In questo studio ci proponiamo di esplorare la definizione di “politico” nel teatro, applicandola all'intero percorso della compagnia italiana di teatro sperimentale Motus. L'ipotesi è rinvenire nell'opera del gruppo la “politicità” insita in vari livelli della sua produzione: in primis quello organizzativo, esplorato sin dal debutto nella scena contemporanea, in cui la definiamo insieme ad altri gruppi delle sua generazione come “isole nella rete”, fino alla recente occupazione di spazi come il teatro Valle a Roma e Macao a Milano. Nel primo segmento d'analisi esploreremo le opere degli esordi (1995-2002), caratterizzati da una forte ricerca sul linguaggio e dal rifiuto della dimensione mimetica: questa messa in discussione della poetica aristotelica rappresenta la cifra politica della prima fase indagata. La seconda è caratterizzata da istanze dove il discorso politico si fa più esplicito: dal progetto Pasolini alla rilettura del mito di Antigone, l'elemento ideologico ed il tema della Rivolta emergono con preponderanza, contribuendo a definire la compagnia dentro gli schemi di quello che definiremo come “terrorismo poetico”. / In this investigation we propose to explore the definition about the notion of “politic” in theatre, by his application on the entire accomplished of Motus, an italian experimental theatre group. The assumption is to recover in the work of this collective the “politcal level” inherent in the differents fields of his productions: in primis the organizational one, explored since the debut in the theatral contemporary scene ( phase that we define as “islands in the net”) till the late occupation of spaces as the Valle theatre in Rome and Macao in Milano. In the first segment of our analisys we explore the beginning works (1995-2002), with an essential characteristic: the strong research about languages and the disaffirmation of the mimetic dimension, that describes the politic magnitude of this first segment. The second one is emblematized by instances where the politic speech is becoming more explicit: from project Pasolini to the scenic construction about the mythe of Antigone (2004-2010), the ideologic item and the theme of rebellion appear preponderancly, determining the group in the patterns that we define as “poetic terrorism”.

La dramatúrgia escrita de la companyia Els Joglars: anàlisi dels textos produïts per als espectacles creats en el període 1970-2000 (d'El joc a Daaalí) explora, a partir de tot allò que Els Joglars han escrit en el període esmentat i amb l'ajut de tot el que s'ha publicat sobre ells, la metodologia de creació i el repertori complet de continguts i procediments dramatúrgics esmerçats per aquesta històrica formació teatral catalana. La part de la tesi dedicada a la metodologia de creació, explica els factors sobre els quals es recolza el sistema d'improvisació propi de la companyia, com són l'equip, el mètode, el temps i el lloc; es categoritzen i exemplifiquen els marcs referencials pels processos d'improvisació que la companyia elabora prèviament; s'estudia l'estructura de rols i la mecànica que utilitza la companyia en la improvisació actoral com a mètode de creació dramatúrgica i es descriuen i exemplifiquen també els processos d'aportació, selecció i fixació textual de les improvisacions. Es tracta de la cerca empírica d'una pràctica amb força components originals on la pròpia necessitat de sistematització en l'exposició de les experiències analitzades estableix un cert esbós de vademècum generalitzable de la qüestió.El gruix de la tesi el constitueix la recerca per a l'establiment de les característiques formals observables en la partitura textual de les obres creades on, amb el títol genèric Construccions dramàtiques, es descriuen i categoritzen a partir dels patrons teòrics de la dramatúrgia les modulacions particulars de les distintes obres i les peculiaritats estètiques de l'autoria. Aquesta part de la recerca recull i explica l'adaptació pròpia que fa aquesta companyia dels conceptes bàsics de la representació dramàtica establint la gènesi dels arguments, analitzant les tendències estructurals i els elements de segmentació més destacats de la seva pràctica com són l'escena, les digressions o la seva particular i freqüent aplicació teatral de l'efecte de mise en abîme. La tesi aprofundeix en l'estudi dels personatges i dels tractaments teatrals que s'hi detecten en la seva plasmació textual i examina les tendències més notables que apareixen en el conjunt de les obres pel que fa a les variants funcionals que els personatges exerceixen en les distintes construccions, a les diferents