Devant son incapacité à expliquer tant sa naissance que sa mort, l'homme cherche à se définir, et c'est en se mesurant à son environnement qu'il le fait. Ainsi de tout temps la relation le liant à l'animal est teintée par son désir de se définir par la mise en place de divers rapports dualistes. Ma production artistique questionne ce rapport ainsi que les dualités associées. C'est en utilisant le fragment comme fil conducteur que nous traverseront les différentes étapes de ma création artistique toujours imprégnée par ce rapport et de différentes notions connexes telle que la perception. Ce mémoire complète l'exposition "Arias" qui a présenté à la galerie des Arts Visuels les oeuvres produites lors des deux années passées à la Maîtrise en Arts visuels. Ces dernières malgré les diverses formes prises ( sérigraphie, reliure, animation, installation, sculpture, etc.) ont toutes été conçues suivant les idées amenées dans ce document.

Ce mémoire vise à discuter de la démarche artistique entreprise au sein du projet La matérialité du geste : un parcours de construction. Je porte d'abord un regard sur mon parcours dans le domaine des arts afin de saisir la continuité de mon approche sur les plans conceptuel et méthodologique. Trois champs de connaissance ressortent dans mon parcours : l'architecture, le métier d'art et les arts visuels. Par conséquent, le cadre théorique aborde ces trois domaines tout en soulignant la pertinence de la culture de l'artisanat comme un lieu de convergence de mes intérêts artistiques. En plus des questions liées au travail artisanal, l'influence de quelques enjeux présents dans la démarche de Nelson Felix sur le projet est prise en compte, notamment la réversibilité et la temporalité. Finalement, je traite de la méthode utilisée dans le projet. Cette méthode est principalement centrée sur le dessin, la pratique artisanale, la réversibilité et la grille. La matérialité du geste opère dans l'entrecroisement de différents domaines des arts où le travail artisanal favorise une expérience intime du phénomène artistique.

Se fondant sur un corpus de huit romans de Calixthe Beyala (C'est le soleil qui m'a brûlée, Le petit prince de Belleville, Maman a un amant, Les honneurs perdus, La petite fille du réverbère, Comment cuisiner son mari à l'africaine, L'homme qui m'offrait le ciel et Le roman de Pauline) publiés entre 1987 et 2009, notre recherche a voulu interroger la disqualification de l'homme au-delà des clichés et des stéréotypes de lecture, en relation avec les enjeux symboliques de l'institution. Écrivaine polymorphe, Beyala, à travers ruses, dénégations, marque son entrée fracassante dans le champ par le meurtre de l'homme. Et, d'un roman à l'autre, la romancière accentue sa singularité par le rabaissement de l'homme. Celui-ci déserte généralement le couple conjugal, abandonne les enfants, ou alors il est pris en charge par la femme qui le soumet. La femme, quant à elle, est pleine de belles initiatives, mène une vie enviable et c'est elle qui pourvoit aux besoins des enfants. Mais ces thématiques sociales permettent à Beyala d'observer de préférence les petites circonscriptions de la vie quotidienne et à les traiter en données immédiates de la conscience sociale au niveau des rapports, à s'attacher à peindre la condition des gens de peu (les minorités, les démunis, les banlieues, l'Afrique) et celle des marginaux ou de ceux qu'on peut prendre pour tels, comme les relations mixtes sur le plan social, la polygamie, les enfants issus de ces relations. Ces sociologies qu'on appellerait de terrain sont, pour Beyala, fort instructives, pour autant qu'on veuille bien en dépasser le particularisme. En effet, la romancière ne saurait penser la réalité globale que construite, en dépit des contingences et incongruités dont elle fait son miel à l'ordinaire, et qui lui a valu une farouche levée de boucliers. Ainsi elle verra dans des formes très excentriques de positionnement de soi des occurrences très banales des stratégies distinctives inhérentes à tout groupement humain. Mais ces formes ne la retiennent que si elle peut s'élever à une conception plus générale des rapports sociaux entre dominants et dominés.

