A tese por nós defendida no texto que se segue tem como objetivo o estudo de dois importantes gêneros musicais, a modinha e o lundu, cujos processos de elaboração iniciam-se a partir da segunda metade do século XVIII no seio da sociedade luso-brasileira. Com o intuito de possibilitar uma reflexão mais abrangente do assunto, muito caro à historiografia musical em língua lusófona, são levados em consideração aqui, aspectos históricos, estilísticos e identitários. A fim de abordarmos de modo adequado a complexidade de nosso objeto de estudo, calcamos nossa metodologia, sobretudo, no estudo da história, articulado à musicologia histórica, à musicologia sistemática e à etnomusicologia. Partindo do reconhecimento de que os gêneros em questão, objeto de nosso estudo, estão ligados às transformações ocorridas no mundo luso-brasileiro e na transformação das concepções estéticas internacionais, procuramos identificá-los com o que acabou por denominar-se estética do sentimento ou sentimentalismo e com o estilo clássico que se desenvolveu na Europa durante o século XVIII, tanto na poesia quanto na música, e que paulatinamente forjaram outras formas de produção e recepção, identificadas com um novo modo de sociabilidade burguesa que dominará o século das luzes. Por outro lado, buscamos, igualmente compreender em que aspecto a cultura popular participou, contribuindo de modo significativo, para a formação desses gêneros e, por conseqüência como se dá este impacto na expressividade musical, manifesta já no período de sua formação. A partir do estudo da historiografia, buscamos estabelecer como a modinha e o lundu participam das discussões sobre uma pretensa identidade nacional, ainda calcada em pressupostos positivistas e nacionalistas do século XIX, pressupostos estes que se mantém em parte significativa na literatura do século XX. Finalmente, ao discutirmos sobre a performance, utilizando como fontes registros musicais a partir da década de 1950, procuramos identificar correntes estéticas e ideológicas presentes nesses registros, os quais denominamos paradigmas interpretativos. / The thesis we put in the following text aims to study two important musical genres, the modinha and lundu, whose process of preparation to start on the second half of the eighteenth century in Luso-brasilian society. In order to provide a more comprehensive discussion of the subject, the historical, stylistic and identity aspects that are very important to the historiography of music in Portuguese speaking countries, are taken into consideration here. In order to observe address the complexity of our object of study, we based our methodology especially in the study of history, combined with historical musicology, systematic musicology and also to ethnomusicology. Acknowledging that the genres in question, the object of our study are related to the transformations in the Luso-Brazilian society and in the international aesthetic conceptions, we identify them with what turned out to be called the aesthetic sentiment or sentimentalism, and the classical style that developed in Europe during the eighteenth century, both in poetry and music, and that built, gradually other modes of production and reception, identified with a new way of bourgeois sociability that will dominate the century of the enlightenment. On the other hand, we seek also to understand what aspect of popular culture participated for the formation of these genres, and consequently how is this impact on musical expression common to both already evident in the period of their origin. From the study of historiography related to the genres in question, as we seek to establish how modinha and lundu have participated in the discussions about national identity, yet steeped in positivist and nationalists thoughts of the 19th century that remains in significant part of the the literature of the 20th century. And finally, when we discuss about the performance, using sources such as musical recordings from the 1950s, sought to identify aesthetic and ideological currents present in these records, which we shall call interpretative paradigms.

