Submitted by Gabriel Francisco Barboza Lemos (gabrielfranciscolemos@gmail.com) on 2018-09-28T13:41:47Z No. of bitstreams: 1 Mestrado_2018_FINAL_PDF.pdf: 17241288 bytes, checksum: aa4adf3c4ab852bf34bf08215205e197 (MD5) / Approved for entry into archive by Laura Mariane de Andrade null (laura.andrade@ia.unesp.br) on 2018-09-28T20:34:49Z (GMT) No. of bitstreams: 1 lemos_gfb_me_ia.pdf: 17224708 bytes, checksum: e9c15af922be9ece6b131c9e1b9be335 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-09-28T20:34:49Z (GMT). No. of bitstreams: 1 lemos_gfb_me_ia.pdf: 17224708 bytes, checksum: e9c15af922be9ece6b131c9e1b9be335 (MD5) Previous issue date: 2018-07-30 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo (FAPESP) / Na segunda metade do Século XX, em especial nas décadas de 1960 e 1970, artistas e intelectuais discutiram calorosamente acerca da relação entre a atuação poética (criativa) do artista e sua influência no campo político e ideológico social. Nesse contexto, o compositor inglês Cornelius Cardew (1936 - 1981) se destacou por desenvolver um trabalho composicional e teórico contundente, crítico e autocrítico sobre a vanguarda musical e sua dimensão ideológica. Transitou entre duas das mais influentes orientações estéticas da segunda metade do Século XX, a música de vanguarda e a música politicamente engajada, ambas fundamentais na construção de chaves de leitura acerca da relação entre o compositor e a sociedade ocidental capitalista. Cardew se dedicou no decorrer de toda a década de 1960 na criação e divulgação de obras diretamente influenciadas pela escola americana experimental. Compôs obras que trabalhavam com a aleatoriedade, a improvisação (The Great Learning, Schooltime Compositions, etc.) e a notação gráfica, dentre essas, Treatise (1963-7) se destaca. Em 1969, ainda ligado às diretrizes aleatórias e ritualísticas da escola americana, o compositor fundou a orquestra experimental Scratch Orchestra (1969-74). Não obstante, influenciado pelo trabalho de pesquisa feito em conjunto com a orquestra (haja a existência de um núcleo de estudos teóricos chamado de Ideological Group), nos anos seguintes ao encerramento das atividades do grupo, Cardew se engajou na utilização da música como ferramenta na conscientização da luta de classes. Orientado pela linha de pensamento Marxista-Leninista, sua produção teórica e musical dos anos 1970 é marcada por um forte engajamento revolucionário, culminando na publicação do livro Stockhausen Serves Imperialism and other articles (1974). Em seus últimos anos de vida, o compositor volta a utilizar a notação tradicional e compõe peças para piano, canções e música coral que, se comparadas à sua produção anterior, configuram-se como outra linguagem musical, operando sob uma chave de leitura híbrida e diametralmente oposta à vanguarda experimental. Marcadas por alusões e citações diretas ao repertório musical revolucionário, erudito e popular, as peças para piano dos anos 1970 indicam uma preocupação com a inteligibilidade do discurso musical e almejam uma clareza semântica que se consubstancia junto do ímpeto político do autor. Nesse sentido, o projeto proposto parte da necessidade de melhor compreender e refletir sobre a produção de Cornelius Cardew como um compositor que personificou contradições radicais na prática musical, na atuação profissional e política de seu tempo. O interesse na pesquisa e no levantamento de dados acerca dessas duas fases de Cardew reside em sua drástica mudança de orientação ideológica – porém, logicamente compreensíveis a partir dos encaminhamentos de sua atuação. Como fundamentação teórica este estudo utiliza-se de uma bibliografia que compreende algumas fontes distintas de análise do objeto em questão. Por sua vez, agrupados em quatro vias teóricas distintas; textos de autoria do próprio compositor, a aplicação desse corpo teórico na análise da música de Cardew, a ideologia marxista aplicada às artes (em especial à música erudita) e, finalmente um conjunto de autores que também abordam a relação entre linguagem e música no Século XX. / In the second half of the twentieth century, especially in the 1960s and 1970s, artists and intellectuals intensify argued about the relationship between the poetic (creative) performance of the artist and his influence on the political and ideological social field. In this context, the English composer Cornelius Cardew (1936 - 1981) stood out for developing a compelling, critical and self-critical compositional and theoretical body of work about the musical avant-garde and its ideological dimension. He transited between two of the most influential aesthetic orientations of the second half of the twentieth century, avant-garde music and politically engaged