Nuestro proyecto de título se traduce en un documental que mostrará el trabajo de las Yeguas del Apocalipsis. Sus inicios e inquietudes, los problemas que enfrentaron, sus sueños y luchas. A través de entrevistas a testigos y amigos pretendemos reconstruir el ambiente de fines de los ochenta, mostrar el movimiento cultural que se gestó bajo la censura del régimen de Augusto Pinochet.

A inicios del año 2006, tuve la oportunidad de formar parte del equipo de producción del programa radial Agüita pa’ vivir principalmente como guionista. Me encontraba como recién egresada de mis estudios en Comunicación Audiovisual de esta casa de estudios y era la primera vez que experimentaba directamente con otra función de la radio como medio de comunicación: la de educar. / Tesis

Este artículo pretende mostrar la crucial importancia de la conversación en la obra Der Stechlin de Fontane. Frente al tradicional desarrollo de la trama literaria, que centra la atención en el drama de los conflictos (complicación y desenlace, tensión y sorpresa, conflicto romántico, etc.), en esta novela no encontramos nada de eso y, entonces, aparentemente, no ha pasado nada. No obstante, este juicio inicial queda desacreditado en la medida en que, compartiendo las conversaciones que entablan los personajes de Der Stechlin, vamos entrando en su mundo personal y terminamos por convertirnos en amigos” de ellos. Esto lleva a revisar nuestras experiencias literarias ordinarias con mirada crítica: ¿qué manera es esa de tratar a una persona? Se sostiene, entonces, que lo que preocupa a Fontane es el peso de las narrativas sociales por encima de la imaginación amistosa, y de ahí que Fontane nos exija ver a estos amigos” (personajes) sin recurrir a ciertos tipos de narrativas socialmente transmitidas. Leer Der Stechlin invita, así, a no generalizar a las personas apresuradamente, a no entenderlas a partir de ciertos guiones o mitos socialmente establecidos.

A inicios del año 2006, tuve la oportunidad de formar parte del equipo de producción del programa radial Agüita pa’ vivir principalmente como guionista. Me encontraba como recién egresada de mis estudios en Comunicación Audiovisual de esta casa de estudios y era la primera vez que experimentaba directamente con otra función de la radio como medio de comunicación: la de educar.

This study evaluates the predictive capacity of sociodemographic variables of the mother over the level of maternal secure base scripts. The participants were 83 mothers from 15 to 45 years old (M = 24.72, SD = 8.70).The level of maternal secure base was evaluated through the Narratives of Adult Attachment (Waters & Waters, 2006). The results show that the participants do not have an adequate level of secure base script. It was found that interaction between the age of the mother and the educational attainment level, partly explains the level of the maternal secure base script (R2 = .19). The protector role of the level of educational attainment for older mothers to have a higher level of secure base scripts isproposed. / Este estudio evalúa la capacidad predictiva de variables sociodemográficas de la madre sobre sus guiones de base segura. Participaron 83 madres de 15 a 45 años de edad (M =24.72, DE = 8.70). El nivel de base segura materno fue evaluado a través de las Narrativas de Apego Adulto (Waters & Waters, 2006). Los resultados muestran que las participantes no cuentan con un adecuado nivel de base segura. Se encontró que la interacción entre la edad y el nivel de instrucción materno explica en parte el nivel de base segura de las madres (R2 =.19). Se postula el rol protector del nivel de instrucción para que las madres mayores, tengan un mayor nivel de base segura en sus guiones. / Esta pesquisa avalia a capacidade preditiva das variáveis sócio-demográficas da mãe, a partir de seu script de base segura. Participaram 83 mães com idades entre 15 e 45 anos (M = 24.72, DE = 8.70). O nível de script de base segura materno foi avaliado através das Narrativas de Apego Adulto (Waters & Waters, 2006). Os resultados mostram que as participantes não apresentam um nível adequado de base segura. Encontrou-se que a interação entre idade e grau de instrução da mãe explica, em parte, o nível de base segura das mães (R2 = .19). Propõe-se que um grau de instrução maior constituiria um papel protetor nas mães mais velhas, para elas apresentarem maior nível de base segura nos seus scripts.

