La réappropriation de l’eschatologie judéo-chrétienne par les doctrinaires politiques du XIXe siècle est un topos de l’histoire des idées ; le soubassement religieux de l’idéologie démocratique du XXe siècle, quoique moins éclatant, est tout aussi réel. Quant à l’art, ouvrant dans un monde ultra-territorialisé le champ de l’extraterritorialité par excellence, il constitue peut-être la dernière altérité du discours rationnel positiviste. La théorie spéculative de l’Art a montré en quoi la littérature se rapproche plus d’un logos que d’une tekhnè, et l’écrivain de la figure du messager plutôt que de celle de l’artisan. En outre, dans sa tentation des origines, l’inspiration artistique appelle la surenchère : de mot en mot, on en vient au Verbe, et d’idée en idée au Saint-Esprit. Qu’il le transpose ou le critique, l’illustre ou le rejette, le livre a toujours entretenu des rapports étroits au Livre — et il y a là plus qu’une simple homothétie médiologique, où tout incipit vaudrait genèse. Parmi les pratiques actuelles de transplantation de l’héritage chrétien dans le roman, rares sont les ambitions architectoniques, les prolongements majestueux ; plus fréquents sont les greffons ou les scories. Fragments d’ensembles qui n’existent plus. Il s’agira donc ici de mettre en lumière ces nouvelles insertions du sacré dans l’univers profane de la littérature et d’en étudier la nature singulière en lien avec l’actuelle société française. Et de démontrer qu’entre modèle descriptif, recours spéculatif et détour narratif, le christianisme, plus qu’un simple référent parmi d’autres, demeure, en dépit d'une sécularisation de la société, l’un des horizons privilégiés de la création romanesque française d’aujourd’hui. / The taking back of the Judeo-Christian eschatology by political theorists of the nineteenth century is a topos of the history of ideas. Though it is less obvious, the religious foundation of the democratic ideology of the twentieth century is just as real. As for art, since it is perhaps the last otherness of positivist rational discourse, it leads, in an overterritorialized world, to the extraterritorial field par excellence. The speculative theory of Art showed how literature is much more a logos than a tekhnè, and how the writer is closer to the figure of the messenger than to that of the craftsman. Moreover, in its temptation of origins, artistic inspiration calls for upmanship: word by word, we come to the Word, and from idea to idea to the Holy Spirit. Shall it transpose or criticize it, illustrate or reject it, the book has always had close relations to the Bible – and those relations are much deeper than an simple mediological homothety, where every beginning would count as a genesis. Among the current practices of transplantation of the Christian heritage in the novel, few are architectural ambitions or big extensions; most common are grafts or slags. Fragments of bigger schemes that no longer exist. Our aim is to highlight the new insertions of the sacred in the profane world of literature and to study its unique nature in connection with the current French society. And to demonstrate that between descriptive models, speculative crutches and narrative detours, Christianity, more than a mere referent among others, remains, in spite of society’s secularization, one of the privileged backgrounds of French fictional creation today.

La thèse interroge les pratiques mises en œuvre aujourd'hui pour collecter des objets contemporains au sein des écomusées et des musées de société en France. Cette question de la " contemporanéité " connaît un regain d'actualité en muséologie et prête le flanc à la critique dans le paysage des politiques culturelles. Aussi, la première partie constitue le questionnement théorique de la recherche. Elle interroge la situation paradoxale des musées ethnographiques français, dans l'objectif d'examiner la nouvelle orientation des collections, axée sur le " contemporain ". La deuxième partie trace l'évolution dans les orientations, les méthodes et les finalités des politiques d'acquisition. Le corpus de la recherche analyse, dans ce sens, des pratiques de collecte aujourd'hui opérationnelles au sein de trois musées, foncièrement différents de par leur taille, leur implantation géographique et leurs missions : le musée des Civilisations de l'Europe et de la Méditerranée (MUCEM) à Marseille, l'écomusée du Val de Bièvre à Fresnes (Val-de-Marne) et le musée de la ville de Saint-Quentin-en-Yvelines (Yvelines). Enfin, la troisième partie de la thèse présente les résultats de l'étude expérimentale de terrain. D'abord, en examinant le sens du contemporain au sein du musée de société, à travers la représentativité des exemples retenus dans le corpus. Ensuite, en présentant les conséquences de la collecte de l'objet contemporain, tant sur les missions du musée que sur le statut de l'objet. Ces deux entités sont analysées dans le cadre d'un " système signifiant " qui permet au musée de construire un savoir et une connaissance sur l'objet d'aujourd'hui, à partir des notions d'" altérité ", de " document ", de " tri ", de " mémoire " et de " patrimoine ".

