La phénoménologie, portant à l’expression une intuition eidétique de la spécificité de l’expérience musicale nourrie de la pratique quotidienne de l’instrument et de la fréquentation des œuvres du répertoire classique, doit pouvoir exercer, dans le dialogue avec les neurosciences, une double fonction : critique et positive. D’une part, elle est un révélateur des erreurs de catégorie des récents programmes de réduction de la musique, tantôt aux émotions de base, tantôt à la structure dynamique de la perception du temps, tantôt à un langage de communication non verbale. D’autre part, elle nous a servi à réorienter la recherche vers les conditions neurophysiologiques de l’immersion dans l’univers spirituel de Brahms (et des autres compositeurs) par projection intropathique d’une auto-affection kinesthésique, mettant l’écoute mélomane en résonance avec les tensions et relaxations musculaires du corps musicien accomplissant les gestes producteurs du «son musical». L’auteure, pianiste et chef d’orchestre, retirant l’enseignement philosophique de sa participation à l’équipe de neurophysiologistes du professeur Fadiga de l’Université de Ferrare, dont les travaux ont abouti à la publication d’un critère quantitatif de la «driving force» du chef d’orchestre applicable au jugement esthétique, pose les fondements d’une nouvelle eidétique kinesthésique de l’incarnation, l’empathie, l’intersubjectivité et la noématique musicale. L’anticipation, propriété fondamentale du vivant pour le physiologiste, la protention, structure de distensio animi de la conscience du temps pour le philosophe, sont à la base d’un principe technique intuitivement connu des grands chefs d’orchestre. / By giving expression to an eidetic intuition of the specificity of musical experience enriched by the daily practice of the instrument and familiarity with works from the classical repertoire, phenomenology, in its dialogue with the neurosciences, has to be able to fulfill a double function: both critical and positive. On the one hand, it brings to light the category mistakes inherent in recent programs seeking to reduce music either to basic emotions or else to the dynamic structure of the perception of time or again, to a non-verbal language of communication. On the other hand, it has made it possible for us to reorient ongoing research in the direction of an investigation of the neurophysiological conditions underlying the immersion into the spiritual universe of Brahms (and other composers), and this by way of an intropathic projection of a kinaesthetic auto-affection, establishing a resonance between the music-lovers auditive appreciation and the muscular tensions and relaxations of the musician body accomplishing the gestures productive of his ‘musical sound’. The author, a pianist and orchestral conductor, wants to lay the foundations for an eidetic investigation of our kinaesthetic experience of embodiment, of empathy, of intersubjectivity and of a musical noematics. The present work draws the philosophical lessons of her participation in a team of neurophysiologists, led by Professor Fadiga of the University of Ferrara, whose work led to the recent publication of a quantitative criterion of the driving force of conducting applicable to aesthetic judgment. Anticipation, one of the most fundamental properties of all living being for the physiologist, along with distensio animi, the structure of time consciousness for the philosopher, both lie at the root of a technical principle intuitively comprehended by the world’s great orchestral conductors.

Qu’est-ce que jouer au XXIe siècle des musiques de la Renaissance ? Prenant acte de ce que la richesse d’une expérience réside dans sa singularité, cette thèse fait le pari de répondre à cette question générale en s’intéressant à un processus particulier : la répétition et l’enregistrement d’une chanson du XVIe siècle par un ensemble spécialisé. Dès lors que l’on s’efforce de prendre les détails au sérieux, il semble que le suivi rapproché de ces musiciens-là, engagés en 2014 dans la performance réitérée de « Suzanne un jour » de Didier Lupi, présente bien un intérêt en tant que tel. Cela permet d’appréhender non seulement ce qui fait advenir et évoluer une proposition musicale, mais également les modalités de l’expérience collective et individuelle afférente. En outre, cette épistémologie singulariste rivée aux détails s’avère fructueuse à d’autres échelles, qu’il s’agisse de revenir sur cinq semaines de l’élaboration d’un projet discographique ou d’écrire cinq siècles d’histoire de « Suzanne ». / What does it mean to play Renaissance music in the 21st century? Taking into account that the depth of an experience derives from its singularity, the present dissertation looks at this general question by focusing on a specific process: a specialized ensemble rehearsing and recording a 16th century song. A close reading of this process makes it clear that there is inherent value in observing musicians in the year 2014 engaged in repeat performances of “Suzanne un jour” by Didier Lupi. This observation clarifies how a musical performance is created and developed and reveals the modalities of the collective and individual experiences involved. Moreover, this detail-oriented and singularist epistemology is useful in other respects, whether to comprehend a five-week recording project or to write a five-century history of “Suzanne.”