Tesi realitzada a l'Institut Nacional d'Educació Física de Catalunya - Centre de Barcelona (INEFC) / La investigació realitzada té com a objectiu analitzar i descriure el procés de creació de les polítiques esportives municipals des del moment de recuperació de la democràcia, l'any 1979, fins a 1991. El període inclou tres legislatures i s'atura l'any abans de la celebració dels Jocs Olímpics de Barcelona, moment que es considera un important canvi amb repercussions en tot el sistema esportiu català. La intencionalitat de l'estudi és la d'observar aquest procés des d'una perspectiva longitudinal intentant extreure aspectes que puguin ser significatius per poder relacionar el tipus de política esportiva municipal amb les forces polítiques que governaven els ajuntaments d'aquella època. Per aquesta raó, el disseny estratègic de la recerca s'ha basat en l'estudi de cas i la metodologia comparativa, amb l'anàlisi, la descripció i la comparació de les polítiques esportives de dos ajuntament ideològicament diferents. Amb un disseny polar i seguint criteris demogràfics i geogràfics, els municipis seleccionats han estat Vic i Sant Feliu de Llobregat, situats a la província de Barcelona, amb una grandària similar, al voltant dels 30.000 habitants, capitals de la seva comarca, i amb un govern municipal de Convergència i Unió, en el cas de Vic, i del Partit Socialista Unificat de Catalunya (PSUC)—després Iniciativa per Catalunya (IC)— pel que fa a Sant Feliu de Llobregat. La recerca es posiciona, principalment, dins el paradigma qualitatiu i fa un procés d'immersió en la política esportiva de les dues ciutats escollides agafant com a fonts d'obtenció de dades els documents públics generats pels mateixos ajuntaments (actes dels plens, del patronat municipal d'esports i els pressupostos municipals) i documents exteriors (butlletins municipals i premsa comarcal) que s'utilitzen per a la contextualització i l'aprofundiment en l'estudi del sistema esportiu de les ciutats. La tècnica de producció de dades utilitzada es basa en l'anàlisi de contingut de les actes municipals i els documents exteriors i en una anàlisi dissenyada de manera específica pel que fa a la documentació pressupostària. L'anàlisi de contingut ha permès fer una categorització de les diferents temàtiques que després s'utilitzen per a l'anàlisi comparativa dels dos municipis i extreure'n conclusions sobre les polítiques esportives de les ciutats analitzades. El treball finalitza amb l'elaboració d'una proposta de model teòric per a l'anàlisi de les polítiques esportives municipals aplicable als ajuntaments d'aquella època i susceptible de ser utilitzat per a l'estudi de les polítiques esportives actuals. / This aim of this research is to analyze and describe the municipal sport policies' creation process from 1979, when democracy was recovered, to 1991. This period includes three legislatures and ends the year before Barcelona's Olympic Games celebration, 1992, considered a relevant moment that implied important changes that had an impact to the entire Catalan sports system. The work's intentionality is to observe this process from a longitudinal perspective trying to extract and identify aspects that may be relevant in order to link up the type of municipal sports policies with the political forces that ruled the different city councils on those times. For this reason, the strategic design of this research has been based on two case studies and a comparative methodology between them, with the analysis, description and comparison of the sports policies from two city councils with different ideologies. With a polar design following demographic and geographic criteria, the selected towns have been Vic and Sant Feliu de Llobregat, located in Barcelona's province. Both have similar size, near 30.000 inhabitants and are the capital of its region. Vic had a city government formed by Convergencia I Unio, and Sant Feliu de Llobregat's government was formed by Partit Socialista Unificat de Catalunya (PSUC) —later on Iniciativa per Catalunya. This research is positioned mainly inside the qualitative paradigm and makes an immersion process in the sports policies from both chosen cities. The work takes as a source public documents generated by the city councils themselves (the plenary acts, acts from the Patronat Municipal d'Esports and the city budgets) and exterior documents (official bulletins and district press) used for the contextualization and deepening of the sports' system study. The data production technique used is based on the content analysis of the city act and external documents and on an analysis specifically designed for the budget documents. The content analysis has allowed to make a categorization of the different topics used for the comparative analysis between both cities and extract conclusions about both municipal sport policies. This investigation ends with the elaboration of a theoretical model proposal for the analysis of municipal sport policies applicable on city councils from that time and liable to be used for the study of present sport policies.