Le genre du super-héros s’impose de plus en plus dans l’imaginaire populaire. Les fictions de ce type suscitent l’intérêt des savants en raison de leur façon de véhiculer l’idéologie à travers des situations fantastiques. Les diverses manifestations du genre abordent implicitement ou explicitement des thèmes dont il est également question dans les discours religieux contemporains : autonomie et théonomie en éthique ; sacralité des hiérarchies, de l’environnement, des relations, de l’âme et du corps ; cosmogonie et eschatologie ; etc. Pour ne pas traiter à tort et à travers de l’enchevêtrement des univers religieux et fantastiques, il importe d’aborder cette convergence sous plusieurs angles susceptibles d’en faire ressortir les sens sans lui imposer de cohérence réductrice. Dans cet optique, une herméneutique pluraliste basée sur les perspectives interprétatives de Marshall et Eric McLuhan est tout indiquée. La méthode McLuhan propose trois angles d’approche, trois rapports d’altération entre culture de l’imaginaire et religieux contemporain : le super-héros critique, récupère et déconstruit les récits, discours et autres réalités du religieux. Puisque le temps et l’espace consacré à l’étude sont restreints par des considérations pratiques, son échantillon est limité aux « comic books » de super-héros des trente dernières années, à leurs produits dérivés et à la littérature savante qui s’y réfère.

La scène littéraire québécoise accorde, depuis les années 2000, une attention grandissante à la relève. Critiques, chercheurs et journalistes braquent tour à tour leur projecteur sur les primo-romanciers, contribuant ainsi à les placer dans une catégorie à part des autres auteurs. Or, la publication d'un premier roman est une étape décisive dans l'établissement de la crédibilité intellectuelle d'un auteur. Pour cette raison, il est tenté d'écrire une oeuvre reflétant l'ensemble de son projet d'écriture et, par extension, l'essentiel de ses influences culturelles. Dans le but de comprendre ces influences formant la mémoire culturelle d'un écrivain, mais aussi de voir si un groupe de romanciers d'âge semblable partagent certaines d'entre elles, cette étude se penche sur vingt premiers romans québécois publiés entre 2000 et 2010. À l'aide du concept d'intertextualité et d'une analyse quantitative, elle tente plus exactement de relever et d'interroger les référents culturels observables dans ces textes et d'en faire ressortir les plus répandus. Ce mémoire vise donc, dans un premier temps, à tracer un portrait global des intertextes culturels mis en place dans les premiers romans du corpus afin de comprendre l'usage qu'en font les primo-romanciers et d'orienter la suite de la recherche. Dans un deuxième temps, elle s'intéresse à trois média desquels les écrivains tirent leurs référents, soit l'audiovisuel (comprenant le cinéma et la télévision), la musique et la littérature, et cherche à décrire de quoi est composée la mémoire culturelle des écrivains du corpus.

Ce mémoire présente divers projets artistiques incorporant des documents d'archives. Les projets étudiés ont été réalisés dans le cadre de résidences d'artistes en milieux documentaires ou en réponse à des invitations lancées par des musées, des galeries ou d'autres institutions. De plus, quelques projets initiés par les artistes eux-mêmes et des projets d'artiste-commissaire sont étudiés. Les résultats de recherche ont permis de montrer que les artistes peuvent apporter une contribution essentielle en collaborant à la mise en valeur du patrimoine culturel avec les archivistes.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Notre travail trouve son origine : d’une part dans la mauvaise réputation du théâtre contemporain auprès du public qui ne le fréquente pas ou plus et qui le juge violent, ennuyeux ou incompréhensible ; d’autre part dans le caractère très circonscrit, sur le plan socio-culturel, du public de ce théâtre. Nous tâchons de faire le lien entre ces deux constats, en utilisant la question du rire comme un révélateur. Notre hypothèse est que la dilution de la perception du rire dans le théâtre contemporain et les efforts ponctuels des spectateurs pour réinjecter du rire dans leur expérience spectatorielle constituent un symptôme de blocage du potentiel subversif de la création théâtrale. Mais, plus profondément encore, il nous semble que cette espèce de dysfonctionnement du rire s’inscrit au cœur d’un problème plus vaste de renouvellement, qui se pose aussi bien pour les formes du spectacle que pour la composition socio-culturelle du public. En effet, le rapport du public et de la scène au rire/à l’humour apparaît lié à certains aspects essentiels du fonctionnement théâtral actuel, notamment : à un refus implicite ou explicite du divertissement, à la systématisation de l’esthétique du choc, à la mise à l’épreuve du spectateur et au traitement des tabous. Il s’agira donc, en interrogeant le déploiement du rire (notamment dysfonctionnel), côté