développe en accord avec celle-ci, puis enfin, de la contribution des Flamands à la culture artistique et artisanale occidentale.

En sondant la pratique du graphisme d'auteur et le roman graphique, ce mémoire définit une zone convergeant entre le design graphique, les arts visuels et la création littéraire. Il présente deux points de vue : un panorama informatif du graphisme d'auteur et du roman graphique accompagné d'un regard réflexif sur ma pratique de graphiste auteur. Le contexte de ma recherche porte sur l'exploration de territoires identitaires féminins à travers les concepts de fragment, de mémoire, d'autofïction et de monoparentalité. La problématique de recherche est issue de cette question : le graphisme peut-il être utile socialement et servir à améliorer une communauté ? Cette volonté d'engagement social a donné naissance à un projet de praticienne en graphisme d'auteur : l'écriture et l'illustration d'un roman graphique dans lesquelles je prends position en livrant une vision personnelle et positive de la monoparentalité.

Cette thèse a une double vocation: elle présente une lecture des Divers portraits de Mademoiselle de Montpensier et fournit la première édition critique complète de ce recueil de portraits littéraires publié à un tirage limité en 1659. Notre étude porte sur l'ambiguïté fondatrice des Divers portraits: oeuvre témoin d'une mode du portrait littéraire qui dura moins de trois ans (1656-1659) et livre d'apparat à prétention historique dédié à la mémoire d'Anne-Marie-Louise de Montpensier. De la genèse des Divers portraits jusqu'à l'histoire de sa réception, les enjeux du recueil sont évalués sous l'angle de ce double statut de production mondaine et d'archive aristocratique. Afin de retracer les lignes de force qui accusent de la singularité des Divers portraits, notre enquête fait dialoguer l'histoire littéraire et l'histoire du livre. Aussi accorde-t-elle une place centrale à l'histoire de la représentation de Mademoiselle de Montpensier dont la place est déterminante dans la constitution du recueil. L'appartenance des Divers portraits à la mode du portrait. littéraire ayant déjà été attestée, nous consacrons une bonne part de notre recherche à l'analyse de son statut de galerie aristocratique dans sa dimension autant symbolique que matérielle. La genèse du recueil est d'abord éclairée par les portraits d'hommes illustres de cette période. L'examen spécifique du recueil s'établit ensuite à partir d'une typologie de.1a société représentée dans l'ouvrage collectif, ce qui nous permet de témoigner de la position d'autorité de la princesse de Montpensier dans l'économie d'ensemble de l'oeuvre. La réception des Divers portraits comme objet patrimonial boucle notre enquête : nous montrons que les prétentions mémorielles à l'origine de la création du livre coïncident avec la fortune des Divers portraits que consacrent les historiens et bibliophiles au XIXe siècle. L'édition critique des Divers portraits complète notre étude à plus d'un titre. Les nombreuses notes historiques, littéraires et linguistiques ancrent l'ouvrage dans son contexte social et culturel. Quant aux notices annexées à chaque portrait, elles fournissent non seulement un éclairage biographique sur la communauté représentée dans le volume, mais apportent également des précisions sur l'architecture et la cohérence symbolique de l' oeuvre collective.