Les narrations de jeunesse ont souvent pour thème le développement d’un jeune protagoniste ; elles racontent alors des expériences transformatrices qui constituent pour les petits héros autant de moments de passage, d’initiations. L’initiation jouait autrefois un rôle très important dans la vie humaine, marquant un passage d’âge socialement reconnu par la communauté toute entière. Toutefois, l’histoire de la société occidentale a vu progressivement disparaître ces moments de passage officiels, comme déjà en 1956 Mircea Eliade l’annonçait. Une fois l’initiation disparue, une compensation au niveau de la vie intérieure s’est rendue nécessaire, et le rêve apparaît un des lieux et des moments possibles pour cette compensation. Ainsi, à partir de Alice in Wonderland et The Wonderful Wizard of Oz, les fictions de jeunesse contemporaines ont souvent exploré le potentiel initiatique du rêve, qui fournit aux protagonistes une expérience liminaire marquant un avant et un après dans leurs vies. Dans nombreux romans, le protagoniste vit un rêve initiatique qui le conduit à travers un chemin de mort et de résurrection symboliques, et duquel il se réveille renouvelé. Cette thèse se propose donc de questionner le rêve en tant que seuil entre deux formes d’existence et catalyseur du passage d’âge dans les narrations de jeunesse européennes au XXIe siècle. / Youth fiction often focus on the development of a young hero. Such stories tell us about transformative experiences which work as initiations. Initiation was once a very important moment in human life, marking a passage which was recognized by the community as a whole. However, in the history of Western society official rites of passage has gradually disappeared, as already in 1956 Mircea Eliade announced it. Since then, a compensation for the inner life has become necessary, and the dream has become one of the possible places and times for this compensation. Thus, from Alice in Wonderland and The Wonderful Wizard of Oz, contemporary youth fiction has often explored the initiatory potential of dreams, which provides the protagonists with an introductory experience marking a turning point in their lives. In many novels, the protagonist lives an initiatory dream that leads him through a path of symbolic death and resurrection, from which he/she wakes up renewed. This thesis proposes to question the dream as a threshold between two forms of existence and a catalyst for initiation in contemporary European youth literature.

La trace peut être définie comme le vestige sensible qui provoque, chez qui l’observe, le trouble d’une présence-absence. Les récits d’Antonio Tabucchi, Peter Handke et Pierre Péju,trois écrivains nés dans les années 1940 dans des pays – l’Italie, l’Autriche et la France – ayant collaboré avec l’Allemagne nazie, sont habités d’une inquiétude aussi bien historique qu’ontologique et déclinent les modalités d’une représentation de la présence spectrale. Le caractère spectral du réel n’implique pas seulement le sentiment d’une douloureuse dépossession, mais aussi l’ouverture à un monde vécu dans le mouvement même de son apparition. Celui-ci se manifeste tour à tour comme une épiphanie, révélation d’un avènement originel, et comme un retour des spectres du passé, et plus particulièrement de ceux de la Seconde Guerre mondiale. L’œuvre-trace transmet ainsi – par ses thèmes, sa diégèse et ses choix stylistiques – une injonction éthique. Elle se fait l’écho d’une double responsabilité :celle, historique, des cendres du XXe siècle et celle, ontologique, de la fidélité à un présents cindé, qui ne peut être appréhendé qu’à travers la faille qui le constitue. L’oeuvre-trace se fait représentation littéraire d’un jeu interstitiel : blessure qui ne peut cicatriser et condition même de l’à venir ; et la quête heuristique, en refusant toute assertion, rejoint la démarche de la philosophie sceptique. La connaissance ne se laisse approcher que de façon asymptotique, trace de ce qui a été et esquisse de ce qui sera. / The trace can be defined as the tangible relic which provokes confusion in theobserver’s mind by revealing a form of absent presence. The narratives of Antonio Tabucchi,Peter Handke and Pierre Péju, three writers born in the 1940s in countries – Italy, Austria and France – that collaborated with Nazi Germany, are filled with an anxiety which is historical aswell as it is ontological, and display the various forms of the spectral presence of the trace. Butthis spectral presence, which classically entails a distressing feeling of dispossession, also manifests the emergence of a new world which is physically perceived as it reveals itself. It is successively an epiphany, the revelation of an original advent, and the return of past spectres,and more particularly those of the Second World War. Through its themes, diegesis and stylisticchoices, the narrative as trace thus conveys an ethical injunction. It discloses the importance of atwofold responsibility: the historical legacy of the 20thcentury’s ashes, and the ontologicalrequest of accepting a present without certainty, that can only be apprehended through the verybreach that constitutes it. The narrative as trace thereby becomes the literary representation of asplit state of being, everlastingly wounded and ultimate condition of the coming future; and the heuristic pursuit, by rejecting any possibilities of assertion, concurs with the reasoning ofsceptical philosophy. Understanding can only be approached in an asymptotic way, trace ofwhat has been and sketched glimmer of what will be.

