Este estudo da expressividade pesquisa a interpretação musical como uma construção dialógica, diálogo entre “duas consciências” próprias do dialogismo bakhtiniano. O expressivo em música como vivência dialógica considera o tempo, o espaço e o sentido de cada intérprete em uma posição cambiável de valor, expressão e vontade do autor pessoa ao autor criador como também autor contemplador da obra de arte. Este tempo/espaço, cronotopo, termo primeiramente usado por Bakhtin no estudo da obra de arte literária é aqui considerado como um cronotopo musical: tempo, espaço e sentido do intérprete em um diálogo com o Grande Tempo, a composição e seu contexto universal; demonstrando como o eu dialógico interage com o eu/eu e o eu/outro em uma atitude responsiva. Na composição Rudepoema está presente uma dialogia musical entre o compositor Villa-Lobos, “O Rabelais Brasileiro” e o pianista Arthur Rubinstein, a quem a obra foi dedicada. Os elementos musicais do Rudepoema foram analisados com títulos simbólicos como cronotopos Brasil, Carnaval, Arthur e da Teresa, com adjetivos sugestivos nos cronotopos da alegria, espontaneidade, virilidade e sensualidade; assim como as questões da colocação do pedal, inserção das fermatas, considerando-se ainda aspectos da recursão no processo da composição e suas implicações semânticas na expressividade da obra. / This study on expressiveness researches musical interpretation as a dialogic construction, as a dialogue between the two types of consciousness presented in Bakhtin’s dialogism. In music, the ‘expressive’ as a dialogical experience considers time, space and the meaning of each performer in a interchangeable position of value, expression and will from the author as a person to the author as a creator as well as the author as on observer of the work of art. This time / space, chronotope, a term first used by Bakhtin in the study of literary art pieces is considered here as a musical chronotope: time, space and meaning of the interpreter in a dialogue with the Great Time, the composition and its universal context; demonstrating how the dialogic “I” interacts with the I / I and I / others in a responsive attitude. In the ‘Rudepoema’ musical composition there is the presence of musical dialogism between the composer Villa-Lobos, "The Brazilian Rabelais" and pianist Arthur Rubinstein, to whom the work was dedicated. The musical elements of the ‘Rudepoema’ were analyzed with symbolic titles as chronotopes Brazil, Carnival, Arthur and Teresa, with suggestive adjectives in the chronotopes of joy, spontaneity, virility and sensuality; as well as issues concerning pedal placement and fermatas insertion, considering also aspects of the recursion in the processes of composition and their semantic implications in the expressiveness of the work of art.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:46Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2010-06-18Bitstream added on 2014-06-13T18:30:30Z : No. of bitstreams: 1 franceschini_sr_me_ia.pdf: 3443496 bytes, checksum: 1be3859e2ceca695db5f78f598fffb22 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Este é um estudo analítico/interpretativo sobre o Ciclo de Portinari, um conjunto de oito canções para vozes femininas (soprano e mezzo soprano) e piano, do compositor João Guilherme Ripper (1959-), com textos por Cândido Portinari (1903-1962). Considerando a interação entre os textos literário e musical, típica do gênero canção, e as relações sensoriais decorrentes da escuta e interpretação musical, a intenção é investigar o tratamento musical do compositor para os textos do artista. Procuraremos estabelecer aproximações entre o texto literário e as artes visuais, identificar analiticamente elementos musicais usados para reforçar o sentido do texto e estabelecer possíveis contribuições para a interpretação na transmissão desses elementos ao público, visando demonstrar experiências multissensoriais justificadas por conceitos de interdisciplinaridade e/ou sinestesia. / This is this an analytical/interpretative study of the Ciclo Portinari, a set of eight songs for female voices (soprano and mezzo soprano) and piano, by composer João Guilherme Ripper (1959-), with texts by Cândido Portinari (1903-1962). Considering the interaction between the literary and musical texts, typical to the genre song, and sensory relations arising from listening and musical interpretation, the intention is to investigate the composer’s musical treatment of the artist’s texts. We will seek to establish approximations between the literary text and the Visual Arts, identify analytically musical elements used to strengthen the sense of the text and establish possible contributions for interpretation in the transmission of these elements to the public, aiming to demonstrate multi-sensorial experiences justified by concepts of interdisciplinarity and/or synesthesia.