Esta tesis explora la poética de la dramaturga inglesa Caryl Churchill (1938), una de las figuras fundamentales de la dramaturgia inglesa contemporánea. Su capacidad para articular de forma innovadora la relación entre forma y contenido será objeto de nuestro estudio.Hemos dividido nuestro estudio en tres grandes bloques. Nuestra primera ocupación se centra en las minorías, los excluidos. La figura del Otro es uno de los grandes temas y ocupaciones de Churchill. La autora explora la conversión en realidades fantasmáticas del Otro. Churchill analiza los fantasmas y las realidades fantasmáticas que detecta en la contemporaneidad. En los dos primeros capítulos, a partir de los análisis de Vinegar Tom y The Hospital At the Time of the Revolution, veremos cómo realiza su exploración de las minorías a partir de los procesos en que fueron construidas. Colocaremos nuestra mirada y la suya sobre la Historia colectiva e individual como fantasma, el individuo como fantasma, a partir de A Number, y el Estado como fantasma con la obra Mad Forest. Y observaremos que tipos de presencias fantasmáticas lleva a escena, misión para la que Churchill llega a deconstruir el concepto de presencia, en la pieza Hotel. Cierra la primera parte Seven Jewish Children, una pieza breve donde Churchill concentra los análisis anteriores. En la pieza hallamos a la vida misma desposeída. Ésta se convierte en un espacio concentrado de todo lo simulacral. La segunda parte de este estudio explora el papel del lenguaje en la obra de Caryl Churchill. Veremos: cómo explora la relación entre significante y significado, su proyecto de representar lo irrepresentable y cómo lo lleva a cabo, su interés por lenguajes y estructuras de otros ámbitos que traslada a la literatura dramática y al teatro, por ejemplo en Traps, la relación entre semejanza y similitud, en This is a Chair; y finalmente, las consecuencias de la pérdida de las marcas en las cosas, en Heart’s Desire: pérdida señalada por Foucault en Las palabras y las cosas. Churchill también aproxima el balbuceo infantil con lo senil. Reconfigura sonoramente el lenguaje y pone en evidencia que: el lenguaje del mundo está dañado a partir de The Skriker. El tercer bloque de este estudio gira en torno a ese gran asunto: el capitalismo y las relaciones despersonalizadas que crea. Nos interesaremos por alguno de sus diversos orígenes. En Light Shining in Buchkinghamshire, acudimos a un momento particular de la historia de Inglaterra, un momento lleno de esperanza donde todo era posible pero en el que la revolución no llegó a suceder al ser traicionada por la propiedad. Continuaremos con el examen de la bipartición de la sociedad creada entre propietarios y desposeídos siguiendo esquemas religiosos. Esta relación sella un nuevo tipo de vínculos entre los individuos que Churchill dramatiza en Owners. A continuación asistimos a la pérdida del referente real entre los signos monetarios, donde estos pasan a volar libremente. Pretendemos esclarecer los significados del sistema de la “propiedad” en la obra de la autora inglesa y las consecuencias, que muestra Churchill, del sistema capitalista en la creación de esta época difusa que es la contemporaneidad y la globalización. Este nuevo mundo toma la forma de un gran musical en la obra dramática Serious Money. Después de las revoluciones capitalistas correspondientes y su desarrollo, se llega al capitalismo avanzado; paradigma fundamental en la globalización, en Drunk Enough to say I LoveYou?, última pieza de nuestro análisis. / This thesis explores the poetics of the English playwright Caryl Churchill (1938), one of the essential figures of the English contemporary dramaturgy. Her aptitude to articulate in an innovative way the relationship between form and content will be the object of our study. We have divided this work in three big blocks. Our first occupation is about the minorities, the excluded ones. The figure of the Other is one of the main topics of Churchill. The playwright explores the conversion of the Otherinto different phantasmatic realities. Churchill analyses the ghosts and the phantasmatic realities that she detects in the contemporaneousness. In the first two chapters, from the analysis of Vinegar Tom and The Hospital At the Time of the Revolution, we will see how she carries outthe exploration of the minorities throughout the processes in which they were constructed. We will place our look and hers on the collective and individual History as a ghost, the individual as a ghost, in the playA Number; and the State as a ghost in the play Mad Forest. And we will observe which phantasmatic presences she leads to the scene. For this mission, Churchill even deconstructs the concept of presence in the play Hotel. The first part ends with Seven Jewish Children, a brief play where Churchill concentrates the previously mentioned analyses. In this play we find the life itself dispossessed. It turns into a concentrated space of everything that is simulated. The second part of this study explores the role of language in Caryl Churchill’s work. We will see: how she explores the relation between significant and meaning, her project to represent the non-representable and how she carries it out, her interest for languages and structures of other areas, which she moves to the dramatic literature and the theatre, for example in Traps, the relation between similitude and resemblance, in This is a Chair; and finally, the consequences of the loss of the brands in the things, in Heart's Desire: loss distinguished by Foucault in The words and the things. Churchill also brings near the infantile babbling to the senile one. She re-forms sonorously the language and reveals that: the language of the world is damaged, as we can see in The Skriker. The third block of this study turns around this great matter: the capitalism and the depersonalized relationships that it generates. We will be interested in some of its several origins. In Light Shining in Buchkinghamshire, we come to a particular moment in the history of England. A moment full of hope, where everything was possible but where the revolution did not manage to happen, because it was betrayed by the property. We will continue with the examination of the division created between owners and landless, following religious schemes. This relationship seals new types of links amongst the individuals that Churchill dramatizes in Owners. Later on, we are present during the loss of the real model amongst the monetary signs, where they start to fly freely. We try to clarify the meanings of the system of "property" in the work of the English playwright and the consequences of the capitalist system in the creation of this diffused era that is the contemporaneousness and the globalization, as Churchill shows. This new world takes the form of a great musical in the play Serious Money. After the corresponding capitalist revolutions and their development, we arrive to the advanced capitalism: essential paradigm in globalization, as seen in Drunk Enough to say I Love You?, last play of our analysis.