salle et côté scène, d’identifier et d’analyser ce qui relie, en filigrane, les différents obstacles au renouvellement rencontrés par la création théâtrale contemporaine et ce qui contribue réellement à la désaffection du grand public pour un art devenu, au cours du XXème siècle, extrêmement marginal dans la vie quotidienne des individus. / My research was motivated on the one hand by the bad reputation of contemporary theatre among the people who do not or no longer attend it and who think it is violent, boring or hard to understand; on the other hand by the fact that its audience is socio-culturally extremely circumscribed. I try to make a link between those two observations by using the laugh as a revelatory tool. My hypothesis is that the increasing difficulties to perceive laugh in contemporary theatre and the audience’s punctual efforts to reinsert laugh in their theatrical experience are symptoms of a general limitation of the subversive potential in contemporary creation. Most of all, I think that this kind of laugh’s malfunction is a part of a bigger problem affecting the renewal capacity of theatre, in the aesthetic aspects as well as in the socio-cultural audience’s composition. In fact, the relation between the audience or the scene and laugh/or humour seems linked to some essential aspects of the actual theatrical working: the explicit or implicit refusal of entertainment; the systematization of the “shocking effects’ aesthetic”; the audience’s physical or psychological trial; the way taboos are managed. By exploring the way laugh/humour works or malfunctions, from the scene’s and the audience’s perspectives, I want to identify how the different obstacles to theatrical renewal are related and what really contributes to the audience’s disaffection for an art which, along the 20ieth century, has become more and more marginal in people’s day-to-day life.

En 1996, après avoir assisté à la dernière représentation de la septième édition du Centre National des Arts du Cirque, le journal parisien Libération prédit une troisième ère du Cirque : « Après les cirques traditionnels, puis les nouveaux cirques, il faut désormais compter avec le cirque contemporain. » Le pronostic devient réalité : la pièce du metteur en scène Joseph Nadj est considérée, en France comme ailleurs, comme le point de départ d’un nouveau genre dont la définition reste des plus vagues jusqu’à aujourd’hui : « Le cirque contemporain, lui, n’a strictement aucune unité formelle, ou disons, sans craindre le paradoxe, que c’est la diversité de ses formes qui l’unifie. » D’une part, cela s’explique par le fait que, dans le cirque contemporain, l’originalité est un moteur central et, d’autre part, que le genre se situe encore dans une phase de développement. Cela est en outre dû à l’absence jusqu’à aujourd’hui, dans la recherche scientifique, d’une analyse détaillée des représentations du cirque contemporain et qu’en plus on ne dispose pas d’un modèle d’analyse cohérente des représentations du genre. Le discours actuel autour du genre s’intéresse moins de savoir comment les spectacles de cirque contemporain engendrent du sens et quels sont les procédés caractéristiques qui les définissent. Au lieu de cela, on s’interroge sur ce qui devrait caractériser les pièces. Notre thèse tient compte de ce desiderata en développant pour la première fois une méthode pour analyser les représentations de cirque contemporain. En outre, elle explique et interprète résolument le genre au moyen d’une méthode solide, c’est-à-dire d’une description contextualisée de l’objet – à savoir la représentation – dans son contexte historique et culturel et fournit ainsi, au sens lessingien du terme, une dramaturgie du cirque contemporain qui, malgré la diversité des représentations, révèle des caractéristiques généralisables, le procédé fondamental, la structure des pièces et l'effet qu'elles produisent. Le développement du modèle de lecture pour les spectacles de cirque contemporain ainsi que l’évolution consécutive et la spécification du modèle s’appuient sur l'analyse textuelle de la poétique de la culture que justifie l’historien de la littérature Moritz Baßler dans son œuvre La fonction d’une poétique de la culture et l’archive sur la base du New Historicism conçu par Stephen Greenblatt. En outre, le travail présent se situe dans le domaine des théories de lecture relevant de la science du théâtre (Fischer-Lichte) et de la danse (Foster et Brandstetter). Le noyau de l‘argumentation se fonde sur l’hypothèse selon laquelle les représentations de cirque sont lisibles en tant que textes culturels. / In 1996, the Paris newspaper Libération predicted a third era of circus after visiting the seventh edition of the Centre National des Arts du Cirque: “After traditional and new circus, we now have to account for contemporary circus.” The prognosis became reality: nowadays, in France as elsewhere, the performance of Joseph Nadj is considered as the starting point of a new genre