Esta pesquisa descreve um conjunto de estratégias específicas desenvolvidas pelo autor na preparação e execução do repertório pianístico. As estratégias, sistematizadas no curso de Doutorado da Universidade Federal do Rio Grande do Sul, consistem de deliberações expressivas e toques pianísticos que se entrelaçam formando um complexo de ações e atitudes adotadas na preparação e execução do conteúdo emocional do repertório pianístico. Trata-se de uma abordagem que visa o desenvolvimento das habilidades interpretativas como parte integral do domínio técnico do instrumentista. / This research describes a set of specific strategies developed by the author during the preparations and realizations of the pianístico repertoire. These strategies, systematized during his doctoral studies at the Universidade Federal do Rio Grande do Sul; consist of expressive deliberations and pianistic touches interwoven to form a complex of actions and attitudes to be adopted in the preparation and realization of the emotional content in the pianístic repertoire. This approach aims at developing interpretative abilities as an integral part of the instrumentalist’s technical domain.

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:27:26Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2004Bitstream added on 2014-06-13T18:56:13Z : No. of bitstreams: 1 apro_f_me_ia.pdf: 5394884 bytes, checksum: ab3182b478b63c8ccb06bc8e169bc9b5 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Esta dissertação aborda alguns fundamentos teóricos da interpretação musical e sua aplicação nos 12 estudos para violão de Francisco Mignone. A estrutura geral desta pesquisa está desenvolvida em dois segmentos, sendo que o primeiro focaliza os fundamentos teóricos sobre interpretação musical, suas principais tendências, a teoria da Formatividade de Luigi Pareyson e alguns conceitos complementares de Unberto Eco a propósito dos limites da interpretação. No segundo, apresentamos uma revisão bibliográfica do que já foi pesquisado sobre a literatura violonística do compositor, um panorama geral de sua produção violonística na década de 1970, alguns comentários sobre a gênese dos 12 Estudos, aspectos documentais dos Estudos de Mignone e considerações gerais sobre as diferentes versões dessa obra. Apresentamos também um modelo de aplicação dos conceitos teóricos discutidos no primeiro capítulo, abordando as contribuições técnicas desses Estudos, incluindo soluções para trechos problemáticos e diretrizes interpretativas para essa obra. As considerações finais procuram responder aos questionamentos formulados na introdução, porém de forma não conclusiva, por considerarmos que o modelo de interpretação apresentado é apenas uma possibilidade entre muitas. Os anexos incluem uma Edição Aberta dos 12 estudos de Mignone (fac-símile e urtext), entrevistas e um CD contendo nossa interpretação dos estudos, como resultado prático de uma pesquisa orientada pala sua conjugação com a reflexão teórica. / This dissertation deals with musical interpretation and discussses the practical application of theorical principles in Francisco Mignone's Twelve Studies for Guitar.The body of this paper is sstrucstured in two sections. The first focuses on the theoretical foundations of the musical interpretarion, in main trends, Luigi Pareyson's theory of formativity, as well as some complementary concepts by Umberto Eco on the limits of interpretarion. The second section contains a bibliographic revision about researches on the Mignone's guitar output, an overview of this compositions for guitar on the seventies, and commemtaries about de genesis of his Twelve Studies, philological aspacts and general considerations about the different versions of this work. There is also apractical application of the concepts discussed in the first chapter, presenting the didactic contribuitions of Mignone's Studies, including some solutions fo difficult passages and some interpretative suggestions for this work. The final considerations are an attempt to answer the questions presented in the introduction, but nor in a conclusive way, since we consider that the model of interpretation presented here inonlu one amongst many others. The annexes contain a Double Edition of Mignone's Twelve Studies (the original version and our Urtext), complete interviews, and a CD with our interpretation of this work, a a practical result of a research which was guided by the theoretical reflection.