En 1916 Albert Einstein énonce la théorie de la relativité : véritable révolution scientifique du XXe siècle, elle aura des répercussions touchant à tous les domaines de la connaissance. L'objectif de notre étude est de tracer un cadre des relations existantes entre la littérature européenne et la théorie de la relativité, sur l'interaction de leurs deux langues et sur l'échange de leurs images. Si la science et la littérature dialoguent entre elles, elles le font au sein d'une atmosphère, l'esprit du temps. Les deux disciplines prennent leurs images et leurs thèmes d'un terroir commun : elles deviennent ainsi l'expression d'une époque et en même temps la source de laquelle l'époque se nourrit. Le dialogue entre science et littérature se traduit dans notre méthodologie : le paradoxe des jumeaux, qu'Einstein utilise pour expliquer la déformation spatio-temporelle, se traduit dans le thème du double à partir duquel on a sélectionné un corpus européen. Ensuite, on a procède à une analyse sur deux niveaux, l'un narratologique et l'autre symbolique. Pour le premier niveau on a analysé l'espace-temps en relation au double : on a vu comment les deux sont entrelacés et comment l'espace-temps ne se limite pas à assumer une fonction de décor. Pour le deuxième niveau d'analyse on a emprunté certaines images utilisées par Einstein dans ses textes de vulgarisation, comme le train et la lumière, pour construire une grille critique que nous avons appelé « constellation einsteinienne ». Grace à cette grille de symboles, qui se superpose à celle narratologique, nous pouvons voir comme les éléments évoqués par Einstein se transforment en littérature en gardant toute leur valeur scientifique. De notre analyse résulte un cadre où des éléments scientifiques et des textes de fiction s'entrelacent dans l'expression de l'esprit du temps. La relativité scientifique trouve son contrepartie dans la relativité littéraire. / In 1916 Albert Einstein formulated the theory of relativity, a great XX century scientific revolution, which will have repercussions affecting all areas of human knowledge. The aim of our study is to draw a framework of the existing relations between European literature and the theory of relativity, about the interaction of their two languages and the exchange of their images. If science and literature interact to each other, they do so within an atmosphere, the spirit of the times. The two disciplines take their images and their themes from a common ground: they thus become the expression of an era and at the same time the source from which the era nourishes itself. The dialogue between science and literature is reflected in our methodology: the paradox of twins, which Einstein uses to explain spatio-temporal deformation, is transformed in the double theme from which a European corpus was selected. Then, we proceeded to an analysis on two levels, the one narratological and the other symbolic. For the first level, we have focused on space-time double relation, discovering how the two are interlaced and how space-time is not limited to assuming a decor function. For the second level of analysis we have borrowed certain images used by Einstein in his popularization texts, such as train and light, to build a critical grid that we have called the “Einsteinian constellation”. Thanks to this grid of symbols, which is superimposed on that of narratology, we can see that the elements evoked by Einstein transform into literature while retaining all their scientific value. From our analysis results a framework where scientific elements and fiction texts intertwine in the expression of the spirit of the time. Scientific relativity finds its counterpart in literary relativity.