music, both fundamental in the construction of reading about the relationship between the composer and western capitalist society. Throughout the 1960s, Cardew devoted himself in the creation and dissemination of works directly influenced by the experimental American school. He composed works that worked with randomness, improvisation (The Great Learning, Schooltime Compositions, etc.) and the graphic notation – among these, Treatise (1963-7) stands out. In 1969, still attached to the random approach and ritualistic directives of the American school, the composer founded the experimental orchestra Scratch Orchestra (1969-74). Nevertheless, influenced by the research work done in conjunction with the orchestra (strictly related to the theoretical studies group called the Ideological Group), in the years following the closing of the group's activities, Cardew engaged in the use of music as a tool in the awareness of the class struggle. Guided by the Marxist-Leninist line of thought, his theoretical and musical production of the 1970s is marked by a strong revolutionary engagement, which culminates in the publication of Stockhausen Serves Imperialism and other articles (1974). In his later years of life, the composer revisits the traditional notation and composes pieces for piano, songs and choral music that, if compared to his previous production, configure themselves as another musical language, operating under a hybrid reading key and diametrically opposed to the experimental vanguard. Marked by allusions and direct quotations to the revolutionary, erudite and popular musical repertoire, the piano pieces of the 1970s indicate a concern with the intelligibility of musical discourse and aim for a semantic clarity that is consubstantial with the author's political impetus. In this sense, the proposed project started from the need to better understand and reflect on the production of Cornelius Cardew as a composer who personified radical contradictions in musical practice, in the professional and political performance of his time. The interest in researching and collecting data on these two phases of Cardew lies in his drastic change in ideological orientation – hence logically understandable from the directions of his trajectory. As theoretical foundation, this study uses a bibliography that includes some different sources of analysis of the object in question. In turn, grouped into four different theoretical lines; texts written by the composer himself, the application of this theoretical body to the analysis of Cardew's music, the Marxist ideology applied to the arts (especially to erudite music) and finally a set of authors who also deal with the relationship between language and music in the 20th century. / FAPESP: 2016/05113-6

Os objetos de estudo específicos deste trabalho são as práticas e os processos de criação e performance de música experimental interativa desenvolvidos na última década no ambiente de pesquisas em sonologia da Universidade de São Paulo (USP). Optamos por realizar uma abordagem ampla destes objetos por entender que o contexto sociocultural no qual ocorrem cria as condições para sua realização e é, de alguma forma, refletido em suas produções. O início do trabalho é dedicado aos contextos gerais e são analisadas questões e características relevantes das sociedades contemporâneas, nas quais, dentre diversos outros processos dinâmicos e plurais, se ampliou o foco de estudo sobre as criações artísticas, englobando também o ambiente sociocultural no qual tais produções são desenvolvidas. Em seguida, observamos o contexto específico da área de sonologia da USP, representada atualmente pelo Núcleo de Pesquisas em Sonologia (NuSom), e sobre como o vínculo entre os participantes (que pode ser estabelecido tanto por afinidades como por questões institucionais), ajuda a formar uma comunidade musical na qual valores estéticos e técnicos são, de algum modo, desenvolvidos. Isto, por sua vez, além de estimular a criação de uma produção artística desta coletividade também permite o compartilhamento, entre os participantes, de ferramentas teóricas que auxiliam na realização de reflexões sobre esta produção. Em um terceiro momento são apresentados os concertos realizados nesta área (como a série ¿Música?), que exibem parte consistente da produção artística realizada neste contexto e são importantes práticas observáveis desta comunidade. São apresentados também alguns exemplos do repertório nos quais o autor do presente trabalho teve participação direta em sua elaboração. Finalmente, a partir deste contexto, são realizadas discussões sobre possíveis relações entre o músico e seu aparato instrumental. Refletimos que este aparato não se trata apenas de ferramentas