Este estudo da expressividade pesquisa a interpretação musical como uma construção dialógica, diálogo entre “duas consciências” próprias do dialogismo bakhtiniano. O expressivo em música como vivência dialógica considera o tempo, o espaço e o sentido de cada intérprete em uma posição cambiável de valor, expressão e vontade do autor pessoa ao autor criador como também autor contemplador da obra de arte. Este tempo/espaço, cronotopo, termo primeiramente usado por Bakhtin no estudo da obra de arte literária é aqui considerado como um cronotopo musical: tempo, espaço e sentido do intérprete em um diálogo com o Grande Tempo, a composição e seu contexto universal; demonstrando como o eu dialógico interage com o eu/eu e o eu/outro em uma atitude responsiva. Na composição Rudepoema está presente uma dialogia musical entre o compositor Villa-Lobos, “O Rabelais Brasileiro” e o pianista Arthur Rubinstein, a quem a obra foi dedicada. Os elementos musicais do Rudepoema foram analisados com títulos simbólicos como cronotopos Brasil, Carnaval, Arthur e da Teresa, com adjetivos sugestivos nos cronotopos da alegria, espontaneidade, virilidade e sensualidade; assim como as questões da colocação do pedal, inserção das fermatas, considerando-se ainda aspectos da recursão no processo da composição e suas implicações semânticas na expressividade da obra. / This study on expressiveness researches musical interpretation as a dialogic construction, as a dialogue between the two types of consciousness presented in Bakhtin’s dialogism. In music, the ‘expressive’ as a dialogical experience considers time, space and the meaning of each performer in a interchangeable position of value, expression and will from the author as a person to the author as a creator as well as the author as on observer of the work of art. This time / space, chronotope, a term first used by Bakhtin in the study of literary art pieces is considered here as a musical chronotope: time, space and meaning of the interpreter in a dialogue with the Great Time, the composition and its universal context; demonstrating how the dialogic “I” interacts with the I / I and I / others in a responsive attitude. In the ‘Rudepoema’ musical composition there is the presence of musical dialogism between the composer Villa-Lobos, "The Brazilian Rabelais" and pianist Arthur Rubinstein, to whom the work was dedicated. The musical elements of the ‘Rudepoema’ were analyzed with symbolic titles as chronotopes Brazil, Carnival, Arthur and Teresa, with suggestive adjectives in the chronotopes of joy, spontaneity, virility and sensuality; as well as issues concerning pedal placement and fermatas insertion, considering also aspects of the recursion in the processes of composition and their semantic implications in the expressiveness of the work of art.

Esse trabalho apresenta um auto-relato da construção da performance da obra Changes (1983) para violão de Elliott Carter, com uma análise estrutural e sua relação com as dificuldades encontradas ao longo do processo de estudo. Foram utilizadas estratégias de estudo já conhecidas e novas foram criadas à medida do necessário. O trabalho oferece um plano para o estudo rítmico da peça, propondo exercícios direcionados para as dificuldades encontradas, as quais se relacionaram principalmente com as configurações de quiálteras de cinco e com as modulações métricas. A identificação de personagens musicais foi fundamental para a construção da interpretação de Changes. A sistematização do plano de estudo apresentado assim como as estratégias criadas poderão auxiliar a preparação dessa e outras obras. / This work presents a self-report concerning the construction of the performance of Changes (1983) for guitar, by Elliot Carter, with a structural analysis and its relationship towards the difficulties encountered during its preparation. Well-known learning strategies were applied and new ones were created when necessary. A plan for the study of the rhythmic complexities of the piece was elaborated with exercises that address the difficulties encountered, especially those pertaining to the quintuplets and metric modulation. The identification of musical characters was fundamental for the construction of the interpretation of the piece. The system organized as the study plan, as well as the learning strategies developed may help others in the preparation of this and other works.

O presente trabalho aborda a interação entre a utilização do Méthode pour la Guitare (1830) de Fernando Sor com o processo de construção de interpretação da Sonata op. 25, do mesmo autor. O trabalho foi norteado pela hipótese de associação entre as concepções técnicas e composicionais de Sor, articuladas em seu Método, e sua correspondente tradução em sua escrita violonística. Através desse cotejo, traçaram-se claras possibilidades de associação, e concluiu-se positivamente na utilização do Método como ferramenta complementar na interpretação da música de Fernando Sor. / The present work concerns the interaction between the use of the Méthode pour la guitare (1830) by Fernando Sor and the process of constructing an interpretation for the Sonata op. 25, by the same author. The work‟s main hypothesis was the association between technical and compositional conceptions of Sor, displayed in his Method, and their correspondent translation into his guitar compositional writing. Through this association, clear relationships were established and the work was conclusive on the positive use of the Method as a complementary tool for the interpretation of Fernando Sor‟s music. / El presente trabajo aborda la interacción entre la utilización del Méthode pour la guitare (1830) de Fernando Sor con el proceso de construcción de una interpretación para la Sonata op. 25, del mismo autor. La hipótesis del trabajo fue la asociación entre las concepciones técnicas y compositivas de Sor, articuladas en su Método, y su correspondiente traducción en su escritura guitarrística. Por medio de este cotejo, se trazaron claras posibilidades de asociación, y se concluyó positivamente por el uso del Método como herramienta complementaria en la interpretación de la música de Fernando Sor.