estratègies adoptades a l'hora d'establir els nivells de realitat que atorguen els índex de la seva referencialitat en convertir-los en peça de la ficció i als estils interpretatius amb què el text indica a actors i actrius la seva representació. Així mateix, s'aborden les tendències pel que fa als recursos lingüístics amb què els personatges fan arribar el discurs destriables en la seva fixació textual, com són l'ús de llenguatges singulars, un dels trets més característics d'aquesta dramatúrgia, i les diferents estratègies d'inclusió de la paraula detectades en els diàlegs, les estratègies verbals d'implicació del públic, les formulacions textuals pròpies de narradors i presentadors, els estils verbals, les pràctiques intertextuals i les estratègies idiomàtiques. Aquest capítol de la tesi també aborda els indicatius textuals que estableixen la dimensió espaciotemporal de les obres, agrupant-les per les distintes tendències observades, així com la manera amb què els textos recullen tota la incidència espectacular i dramàtica de vehicle extra humà com la música, la llum i els efectes tan presents en la dramatúrgia d'Els Joglars.Aquest nucli principal de la recerca es complementa amb un capítol on, a partir de tot el que s'ha escrit i opinat sobre la companyia, es fa un repàs de la importància que públic i crítica han donat als aspectes estudiats per la tesi. / The Written Dramaturgy of the Theatre Company "Els Joglars": Analysis of the Texts Elaborated for the Productions Created from 1970 to 2000 (from "El Joc" to "Daaalí") examines, within all the plays written by Els Joglars in that period as well as the published material concerning the company, the methodology of creation and the complete repertoire of contents and procedures employed by this historical phenomenon of Catalan theatre.The section of the thesis devoted to the methodology of creation describes the elements upon which the specific improvisational system of the company relies, such as the artistic and technical team, their method, their timing and settings. The frames of reference for the process of improvisation that the company selects beforehand are categorized and illustrated. The structure of roles and procedures used by the company regarding the players improvisations as a method of creation is examined, and the process of collaboration, selection and text editing of the improvisations is described and illustrated. This constitutes the empirical search of a method with many unique components.The main body of the thesis gathers and describes the unique adaptation that this company creates, departing from the basic concepts of dramatic representation. It establishes the origin of the plots and analyzes structural trends and the most outstanding sequence elements, such as progression of scenes, use of digressions and the distinctive and frequent theatrical application of the mise en abîme. The thesis delves into the study of the characters and theatrical treatments which can be found in the transcription of the text. Also, it examines the most salient patterns that appear in the totality of the plays in regards to the functional variants represented by the characters in each structure, the different strategies chosen at the moment of establishing the levels of reality given as references within a piece of fiction, and the interpretive styles the actors are to follow in their performance. At the same time, other patterns are examined in regards to the linguistic resources which the characters use to convey their message. These patterns can be observed in the written text as the use of idiosyncratic language which is one of the most distinctive traits of their work, and the various strategies of word inclusion found in the dialogues, the verbal strategies which involve the audience, the unique formulas concerning narrators, verbal styles, intratext devices and idiomatic variations. This chapter of the thesis also encompasses the text landmarks which establish the dimensions of dramatic time and space in the plays, classifying them according to the various patterns observed, as well as the way in which the text accommodates the theatrical impact of all the non-human elements such as music, lighting and other effects which are the usual fare of the theater technique used by Els Joglars.This main focus of the research is complemented by a chapter in which, departing from all that has been written and said about the company, an overview is offered of the significance that both audience and critics have contributed in their general response to specific aspects covered in this thesis.