La pregunta que impulsa esta investigación, surge desde la posibilidad atribuida a la práctica performativa intermedial para crear nuevos universos perceptivos en relación al espectador. La interrelación entre teatro y medios digitales, desde la perspectiva intermedial, se presenta como un lugar en medio. Se trata de un fenómeno de hibridación capaz de desestabilizar los elementos básicos atribuidos a las artes en vivo: el espacio, el tiempo y el cuerpo. Se trata de una mutación que se origina a través de la convergencia entre lo teatral y lo digital, que abre la posibilidad para que sucedan nuevas situaciones que afecten directamente al modo en que el espectador las percibe. Esta investigación pretende entender el evento intermedial en relación el universo perceptivo del sujeto. Sin embargo, el objetivo de esta investigación, no es únicamente desvelar esos posibles modelos receptivos, sino descubrir que discursos y metodologías nos pueden ayudar a hacerlo. El marco que determina la base teórica de este estudio, toma como referencias principales los discursos contemporáneos generados desde ámbitos diversos: Estudios de comunicación y nuevos medios, Estudios sobre performance y teatro y Estudios sobre estética y filosofía. Marshall McLuhan, Jay David Bolter y Richard Grusin, Chiel Kattenbelt, Erika Fischer-Lichte, Jacques Rancière o Philip Auslander son algunas de la variedad de voces a las que apela esta investigación. Asimismo, se citan creadores, tanto vinculados con la creación new media como a las artes en vivo, internacionales como locales, con el objetivo de entender los diversos paradigmas teóricos que se presentan. Algunos de los cuales son los siguientes: Big Art Group, Station House Opera, Chris Milk, Gob Squad, The Crew Project, Marcel·lí Antúnez Roca, Rimini Protokoll, Blast Theory, Paul Sermon, María Jerez, Roger Bernat, etc. La Tesis se divide en seis capítulos. El Capítulo I opera como una especie de introducción y presenta aquellos conceptos que son más relevantes a la hora de abordar el estudio de la performance intermedial. Los Capítulos II-IV, se presentan como núcleos argumentales que pretenden desmontar el debate en torno a las diferencias ontológicas que tradicionalmente parecen establecerse entre el medio teatral y el medio tecnológico. El Capítulo V presenta, a través del fenómeno de mutación, algunos casos prácticos situados dentro de la práctica intermedial más contemporánea. Estructurado en cuatro subcapítulos, expone las cuatro mutaciones principales que el arte teatral muestra desde la perspectiva intermedial: la mutación espacial, corporal, estructural y temporal. El último y sexto capítulo, se centra en el análisis de la experiencia perceptiva y la figura del espectador dentro de la práctica performativa intermedial. / The question that drives this research arises from the possibility attributed to the intermedial performance practice to create new perceptual universes in relation to the spectator. The interrelation between theatre and digital media, from the intermedial perspective, is presented as a place in between. It is a phenomenon of hybridization capable of destabilizing the basic elements attributed to live arts: space, time and body. This is a mutation created through the convergence between live arts and digital medium, that opens up the possibility for new situations affecting directly the way the spectator perceives them. This research aims to understand the intermedial event related to the perceptual universe of the subject. However, the objective of this research is not only to reveal these potential receptive models, but also discover the discourses and the methodologies that can help us do so. The theoretical framework of this research takes as principal references the contemporary discourses generated from several fields: communication and new media studies, theatre and performance studies and studies on aesthetics and philosophy. Marshall McLuhan, Jay David Bolter and Richard Grusin, Chiel Kattenbelt, Erika Fischer-Lichte, Jacques Rancière or Philip Auslander, are some of the different voices introduced in this research. In order to understand the theoretical paradigms presented in this study, both artists linked to new media art and live performance, international and local, are also mentioned. Some of which are: Big Art Group, Station House Opera, Chris Milk, Gob Squad, The Crew Project, Marcel·lí Antunez Roca, Rimini Protokoll, Blast Theory, Paul Sermon, Maria Jerez, Roger Bernat, etc. The thesis is divided into six chapters. Chapter I operates as a kind of introduction and presents concepts that seem more relevant to addressing the study of intermedia performance. Chapters II-IV are presented as core argument seeking to remove the debate on the ontological differences traditionally established between the performance and technology. In Chapter V, through the phenomenon of mutation, some case studies located within the most contemporary intermedial practice are presented. Structured in four chapters, it outlines the four principal mutations that the live arts show from the intermedial perspective: spatial, bodily, structural and temporal mutation. The last and sixth chapter focuses on the analysis of perceptual experience and the figure of the spectator within the intermedial performance practice.

Esta Tesis investiga la interrelación entre juego y teatro, pues pese a ser esta una relación secular, ha estado poco investigada hasta el momento. Partiendo de un análisis histórico para comprender el porqué de esta falta de interés investigador, se pasa directamente a dar respuesta a las dos preguntas principales de la Tesis: ¿En qué zonas se interseccionan el juego y el teatro? Y ¿Qué indicadores nos manifiestan el capital lúdico en el espectáculo teatral, tanto en los procesos como en los resultados? Más concretamente, en el marco teórico se propone un estudio profundo de todos los conceptos y de la teoría crítica existente tanto sobre el juego, en general, como sobre el juego en el contexto teatral en particular, para observar el aumento de lo lúdico en las últimas décadas tanto en ambos ámbitos. Tras ello se llega al corazón de la investigación que revisa cinco creadores contemporáneos, en cinco contextos concretos, como ejemplos de esta reactivación del juego en la escena: Jacques Lecoq y Philippe Gaulier relacionados con sus respectivas escuelas de formación actoral, y posteriormente, Simon Mc Burney, director de Complicite; Oriol Broggi, director de La Perla 29, y Andrés Lima, director de Animalario; cada uno de los cuales son analizados en sus espectáculos: Las tres vidas de Lucie Cabrol, Luces de Bohemia y Urtain, respectivamente. Posteriormente, se realiza un laboratorio práctico en el que se desarrolla un protocolo de ensayos para obtener información directa de los miembros participantes, para enriquecer los datos obtenidos. Esta parte práctica o experimental se realiza a través de una adaptación libre, de algunos fragmentos de Hamlet de W. Shakespeare. Mediando la información anterior debidamente analizada, así como el enriquecimiento de los estudios teóricos, propuestos en la primera parte, se