Doctorat en philosophie et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Face aux grands drames historiques du 20ème siècle, Louis Aragon (1897-1982) et Pablo Neruda (1904-1973), deux poètes communistes, amis dans la vie, développent à travers leur œuvre une conception de la poésie et de l’art en général comme une conquête, qu’ils nomment « chant ». Bien qu’il renvoie au lien séculaire entre musique et poésie, le « chant », que la thèse prend pour objet, n’est ni réductible ni à la musique ni au texte. Pour eux, le chant est le symptôme de l’unité fondamentale de l’art et de la vie et peut constituer une expression valant dans n’importe quelle sphère de l’activité artistique. Cette étude défend l’hypothèse selon laquelle le chant est d’abord une énergie qui non seulement fonde le texte littéraire, mais irrigue également les autres arts, et notamment les arts plastiques. La thèse propose ainsi de réinterroger ce que l’on appelle « chant » à travers deux œuvres originales qui cherchent à redessiner des communautés politiques et esthétiques, à l’échelle nationale et internationale. En saisissant d’abord leur œuvre par le dehors, l’étude met en lumière les étapes de la fabrique du chant à partir de deux manières de relier les espaces poétiques et politiques : celui de l’histoire littéraire et artistique et celui de la traduction. Ensuite, la thèse se fonde sur une approche poétique pour examiner de l’intérieur le chant sous l’angle de l’énergie. Si le chant semble indéfinissable, c’est aussi parce qu’il n’est pas une forme ni même un genre à proprement parler, mais l’expérience sensible d’une présence partagée. Démesurée, l’énergie du chant défie les cadres de la représentation pour s’afficher comme une expression. C’est sous ce dernier prisme que l’étude inscrit le chant dans un horizon qui outrepasse la poésie et le confronte à des problématiques visuelles en convoquant les écrits sur l’art de l’un et de l’autre, de rares livres illustrés par les peintres muralistes (Siqueiros, Rivera, Venturelli et Léger) et en examinant de près les extensions du chant (le livre, le mur et la tapisserie), afin d’identifier la communauté d’enjeux entre ce que nos poètes appellent « chant » et des réalisations plastiques majeures du 20ème siècle. / Facing the great historical dramas of the 20th century, Communist poets and friends Louis Aragon (1897-1982) and Pablo Neruda (1904-1973) showcased in their respective bodies of work a certain conception of poetry and of art as a conquest, which they named “canto” (in French “chant”). Although the term denotes the primeval relation between music and poetry, this dissertation postulates that the canto is not to be reduced to the sole musical or textual contexts. What both poets term “canto” is rather akin to the basic unity of art and life, and finds itself applicable to all artistic fields. In this sense, this dissertation first and foremost defends a vision of the canto as energy, which not only rests at the basis of textual creation but which also informs all other means of artistic expression, especially visual and plastic arts. The aim of this study is therefore to question what the term “canto” purportedly signifies in critical context. It does so by inspecting how the two oeuvres under scrutiny are relentlessly committed to shaping new political and esthetical communities, both nationally and internationally. Firstly approaching Aragon and Neruda’s works from an exterior viewpoint, the dissertation sheds light on the various elements that are generative of the canto by soliciting two areas which fundamentally connect poetical and political spaces: that of literary history and that of translation. The study then proceeds to examine the poetical works themselves through the notion of energy. If the defining contours of the canto remain elusive, it is precisely because it cannot be characterized as a form or as a genre in itself, but rather stands as the sentient experience of a shared presence. The overflowing energy emanating from the canto thereby begs the question of representation, whose frames it constantly defies in order to offer itself rather as an expression. This last notion serves as the final prism through which the canto is considered in this study, as something essentially exceeding the mere art of poetry and which interrogates the modalities of the visual. This concluding demonstration relies on Aragon and Neruda’s critical essays on art as well as rare books illustrated by muralist painters (Siqueiros, Rivera, Venturelli and Léger); it carefully explores the plastic prolongations of the canto (in book, wall or tapestry form) in order to further identify the common goals and implications of this literary entity, along with those of some major plastic arts achievements of the 20th century.