La presente tesis realiza un estudio sobre la reescritura del mito griego en el teatro contemporáneo. El centro de la atención es la reescritura de la Orestíada, la tragedia esquilea en la que se representa el paso de una sociedad arcaica y violenta a una democrática, donde, sin embargo, el matricida queda impune. A lo largo de la historia cultural europea la Orestíada ha representado un importante modelo teatral así como un núcleo para reflexionar sobre el nexo entre tragedia, política y rito. Reescribir el mito significa deconstruir el imaginario y trabajar sobre las representaciones presentes en el canon occidental que ha desarrollado una función normativa. En la primera parte de esta tesis, se propone un recorrido teórico y propedéutico alrededor de tres núcleos: una aproximación a la Orestíada a lo largo de la historia cultural; un análisis detallado de los conceptos de intertextualidad y reescritura a partir de las teorías literarias y teatrales; una descripción panorámica de las distintas tendencias estéticas y culturales presentes en el teatro contemporáneo (las tendencias postmodernas y posdramáticas y las conexiones con lo intercultural y postcolonial y el género). En la segunda parte se analizan cuatro reescrituras contemporáneas de diferentes países: Orestea. Una Commedia Organica? de Romeo Castellucci y la Socìetas Raffaello Sanzio, (Italia, 1995); Orestea ex machina de Mapa Teatro (Colombia,1995); Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mis hijos de Rodrigo García y la Carnicería Teatro (España, 2003); Molora de Yael Farber y la Farber Foundry (Sudáfrica, 2003). El objetivo es analizar la reescritura de la Orestíada dentro y fuera de Europa y observar cómo el contexto histórico, político y cultural influye en la reescritura. Por una parte, el análisis de las obras desarrolla los vínculos entre los sistemas escénicos de representación y los contextos histórico-culturales específicos. Por otra, se apoya en la reconstrucción de la estética de cada compañía y de las estrategias de re-apropiación del mito clásico. La investigación toma como eje vertebrador el teatro actual como espacio cultural y artístico propicio para replantear una reflexión sobre la relación entre el mito griego, lo político y lo ritual en la contemporaneidad. La perspectiva teórica es interdisciplinar y entrecruza varios discursos presentes en la contemporaneidad: artes escénicas, teoría del teatro y de la literatura, semiótica, estudios de género y postcoloniales. Dentro de este marco, la reescritura constituye un complejo laboratorio para trabajar sobre la dialéctica pasado/presente y, también, nosotros/los otros. / This thesis presents a study on the rewriting of Greek myth in contemporary theatre and, in particular, analyzes the rewriting of the Oresteia in different countries. The Aeschylus’ trilogy is concerned with the transition from a violent society to a democratic one. Nevertheless, the resulting democracy is not a fair one because it is based on impunity: Orestes is absolved. Within the European cultural history, the Oresteia represents an important theatrical model as well as an interesting topic to re-interpret the relationship between tragedy, politics and ritual. Re-writing the myth entails deconstructing the stereotypes and working through the western canon, which involves a normative connotation. In the first part of my dissertation, I examine three clusters: the myth of the Oresteia; the topics of “intertextuality” and “rewriting” from a literary and theatrical perspective; the description of the different trends in contemporary theatre (postmodern and post-dramatic movements and the connections with intercultural, postcolonial and gender studies). In the second part of the dissertation, I examine four rewritings of the Oresteia: Orestea. Una Commedia Organica? by Romeo Castellucci and the Socìetas Raffaello Sanzio (Italy, 1995); Orestea ex machina by Mapa Teatro 1995 (Colombia, 1995); Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mis hijos by Rodrigo García and the Carnicería teatro (Spain, 2003); Molora by Yael Farber and the Farber Foundry (South Africa, 2003). The main purpose is to approach the “rewriting” of Greek myth in contemporary theatre from an interdisciplinary and theoretical perspective as well as to analyze the connections between the historical and political contexts and the texts. On the one hand, the thesis analyzes the relationship between theatrical strategies and specific historic-cultural contexts. On the other hand, the purpose is to reconstruct the aesthetics of the performances and the different models of reappropriation of the Greek myth. In my thesis, I consider theatre as a cultural tool which contributes to the survival of Greek culture intertwining political and ritual aspects. In this respect, the “re-writing” is like a huge laboratory, where it is possible to explore the borders between classic and contemporary representations of us/the others.