llega a unas conclusiones que aportan una descripción del concepto de juego en el contexto teatral. En segundo lugar, se obtiene un sistema de dimensiones e indicadores que perfilarán el capital lúdico que puede extraerse de una creación dramática, y en tercer lugar, se desvela un método de trabajo actoral deducido durante el proceso. La Tesis aporta además información sobre la propia metodología: se usará un concepto de investigación teórico-práctico basado en la propia investigación de los procesos artísticos, llamado "Práctica como Investigación" (PcI), referido en inglés como Practice as Research (PaR). Esta es una metodología participativa, extendida profusamente en el ámbito de la investigación doctoral, en países como Finlandia, Reino Unido, Canadá, Australia, Sudáfrica, Nueva Zelanda, Estados Unidos, Chile o Suecia, que, aunque es muy joven y poco frecuente en nuestro país, está experimentando un gran crecimiento en todo el mundo. Esta Tesis ha realizado un estudio añadido sobre su historia, sus orígenes y evolución, así como su implantación académica en los currículums oficiales de estudios de posgrado, máster y doctorado en diversas Escuelas de Arte Dramático y Universidades. Dentro de estos centros formativos, se ha observado con especial atención y descripción la Theatre Academy de la University of the Arts en Helsinki, la School of Theatre, Performance and Cultural Policy Studies en la University of Warwick, y de la Royal Central School of Speech and Drama perteneciente a la University of London, las dos últimas del Reino Unido. En definitiva, esta investigación, además de las respuestas de contenido sobre el juego, muestra una información detallada sobre esta metodología novedosa, en lo que respecta a su estado de la cuestión, implantación y revisión bibliográfica. Sintetizando, esta Tesis aporta una propuesta de (RE)apropiación del juego por la escena, desde una razonada comprensión de la profundidad de dicho juego. De ahí su título: La (RE)gamificación del teatro. / This Thesis investigates the relationship between play and theater, because, despite this being a secular relationship, it has not been profusely investigated. Starting with an historical analysis to understand the reason for this lack of research interest, I will proceed to answer two main questions of the Thesis: In which areas the play and the theater intersect? And which indicators show us the playful theatrical capital in both the processes and the results? A thorough study is proposed from the conceptual framework of all concepts managed in this research, and the existing critical theory, both on the overall play concept and especially about the play in the theatrical context. All that in order to observe the increase of playfulness in both areas in recent decades. Thereby the heart of the research is reached: in it we look over five contemporary artists, in five specific contexts, as examples of this revival of the game in the scene: Jacques Lecoq and Philippe Gaulier, related to their respective schools of acting training, and, subsequently, Simon McBurney, Complicite's director, Oriol Broggi (also director of La Perla 29) and Andres Lima, director of Animalario company. Each of them analyzed on one of their shows: The Three Lives of Lucie Cabrol, Bohemian Lights, and Urtain, respectively Later, a practical laboratory to test a protocol is developed to get information directly from its participating members. This comes to enrich the data obtained in the previous observation about the studied artists. For that, it is proposed to investigate the staging from the free adaptation of Hamlet by W. Shakespeare. Mediating the information collected from all practical experience described, as well as the enrichment of theoretical studies proposed in the first part, we reach conclusions that provide a description of the concept of play in the theatrical context. Besides that, secondly, a system of dimensions and indicators that shape the ludic capital that can be drawn from a theatrical setting. And finally, a method of acting work that enhances this process of creation based on the play. The Thesis also provides information on the methodology itself: a concept of theoretical and practical research, based on the artistic creation as a research process, commonly referred as Practice as Research (PaR), is used. This is a participatory methodology, widely spread in the field of doctoral research in countries like Finland, United Kingdom, Canada, Australia, South Africa, New Zealand, United States, Chile or Sweden. Although it is very young methodology, it is experiencing strong growth worldwide. Therefore this Thesis has made an additional study on its history, origins and evolution, as well as academic presence in the official curricula of postgraduate studies, M. A. and PhD in several Drama Schools and Universities. Within these training centers, Theatre Academy of the University of the Arts in Helsinki, the School of Theatre, Performance and Cultural Policy Studies at the University of Warwick, Royal and Central School of Speech Drama at University of London, the last two in the UK, has been observed with special attention and description. So this Thesis, apart from play contents, also provides answers and detailed information about this new methodology, both in terms of implementation and specialized literature. Even provides a proposal for (RE)appropriation of playfulness around the scene, as well as a scholarly discourse based on the depth of the play concept, hence the title: The (RE)gamification of theater.

El subjecte d’aquesta tesi és l'adaptació dels clàssics teatrals, amb l’obra shakespeariana com a exemple principal, particularment la peça Richard The Third, per acabar focalitzant en l’estudi de cas de l'escena segona de l'acte primer. Aquesta escena és una de les més controvertides i, per tant, una de les més conegudes entre les shakespearianes, motiu pel qual se la coneix entre els experts amb un títol concret: The wooing scene (Escena de seducció). L'adaptador -director i/o dramaturg- ha de prendre decisions que derivaran en un sentit o en un altre. L'objectiu és analitzar vàries produccions on intervé aquesta escena segons les diferents categories d'intervencions que s’han sistematitzat en la tesi per a l’estudi de l'adaptació teatral. Aquesta taxonomia va del mínim al màxim, des de la proximitat que es procura en la mera traducció a l’allunyament que reivindica la versió lliure, que utilitzarà la peça de partida com a simple pretext. En el recorregut queden operacions com ara la recontextualització, amb una pormenorització de quins són els contextos en els quals es fa incidència (ubicadors, socials, polítics, culturals, etc.); el canvi de gènere; el canvi de codi; l’acomodament a un públic diferent pel qual fou pensat en origen; però també les intervencions de fusió entre varis textos del mateix autor, o de l’autor clàssic amb textos ex-novo. L’homenatge a l’autor i/o l’obra també té cabuda en la sistematització, tot analitzant si aquesta “apropiació” del clàssic o part del clàssic té la categoria només de cita, de ressonància o d’osmosi. L’emancipació d’un