Submitted by Erika Demachki (erikademachki@gmail.com) on 2018-07-03T19:07:00Z No. of bitstreams: 2 Dissertação - Hugo Macêdo Serrão Moreno - 2018.pdf: 3848431 bytes, checksum: 6b579e719a578578a7fbf3325b5a9bdd (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Approved for entry into archive by Luciana Ferreira (lucgeral@gmail.com) on 2018-07-04T12:31:14Z (GMT) No. of bitstreams: 2 Dissertação - Hugo Macêdo Serrão Moreno - 2018.pdf: 3848431 bytes, checksum: 6b579e719a578578a7fbf3325b5a9bdd (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-04T12:31:15Z (GMT). No. of bitstreams: 2 Dissertação - Hugo Macêdo Serrão Moreno - 2018.pdf: 3848431 bytes, checksum: 6b579e719a578578a7fbf3325b5a9bdd (MD5) license_rdf: 0 bytes, checksum: d41d8cd98f00b204e9800998ecf8427e (MD5) Previous issue date: 2018-06-06 / Outro / The purpose of this paper is to discuss aspects of artistic research recommended by Marcel Cobussen (COBUSSEN, 2007) relevant to musical artistic creation and clarinet performance, especially the relation between clarinet and clarinetist. It is intended to discuss this relation beyond the traditional modern framing of the subject/object relationship, inserted in a poetic context. We consider it is important to launch a critical view on the artistic knowledge produced inside universities, and to reflect about questions of truth from the poetic dimension. To this end, we use Heidegger’s ontological statute as an overcoming exclusivity of world relations and its consequences in relation to the limits imposed by science in the production of knowledge. This limitation is consolidated through the dissociation between earthman and the world; body and soul; intelligibility and sensitivity in relation to an artistic approach. More than a scientific limit, such dissociation ratifies the intramundane and teleological sense of the Western man from the perspective of the Cartesian modern conception. Starting from an artistic perspective, poetic – creative –, we investigated the the happening of the clarinetist performance. However, we will not think about that relation as an isolated and closed event. Furthermore, we will not use concepts of musical criticism or aesthetics. In a poetic approach, Art claims an immediate and singular manifestation, not by parts or representations. These representations relate to the Work through rational mediation, as in the theory of knowledge. Our investigation proceeded from relations of interpretation since the immediatism of the senses (FOGEL, 2007). This conjunction of relationships is arranged in a sense beyond or below Cartesian objectivity. The intention of poetic production is the unveiling of the work – Aletheia. Therefore, we produced two recitals with pieces by Brazilian composers in which the clarinetist’s performance displays a sensitive and cohesive manifestation working in its own sense, which is performance as a factor intrinsic to the work of art. In this regard, the truth of a work is the process of manifestation of its own sense. After all, a work only exists with its performance, which is a part of the work. The unveiling of a work, according to (HEIDEGGER, 2010), manifests in the gap of work, art and artist. This gap as well as the relations established in the course of this research turns in results impregnated in the interpretation itself. About the Tripartite’s relationship in the work of art, according Heidegger, we perceive that the artist experiences a series of relations still not much discussed, because in general there is favoring of a technical and analytical understanding of the performance and little is spoken of the artistic experience. / O presente trabalho tem o objetivo discutir aspectos da pesquisa artística preconizada por Marcel Cobussen (COBUSSEN, 2007), pertinentes à criação artística musical e à performance à clarineta, especialmente no que se refere à relação entre a clarineta e o clarinetista. Pretendemos aqui discutir tal relação para além do enquadramento moderno tradicional da relação sujeito/objeto, inserida num contexto poético de investigação. Entendemos ser importante lançar um olhar crítico sobre a questão da produção do conhecimento artístico dentro da academia, além de refletir sobre a questão da verdade advinda desde a dimensão poética. Para tanto, compartilhamos do estatuto ontológico Heideggeriano como superação da exclusividade das relações de mundo e suas consequências no que diz respeito aos limites impostos pela ciência na produção de conhecimento. Tal limitação consolida-se por meio da dissociação no homem de terra e mundo; corpo e alma; inteligibilidade e sensibilidade, em relação ao trato artístico. Mais que um limite científico, esta dissociação ratifica a lida intra-mundana e teleológica do homem ocidental desde a perspectiva da concepção