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La guerra se ha constituido un tema constante en la dramaturgia chilena, la cual a su vez se ha vinculado estrechamente con la identidad nacional. La pulsión de la guerra, con sus mecanismos discursivos institucionales (histórico, político, cultural, militar, nacional), sus ondulaciones y su dificultad misma de la representación sobre la escena han resonado en la dramaturgia patria desde la consolidación de la República en el siglo XIX (1817) hasta la apoteósica celebración del Bicentenario nacional (2010). Nuestro objeto de estudio pretende estructurar de forma general de qué modo las pulsiones bélicas (durante la preguerra, guerra y postguerra) y sus derivaciones de violencia (guerra de clases y guerra sucia) se han incrustado en la dramaturgia chilena, en un arco de tiempo que abarca casi tres siglos. Este gráfico desvelará la continuidad, ruptura, retorno e innovación de la representación de la guerra en la dramaturgia nacional, ofreciendo una selección de escrituras bélicas que van desde una formación clásica (épica-nacionalista), pasando por la guerra política (lucha de clases) y el terrorismo de Estado (dictadura militar) hasta llegar a la deconstrucción y resignificación de la memoria histórica. Sobre este soporte analizamos de qué manera aparece el pretexto bélico (acción, contexto histórico, tela de fondo o dimensión política / War has been a recurring subject in Chilean drama, which in turn has been closely connected with national identity. The drive of war along with its institutional discursive mechanisms (historical, political, cultural, military, national), its consequences and the difficulty in representing it on stage have echoed around the country’s playwriting from the establishment of the Republic in 1817 to the tremendous celebration of the national Bicentenary in 2010. This study aims to organize how pre-war, war and post-war eras and their by-products of violence (class war and dirty war) have become embedded in Chilean drama within a three-century span of time. This framework will reveal the continuity, the breaking, the revival and innovation of staging of war in the national drama while offering a selection of war literature that goes from classical formation (epic-national), through political war (class struggle) and State terrorism (dictatorship) to the deconstruction and reinterpreting of the historical memory. This work examines how the war pretext appears (action, historical background, backdrop or social, economic and political dimension) in plays with some representative importance in the theatre scene.

La investigación tiene como objetivo principal identificar la influencia del doblaje de la ficción audiovisual en la percepción de los personajes. Esta percepción está referida a la coherencia entre la verosimilitud de los personajes doblados al español y la de esos mismos personajes en la obra original inglesa. También consigue identificar el grado de coherencia entre el carácter de los personajes doblados y esos mismos personajes en la obra original.Entendiendo la audiovisión como un fenómeno perceptivo complejo resultante del compromiso entre la voz y la imagen, distinto a la suma del ver más oír, la hipótesis principal es que tanto los personajes doblados como sus respectivas voces dobladoras resultarían tan verosímiles y tan coherentes en sus atributos caracteriales como los respectivos personajes y voces originales.Seleccionamos cuatro escenas semejantes en temática, iluminación y duración de una película inglesa y las mismas escenas dobladas satisfactoriamente al castellano en España. En cada escena una actriz y un actor discutían con diálogos acústicamente nítidos. Con estas cuatro escenas creamos cinco distintos textos portadores que nos permitieron aislar las distintas sustancias expresivas (voz e imagen).Mediante una metodología experimental, cada uno de cinco grupos experimentales (de 20 sujetos cada uno) percibieron los respectivos textos portadores. El primero audiovisionó el texto en versión original; el segundo audiovisionó la versión doblada; el tercero escuchó la banda sonora original del texto; el cuarto, la banda sonora doblada y el quinto, la banda de imágenes sin sonido.Mediante un cuestionario (Diferencial Semántico de Osgood), los grupos evaluaron el carácter de los personajes en ocho variables (equilibrio, seguridad, fortaleza, humildad, tranquilidad, extroversión, sinceridad e inteligencia) del 1 al 7 en adjetivos bipolares y la variable verosimilitud.Mediante una regresión múltiple, buscamos diferencias estadísticamente significativas entre las valoraciones a la secuencia original y la secuencia doblada y entre las valoraciones a las voces originales y a las voces dobladoras; tanto globalmente como personaje a personaje. El diseño experimental permitió también identificar la sustancia expresiva (voz o imagen) por la que más consistentemente fue juzgada la verosimilitud.Por otra parte, medimos las frecuencias fundamentales tanto de las voces originales como de las respectivas voces dobladoras, con el fin de identificar la influencia de esta variable en la coherente percepción de los personajes.Conclusiones:a) El doblaje preserva la verosimilitud de los personajes. Tanto globalmente, como personaje a personaje, los personajes doblados resultan tan verosímiles como en la secuencia original.b) Las voces dobladoras son global y mayoritariamente tan creíbles como las voces originales. En la muestra analizada solamente una voz dobladora (12,5%) resultó