personatge (spin-off) o la derivació (sequel) com a operació adaptadora, també s’exemplifiquen i no únicament com a intervencions recents. El treball arrenca amb la reflexió sobre el concepte d’adaptació i el concepte de clàssic. Un breu recorregut sobre la història de l’adaptació shakespeariana ens dona notícies sobre quines han estat les principals intervencions adaptadores en el curs de segles i en diferents latituds i ens conviden a concretar quines són les tendències actuals en matèria dramatúrgica i d’escenificació quan s’aborda un clàssic. Adaptar és reconvencionalitzar i és per això que es dedica un capítol extens a l’estudi de convencions i un altre a la posada en escena com a adaptació. Aquest últim s’emparenta directament amb l’estudi de cas que conclou la tesi i que analitza com, des de l’elecció d’una traducció a l’elecció d’una peça d’atrezzo, posem per cas, compromet el sentit últim que arribarà a la platea. En conclusió, aquesta tesi té, d’una banda, una vocació cartogràfica per tal d’analitzar les manipulacions a les que es sotmet l’obra teatral clàssica; de l’altra, explorar quines són les conseqüències de la tria de l’operació, què implica en la seva significació final. Aquests dos objectius no només estan adreçats a l’estudi de les creacions d’altri, sinó a l’estimulació creativa de qui vulgui, en les distàncies que es vulgui bellugar, enfrontar-se a una producció basada en un clàssic teatral. / The subject of this thesis is the adaptation of theater classics, illustrated mainly through Shakespeare’s plays, particularly Richard III. In the end it focuses on a case study of Act 2 Scene 2 of this play. This is one of Shakespeare’s most controversial and, therefore, one of his best known scenes. Experts refer to it as “the wooing scene”. The adapter, whether director or playwright, must make decisions one way or another. The purpose is to analyze several productions of this scene according to a system of action categories proposed in this thesis to study the scene’s stage adaptation. From minimum to maximum, this classification system ranges from the proximity sought by mere translation to the remoteness asserted by a free version, where the source theatre piece is just a pretext. Dealt with along the way are operations such as recontextualisation -with a detailed account of the contexts that are being stressed (locators, social, political, cultural, etc.)-, change of genre, change of code, adjustment to an audience other than the one the play was originally intended for, as well as actions where several texts by the same author are merged or where the classic author’s text is combined with brand new texts. Tribute to the author and/or play is also included in the classification system, where an analysis is made of whether the “appropriation” of the classic or a part of it fits the category of quotation, resonance or osmosis. Examples are also given of character spin-offs or sequels as adaptation operations, both past and present. The thesis begins with a reflection on the concept of adaptation and the concept of classic. A brief run down of the history of Shakespearian adaptations provides information on the main adaptation procedures that have been performed over the years in different places, as a means to determine the current trends in dramaturgy and staging when a classic is addressed. To adapt is to reconventionalize. That is why one extensive chapter is devoted to the study of conventions and another to staging as a means of adaptation. The latter is directly related to the case study at the end of the thesis. This chapter analyzes how the choice of a translation or a prop, for example, can affect the final meaning that reaches the audience. 
In conclusion, the aim of this thesis is, on the one hand, to provide guidance in the analysis of the manipulations to which classical plays are subject, and on the other hand, to explore the consequences of the procedure chosen and its final significance. These two objectives are not only focused on studying the creation of others, but on stimulating the creativity of whoever wants to face a production based on a theater classic, whatever the distance they are willing to go.

Este trabajo de investigación se propone estudiar la fenomenología del silencio en el cine, especialmente su conformación en el cine español contemporáneo del siglo XXI. Se parte de la hipótesis de que las aproximaciones que se han hecho sobre el silencio en referencia a cualquier manifestación humana, y también las específicamente cinematográficas, han sido abordadas y entendidas mayoritariamente en términos de ausencia, de falta o carencia. La intención del trabajo es discutir esta concepción, así como analizar la conformación del concepto en sí. La idea en la que se centra esta investigación es la siguiente: el silencio se construye, está lleno de contenido y por tanto cuando se introduce en la imagen cinematográfica pone de manifiesto aquello que no siempre es reconocido como constructor de la imagen en silencio. Se parte de la premisa de que la presencia del silencio en cine es una construcción que se especifica en el transcurso de la película; se trata de una representación metafórica dotada de una activación repleta de especificidad. Se concreta que el silencio en el cine es una construcción metafórica que, al ser construida en la praxis fílmica, adquiere los perfiles específicos de este campo. El cine es, en sí mismo, una metáfora en movimiento y ello implica la existencia de procesos de transformación visual y sonora. Es a partir de esta conceptualización que se explora cómo y qué conforma el silencio. Mediante el análisis retórico de las formas audiovisuales del cine español del siglo XXI se busca detectar cómo se erige el silencio y cómo se manifiesta en la praxis fílmica. / The present investigation aims at studying the phenomenology of silence in film, in particular, its shaping in contemporary Spanish cinema (XXIst C). I start with the thesis that visions of silence as a human manifestation and, the cinematic ones in particular, have previously been addressed and understood in terms of absence, omission or lack of. The goal of this paper is to discuss this conception, as well as to analyze the configuration of the concept itself. I focus mainly on the idea that silence is a construction full of meaning hence when included within the cinematic image it displays what we don’t usually acknowledge as an organizer of the silent image. Stemming from the belief that the presence of cinematic silence is a construction that is specified during the film and a metaphor which works as a completely specific element, silence in cinema is a metaphoric construction that, whenever it is constructed in film, it relates and showcases the specific features of this field. A film is, itself, a moving metaphor, and that involves the existence of sonic and visual processes of transformation. It is from this conceptualization that I’ll be exploring what silence is made of and how it is established. Through the rhetoric analysis of contemporary Spanish films I’ll seek to identify how silence is constructed and portrayed in films.