passivas, mas de componentes tecnológicos que interagem dialeticamente com o criador e/ou performer, alterando seu modo de pensar as atividades de criação e performance / The specific study objects of this work concern the practices and processes of interactive experimental music creation and performance developed in the last decade in the research environment in sonology at the University of São Paulo (USP). We chose to perform a comprehensive approach of these objects for understanding the socio-cultural context in which occur that creates the conditions for its realization and is somehow reflected in their productions. The beginning of the work is devoted to general contexts where some issues and relevant features of contemporary societies are analyzed, in which, among several other plurals and dynamic processes, expanded the focus of study on the artistic creations, also encompassing the socio-cultural environment in which such productions are developed. Then we observe the specific context of the sonology area at USP, currently represented by the Research Center in Sonology (NuSom), and about how the bond between participants (which can be established both by affinities or per institutional issues), helps form a \'musical community\' in which aesthetic and technical values are somehow developed. This scenario besides stimulating the creation of an artistic production of this collective also enables the sharing, between the participants, of theoretical tools that assist in the realization of reflections on this production. In a third moment are presented the concerts held in this area, which exhibit a consistent part of the artistic production held in this context and are important \"observable practices\" of this community. Some examples of repertoire in which the author of this work had direct participation in their preparation are also presented. In conclusion, from this context, discussions are held about possible relationships between the musician and his instrumental apparatus. We reflect that this apparatus is not just passive tools but technological components that interact dialectically with the creator and/or performer, changing his way of thinking the activities of creation and performance

Este trabalho parte da constatação de que existe um lugar em que a música experimental e a arte sonora brasileira se encontram: a gambiarra. Com o objetivo de conhecer as dimensões e fronteiras desse lugar, a jornada desta pesquisa está dividida em três momentos. O primeiro, \"Genealogia da gambiarra\", visa introduzir as características gerais da gambiarra, relacionando-a com aspectos culturais globais e locais. O segundo momento, \"Arte e gambiarra\", aborda a gambiarra por duas perspectivas: \"da arte\" e \"do som\". \"Da arte\" explica como o termo gambiarra deixa de ser uma expressão de uso exclusivo às soluções improvisadas do cotidiano para se tornar presente no fazer e pensar artístico brasileiro, em especial no campo da arte-mídia e midiativismo; \"do som\" ilustra uma série de técnicas e aspectos do experimentalismo sonoro que remetem ao modus opperandi da gambiarra. O terceiro capítulo, \"Artistas do sonoro\", apresenta o repertório que impulsionou a escrita desta tese, o qual torna evidente esse lugar comum entre música experimental e arte sonora brasileira. A jornada termina com a formulação de uma ferramenta de análise que busca evidenciar regimes do sonoro quanto ao uso de materiais e dispositivos técnicos / This work originates from the observation that there is a place in Brazilian society where music and sound art collide: the Gambiarra. In order to trace the dimensions and boundaries of this subject, the journey of this research is divided into three chapters. The first \"Gambiarra\'s genealogy\" introduces the concept and the characteristics of Gambiarra, relating it to global and local cultural aspects. The second \"Art and Gambiarra\" addresses two perspectives: art and sound. The \"art\" perspective explains how the term Gambiarra - which is normally related to the everyday improvisation of solutions from the lack of tools and materials - starts to be a reference in the Brazilian art field, particularly in those of media art and media activism from the beginning of 2000. The \"sound\" perspective illustrates techniques and aspects of experimentation in the field of sound which refers to Gambiarra\'s way. The third chapter, \"Artists\" presents the repertoire that drove the writing of this thesis, which shows the overlap between Brazilian experimental music and sound art. The journey ends by drawing an analytical scheme based on the use of materials and technical devices that allow us to look back at the repertoire from another perspective.