significativamente más creíble que la respectiva voz original.c) La diferente frecuencia fundamental de las voces dobladoras respecto de las voces originales no influye en la atribución distinta de verosimilitud ni de distintos atributos caracteriales a los personajes doblados respecto de los originales, independientemente de que las voces dobladoras sean más agudas o más graves que las originales.d) La verosimilitud de los personajes de una película narrativa sonora descansa fuertemente en la interpretación sonora de sus textos, es decir, en sus voces y el contenido semántico de las mismas. El doblaje no modifica esta tendencia.e) En términos globales el doblaje preserva los valores de extroversión, seguridad, fortaleza, sinceridad, inteligencia, equilibrio y humildad del conjunto de los personajes.f) En términos globales, el doblaje es susceptible de modificar la percepción de tranquilidad del conjunto de los personajes, provocando que sean enjuiciados como significativamente menos tranquilos, más nerviosos, que el conjunto de personajes originales.g) En términos globales las voces de doblaje son juzgadas con valores estadísticamente idénticos en todas y cada una de las variables que las voces originales.h) El doblaje es un fenómeno comunicativo eficaz que no sólo puede explicarse por la audiovisión, sino que basa en ella su eficacia. / The main goal of this research is to identify the influence of fictional audiovisual dubbing on the perception of the characters. This perception is relative to the coherence between the credibility of the Spanish dubbed characters and the credibility of the same characters in the original English film. The research also identifies the quantity of coherence between the character of dubbed characters and those of the original ones.Believing audio vision to be a complex perceptive phenomenon that is produced due to the commitment between the voice and the image rather than the addition of the voice to the image, the main hypothesis was that dubbed characters and their voices would be as credible as the original ones. Their characters also would be perceived similar to the ones of the original characters.Four scenes were chosen from an English film with similar illumination, edition and length to the same four scenes of the same film dubbed correctly into Spanish in Spain. An actress and an actor appeared arguing with very clear dialogues in each scene. These eight scenes let us create five different texts by which the isolation of each one of the different expressive substances, voice and image, was guaranteed. Using experimental methodology, each one of the five different texts was exhibited to each one of five different experimental groups of percipients (20 teenagers each). The first group was shown the original version scenes in an audiovisual way; the second was shown the dubbed version in an audiovisual way, too; the third listened to the original sound track (the original voices); the fourth listened to the dubbed sound track (the dubbed voices); and the fifth just watched the images' track without sound. Through a questionnaire (Osgood Semantic Differential), the experimental groups judged the characters on eight different variables (balance, security, fortitude, humility, tranquillity, extroversion, sincerity and intelligence) using a scale of 1 to 7 with bipolar adjectives and, in the same way, they judged the variable credibility.Using statistical multiple regression we looked for significant statistical differences, as a whole and case by case, between the scoring of the original characters to the dubbed characters, and between the scoring of the original voices to the dubbed voices. The experimental design let us identify the expressive substance for which the credibility was valued more strongly. Additionally, we measured the fundamental frequencies (pitches) of the voices and compared the dubbed to the original ones so we could identify the influence of this variable on the coherent perception of the characters. Conclusions:a) Dubbing preserves the credibility of the characters. As a whole and case by case, the dubbed characters were perceived as credible as the original characters. b) As a whole, the majority of the dubbing voices were perceived as credible as the original ones. In the analysed sample only one dubbed voice (12.5%) was perceived more credible than the respective original voice. c) The difference of fundamental frequency (pitch) between a dubbing voice and the original one does not influence the perception of credibility or character of the dubbed characters from the perception of the original ones; nevertheless, the dubbed voices are higher or lower pitched than the original ones.d) The credibility of the characters of a narrative sound film is strongly related to the sonorous interpretation of the text. Credibility depends on the film's voices and their semantics content. Dubbing does not modify this tendency. e) As a whole, dubbing preserves the values of balance, security, fortitude, humility, extroversion, sincerity and intelligence of the characters. f) As a whole, dubbing is susceptible to modifying the values of tranquillity of the characters. They are judged less tranquil, more nervous, than the whole of original characters. g) As a whole, dubbed voices receive identical scoring on each character's variables when compared to original voices. h) Dubbing is an efficacious communicative phenomenon that not only can be explained by audio vision, but its efficacy depends on the audio vision.