La investigación se centra en los solos de las nuevas creadoras interdisciplinares que han tenido lugar en el panorama español entre los años 2000 y 2014. Tras analizar el contexto de la creación escénica independiente desde los años ochenta en adelante, se presta especial atención al marco sociológico, político y estructural general y a cómo éste ha condicionado los circuitos, los sistemas de producción y los formatos escénicos. Como consecuencia de la fragmentación del sistema teatral y la falta de un apoyo estratégico a las nuevas tendencias desde las instituciones públicas (más allá de la política de subvenciones a la creación y de algunos festivales o salas alternativas), en el seno de una cultura global tendente al individualismo y al narcisimo, se observa una tendencia a la autogestión y a la autosuficiencia creativa: el Yo, la identidad y lo autobiográfico son el principal referente, como herencia de aquellas artes de la acción nacionales e internacionales de los 60 y los 70, donde lo personal servía para urdir un discurso subversivo y contracultural. Sin embargo, respecto al cuestionamiento de la identidad, que había sido abordado desde una perspectiva más politizada a lo largo de los últimos 80 y los 90 (La Ribot, Olga Mesa, Elena Córdoba, Angélica Liddell, Rodrigo García, etc.); o respecto a una estética más formalista propuesta por la nueva danza catalana (con Àngels Margarit como ejemplo emblemático, entre otras), se observa una menor incidencia en temas conflictivos y se opta por dispositivos con un intenso sentido lúdico y una significativa economía de medios, que tratan de accionar la circulación de afectos con el espectador, dando mayor importancia al encuentro en vivo y en directo con el mismo y a la cocreación de la obra desde una recepción activa o participativa. El cuerpo (sobre todo el de la mujer) siempre ha sido observado como fuente de deseo o de exclusión, y en general, ha sido mayor el número de artistas mujeres las que han abordado los conflictos que esa visión ocasiona desde las artes escénicas, las artes plásticas y las artes visuales. Las creadoras que figuran como casos de estudio cuestionan tanto los códigos como los temas y las estrategias narrativas habituales, y se ubican en un contexto periférico donde cuentan con la complicidad de un círculo endogámico: investigadores, públicos y practicadores afines. Los conceptos de autoficción, poéticas de la experiencia y poéticas de la intimidad sirven para definir el tipo de propuestas analizadas. Las artistas que sirven como ejemplos pertenecen a una misma generación, nacidas entre 1966 y 1978. La nómina de creadoras es la siguiente: Lidia González-Zoilo, Amalia Fernández, Constanza Brcnic, María Jerez, Mònica Muntaner, Bea Fernández, Sonia Gómez, Paloma Calle, Ada Vilaró y Marta Galán; pero se analiza también algunos trabajos de Victoria Szpunberg, Loreto Martínez Troncoso o Pilar Albarracín. / The present work focuses on solos by new interdisciplinary stage artists that appeared on the Spanish theater scene from 2000 to 2014. After analyzing the context of independent theater arts from the 1980s on, this thesis places particular emphasis on their sociological, political, and structural framework and its effect on the circuits, production systems, and staging formats involved. As a consequence of the fragmentation of the theatre system and the lack of strategic support for new performance trends from public institutions (beyond policies concerning grants for the arts and a few alternative festivals and venues), in the midst of a global culture that leans towards individualism and narcissism, we can observe a tendency towards creative self-management and self-sufficiency: the Self, identity, and autobiography are the main point of reference, as a legacy of the national and international performance and body arts of the 1960s and 70s, where the personal was used to build a subversive, counter-cultural discourse. However, in terms of the issue of questioning identity, which had been addressed from a more political perspective throughout the late 1980s and the 1990s (La Ribot, Olga Mesa, Elena Córdoba, Angélica Liddell, Rodrigo García, etc.), or in terms of the more formalist approach adopted in new Catalan dance (with Àngels Margarit as a representative example, among others), we see less of an emphasis on conflictive subjects and more of a tendency to choose devices with a strong sense of playfulness and a significant economy of resources, in an attempt to activate the circulation of affects with the viewer, attributing greater importance to the live encounter with him or her and to co-creating the work through an active or participative reception. The body (and particularly the female body) has always been viewed as a source of desire or exclusion, and, in general, there have been more female than male artists who have addressed the conflicts that this image elicits within theater arts and visual arts. The artists who are featured as case studies in this thesis challenge the codes, themes, and narrative strategies of conventional theater, placing themselves in a peripheral context where they can rely on the understanding of an endogamous circle of like-minded researchers, viewers, and fellow artists. The concepts of the fiction of the self, the poetry of experience, and the poetry of intimacy are the basis for defining the types of approaches analyzed here. The artists presented as examples all belong to the same generation, born between 1966 and 1978, and include the following: Lidia González-Zoilo, Amalia Fernández, Constanza Brcnic, María Jerez, Mònica Muntaner, Bea Fernández, Sonia Gómez, Paloma Calle, Ada Vilaró, and Marta Galán; some of the pieces by Victoria Szpunberg, Loreto Martínez Troncoso, and Pilar Albarracín are analyzed as well.