Esta tese propõe uma reconstituição da história da flauta doce no Brasil entre 1550 e 1970. Na primeira parte averiguamos a presença da flauta doce no período colonial, sobretudo no âmbito das missões jesuítas. Demonstramos que a flauta foi usada principalmente por crianças indígenas, como complemento à catequese e preparação para a prática musical da liturgia. Foram abordados aspectos como metodologia de educação, repertório provável e origem dos instrumentos utilizados. Enumeramos também algumas possibilidades de uso da flauta doce em ambientes não jesuítas entre os séculos XVI e XVIII. Na segunda parte discorremos sobre a flauta doce baixo que faz parte do acervo da Escola de Música da UFRJ, doada em 1896 por Leopoldo Miguez. Para concluir, apresentamos um abrangente panorama do retorno da flauta doce ao cenário musical brasileiro no século XX. Através de entrevistas e consultas com várias personalidades que se destacaram em ações pró-instrumento, elaboramos um percurso da flauta doce pelos estados do Rio Grande do Sul, Santa Catarina, Paraná, São Paulo, Rio de Janeiro, Minas Gerais, Bahia, Pernambuco, Ceará e Rio Grande do Norte. Observamos que os pioneiros da flauta doce no século XX eram, em sua maioria, imigrantes europeus ou alunos destes imigrantes, sem formação específica no instrumento. Apontamos os ambientes onde a flauta doce circulou entre as décadas de 1950 e 70, reiterando sua vocação de instrumento musicalizador e conquistando espaço como instrumento artístico. / This dissertation proposes a reconstitution of the recorder history in Brazil between 1550 and 1970. At first, we have investigated the presence of the recorder in the colonial period, especially in Jesuit missions. We have shown that the recorder was used mainly by indigenous children as a complement to catechesis and preparation for the practice of the liturgy. We have discussed aspects such as education methodology, probable repertoire and origins of the instruments used there. We also enumerated some possibilities of recorder practice in non-Jesuit environments in the 16th and 18th centuries. In the second part we talk about the bass recorder that belongs to the Music School of UFRJ, donated in 1896 by the composer Leopoldo Miguez. At the end, we present a comprehensive overview about the return of the recorder to the Brazilian music scene in the 20th century. Through interviews and consultations with several personalities who excelled in pro-instrument actions, we have developed a recorder tour through the states of Rio Grande do Sul, Santa Catarina, Paraná, São Paulo, Rio de Janeiro, Minas Gerais, Bahia, Pernambuco, Ceará and Rio Grande do Norte. We observed that the pioneers of the recorder in the twentieth century were mostly European immigrants or students of these immigrants, with no specific instrumental training. We point out the spaces where the recorder circulated between 1950s and 70s, reiterating its vocation as first instrument and gaining prestige as an artistic instrument.

A tese por nós defendida no texto que se segue tem como objetivo o estudo de dois importantes gêneros musicais, a modinha e o lundu, cujos processos de elaboração iniciam-se a partir da segunda metade do século XVIII no seio da sociedade luso-brasileira. Com o intuito de possibilitar uma reflexão mais abrangente do assunto, muito caro à historiografia musical em língua lusófona, são levados em consideração aqui, aspectos históricos, estilísticos e identitários. A fim de abordarmos de modo adequado a complexidade de nosso objeto de estudo, calcamos nossa metodologia, sobretudo, no estudo da história, articulado à musicologia histórica, à musicologia sistemática e à etnomusicologia. Partindo do reconhecimento de que os gêneros em questão, objeto de nosso estudo, estão ligados às transformações ocorridas no mundo luso-brasileiro e na transformação das concepções estéticas internacionais, procuramos identificá-los com o que acabou por denominar-se estética do sentimento ou sentimentalismo e com o estilo clássico que se desenvolveu na Europa durante o século XVIII, tanto na poesia quanto na música, e que paulatinamente forjaram outras formas de produção e recepção, identificadas com um novo modo de sociabilidade burguesa que dominará o século das luzes. Por outro lado, buscamos, igualmente compreender em que aspecto a cultura popular participou, contribuindo de modo significativo, para a formação desses gêneros e, por conseqüência como se dá este impacto na expressividade musical, manifesta já no período de sua formação. A partir do estudo da historiografia, buscamos estabelecer como a modinha e o lundu participam das discussões sobre uma pretensa identidade nacional, ainda calcada em pressupostos positivistas e nacionalistas do século XIX, pressupostos estes que se mantém em parte significativa na literatura do século XX. Finalmente, ao discutirmos sobre a performance, utilizando como fontes registros musicais a partir da década de 1950, procuramos identificar correntes estéticas e ideológicas presentes nesses registros, os quais