Jan van der Straet (1523-1605) est un artiste flamand qui migre des Pays-Bas vers l'Italie pour s'accomplir en tant que peintre et graveur. Son parcours en tant qu'artiste immigré à Florence à la fin du 16e siècle est unique en son genre, alors qu'il adopte un style à mi-chemin entre ses origines anversoises et le maniérisme florentin, qu'il maîtrisera avec succès. Le regard externe qu'il pose sur sa communauté adoptive est très éclairant pour en apprécier les préceptes qui la régissent. Ce mémoire a pour but d'explorer la manière dont Van der Straet assume sa double identité à travers les Nova Reperta, une série de gravures que l'artiste réalisa à la fin des années 1590 pour l'érudit Luigi Alamanni (1495-1556). Membre de l'Accademia degli Alterati, une académie qui s'intéresse particulièrement à la littérature et à l'art italien, ce dernier désirait voir représentées les principales inventions et découvertes du 15e et du 16e siècles. Pour les besoins de notre étude, nous avons sélectionné plus précisément trois gravures, soit Color Olivi, qui représente l'invention de la peinture à l'huile, America, qui concerne la découverte du continent américain, et Vermis Sericus, qui fait référence à l'introduction du ver à soie en Europe et à l'industrie textile qui en découle. En analysant ces trois œuvres sur les plans iconographique et stylistique, nous tenterons de faire ressortir respectivement les contextes artistique, politique et économique qui caractérisent la ville de Florence, tels que les perçoit alors Van der Straet en tant qu'artiste à la fois étranger, indépendant et proche des érudits académiciens. À travers cette démarche, notre étude entend souligner la façon dont l'art de Van der Straet fait valoir simultanément ses origines flamandes et le rayonnement de sa ville d'adoption, Florence. Seront plus précisément abordées les questions du mouvement maniériste, de la gouvernance du duc de Toscane Cosme 1er de Médicis et de l'identité culturelle, politique et économique de la cité florentine qui se développe en accord avec celle-ci, puis enfin, de la contribution des Flamands à la culture artistique et artisanale occidentale.

En sondant la pratique du graphisme d'auteur et le roman graphique, ce mémoire définit une zone convergeant entre le design graphique, les arts visuels et la création littéraire. Il présente deux points de vue : un panorama informatif du graphisme d'auteur et du roman graphique accompagné d'un regard réflexif sur ma pratique de graphiste auteur. Le contexte de ma recherche porte sur l'exploration de territoires identitaires féminins à travers les concepts de fragment, de mémoire, d'autofïction et de monoparentalité. La problématique de recherche est issue de cette question : le graphisme peut-il être utile socialement et servir à améliorer une communauté ? Cette volonté d'engagement social a donné naissance à un projet de praticienne en graphisme d'auteur : l'écriture et l'illustration d'un roman graphique dans lesquelles je prends position en livrant une vision personnelle et positive de la monoparentalité.

Cette thèse a une double vocation: elle présente une lecture des Divers portraits de Mademoiselle de Montpensier et fournit la première édition critique complète de ce recueil de portraits littéraires publié à un tirage limité en 1659. Notre étude porte sur l'ambiguïté fondatrice des Divers portraits: oeuvre témoin d'une mode du portrait littéraire qui dura moins de trois ans (1656-1659) et livre d'apparat à prétention historique dédié à la mémoire d'Anne-Marie-Louise de Montpensier. De la genèse des Divers portraits jusqu'à l'histoire de sa réception, les enjeux du recueil sont évalués sous l'angle de ce double statut de production mondaine et d'archive aristocratique. Afin de retracer les lignes de force qui accusent de la singularité des Divers portraits, notre enquête fait dialoguer l'histoire littéraire et l'histoire du livre. Aussi accorde-t-elle une place centrale à l'histoire de la représentation de Mademoiselle de Montpensier dont la place est déterminante dans la constitution du recueil. L'appartenance des Divers portraits à la mode du portrait. littéraire ayant déjà été attestée, nous consacrons une bonne part de notre recherche à l'analyse de son statut de galerie aristocratique dans sa dimension autant symbolique que matérielle. La genèse du recueil est d'abord éclairée par les portraits d'hommes illustres de cette période. L'examen spécifique du recueil s'établit ensuite à partir d'une typologie de.1a société représentée dans l'ouvrage collectif, ce qui nous permet de témoigner de la position d'autorité de la princesse de Montpensier dans l'économie d'ensemble de l'oeuvre. La réception des Divers portraits comme objet patrimonial boucle notre enquête : nous montrons que les prétentions mémorielles à l'origine de la création du livre coïncident avec la fortune des Divers portraits que consacrent les historiens et bibliophiles au XIXe siècle. L'édition critique des Divers portraits complète notre étude à plus d'un titre. Les nombreuses notes historiques, littéraires et linguistiques ancrent l'ouvrage dans son contexte social et culturel. Quant aux notices annexées à chaque portrait, elles fournissent non seulement un éclairage biographique sur la communauté représentée dans le volume, mais apportent également des précisions sur l'architecture et la cohérence symbolique de l' oeuvre collective.