Esta tesis tiene como objetivo demostrar la especificidad de la técnica actoral en ópera respecto a la técnica actoral en arte dramático, asicomo describir, si procede, los elementos técnicos que fundamentan dicha especificidad. El estudio parte de la hipótesis que la técnica actoral propia del arte dramático no solo resultaba insuficiente para abordar la interpretación del rol operístico, sino que, en algunos casos, algunos de los elementos y procesos técnicos actorales parecían requerir en ópera un tratamiento distinto. Hemos desarrollado un análisis historiográfico y transversal a través de los cinco siglos de historia de la ópera, recopilando tratados, documentos, cartas (datados entre los siglos XVI y XIX), entrevistas, clases magistrales, obra grabada (registradas a lo largo de los siglos XIX, XX y XXI), y ampliando el foco de atención a la Rusia de entre siglos ( 1863- 1940), por la importancia y el impacto que las innovaciones en el ámbito de la técnica actoral y de la técnica actoral en ópera tuvieron en este período en este país. Se demuestra qué elementos técnicos son requeridos, como una constante, para la interpretación actoral en ópera desde el nacimiento del género hasta nuestros días, en cada uno de los períodos, poniendo el foco de atención en aquéllos cuyo tratamiento presenta variaciones o difiere en relación a la técnica del actor dramático; en aquéllos que son específicamente requeridos para el cantante de ópera, no para el actor dramático. / The main goal of this thesis is to show the specifity of the acting technique in opera in relation with the acting technique in drama theatre; as well as to describe, if appropriatre, which technical elements are in the base of this specificity. This study starts from the hypothesis that the acting technique is not only insufficient for the intepretation of an operatic character, but also that some technical elements and procedures from acting in drama seem to need a different approach in the acting on opera. We develope a historiographical and cross analysis throughout the five centuries of history of the opera, collecting treaties, documents, letters (dated between centuries XVI and XIX), interviews, master clases, recording operatic works (recorded along centuries XIX, XX and XXI), and focusing especially in Russia, in the period between 1863 and 1940, attending to the importance and impact that innovations in this field – acting techniques and acting techniques in opera- took place in this country during this period.We show which technical elements are required, as a constant, for the acting technique in opera, from the beginnig of the genre until nowadays, in each period. We focus in those elements which differ from those of the acting tecnique in drama; that is, in those elements specifically required for the opera singer, not for the actor.

El primer objetivo de esta investigación consiste en averiguar si hay alguna diferencia en los procesos perceptivos cerebrales mirando la realidad u observando imágenes en pantallas. El segundo es saber si, a través de las pantallas, hay diferencias entre la observación de hechos sin interrupción, y diferentes tipos de montaje audiovisual. El tercer objetivo concreto, consiste en investigar si los expertos y los profesionales de la imagen audiovisual perciben de manera diferente esas fuentes de imagen y los distintos tipos de montaje, y si su trabajo intensivo con pantallas, crea diferencias en el proceso perceptivo respecto a los legos, meros espectadores consumidores de imágenes. Un objetivo más general de este trabajo, es aproximar los avances, enfoques y técnicas de las Neurociencias a las Ciencias de la Comunicación. Para cumplir los objetivos iniciales de esta investigación, se diseña un laboratorio y se emplean técnicas de electroencefalografía, EEG. Se utilizan 40 sujetos, 20 profesionales del audiovisual y 20 no profesionales para investigar la frecuencia espontánea de parpadeo (SBR); y 20 sujetos, 10 profesionales y 10 no profesionales, para investigar, en conjunto, la desincronización del ritmo mu y el trabajo del córtex visual. Se presentan a los sujetos, en orden aleatorio, cuatro estímulos con la misma narrativa, pero estilos diferentes: tres videos con distintos estilos de edición: un plano secuencia sin interrupción; una edición siguiendo las reglas de la continuidad narrativa del cine clásico, Hollywood style; y una edición con montaje intensificado, tipo videoclip, que podemos llamar MTV style. El cuarto estímulo es una actuación teatral en directo, de la misma duración, aproximadamente. En el visionado en pantalla de los estímulos se registró, como era de esperar, por estudios precedentes, una SBR inferior con respecto a la actuación real teatral, y en los videos, además, era inferior cuantos más cortes de plano presentara el estímulo. Luego la SBR se ve influida por el estilo de montaje. Los profesionales mostraron una SBR muy inferior a los no profesionales, también en la observación de la realidad. Se supone que esto es una consecuencia de la práctica profesional, la atención dirigida y el uso intensivo de pantallas por parte de este colectivo. En cuanto a los estudios a través de EEG, se utiliza la visualización y análisis principalmente a partir de las perturbaciones espectrales asociadas a eventos (event related spectrum perturbation, ERSP). Es conocido que el ritmo mu (μ), en la zona premotora, se desincroniza cuando hay estimulación táctil, movimientos contralaterales o imaginación del movimiento teleológico. Esta desincronización se ha asociado a la activación del sistema de neuronas espejo (Mirror Neuron System, MNS) en humanos, sugiriendo la existencia de un mecanismo para la simulación y el aprendizaje. También sabemos que la supresión de mu ocurre cuando vemos movimientos generados por acciones de otras personas. La desincronización de mu, fue mucho mayor en la actuación real con respecto al visionado en pantalla. También fue marginalmente relevante según los estilos de montaje, alta en el seguimiento más sencillo de la secuencia sin cortes y el Hollywood style. Los profesionales del montaje reaccionan menos ante el montaje de imágenes, cosa coherente con estudios que comparan a artistas, taxistas, arquitectos, músicos y bailarines profesionales, frente a no profesionales. Esto es también coherente con estudios previos con fMRI. La desincronización de mu podría ser un marcador de percepción de realidad frente a entornos o estímulos virtuales. Y se manifiesta muy interesante para investigaciones futuras, el uso pionero del cambio de plano como marcador de eventos en el EEG. Hacen falta ulteriores investigaciones con sistemas que estudien la dinámica cerebral y conexiones cognitivas de estos procesos más en profundidad. / This research has three concrete objectives and a general one. The first consists in finding out if there are differences in perceptive brain processes between looking reality and watching screens. The second objective is to learn if, throughout screens, there are differences between watching action in different editing styles: one-shot movie, Hollywood style and MTV style. The third goal of this research