Concept-clé de la critique littéraire anglo-saxonne depuis plus d’une cinquantaine d’années, le modernism demeure méconnu en France, du fait de sa proximité avec des concepts voisins, telles la modernité et l’avant-garde, qu’il ne recoupe qu’imparfaitement. S’il peut concerner toutes les tentatives expérimentales dans les différents genres littéraires, c’est le roman qui se trouve au cœur de cette étude, laquelle met en perspective des textes de James Joyce, André Gide, Ramón Gómez de la Serna et Virginia Woolf, souvent victimes d’une forme de binarisme critique. Ils ont en effet longtemps été analysés comme des romans encore mimétiques, plus réalistes que les romans réalistes cependant, ou, plus fréquemment, comme des symboles de l’œuvre autoréférentielle définie par les dogmes new criticists et structuralistes. La présente étude cherche à emprunter une troisième voie, par le biais, notamment, de la théorie littéraire des mondes possibles, davantage susceptible de rendre compte du projet moderniste qui ne vise plus en effet à représenter le réel, mais à créer la vie. L’acception traditionnelle du modernisme en tant qu’ensemble de mouvements est ainsi confrontée à une perspective nouvelle qui permet de l’analyser comme une éthique et une pratique particulière de la fiction. Les romans expérimentaux du début du XXe siècle construisent en effet des univers fictionnels ambigus, informés à la fois par la tradition et par une exigence inédite de modernité, le texte moderniste refusant la table-rase avant-gardiste pour mieux se construire en mémoire vivante de la littérature. C’est ainsi une cartographie critique que la présente étude se propose d’établir, afin de permettre au lecteur l’accès à cette terra incognita du comparatisme hexagonal. / Although it has been a key concept of literary criticism in the English-speaking world for more than a half-century, modernism remains a relatively misunderstood notion in France, owing to its proximity to somewhat close concepts such as modernity and avant-garde, which it only partially overlaps. The concept is relevant to experimentation in all literary genres, but this study focuses on the novel, with texts by James Joyce, André Gide, Ramón Gómez de la Serna and Virginia Woolf. Those have often been mischaracterized by literary critics as either mimetic novels — though more realistic than realist novels — or more frequently as emblematic of the self-referential text, as defined by the dogmas of new criticism and structuralism. This study seeks an alternative to those two limited analytical options, particularly by using possible worlds theory, which is more susceptible of accounting for the modernist project of creating life rather than representing the real. The traditional definition of modernism as an ensemble of movements is therefore confronted to a new perspective which allows for its analysis as a particular ethics and praxis of fiction: the fictional worlds built by experimental novels of the early twentieth century are ambiguous, caught between tradition and modernity, since modernist texts, in becoming the living memory of literature, refuse to erase the past completely. This study thus proposes to establish a critical cartography, one that will allow the reader to access a terra incognita of French comparative studies.

