Dissertation--Berlin--Freie Universität, 1996. / Bibliogr. p. 244-254.

The focus of this essay is to investigate if old monochrome films can be beneficial to use in the classroom. The aim is to research how (if at all) old monochrome films can affect students’ possibilities of learning from film. To investigate this matter, three fields will be of interest: First, how students respond to films according to ideas of identity; secondly, how films teach students about history; third and finally, qualities of monochrome films and how students might understand and relate to them. The findings in this essay suggest that old monochrome films are viable to use in the classroom, as they can teach students about history and previous cultures by being created in history themselves. The essay also suggests that old black-and-white films and newer films are quite similar, suggesting that monochrome films are just as adequate material to use in the classroom as newer films.

Cette recherche prend le monochrome comme objet d'étude, un genre pictural qui, malgré le scepticisme formulé à son égard au début du siècle dernier, ne cesse, encore aujourd'hui, de se renouveler. L'objectif de ce mémoire est de mettre en perspective la pratique de la peinture monochrome dans une histoire de l'art québécois. Pour ce faire, dans un premier temps, une synthèse des préalables au développement de la monochromie est formulée de manière à présenter le contexte historique et culturel qui fut propice à l'éclosion du genre. Les artistes précurseurs de la pratique sont donc présentés de manière à envisager des liens entre les différentes générations de praticiens. À la suite de ce premier chapitre, trois études de cas sont réalisées en vue de définir la démarche de trois peintres contemporains québécois: Guy Pellerin, Stéphane La Rue et Francine Savard. Les traits constitutifs de leur pratique sont définis et les procédés employés par ces derniers sont décrits dans le cadre d'analyses d'oeuvres. Ces études de cas sont élaborées en vue de comprendre les desseins motivant leur pratique de la monochromie, de cerner les problématiques que convoquent leurs oeuvres et de dresser un constat des similitudes et des différences entre leurs méthodes. Cet exercice nous permet de situer la démarche évocative de Guy Pellerin, une pratique interprétative qui fait usage de la citation chromatique et procède par saturation; de circonscrire la démarche autoréférentielle de Stéphane La Rue, qui propose une réflexion sur la nature du médium pictural et procède par épuration; et de comprendre comment la démarche référentielle de Francine Savard, qui participe à une réactualisation de l'histoire de l'art, fait usage du procédé de la citation et implique un travail rigoureux de condensation. Ce mémoire résulte donc sur une forme de médiation de leur emploi de la couleur seule. Il interroge le tableau monochrome, tente de saisir les mécanismes de cette forme de visible silencieux et constate que la prolifération de ses desseins, qui lui permet d'osciller entre les pôles du matériel et de l'immatériel, génère implicitement un renouvellement. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Peinture, Monochrome, Guy Pellerin, Stéphane La Rue, Francine Savard.

Marlene Dumas is known for her portraits and figurative paintings and drawings. This study focuses on three paintings by Dumas that reference male icons of art: Stern (2004), Ryman's Brides (1997), and Reinhardt's Daughter (1994). In referencing Ad Reinhardt, Robert Ryman and in the case of Stern, Gerhard Richter, Dumas engages with each artist and the history of painting in specific ways. As this thesis title indicates, I argue that Dumas uses artistic allusion pervasively throughout her oeuvre to conduct an intervention in painting. I propose that this interposition is a way to navigate and question the canon, while strengthening her agency as an artist. Concurrently, this practice by Dumas provides insights concerning the status of painting in a contemporary art scene where new media is progressively dominant. By unpacking this artistic referencing through titling, concept, and the process of painting, I will demonstrate the significance of it to her production. This analysis also functions as a commentary on the current state of painting and key aspects of its evolution over the last fifty years. I suggest that her use of incisive artistic reference interrogates power structures of the canon by disrupting boundaries, categories, and frames of enclosure. Her dialogue with art history ranges from homage and quotation to contestation and humorous exegesis. Dumas relies on photography including personal snapshots and images from news media as source material, but her painting process is transformative rather than mimetic. Her evocative and often provocative work is frequently discussed in terms of race, gender, and sexuality. I consider how Dumas explores socio-historical issues while creating a dialogue with art history. Dumas investigates the problem of how to paint and claim new territory in our high-tech age when painting is often deemed obsolete. This thesis topic is understudied in any depth and merits further inquiry. By examining how these paintings engage with specific artists within Modern and contemporary painting, I seek to make a new contribution to the literature on Marlene Dumas.