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-06-22T12:19:10Z No. of bitstreams: 1 João Batista Carvalho de Brito Cruz.pdf: 1553969 bytes, checksum: 8e1a3322b3d7a6cc7ea84e391b10c67f (MD5) / Made available in DSpace on 2017-06-22T12:19:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 João Batista Carvalho de Brito Cruz.pdf: 1553969 bytes, checksum: 8e1a3322b3d7a6cc7ea84e391b10c67f (MD5) Previous issue date: 2017-06-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior - CAPES / Fundação São Paulo - FUNDASP / The present research studies the experimental phase of Brazilian composer Gilberto Mendes’s work, extracting from such period a few structuring elements of his musical creation, such as the way he interacts with his environment, the semiotical particularities of his works, and their compositional morphology. In order to demonstrate how the work of Mendes during such period is at the same time aesthetically avant-garde (in line with European and north-american vanguards and Brazilian concrete poetry) and communicative, this dissertation investigates the complexity inherent to the musical semiosis under discussion. With that in sight, the research materializes itself in the analysis of three experimental works of the composer’s: nascemorre (1963), Blirium C9 (1964) and Santos Football Music (1969). These analysis were made according to musical semiotics based in Charles S. Peirce’s pragmaticism, since this theoretical-methodological framework enables one to apprehend the complexity of the musical interpretative process in a broad manner, from its production to its fruition / A presente pesquisa estuda a fase experimental do compositor Gilberto Mendes, extraindo desse período componentes estruturantes da criação musical do compositor: a maneira como ele se relaciona com seu ambiente, as peculiaridades semióticas de suas obras e sua morfologia composicional. Investigando a complexidade sígnica das semioses musicais em questão, esta pesquisa procura demonstrar como as obras desse período podem ser ao mesmo tempo estruturalmente vanguardistas (em compromisso com as vanguardas europeias, estadunidense e com a Poesia Concreta brasileira) e comunicativas. Tendo esse objeto e objetivo em vista, a pesquisa se materializa na análise de três obras experimentais do compositor: nascemorre (1963), Blirium C9 (1964) e Santos Football Music (1969). Estas análises são realizadas de acordo com uma semiótica musical com bases na filosofia de Charles S. Peirce, já que a partir desse arcabouço teórico-metodológico é possível apreender de forma ampla a complexidade desse processo interpretativo, desde sua produção até sua performance-fruição

Este trabalho faz um levantamento da produção brasileira de luteria experimental, com ênfase na produção realizada ao longo das últimas duas décadas. Inicialmente é delineado um panorama de referências relacionadas com este tido de produção na literatura europeia e estadunidense, assim como discutida a atuação de alguns artistas e criadores fundamentais para o estabelecimento de práticas de luteria experimental no século XX. No segundo capítulo faço um levantamento de referências sobre este tipo de produção no Brasil, assim como relaciono artistas em atividade no país nos últimos 20 anos, detalhando na maior parte dos casos algumas de suas obras. Partindo deste panorama, realizo um estudo mais aprofundado sobre o instrumento conhecido por gatorra, fabricado por Tony da Gatorra, artesão, técnico em eletrônica e músico gaúcho que criou seu instrumento nos anos 1990 a partir de materiais de sucata, componentes eletrônicos reaproveitados e da combinação de projetos de circuitos eletrônicos geradores de som. Por fim, relaciono a produção estudada com referenciais que lidam com a noção de cultura material, alguns dos quais já realizam uma aproximação com a atividade musical e artística. / This work presents a survey on the Brazilian production of experimental lutherie, with emphasis on the production over the last two decades. A framework of references related to this production in the European and American literature is outlined as an introduction, as well as the works of some key artists and creators whose production influenced experimental instrument building practices in the 20th century. In the second chapter I make a survey of references on this type of production in Brazil, as well a profile of artists active in the country for the last 20 years, detailing in most cases some of his works. Based on this outline, I carry out a more detailed study on the instrument known as gatorra, manufactured by Tony da Gatorra, an artisan, technician and musician who created his instrument in the 1990s from scrap materials, reused electronic components and the combination of electronic circuits sound generators. Finally, I relate the production studied with references that deal with the notion of material culture, some of which already make an approximation with musical and artistic activity