denominamos paradigmas interpretativos. / The thesis we put in the following text aims to study two important musical genres, the modinha and lundu, whose process of preparation to start on the second half of the eighteenth century in Luso-brasilian society. In order to provide a more comprehensive discussion of the subject, the historical, stylistic and identity aspects that are very important to the historiography of music in Portuguese speaking countries, are taken into consideration here. In order to observe address the complexity of our object of study, we based our methodology especially in the study of history, combined with historical musicology, systematic musicology and also to ethnomusicology. Acknowledging that the genres in question, the object of our study are related to the transformations in the Luso-Brazilian society and in the international aesthetic conceptions, we identify them with what turned out to be called the aesthetic sentiment or sentimentalism, and the classical style that developed in Europe during the eighteenth century, both in poetry and music, and that built, gradually other modes of production and reception, identified with a new way of bourgeois sociability that will dominate the century of the enlightenment. On the other hand, we seek also to understand what aspect of popular culture participated for the formation of these genres, and consequently how is this impact on musical expression common to both already evident in the period of their origin. From the study of historiography related to the genres in question, as we seek to establish how modinha and lundu have participated in the discussions about national identity, yet steeped in positivist and nationalists thoughts of the 19th century that remains in significant part of the the literature of the 20th century. And finally, when we discuss about the performance, using sources such as musical recordings from the 1950s, sought to identify aesthetic and ideological currents present in these records, which we shall call interpretative paradigms.

Esta tese propõe uma reconstituição da história da flauta doce no Brasil entre 1550 e 1970. Na primeira parte averiguamos a presença da flauta doce no período colonial, sobretudo no âmbito das missões jesuítas. Demonstramos que a flauta foi usada principalmente por crianças indígenas, como complemento à catequese e preparação para a prática musical da liturgia. Foram abordados aspectos como metodologia de educação, repertório provável e origem dos instrumentos utilizados. Enumeramos também algumas possibilidades de uso da flauta doce em ambientes não jesuítas entre os séculos XVI e XVIII. Na segunda parte discorremos sobre a flauta doce baixo que faz parte do acervo da Escola de Música da UFRJ, doada em 1896 por Leopoldo Miguez. Para concluir, apresentamos um abrangente panorama do retorno da flauta doce ao cenário musical brasileiro no século XX. Através de entrevistas e consultas com várias personalidades que se destacaram em ações pró-instrumento, elaboramos um percurso da flauta doce pelos estados do Rio Grande do Sul, Santa Catarina, Paraná, São Paulo, Rio de Janeiro, Minas Gerais, Bahia, Pernambuco, Ceará e Rio Grande do Norte. Observamos que os pioneiros da flauta doce no século XX eram, em sua maioria, imigrantes europeus ou alunos destes imigrantes, sem formação específica no instrumento. Apontamos os ambientes onde a flauta doce circulou entre as décadas de 1950 e 70, reiterando sua vocação de instrumento musicalizador e conquistando espaço como instrumento artístico. / This dissertation proposes a reconstitution of the recorder history in Brazil between 1550 and 1970. At first, we have investigated the presence of the recorder in the colonial period, especially in Jesuit missions. We have shown that the recorder was used mainly by indigenous children as a complement to catechesis and preparation for the practice of the liturgy. We have discussed aspects such as education methodology, probable repertoire and origins of the instruments used there. We also enumerated some possibilities of recorder practice in non-Jesuit environments in the 16th and 18th centuries. In the second part we talk about the bass recorder that belongs to the Music School of UFRJ, donated in 1896 by the composer Leopoldo Miguez. At the end, we present a comprehensive overview about the return of the recorder to the Brazilian music scene in the 20th century. Through interviews and consultations with several personalities who excelled in pro-instrument actions, we have developed a recorder tour through the states of Rio Grande do Sul, Santa Catarina, Paraná, São Paulo, Rio de Janeiro, Minas Gerais, Bahia, Pernambuco, Ceará and Rio Grande do Norte. We observed that the pioneers of the recorder in the twentieth century were mostly European immigrants or students of these immigrants, with no specific instrumental training. We point out the spaces where the recorder circulated between 1950s and 70s, reiterating its vocation as first instrument and gaining prestige as an artistic instrument.