Ce mémoire de maîtrise en études littéraires analyse la métaphore de la blessure dans les quatre essais esthétiques de Jean Genêt : L'atelier d'Alberto Giacometti (1957), Le funambule (1958), Le secret de Rembrandt (1958), Ce qui est resté d'un Rembrandt déchiré en petits carrés bien réguliers, et foutu aux chiottes (1967). Cette étude combine deux approches théoriques : la thématique bachelardienne et la sociologie de l'art théorisée par Pierre Bourdieu, Alain Darbel et Jean Dubuffet. Les concepts bachelardiens qui font l'objet de cette étude sont les motifs thématiques liés à l'espace et au processus de la rêverie créatrice. Cette approche dévoile les images qui structurent l'évocation littéraire des arts plastiques. Ces images sont ensuite analysées dans le cadre de l'institutionnalisation de l'art. Les concepts esthétiques de Genêt s'avèrent extrêmement importants dans la réflexion sur l'art menée au cours de la seconde moitié du vingtième siècle. Plusieurs critiques littéraires ont occulté la place de la pensée esthétique dans l'œuvre de Genêt. Ce mémoire a pour but de rétablir une juste perspective quant à cette pensée

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal

Cette étude s’attache à la figure de Jack Kerouac, liée de manière inédite à celle d’Hector de Saint-Denys Garneau par le truchement du thème de la pauvreté. Prenant ainsi le relais de la discussion sur la pauvreté amorcée par Gilles Marcotte, Jean Larose, Yvon Rivard et Yvan Lamonde, cette étude s’articule en deux étapes. Elle cherche d’abord, dans un premier chapitre, à identifier des échos entre les imaginaires de Garneau et de Kerouac. Elle montre aussi comment la pauvreté peut être à la fois vocation, aspiration et même posture chez chacun d’eux. Le deuxième chapitre, quant à lui, analyse l’héritage de la pauvreté de Kerouac, à l’aide de trois de ses romans : Visions of Gerard, On the Road et Satori in Paris. Enfin, ce mémoire met également en relief l’idée qu’il y a plusieurs liens à faire entre la littérature québécoise et Jack Kerouac, mais que ces liens dépassent une simple communauté de langue et tiennent plutôt à une réflexion autour de l’identité canadienne-française et d’un héritage culturel problématique commun / This study engages with Jack Kerouac’s figure, and links it to Hector de Saint-Denys Garneau’s in through the theme of poverty. Invoking theorizations of the term by Gilles Marcotte, Jean Larose, Yvon Rivard and Yvan Lamonde in relation to Québec writers, this thesis will comprise two parts. In the first chapter, this study highlights some dialogic interlinkings between Garneau’s and Kerouac’s imaginaries. The point is to explain how poverty can simultaneously be a vocation, an aspiration, and a posture (as in Jérôme Meizoz’s study) for each writer. The second chapter analyzes what Jack Kerouac’s poverty heritage entails through a discussion of three of his novels: Visions of Gerard, On the Road and Satori in Paris. Lastly, this study also highlights that they are many links to be made between Québec literature and Jack Kerouac, but that these links go beyond a linguistic community; rather, they have to do with a negotiation of both French-Canadian identity and a problematic shared cultural heritage.