Este trabalho faz um levantamento da produção brasileira de luteria experimental, com ênfase na produção realizada ao longo das últimas duas décadas. Inicialmente é delineado um panorama de referências relacionadas com este tido de produção na literatura europeia e estadunidense, assim como discutida a atuação de alguns artistas e criadores fundamentais para o estabelecimento de práticas de luteria experimental no século XX. No segundo capítulo faço um levantamento de referências sobre este tipo de produção no Brasil, assim como relaciono artistas em atividade no país nos últimos 20 anos, detalhando na maior parte dos casos algumas de suas obras. Partindo deste panorama, realizo um estudo mais aprofundado sobre o instrumento conhecido por gatorra, fabricado por Tony da Gatorra, artesão, técnico em eletrônica e músico gaúcho que criou seu instrumento nos anos 1990 a partir de materiais de sucata, componentes eletrônicos reaproveitados e da combinação de projetos de circuitos eletrônicos geradores de som. Por fim, relaciono a produção estudada com referenciais que lidam com a noção de cultura material, alguns dos quais já realizam uma aproximação com a atividade musical e artística. / This work presents a survey on the Brazilian production of experimental lutherie, with emphasis on the production over the last two decades. A framework of references related to this production in the European and American literature is outlined as an introduction, as well as the works of some key artists and creators whose production influenced experimental instrument building practices in the 20th century. In the second chapter I make a survey of references on this type of production in Brazil, as well a profile of artists active in the country for the last 20 years, detailing in most cases some of his works. Based on this outline, I carry out a more detailed study on the instrument known as gatorra, manufactured by Tony da Gatorra, an artisan, technician and musician who created his instrument in the 1990s from scrap materials, reused electronic components and the combination of electronic circuits sound generators. Finally, I relate the production studied with references that deal with the notion of material culture, some of which already make an approximation with musical and artistic activity

Nesta pesquisa analiso as metodologias de luteria experimental chamadas Circuit-Bending e Hardware Hacking, as quais englobo no termo Circuito Alterado, criado especificamente para este trabalho. Tais metodologias baseiam-se na construção de aparelhos musicais a partir da reutilização de componentes eletrônicos descartados. O principal objetivo desta dissertação é estabelecer relações contextuais entre os três atos fundamentais envolvidos na alteração de circuitos - abrir o circuito, tateá-lo em busca de sonoridades interessantes e multiplicar a metodologia, através de concertos, blogs e/ou oficinas - e questões culturais relacionadas a cada ato. / On this research I analyze the experimental luthier methodologies called Circuit-Bending and Hardware Hacking, which I call Circuito Alterado (Altered Circuits). This methodologies are based in the construction of musical instruments from the reuse of obsolete electronic components. The main goal of this dissertation is to establish contextual relationships between the tree acts involved in the methodologies - to open-up the circuit, to touch it, in the search of interesting sonorities and to multiply it, through concerts, blogs and/or workshops - and cultural issues related to each act.

Nesta pesquisa analiso as metodologias de luteria experimental chamadas Circuit-Bending e Hardware Hacking, as quais englobo no termo Circuito Alterado, criado especificamente para este trabalho. Tais metodologias baseiam-se na construção de aparelhos musicais a partir da reutilização de componentes eletrônicos descartados. O principal objetivo desta dissertação é estabelecer relações contextuais entre os três atos fundamentais envolvidos na alteração de circuitos - abrir o circuito, tateá-lo em busca de sonoridades interessantes e multiplicar a metodologia, através de concertos, blogs e/ou oficinas - e questões culturais relacionadas a cada ato. / On this research I analyze the experimental luthier methodologies called Circuit-Bending and Hardware Hacking, which I call Circuito Alterado (Altered Circuits). This methodologies are based in the construction of musical instruments from the reuse of obsolete electronic components. The main goal of this dissertation is to establish contextual relationships between the tree acts involved in the methodologies - to open-up the circuit, to touch it, in the search of interesting sonorities and to multiply it, through concerts, blogs and/or workshops - and cultural issues related to each act.