L’emploi du mot arriviste vise souvent à réduire le personnage des romans du XIXe siècle à son portrait psychologique d’un héros atemporel, avançant impitoyablement vers son objectif. Cependant, le rôle qu’il joue dans l’histoire littéraire est plus important. Le modèle de l’arriviste est créé en même temps que le roman réaliste moderne, bien que le terme en lui-même n’apparaisse qu’en 1893. Ce terme caractérise a posteriori toute la génération des personnages littéraires à partir des romans de Stendhal et de Balzac. Issu des changements sociaux et inspiré par l’exemple devenu mythique de Napoléon, l’arriviste est un héros qui reflète la société nationale contemporaine, ce que montrent les vingt-six œuvres du corpus. Il est également une figure du déplacement qui facilite le regard panoramique sur la société et la construction du récit réaliste. Tel un héros de conte moderne, l’arriviste suit un parcours qui constitue la base de son intrigue. Il devient un Argonaute moderne, en quête d’une nouvelle Toison d’Or : la réussite sociale.La carrière de l’arriviste littéraire invite également à la réflexion narratologique et questionne sa relation avec le lecteur. La scène de première apparition du personnage permet au narrateur d’éveiller chez le lecteur les premières impressions qui influencent sa compréhension globale du protagoniste. La triple perspective de la narratologie comparée, des effets de la réception de l’œuvre et des recherches en psychologie sociale, met en évidence les procédés narratifs utilisés par le narrateur. Le succès de l’arriviste dépasse ainsi le monde diégétique et se traduit par la longévité du type littéraire qu’il définit et du terme qui le désigne. / By the use of the word arriviste, the hero of the Nineteen-Century novels is often reduced to his psychological portrait of a timeless character, ruthlessly seeking his aim. Nevertheless, the role that he plays in the history of literature is more important. The model of the arriviste was created at the same time as the modern realist novel, even if the term itself only appeared in 1893. The arriviste characterises a posteriori a whole generation of heroes, beginning with Stendhal’s and Balzac’s novels. Inspired by the social changes and the now-mythical example of Napoleon, the arriviste is a hero that mirrors the national and contemporary society, as the twenty-six novels of the corpus exemplify it. He is also a figure of displacement that facilitates a panoramic view on the society and a construction of the realist narrative. As a hero of a modern tale, the arriviste follows a course on which his story is based. He becomes a modern Argonaut searching for a new Golden Fleece: social success. The career of a literary arriviste raises questions about narratology and his relationship with the reader. The scene of first appearance of the character enables the narrator to kindle the reader’s first impressions that influence the general comprehension of the protagonist. A triple perspective of the comparative narratology, the effects of the work’s reception and the research in social psychology reveals the narrative schemes used by the narrator. Therefore, the success of the arriviste goes beyond the diegetic world. It means also his longevity in the collective memory as a literary type and as a word that describes him. / Termin arywista, używany do określenia postaci z powieści dziewiętnastowiecznej, często redukuje ją do portretu psychologicznego ponadczasowego bohatera, który zmierza do celu bez najmniejszych skrupułów. Jednakże jego rola w historii literatury jest znacznie istotniejsza. Wzór arywisty powstaje w tym samym czasie, co nowoczesna powieść realistyczna, mimo tego, iż sam termin pojawia się dopiero w 1893r. Arywista charakteryzuje a posteriori całe pokolenie postaci literackich, począwszy od bohaterów Stendhala i Balzaka. Inspirowany zmianami społecznymi oraz na wpół mityczną historią Napoleona, arywista jest bohaterem, który ukazuje współczesne społeczeństwo, co widoczne jest w każdej z dwudziestu sześciu powieści z naszego korpusu. Jest on również symbolem przemieszczania się, który ułatwia panoramiczne spojrzenie na społeczeństwo oraz konstrukcję narracji realistycznej. Niczym bohater współczesnej baśni, arywista podąża szlakiem, który stanowi podstawę intrygi powieści. Staje się on współczesnym argonautą, w poszukiwaniu nowego Złotego Runa – sukcesu społecznego. Kariera powieściowego arywisty zachęca również do refleksji narratologicznej oraz stawia problem relacji z czytelnikiem. Scena pierwszego pojawienia się postaci pozwala ona narratorowi na wywołanie pierwszych wrażeń, które wpływają na ogólne rozumienie protagonisty. Potrójna perspektywa narratologii porównawczej, efektów odbioru dzieła i badań z zakresu psychologii społecznej, uwypukla procesy narracyjne używane przez narratora. Tym samym, sukces arywisty wychodzi poza świat diegezy. Jest nim także jego miejsce w pamięci kolektywnej jako typ literacki, jak również kariera lingwistyczna słowa, które go definiuje.