moderna cartesiana. A partir da perspectiva artística, poética – criativa –, investigamos o acontecer da performance do clarinetista. No entanto, não o fazemos considerando a relação que aí ocorre como fenômeno isolado e fechado, tampouco a partir do pré-conceito da crítica estética ou como resultado de aná-lise predeterminada. Numa abordagem poética, a arte reivindica sua manifestação imediata e singular, não por partes ou por representações. Tais representações só estabelecem relação com a obra por mediação racional, como na teoria do conhecimento. Construímos nossa investigação a partir das relações dispostas na interpretação desde o imediato dos sentidos (FOGEL, 2007), con-juntura de relações além, ou aquém, da objetividade cartesiana. O sentido da produção poética é o des-velamento da obra – Alétheia. A partir desta perspectiva, foram produzidos dois recitais com obras de compositores brasileiros, nos quais a interpretação do clarinetista emerge como manifestação sensível e coesa à obra, instaurando um sentido próprio, ou seja, a interpretação como fator inerente à obra de arte. Neste sentido, a verdade da obra é o processo de manifestação de um sentido próprio em sua realização. Afinal, a obra só é com a interpretação, esta faz parte do ser da obra. O des-velamento da obra, segundo Heidegger (HEIDEGGER, 2010), se manifesta na abertura de cada elemento envolvido no processo: obra, arte e artista. Esta abertura bem como as relações por ela dispostas empreenderam no caminhar desta investigação resultados impregnados na própria interpretação. Sob a relação tripartite na obra de arte apontada por Heidegger, percebemos que o artista experimenta uma série de relações ainda pouco discutidas, pois em geral há um favorecimento de uma compreensão técnica e analítica da performance e pouco se fala da ou pensa a experiência artística.

Esta pesquisa descreve um conjunto de estratégias específicas desenvolvidas pelo autor na preparação e execução do repertório pianístico. As estratégias, sistematizadas no curso de Doutorado da Universidade Federal do Rio Grande do Sul, consistem de deliberações expressivas e toques pianísticos que se entrelaçam formando um complexo de ações e atitudes adotadas na preparação e execução do conteúdo emocional do repertório pianístico. Trata-se de uma abordagem que visa o desenvolvimento das habilidades interpretativas como parte integral do domínio técnico do instrumentista. / This research describes a set of specific strategies developed by the author during the preparations and realizations of the pianístico repertoire. These strategies, systematized during his doctoral studies at the Universidade Federal do Rio Grande do Sul; consist of expressive deliberations and pianistic touches interwoven to form a complex of actions and attitudes to be adopted in the preparation and realization of the emotional content in the pianístic repertoire. This approach aims at developing interpretative abilities as an integral part of the instrumentalist’s technical domain.

O presente trabalho aborda a interação entre a utilização do Méthode pour la Guitare (1830) de Fernando Sor com o processo de construção de interpretação da Sonata op. 25, do mesmo autor. O trabalho foi norteado pela hipótese de associação entre as concepções técnicas e composicionais de Sor, articuladas em seu Método, e sua correspondente tradução em sua escrita violonística. Através desse cotejo, traçaram-se claras possibilidades de associação, e concluiu-se positivamente na utilização do Método como ferramenta complementar na interpretação da música de Fernando Sor. / The present work concerns the interaction between the use of the Méthode pour la guitare (1830) by Fernando Sor and the process of constructing an interpretation for the Sonata op. 25, by the same author. The work‟s main hypothesis was the association between technical and compositional conceptions of Sor, displayed in his Method, and their correspondent translation into his guitar compositional writing. Through this association, clear relationships were established and the work was conclusive on the positive use of the Method as a complementary tool for the interpretation of Fernando Sor‟s music. / El presente trabajo aborda la interacción entre la utilización del Méthode pour la guitare (1830) de Fernando Sor con el proceso de construcción de una interpretación para la Sonata op. 25, del mismo autor. La hipótesis del trabajo fue la asociación entre las concepciones técnicas y compositivas de Sor, articuladas en su Método, y su correspondiente traducción en su escritura guitarrística. Por medio de este cotejo, se trazaron claras posibilidades de asociación, y se concluyó positivamente por el uso del Método como herramienta complementaria en la interpretación de la música de Fernando Sor.