[EN] This work presents the study of a new set of unconventional praxis of the guitar. Fieldwork is conducted in which the outcome is a set of nearly one hundred works related to the unorthodox use of guitar. This research clarifies if these works have common characteristics that make them relatable to each other as belonging to different patterns of use, and if their production, exhibition and consumption practices respond to identifiable models. Twenty usage patterns are detected and processed; Sub-objectives find the proportion of sound artists and musicians contributing to these kind of practices. Furthermore, the research finds the frequency of use in these practices of five conventional types of guitars as starting points. Analysis is developed which finds that most frequent alterations of the common uses of the guitar are given in it's conventional performativity, followed by alterations in the timbre and to a lesser extent morphological changes in the instrument itself. The research reveals that multidisciplinary centers and art galleries are spaces that welcome artists from both the conservatory and pop music, as well as from visual arts. Classical music auditoriums, however, welcome proposals almost exclusively from classically trained composers. Furthermore, the proportion between male and female practitioners was found to be disproportional. Other results obtained in this study are the personal art projects which are related to the contents. These works have been made between 2007 and 2015, and they have been employed as part of the research methodology. / [ES] Este trabajo aborda el estudio de toda una nueva praxis a partir de la guitarra, pero utilizada de formas diferentes a sus usos convencionales, de ahí que lo hayamos denominado heterodoxias de la guitarra. Los artistas que realizan dichas prácticas son principalmente compositores con formación en música clásica, artistas sonoros y músicos de rock. Hemos englobado las alteraciones en los usos habituales en tres grupos fundamentales: alteraciones en el instrumento, alteraciones en la performatividad y alteraciones en la tímbrica. Como objetivos nos hemos propuesto esclarecer si estas obras presentan características que las hacen relacionables entre sí como pertenecientes a diversos patrones de uso y si sus prácticas de producción, exhibición y consumo responden a modelos identificables. También averiguar cuál es la distribución entre artistas sonoros y músicos, distintos espacios de presentación de los trabajos, hombres y mujeres y los cinco tipos de guitarras contemplados, desde la guitarra española hasta la eléctrica. Como estrategia metodológica, hemos realizado un trabajo de campo cuyo resultado es un conjunto de casi un centenar de obras relacionadas con el uso heterodoxo de la guitarra. Además, se ha detectado y elaborado una veintena de patrones de uso, a destacar entre otros "guitarra instalada", "guitarra preparada", "guitarra destruida" y "eros guitar". A partir de ello hemos realizado un análisis en el que hemos averiguado que las alteraciones de los usos convencionales más habituales se dan en la performatividad, seguidas de alteraciones en la tímbrica y en menor medida de alteraciones morfológicas en el propio instrumento. Como resultados de esta investigación hemos comprobado que los centros multidisciplinares y las galerías de arte son espacios que acogen a artistas procedentes tanto del conservatorio, como de la música pop, como de las artes plásticas. Y cómo los auditorios de música clásica acogen propuestas casi exclusivamente de compositores de música clásica contemporánea. La proporción entre hombres y mujeres en la creación y presentación de las obras estudiadas es similar a la que se da en los usos habituales de la guitarra, es decir, muy alejada de la paridad. Otros de los resultados obtenidos en este trabajo han sido los proyectos propios en relación a los contenidos, realizados entre 2008 y 2015, y que también nos han servido como metodología de investigación. / [CA] Aquest treball aborda l'estudi de tota una nova praxis a partir de la guitarra, però utilitzada de formes diferents als seus usos convencionals, per aquest motiu ho hem denominat heterodòxies de la guitarra. Els artistes que realitzen aquestes pràctiques són principalment compositors amb formació en música clàssica, artistes sonors i músics de rock. Hem englobat les alteracions en els usos habituals en tres grups fonamentals: alteracions en l'instrument, alteracions en la performativitat i alteracions en la tímbrica. Com a objectius ens hem proposat esclarir si aquestes obres presenten característiques que les fan relacionables entre si com a pertanyents a diversos patrons d'ús i si les seues pràctiques de producció, exhibició i consum responen a models identificables. També esbrinar quina és la distribució entre artistes sonors i músics, diferents espais de presentació dels treballs, homes i dones i els cinc tipus de guitarres contemplats, des de la