El presente proyecto busca contar una historia que gira en torno a las consecuencias de la culpa y sus efectos a largo plazo, explorando formas poco convencionales y menos habituales para exponerla y abordarla. Para esto, se optó por la selección de tópicos puntuales y útiles que sirvieran como ejes para guiar la narrativa de manera en que ninguno de estos elementos se sintiera débil o colocado por una conveniencia representativa, buscando siempre que estos se encuentren estrechamente entrelazados entre ellos mismos y con el propio guión del proyecto. Los procesos de escritura empleados para la elaboración del guión siguen la propuesta de Panizza Montanari (2018), entendiendo al producto audiovisual como algo más que la realización de una historia escrita en papel, dando pase a la creación del cortometraje mediante el apoyo de imágenes y sonidos que remiten a los tópicos principales del proyecto. Sobre esto giran los procesos de investigación y las referencias históricas que fueron asociadas en beneficio de la historia, las cuales se detallan dentro de este trabajo escrito. Con la conclusión de este proyecto, se han explorado algunos métodos menos usuales que comprenden al guión como una herramienta flexible a la disposición del realizador más que un proceso fijo, inamovible y necesario para la realización de un proyecto audiovisual. Las imágenes, los sonidos y las metáforas visuales pueden muchas veces devenir en los elementos indispensables para una narración más sútil y interesante, nutriendo a su vez no solo al producto final, sino también el proceso de su concepción y desarrollo. / This project seeks to tell a story that revolves around the consequences of guilt and its long-term effects, exploring unconventional and less common ways to expose and address this illness. For this, we opted for the selection of specific and useful topics that would serve as axes to guide the narrative process so that none of these elements felt weak or placed in order to fulfill a flat convenience for representation, always seeking that they are closely intertwined with each other and with the project's own script. The writing processes used for the elaboration of the script follow the proposal of Panizza Montanari (2018), understanding the audiovisual product as something more than the realization of a story written on paper, giving way to the creation of the short film through the support of images and sounds that refer to the main topics of the project. On this revolve the research processes and the historical references that were associated for the benefit of history, which are detailed within this written work. With the conclusion of this project, some less usual methods have been explored that understand the script as a flexible tool at the disposal of the filmmaker rather than a fixed one, immovable and necessary process for the realization of an audiovisual project. Images, sounds and visual metaphors can often become the indispensable elements for a more subtle and interesting narrative, nourishing in turn not only the final product, but also the process of its conception and development. / Trabajo de investigación

El presente estudio propone la construcción de tramas cinematográficas a partir de la interacción del arco de personaje y la estructura narrativa con el propósito de ser un punto de referencia para guionistas, directores y productores cinematográficos, así como de los jurados de los concursos de cine promovidos por el Estado. Para ello se analiza la construcción de dos películas peruanas del género de thriller ganadoras de los fondos del Ministerio de Cultura peruano: Perro guardián (Caravedo & Higashionna, 2014) y Magallanes (Del Solar, 2015), dos relatos que coinciden temáticamente. Sus protagonistas son dos exmilitares que luchan por reinsertarse en la sociedad y buscan redimir los delitos de sus pasados traumáticos. La metodología empleada tiene un paradigma interpretativo basada en la hermenéutica de Paul Ricoeur. El enfoque es cualitativo y emplea la técnica del análisis diegético narrativo en ambas películas. Para la selección de la muestra, se han utilizado las principales inflexiones del relato, identificadas con la técnica del análisis semiótico de Claude Bremond y el análisis estructural de los relatos de Roland Barthes. Los principales resultados identifican las fallas estructurales del film Perro guardián, cuya trama prioriza su carácter dimensional y retórico, que se apoya en las convenciones del género del thriller psicológico, en desmedro del impulso dramático. En el caso de Magallanes, la trama presenta un balance entre su carácter dimensional y direccional, es decir, la