whose definition however remains vague: “The contemporary circus has no formal unity. It is paradoxically the diversity of its forms that unifies the genre.” On the one hand, this is explained by the fact that originality is a central motor in contemporary circus; on the other hand, the genre is still developing . A further reason for the lack of a clear definition lies in the absence of detailed analyses of contemporary circus performances in circus research, and in the desideratum regarding a coherent model for its interpretation. The current discourse dedicated to the genre is less interested in knowing how contemporary circus performances generate meaning and in outlining the characteristic techniques and processes. Instead, one wonders what should characterize the performances. The present thesis takes into account this desideratum by developing for the first time a method to analyse representations of contemporary circus. In addition, it resolutely explains and interprets the genre by means of a contextualized description of the object - namely representation - in its historical and cultural context. In the Lessingian sense of the term, the thesis therefore provides a dramaturgy of contemporary circus which, despite the diversity of representations, reveals generalizable characteristics of the genre, the fundamental techniques and structures of the performances. and the effects they produce. The development of a reading model for contemporary circus performances as well as the consequent evolution and the specification of the model are grounded in the textual analysis of poetics of culture that the literary scholar Moritz Baßler justifies in his work on the basis of the theory of New Historicism designed by Stephen Greenblatt. In addition, the present work situates itself in the field of reading theories pertaining to theatre (Fischer-Lichte ) and dance studies (Foster and Brandstetter ). The core of the argument is based on the assumption that circus performances are readable as cultural texts.

L'Exposition a fait l'objet de nombreuses analyses et pourtant son rapport à la photographie est rarement évoqué. Considérée comme un procédé, elle développe de nombreux liens avec celui de la Photographie. Toutes les deux consistent à "montrer". Au-delà de leurs analogies, la Photographie et l'Exposition sont interdépendantes. L'étude de l'Exposition passe désormais inévitablement par la photographie. Les artistes et les commissaires utilisent aujourd'hui la photographie non pas comme une finalité mais comme un outil permettant de penser la mise en espace. Une photographie de vue d'exposition n'est jamais une reproduction, elle se détermine en fonction du temps et de l'espace. Elle est, avant, pendant et après l'exposition, à la fois un indicateur et un vérificateur. Les indices qu'elle fournit constituent des éléments de l'analyse critique de l'exposition. La mise en photographie dont l'exposition a toujours fait l'objet permet les "comparaisons", et "vérifications" qui influent, par voie de conséquence, sur sa conception.Car l’acte d’exposer, régulièrement remis en question, est en perpétuelle évolution. Parce qu'il s'est autonomisé, il est toujours plus difficile de l'appréhender. S’attacher à ses ambiguïtés, notamment celle de son "devenir-image", permet d'en mesurer toute la complexité. Ce qui ouvre certainement la voie à de nouvelles stratégies d’étude qui permettront progressivement une compréhension plus complète et mieux opératoire de son influence certainement décisive sur l’évolution à venir de l’art contemporain. / The Exhibition as format has been the object of numerous analyses and nevertheless its relationship with photography is rarely evoked. Considered as a process, it develops numerous links with the process of Photography. Both consist in "showing". Beyond their analogies, Photography and Exhibition are interdependent. The study of Exhibitions is now inevitably related to photography. Today artists and curators use photography not as an end but as a tool allowing them to think about space.An exhibition view is a photograph but it is never a reproduction, it is determined according to time and space. It indicates and verifies at the same time, before, during and after the exhibition. The indications it supplies establish elements for the critical analysis of the exhibition. The process of photography, to which exhibitions have always been submitted allows "comparisons", and "verifications" which influence, consequently, its conception.Because the act of exhibiting, regularly questioned, is in perpetual evolution. Because it is autonomous, it is always more difficult to comprehend. Focusing on its ambiguities, in particular its capacity to become an image, allows to measure its complexity. This probably opens the way to new strategies of study which will gradually allow a more complete and effective understanding of its certainly decisive influence on the future evolution of contemporary art.