consists in finding out if audiovisual specialization is linked to differences in perceptive processes. A more general objective in this thesis is to approach progress, methods and techniques from Neuroscience to Communication Sciences, updating ideas and improving questions. It is of interest start a fruitful dialogue that permits new focus, explanations and objects of study. In order to fulfill the objectives of this research, an EEG laboratory is designed. We worked with 40 subjects, 20 media-professionals and 20 non media-professionals, to study the spontaneous blink rate, SBR. Secondly, we worked with 10 media-professionals and 10 non media-professionals to make a research about brain perception related to mu rhythm and to visual cortex area. Here, four stimuli, with the same narrative and duration but different editing style, were randomly presented to subjects: a one-shot movie through a establishing shot; an edited movie according to institutional mode of representation (IMR) or Hollywood style; another movie edited according to an MTV style; and a real play of the same action. Watching screens showed, as expected, a lower SBR related to real action. The more shots in the video, the less SBR, so, we conclude here that blink rate is related to the editing style of audiovisuals. Media-professionals showed a significant lower SBR in both, screens and real world. This could be consequence of their professional practice, their directed attention and their intensive work with screens. According to EEG analysis, we have used event related spectrum perturbation, ERSP, to study differences. It is known that mu rhythm (μ), in motor cortex is desynchronized when there is tactile stimulation, contralateral movements or imagination of the movement. This desynchronization has been linked to activation of mirror neuron system (MNS) in humans, suggesting that there is a mechanism for simulation and learning. We also know that mu desynchronization occurs when we see movement generated by other’s actions. Here, we studied, with the four cited stimuli, mu rhythm suppression and desynchronization when watching screens and seeing real world, related to editing styles and related to subjects’ specialization. Mu desynchronization was higher in real world than when watching screens. It was found a marginally relevant difference in mu desynchronization when watching, easier to understand, Hollywood style. Media-professionals showed a lower reaction when watching editing movies. It seems coherent with former studies comparing artists, taxi drivers, architects, musicians and dancers. Maybe, their cortical networks have already learned some changes when watching movies. This is also coherent with fMRI studies about perceptual processes related to shots. Mu desynchronization may be a marker of reality perception in real and virtual environments. The pioneer use of movies’ cuts as events marker in EEG seems to be a very interesting area to develop further research. More investigations should be done, with other techniques, to study brain dynamics and cognitive connections in these processes, in a more deeply way.

Indis, cowboys i mestresses de casa. Construcció i deconstrucció d'arquetips del somni americà al western i melodrama de Hollywood dels anys 50 és una tesi doctoral que torna sobre els clàssics del cinema que han definit el cànon dels dos gèneres esmentats. S'observa com operen sobre el somni americà, un concepte que malgrat tenir una arrel geogràfica i temporalment precisa té un abast universal. L'objectiu és argumentar que, si bé el cinema nord-americà ha ajudat a gestar aquests arquetips, són les mateixes produccions dels grans estudis de Hollywood les que inviten a qüestionar-los en un context, com el dels anys 1950, en el qual la complaent imatge d’un Estat fort imposant-se com a potència mundial i opulent portes endins té en la seva indústria cinematogràfica un recordatori poderós de la seva fragilitat, marcada per una economia de consum que accentua la diferència de classes i el desencís que segueix a la victòria aliada a la Segona Guerra Mundial arran de la Guerra Freda. La tesi analitza com el cinema de Hollywood dels anys 50, i el western i el melodrama en particular, ajuda a construir i alhora a qüestionar subtilment l'agredolça utopia nacional. De cada un dels gèneres s'ha escollit un film i un cineasta clau per acotar l'àmbit de recerca: The Searchers (Centauros del desierto, 1956), de John Ford, i All That Heaven Allows (Sólo el cielo lo sabe, 1955), de Douglas Sirk. A partir d'aquí, la recerca se centra en els arquetips vinculats a la gestació del somni americà i l'escenari resultant: els indis, cowboys i mestresses de casa als que al·ludeix el títol. Nascuts als Estats Units en el context del Hollywood clàssic i del western en particular, indis i cowboys han arrelat amb èxit a l’imaginari occidental. La tesi aprofundeix en com els westerns dels anys 1950 juguen amb els codis i trets distintius d'aquests arquetips i obren la veda a una mirada més obertament crítica. D'altra banda, al costat d'indis i cowboys, el que també es consolida als anys 1950 és un altre arquetip clau del somni americà: la mestressa de casa sobre la que pivota el melodrama, un gènere cinematogràfic que també viu, en aquest període, anys d'esplendor. Un personatge que regna al paradís domèstic que culmina i dóna sentit a la penúria pionera relatada pel western. A l'hora d'explorar la simbologia interna pel què fa a la construcció i deconstrucció d'aquests arquetips s'aplica el concepte clàssic de paròdia, un terme referit a la lectura entre línies de la narració que ajuda a qüestionar-la subtilment, tal com apunta l’arrel etimològica del terme. En grec, parōidía és una “cançó cantada al costat d’una altra”. El concepte s’aplica al western i melodrama del Hollywood clàssic, argumentant el seu clau en la multiplicació de lectures que generen. / The doctoral thesis Indians, Cowboys and Housewives. Construction and Deconstruction of Archetypes of the American Dream in the Hollywood Western and Melodrama of the Fifties takes the cinema classics that have established the canon for the two genres quoted in the title to study how they operate in relation to a concept that, despite its geographical and historical specificity has achieved universal status. The research focuses on how American cinema has created these archetypes while questioning them in a context such as the 1950 in which the image of the United States as a powerful and self-satisfied country has its counterpoint in the film industry. The films mirror the economic boom and the tensions in class differences that this triggers as well as the end to the optimism generated by the victory in the Second World War that the start of the Cold War brings. The thesis analyzises how the Hollywood western and melodrama of the 50s, build and subtlety question the epic of national construction. Of each genre, the research focuses on a film and filmaker: The Searchers (1956), by John Ford, and All That Heaven Allows (1955), by Douglas Sirk. And from them its studies the archetypes of indians, cowboys and housewives quoted in the title.