acción está motivada por los conflictos internos del protagonista, lo que genera una mayor unidad interna en su trama. A partir de los hallazgos, es importante comprobar si este patrón de construcción de tramas se replica en otras películas nacionales. Su comprensión puede dar luces de cómo construir tramas que conecten emocionalmente con las audiencias, algo que necesita con urgencia la cinematografía local para generar una industria sólida. / The present study proposes the construction of film plots from the interaction of character arc and narrative structure with the purpose of being a point of reference for screenwriters, directors and film producers, as well as juries of film contests promoted by the state. To this end, the construction of two Peruvian films of the thriller genre, winners of funds from the Peruvian Ministry of Culture, are analyzed: Perro guardián (Caravedo & Higashionna, 2014) and Magallanes (Del Solar, 2015), two stories that coincide thematically Its protagonists are two former military men who struggle to reintegrate into society and seek to redeem the crimes of their traumatic pasts. The methodology used has an interpretive paradigm based on the hermeneutics of Paul Ricoeur, the approach is qualitative and employ the technique of narrative diegetic analysis in both films. For the selection of the sample, we have used the main inflections of the story, identified with the technique of semiotic analysis of Claude Bremond and the structural analysis of the stories of Roland Barthes. The main results identify the structural flaws of the film Perro guardián whose plot prioritizes its dimensional and rhetorical nature that relies on the conventions of the psychological thriller genre to the detriment of the dramatic impulse. In the case of Magallanes, the plot presents a balance between its dimensional and directional nature, that is, the action is motivated by the internal conflicts of the protagonist, which generates a greater internal unity in its plot. Based on the findings, it is important to see if this pattern of plot construction is replicated in other national films; understanding it can shed light on how to build plots that connect emotionally with audiences, something that local filmmaking urgently needs to generate a solid industry.

[EN] Saul Bass is considered as the father of contemporary title sequences. The main contribution of this work consists in verifying the close correspondences between Bass' deviced iconography, figures and visual motifs to summarize and synthesise the profound sense of the story told by the film, preceded by their sequences, since it is this idea that is found as the base of what has been established as the turning point and conceptual axis around his innovation. This is something until nowadays taken as an axiom, for that it is a need to go more deeply into it and to define which these keys of his innovation are. Step by step, Bass is modeling his concept of Bass-Brand; since the beginning he considered creating a visual image recognisible by his personal style, and at the same time he addressed the territory of audiovisual communication and deviced a new concept, a new treatment in the field of titles design in film. A first step would be the creation of the symbol-brand of the movie, as a single product, until reaching the idea of the brand-film with which he suggests that the title sequences must be a metaphorical résumé of the story told by the film. All of this is what he will create, in the collective imagination, that recognisible idea of the author's identity as creator of the title sequence; by itself, Bass-Brand has implicitly not only a concise procedure of formal and aesthetic resolution of this sequence, but the features themselves of his innovation. But Bass, by the means of his metaphores, is not simply proposing us a summary of the argument, of the (main) plot of the story, but he extracts the pure essence of the film and it is about this essence what he wants to talk to us about, and for that he evoques that essence with his metaphores. All of this appears, as we will demonstrate, by revealing the secondary plot of the film. In order to confirm our hypothesis we have established an inquiring technique that has allowed us to analyse this particular rpoblem. We have proposed an analysis model that permits demonstrating this hypothesis in which we study a specific, complex and paradigmatic case inside the audiovisual production of this author, the film Vertigo (Hitchcock, 1958). We have centred on questions such as finding the referents of Bass' audiovisual metaphores by applying this deconstruction of narrative