Ce mémoire traite de l'historiographie de l'œuvre Carré blanc sur fond blanc (1918) et plus précisément, de l'homologie entre la scène artistique de l'avant-garde russe et l'univers de la fabrication d'icônes orthodoxes. Les résurgences d'un passé ritualisé dans la modernité russe constituent actuellement un point incontournable dans la littérature portant sur le corpus suprématisme, qui ne peut plus être analysé en fonction d'une grille de lecture exclusivement formelle. D'abord, le mémoire a pour objectif d'analyser ce virage qui s'effectue dans l'histoire de l'art, qui se produit à partir des années 1990, et qui se traduit par un retour des enjeux du sacré et du spirituel dans la manière de conceptualiser l'art russe du début du XXe siècle. Ensuite, dans une approche historiographique et anthropologique, le mémoire souligne les enjeux et les dispositifs visuels que partage la toile monochromique et blanche de Malévitch avec les icônes orthodoxes. Certaines découvertes scientifiques, comme la théorie de la relativité d'Einstein et les développements de la géométrie non-euclidienne, qui ont lieu parallèlement aux premiers pas de l'abstraction en Russie, seront examinées. La rupture épistémologique de la philosophie critique de l'histoire qui succède à l'apparition de ces découvertes sera également abordée, de manière à mettre en lumière comment les codes de réception des œuvres d'art se modifient en relation avec leur époque et ses mutations. Il sera démontré que, malgré l'apparition de ces nouvelles données scientifiques, un appel au sacré et aux valeurs patrimoniales se renforce en Russie, au moment critique de la Révolution d'Octobre. Dans cette perspective, l'œuvre Carré blanc sur fond blanc sera mise en relation avec les icônes de la Transfiguration, pour démontrer comment certaines structures de représentation de l'invisible, propres à l'art ritualisé orthodoxe, se trouvent réactualisées par Malévitch. Il se dégagera de cet examen que, même dans les images radicales et extrêmes dans leur dimension formelle, un lien avec un passé ritualisé est instauré. Ainsi, le mémoire abordera deux résurgences du sacré : la première, dans l'historiographie de l'histoire de l'art actuelle, et la seconde, dans l'art suprématiste de Malévitch et ses occurrences avec la tradition des icônes orthodoxes. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : suprématisme, Kasimir Malévitch, monochrome, icône, orthodoxie, abstraction, sacré, historiographie, anthropologie, formalisme

Anish Kapoor affirme le caractère spirituel de ses œuvres, un terme qu’il distingue du religieux et du sacré. Quelle est la nature de cette spiritualité ? Il s’agit de retrouver l’union avec « la Totalité », union proto-culturelle qui serait perdue par l’emprise du matériel. S’agit-il d’un retour au « primitivisme dans l’art » à la manière de Paul Gauguin et Barnett Newman ? Cette démarche est-elle influencée par l’héritage hindouiste de Kapoor, ou bien tient-elle, comme il l’affirme, à la fonction hypostatique universelle de la couleur qu’il désigne comme « alchimique »? Comment ce caractère spirituel est-il perçu par le spectateur occidental ignorant des diverses influences culturelles qui traversent l’œuvre ? L’œuvre porte-elle les marqueurs du spirituel par ses formes et ses couleurs ? Ce mémoire étudie d’abord les diverses influences qui nourrissent et permettent de comprendre l’expérience des œuvres de Kapoor. Il s’attache ensuite à décrypter les mécanismes phénoménologiques, neurologiques et psychologiques qui permettent à ces marqueurs de fonctionner dans le contexte du musée ou de la galerie d’art moderne. / Anish Kapoor asserts the spiritual quality of his work. By spiritual he means not the religious or the sacred but the possibility to be reunited with a « Totality », in a « proto-cultural » manner, by eschewing the material. Is this project a return to “primitivism in art” in line with Paul Gauguin and Barnett Newman? Is it influenced by the Indian heritage of Kapoor or is it based, as he claims, on the hypostatic function of colour, which gives way to a quasi alchemical experience? How is this spiritual potentiality of the work perceived by a Western audience, ignorant of Kapoor’s various spiritual endeavours? Does the work convey through its shape and colour the markers of the spiritual? This dissertation analyses the various influences that nourish Kapoor and inform his works. It then attempts to decipher the mechanisms through which those makers are efficient in conveying a sense of “spirituality” to the works within the settings of the White cube Gallery or the museum of modern art. They appear to be phenomenological, neurological and psychological.