A presente tese analisa a emergência da modernidade musical brasileira entre os anos 1889 e 1914. Analisa os discursos que a historiografia panorâmica tradicional brasileira construiu sobre a música de concerto daquele período, e analisa os discursos produzidos na própria época. Verifica que as iniciativas de atualização técnica e estilística da música de concerto respondiam a uma política oficial de modernização das artes, que tinha a Europa como modelo de civilização. Verifica também que a cultura das elites republicanas utilizava a prática da música de concerto como um mecanismo de distinção social. Conclui que as interações entre as concepções elitistas sobre música, as teorias raciais, o evolucionismo, e o cosmopolitismo legitimavam práticas culturais excludentes, reafirmando hierarquias sociais. Tais interações resultaram no aprofundamento do abismo entre a música de concerto e o público, na afirmação de hierarquias entre gêneros musicais, na valorização da noção de autonomia da obra musical e na manutenção dos vínculos com a música europeia, impedindo o surgimento de movimentos de vanguarda musical contra hegemônicos no Brasil no início do século XX. / This thesis analyzes the emergence of Brazilian musical modernity between the years 1889 and 1914. It analyzes the discourses that the Brazilian traditional panoramic historiography has elaborated about art music of that period, and analyzes the discourses produced at the time. It notes that the initiatives for the technical and stylistic art music\'s updating have risen in response to an official politics of modernization of fine arts, which had Europe as a model of civilization. It also notes that the culture of the Republican elites has used the practice of art music as a mechanism of social distinction. It concludes that the interactions between elitist conceptions about music, racial theories, evolutionism, and cosmopolitanism have legitimized exclusionary cultural practices, reaffirming social hierarchies. These interactions have resulted in a deepening gap between art music and the public, in the affirmation of hierarchies between musical genres, in the valorization of autonomy\'s notion of the musical work and in the maintenance of links with European music, preventing the emergence of vanguard movements counter-hegemonic in Brazil in the early twentieth Century.

A presente tese analisa a emergência da modernidade musical brasileira entre os anos 1889 e 1914. Analisa os discursos que a historiografia panorâmica tradicional brasileira construiu sobre a música de concerto daquele período, e analisa os discursos produzidos na própria época. Verifica que as iniciativas de atualização técnica e estilística da música de concerto respondiam a uma política oficial de modernização das artes, que tinha a Europa como modelo de civilização. Verifica também que a cultura das elites republicanas utilizava a prática da música de concerto como um mecanismo de distinção social. Conclui que as interações entre as concepções elitistas sobre música, as teorias raciais, o evolucionismo, e o cosmopolitismo legitimavam práticas culturais excludentes, reafirmando hierarquias sociais. Tais interações resultaram no aprofundamento do abismo entre a música de concerto e o público, na afirmação de hierarquias entre gêneros musicais, na valorização da noção de autonomia da obra musical e na manutenção dos vínculos com a música europeia, impedindo o surgimento de movimentos de vanguarda musical contra hegemônicos no Brasil no início do século XX. / This thesis analyzes the emergence of Brazilian musical modernity between the years 1889 and 1914. It analyzes the discourses that the Brazilian traditional panoramic historiography has elaborated about art music of that period, and analyzes the discourses produced at the time. It notes that the initiatives for the technical and stylistic art music\'s updating have risen in response to an official politics of modernization of fine arts, which had Europe as a model of civilization. It also notes that the culture of the Republican elites has used the practice of art music as a mechanism of social distinction. It concludes that the interactions between elitist conceptions about music, racial theories, evolutionism, and cosmopolitanism have legitimized exclusionary cultural practices, reaffirming social hierarchies. These interactions have resulted in a deepening gap between art music and the public, in the affirmation of hierarchies between musical genres, in the valorization of autonomy\'s notion of the musical work and in the maintenance of links with European music, preventing the emergence of vanguard movements counter-hegemonic in Brazil in the early twentieth Century.