structure technique to the film, and also by indexing the essential ingredients of an audiovisual-narrative construction of these characteristics in order to unveil the profound sense of the told story. The analytical tools that we have used for realizing a descomposition process of the film is based on the identification of the profound structures of the film, thanks to the application of Frank Daniel's sequences paradigma. Likewise, as another tool for our analysis, we rely on the identification of different music segments that are detected in the title sequences, in that in an audiovisual piece, music establishes a configuration that can endorse the self iconic phrases and their signification. In the title sequence we see the color palette and other iconographic patterns synthesised, of which dizziness and obsession make use, plus the tragic and obsessive love of Judy, Madeleine the entity, and Scottie characters, proposed on one side by the images, and on the other, by the melodies. It is about a magistral work on transforming narrative contents (and their referents) into pure audio-visual metaphores. Both Bass' and Herrmann's work in these titles are a perfect translation of the themed, emotional, and psychological aspects of the story in which one can appreciate the iconic and sound equivalences of the film's essential discursive elements. / [ES] Saul Bass está considerado como el padre de las secuencias de títulos de crédito contemporáneas. La aportación principal de este trabajo consiste en verificar las estrechas correspondencias entre la iconografía, figuras y motivos visuales ideados por Bass para resumir y sintetizar el sentido profundo de la historia contada por el film, al que anteceden sus secuencias, pues es esta idea la que se encuentra en la base de lo que todos han establecido como punto de inflexión y el eje conceptual en torno al que gira su innovación. Esto es algo que hasta ahora ha sido un axioma, por lo que es necesario profundizar y definir sobre cuáles son esas claves de su innovación. Bass va moldeando poco a poco su concepto de Marca-Bass; desde el principio se planteó crear una imagen visual reconocible por su estilo personal, al tiempo que abordó el territorio de la comunicación audiovisual e inventó un nuevo concepto, un nuevo tratamiento en el campo del diseño de los créditos en el cine. Un primer paso sería la creación del símbolo-marca de la película, como producto singular, hasta llegar a la idea de la marca-película con la que plantea que la secuencia de créditos debe ser un resumen metafórico de la historia contada por el film. Es todo ello lo que creará, en el imaginario colectivo, esa idea reconocible de la identidad de su autor como creador de la secuencia de títulos de crédito; en sí la Marca-Bass lleva implícito no solo un conciso procedimiento de resolución formal y estético de esta secuencia sino los propios rasgos de su innovación. Pero Bass, mediante sus metáforas, no nos propone simplemente un resumen del argumento, de la trama (principal) de la historia, sino que extrae la esencia pura del film y es de ella de la que nos quiere hablar y para ello evoca esa esencia con sus metáforas. Todo esto aparece, como demostramos, al revelar la trama secundaria del film. Para confirmar nuestras hipótesis hemos establecido una técnica de indagación que nos ha permitido poder analizar ese determinado problema. Hemos propuesto un modelo de análisis, que permite demostrar esta hipótesis donde estudiamos un caso concreto, complejo y paradigmático dentro de la producción audiovisual de este autor, la película Vértigo. De entre los muertos (Hitchcock, 1958). Nos hemos centrado en cuestiones como hallar los referentes de las metáforas audiovisuales de Bass aplicando esta técnica de deconstrucción de la estructura narrativa del film, y también en referenciar los ingredientes esenciales de una construcción narrativa audiovisual de estas características para intentar desvelar el sentido profundo de la historia contada. Los instrumentos analíticos que hemos utilizado para realizar una segmentación metódica y proceder a realizar un proceso de descomposición del film se basan en la identificación de las estructuras profundas del film gracias a la aplicación del paradigma de secuencias de Frank Daniel. Asímismo nos apoyamos, como una herramienta más para nuestro análisis, en la identificación de diferentes bloques de música que se detectan en la secuencias de títulos de crédito, en la medida que en una pieza audiovisual, la música establece una configuración que puede refrendar los propios fraseados icónicos y su significación. En la secuencia de títulos de crédito vemos sintetizados