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El Diccionari d’Escenografia i Escenotècnia, és el primer estudi en llengua catalana que recull la terminologia referent al món del teatre en aquests àmbits. Els termes estan directament relacionats amb tots dos àmbits: escenografia i escenotècnia, i amb l’ús que els seus professionals i afeccionats fan del lèxic teatral més general. El treball és una obra terminològica multilingüe amb 2.573 entrades amb les seves equivalències en castellà, francès, italià, anglès i alemany. En 385 d’elles hi ha notes tècniques que amplien la informació útil de l’entrada. Un total de 16.377 termes en els sis idiomes. Incorpora 1.037 il·lustracions i imatges que complementen els termes. Incorpora un annex de 20 termes en català que fa referència a escenografia i maquinària escènica que han estat usats, i sovint encara són usats, als tallers d’escenografia i escenaris. La majoria d’ells han estat recollits per l’autor a través de la tradició oral i molts d’ells mai no havien aparegut en cap glossari o llibre imprès. Aquesta tesi té com a destinatari principal el jurat que l’ha de valorar. Però també aquelles persones, professionals i aficionats del món de l’espectacle, en contacte directe amb l’escenari, escenografia, maquinària, luminotècnia, attrezzo, àudio, caracterització, sastreria, perruqueria, regidoria, producció, direcció tècnica, direcció escènica i artistes en general de les arts de l’espectacle. La utilitat d’un treball d’aquesta mena es farà evident durant les gires d’espectacles per l’estranger, o com a eina bibliogràfica. / Dictionary of Scenography and Stagecraft is the first study that collects in Catalan terminology referring to the theatre in these areas. The terms are directly related to two areas: scenography and Stagecraft and use of the most common lexicon of their professionals and amateurs. The thesis is a multilingual terminological work with 2,573 entries with their Spanish, French, Italian, English and German equivalents. In 385 of them there are technical notes that extend the useful information from the input. A total of 16,377 words in six languages. Includes 1,037 illustrations and pictures that complement terms. Includes an appendix of 20 Catalan terms related to scenography and stage machinery which have been used, and still currently used, in scenery workshops and stage. Most of them have been collected by the author through the oral tradition and many of them have never appeared in any printed book or glossary. This thesis has as main target the jury that will evaluate it. Also to those people, professionals and amateurs from the world of show biz, come into contact whit the stage, scenography, machinery, lighting, props, sound, characterization, costume, stage management, production, technical direction, stage direction and performing arts artists in general. The usefulness of this kind of essay will become evident during the tours performances abroad, or as a bibliographic tool.

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La investigación se centra en la 'performative voice' en la obra dramática de Beckett. El término 'performative' es usado para abarcar: (a) la 'intencionalidad' de las voces, la voluntad que las lleva a expresarse, y (b) la 'materialidad' de estas voces, como suenan en realidad. Se incluyen en el análisis tanto el discurso dramático como los aspectos técnicos relativos al sonido.El estudio de la 'performative voice' abarca las siguientes áreas:·La génesis de la 'performative voice' en las primeras obras de ficción de Beckett. ·La manera en que la voz es tratada en medios distintos como el teatro, la radio y la televisión. ·La personificación de la voz y de que manera la voz como 'personaje' está en relación con otros elementos dramáticos.·La relación entre voces habladas y escritas y la adaptación de un tipo de prosa específico para el escenario. / The investigation centres on the 'performative voice' in Beckett's dramatic oeuvre. The term 'performative' is used to cover: (a) the 'intentionality' of voices, the will that drives them to speak, and (b) the 'materiality' of these voices, how they actually sound. Both dramatic speech and technical aspects of sound reproduction are included in the analysis.The study of the performative voice covers the following areas:·The genesis of the performative voice in Beckett's early fiction.·The way in which voice is treated in the different performance media of the stage, radio and television.·The personification of voice and how voice as a 'character' relates to other dramatic elements.·The relationship between spoken and written voices and the adaptation of a prose work for the stage.