guitarra espanyola fins a l'elèctrica. Com a estratègia metodològica, hem realitzat un treball de camp el resultat del qual és un conjunt de quasi un centenar d'obres relacionades amb l'ús heterodox de la guitarra. A més, s'ha detectat i elaborat una vintena de patrons d'ús, a destacar entre altres "guitarra instal·lada", "guitarra preparada", "guitarra destruïda" i "eros guitar". A partir d'açò hem realitzat una anàlisi en el qual hem esbrinat que les alteracions dels usos convencionals més habituals es donen en la performativitat, seguides d'alteracions en la tímbrica i en menor mesura d'alteracions morfològiques en el propi instrument. Com a resultats d'aquesta recerca hem comprovat que els centres multidisciplinars i les galeries d'art són espais que acullen a artistes procedents tant del conservatori, com de la música pop, com de les arts plàstiques. I com els auditoris de música clàssica acullen propostes quasi exclusivament de compositors de música clàssica contemporània. La proporció entre homes i dones en la creació i presentació de les obres estudiades és similar a la qual es dóna en els usos habituals de la guitarra, és a dir, molt allunyada de la paritat. Altres dels resultats obtinguts en aquest treball han sigut els projectes propis en relació als continguts, realitzats entre 2008 y 2015, i que també ens han servit com a metodologia de recerca. / Ferrer Molina, JL. (2016). HETERODOXIAS DE LA GUITARRA DESDE 1960 HASTA 2015:PATRONES DE USOS Y PROYECTOS PROPIOS [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/63229

O presente trabalho propõe uma análise e reflexão sobre a produção de música eletrônica experimental mediada por dispositivos móveis. O termo Música Móvel é usado frequentemente desde de meados dos anos 2000, devido ao grupo de pesquisadores de instituições inglesas ligados aos Mobile Music Workshops, que ocorreram entre 2004 e 2008. As pesquisas acadêmicas e artísticas apresentadas nesse evento envolviam obras e aplicações mediadas por diversos tipos de dispositivos, cujo foco principal seria explorar a mobilidade de interfaces eletrônicas em situações interativas no espaço urbano. Após o lançamento de dispositivos móveis corporativos, como smartphones e tablets, no final da década passada a perspectiva das pesquisas acadêmicas mudou bastante: passou a privilegiar os objetos de consumo, ao invés de situações. Esse câmbio de foco acarreta em alterações significativas entre consumo e produção de cultural. Pois essas interfaces seguem um modelo de consumo assimétrico entre possibilidades de produção e aquisição. Os dispositivos corporativos são primordialmente plataformas de Consumo Controlado, baseadas na lógica de monopólio de mercado, vigilância, obsolescência programada e, portanto, causam reorganizações significativas em nosso dia a dia (STRIPHAS,2011). Portanto, nesse texto especulamos sobre outras alternativas para as práticas de Música Móvel. Uma Música Móvel Crítica, que não depende exclusivamente dos monopólios empresariais para sua produção e veiculação. Para isso propomos uma reflexão sobre fidelidade sonora que acarreta em uma defesa dos sons e dispositivos precários - o proletariado da reprodução sonora - aqueles que compõem a paisagem sonora eletrônica de baixa fidelidade do cotidiano. / This research aims to propose an analysis and reflection on the production of experimental electronic music mediated by mobile devices. The term Mobile Music is frequently used since the mid-2000s, due to a group of researchers of English institutions connected to the Mobile Music Workshop, which took place between 2004 and 2008. The academic and artistic research presented at this event involved works and applications mediated by various types of devices, among the experiences the main focus was to explore the mobility of electronic interfaces in interactive situations in urban space. After the release of corporate mobile devices such as smartphones and tablets at the end of the last decade the perspective of academic research has changed a lot: it started chater objects of consumption rather than situations. This change of focus brings in significant changes between consumption and cultural production. Because these interfaces follow a asymmetric model of consumption between possibilities production and procurement. Corporate devices are primarily controlled consumption platforms, which are based on market monopoly, surveillance, planned obsolescence, and therefore cause significant reorganizations in our daily lives (STRIPHAS, 2011).Thus in this text we speculate about other alternatives to the practices of Mobile Music. A Critical Mobile Music, which does not depend solely on corporate monopolies for its production and propagation. Therefore we propose a reflection on issues of sound fidelity, in order to make that we propose a defense of precarious sounds and devices - the proletariat of sound reproduction - those that make the electronic low fidelity soundscape of everyday life.