la paleta de color del film y los patrones iconográficos de los que se sirven el vértigo y la obsesión, además del amor trágico y obsesivo de los personajes de Judy, el ente Madeleine y Scottie, propuestos por un lado por las imágenes, y por otro por las melodías. Se trata de un magistral trabajo de transformación de contenidos narrativos (su referente) a puras metáforas audio-visuales. El trabajo, tanto de Bass como de Herrmann, en estos créditos es una perfecta traducción de los aspectos temáticos, emocionales y psicológicos del relato en los que se pueden apreciar las equivalencias icónica / [CAT] Saul Bass està considerat com al pare de les seqüències de títols de crèdit contemporànies. L'aportació principal d'aquest treball consisteix en verificar les estretes correspondències entre la iconografia, figures i motius visuals ideats per Bass, per a resumir i sintetitzar el sentit profund de la història contada pel film, a què antecedeixen les seues seqüències, doncs és aquesta idea la que es troba en la base del que tots han establert com a punt d'inflexió i eix conceptual en torn al que gira la seua innovació. Això és una cosa que fins ara ha estat un axioma, motiu pel qual és necessari profunditzar i definir sobre quines són eixes claus de la seua innovació. Bass va modelant, a poc a poc, el seu concepte de Marca-Bass; des del principi es va plantejar crear una imatge visual recognoscible pel seu estil personal, al temps que va abordar el territori de la comunicació audiovisual i va inventar un nou concepte, un nou tractament en el camp del disseny dels crèdits en el cinema. Un primer pas seria la creació del símbol-marca de la pel·lícula, com a producte singular, fins a arribar a la idea de la marca-pel·lícula amb què es planteja que la seqüència de crèdits ha de ser un resum metafòric de la història contada pel film. És tot això el que crearà, en l'imaginari col·lectiu, eixa idea recognoscible de la identitat del seu autor com a creador de la seqüència de títols de crèdit; en si, la Marca-Bass porta implícit no tan sols un concís procediment de resolució formal i estètic d'aquesta seqüència, sinó els trets propis de la seua innovació. Però, Bass, mitjançant les seues metàfores, no ens proposa simplement un resum de l'argument, de la trama (principal) de la història, sinó que extrau l'essència pura del film i és d'ella de la qual ens vol parlar, i per a això evoca eixa essència amb les seues metàfores. Tot això apareix, com demostrem, al revelar la trama secundària del film. Per a confirmar les nostres hipòtesis hem establert una tècnica d'indagació que ens ha permés poder analitzar aquest problema determinat. Hem proposat un model d'anàlisi que permet demostrar aquesta hipòtesi on estudiem un cas concret, complexe i paradigmàtic dins de la producció audiovisual d'aquest autor, la pel·lícula Vertígen (D'entre els morts) (Hitchcock, 1958). Ens hem centrat en qüestions com trobar els referents de les metàfores audiovisuals de Bass aplicant aquesta tècnica de deconstrucció de l'estructura narrativa del film, i també en referenciar els ingredients essencials d'una construcció narrativa audiovisual d'aquestes característiques per a intentar desvetlar el sentit profund de la història contada. Els instruments analítics que hem utilitzat per a realitzar una segmentació metòdica i per a procedir a realitzar un procés de descomposició del film es basen en la identificació de les estructures profundes del film gràcies a l'aplicació del paradigma de les seqüències de Frank Daniel. Tanmateix, ens recolzem, com a una ferramenta més per a la nostra anàlisi, en la identificació de blocs diferents de música que es detecten en les seqüències de títols de crèdit, en la mesura en què, en una peça audiovisual, la música estableix una configuració que pot refrendar els frasejats icònics propis i la seua significació. En la seqüència de títols de crèdit veiem sintetitzades la paleta de color del film i els patrons iconogràfics de què es serveixen el vertigen i l'obsessió, a més de l'amor tràgic i obsessio dels personatges de Judy, l'ens Madeleine i Scottie, proposats per una banda per les imatges, i, per l'altra, per les melodies. Es tracta d'un treball magistral de transformació de continguts narratius (i el seu referent) a metàfores pures audio-visuals. El treball, tant de Bass com de Herrmann, en aquests crèdits és una perfecta traducció dels aspectes temàtics, emocionals i psicològics del relat en què es poden apreci / Alcaraz Pagán, MDLN. (2016). LAS CLAVES DE LA INNOVACIÓN DE SAUL BASS EN LA SECUENCIA DE TÍTULOS DE CRÉDITO DE VÉRTIGO [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/61992 / TESIS