<p>In this thesis, studies on three problems in imaging systems will be discussed.</p> <p>The first problem deals with re-rendering segments of online indoor room images with preferred textures through websites to try new decoration ideas. Previous methods need too much manual positioning and alignment. In the thesis, a novel approach is presented to automatically achieve a natural outcome with respect to indoor room geometry layout.</p> <p>For the second problem, the laser electrophotographic system is eagerly looking for a digital halftoning algorithm that can deal with unequal printing resolution, since most halftoning algorithms are focused on equal resolution. In the thesis, a novel monochrome halftoning algorithm is presented to render continuous tone images with limited numbers of tone levels for laser printers with unequal printing resolution.</p> <p>For the third problem, a novel face set recognition method is presented. Face set recognition is important for face video analysis and face clustering in multiple imaging systems. And it is very challenging considering the variation of image sharpness, face directions and illuminations for different frames, as well as the number and the order of images in the face set. To tackle the problem, a novel convolutional neural network system is presented to generate a fixed-dimensional compact feature representation for the face set. The system collects information from all the images in the set while having emphasis on more frontal and sharper face images, and it is regardless of the number and the order of images. The generated feature representations allow direct, immediate similarity computation for face sets, thus can be directly used for recognition. The experiment result shows that our method outperforms other state of-the-art methods on the public test dataset.</p>

High quality image /video has become an integral part in our day-to-day life ranging from many areas of science, engineering and medical diagnosis. All these imaging applications call for high resolution, properly focused and crisp images. However, in real situations obtaining such a high quality image is expensive, and in some cases it is not practical. In imaging systems such as digital camera, blur and noise degrade the image quality. The recorded images look blurred, noisy and unable to resolve the finer details of the scene, which are clearly notable under zoomed conditions. The post processing techniques based on computational methods extract the hidden information and thereby improve the quality of the captured images. The study in this thesis focuses on deconvolution and eventually blind de-convolution problem of a single frame captured at low light imaging conditions arising from digital photography/surveillance imaging applications. Our intention is to restore a sharp image from its blurred and noisy observation, when the blur is completely known/unknown and such inverse problems are ill-posed/twice ill-posed. This thesis consists of two major parts. The first part addresses deconvolution/blind deconvolution problem using Bayesian approach with fuzzy logic based gradient potential as a prior functional. In comparison with analog cameras, artifacts are visible in digital cameras when the images are enlarged and there is a demand to enhance the resolution. The increased resolution can be in spatial, temporal or even in both the dimensions. Super resolution reconstruction methods reconstruct images/video containing spectral information beyond that is available in the captured low resolution images. The second part of the thesis addresses resolution enhancement of observed monochromatic/color images using multiple frames of the same scene. This reconstruction problem is formulated in Bayesian domain with an aspiration of reducing blur, noise, aliasing and increasing the spatial resolution. The image is modeled as Markov random field and a fuzzy logic filter based gradient potential is used to differentiate between edge and noisy pixels. Suitable priors are adaptively applied to obtain artifact free/reduced images. In this work, all our approaches are experimentally validated using standard test images. The Matlab based programming tools are used for carrying out the validation. The performance of the approaches are qualitatively compared with results of recently proposed methods. Our results turn out to be visually pleasing and quantitatively competitive.

Le hasard m’a permis de faire des belles découvertes. La beauté particulière des câbles électriques et leur potentiel plastiques ont ainsi éclairé mon parcours artistique. J’ai fait le choix du câble comme matière première de mon œuvre depuis 1999. Une technique artisanale celle du Crochet, en lien avec la tapisserie contemporaine met l’accent sur l’idée de la connectivité et le tissage des liens sociaux par un seul fil continu sans coupure. Je cherche une transgression de cette pratique au profit d'une compréhension plus large de ce qu’elle représente. Par la répétition gestuelle qui m’a permis de conduire à une forme de ritualisation de ma technique, je passe par une phase de conscience où la perception devient plus aiguisée. Ma pratique est devenue une forme d’existence, d'amélioration et de soulagement pour arriver au constat d’un effet magique qui délivre le corps par une spiritualité. C’est aussi une forme de connectivité, d’échange avec des plasticiens qui ont agrandi mon univers. Par le travail sériel, monochrome (noir) et une analyse épistémologique, je suggère un mé-tissage de certaines disciplines, une forme d’hybridation entre un univers cosmologique, mathématique et physique. Mon corps devient un fil conducteur dessine dans l’espace externe mon intériorité par des vidéos performatives et expressives. Je fais là l’expérience d'une contiguïté issue en réalité de la continuité du fil. Cet espace interne et fusionnel, où je fais l'expérience de mon corps en relation avec le fil continu, revêt souvent une dimension imaginaire, auquel s'ajoute un espace externe, celui de la représentation et de la mise à distance dans le monde physique de mon œuvre. / Chance has allowed me to make beautiful discoveries. The particular beauty of the electric cables and their plastic potential have thus illuminated my artistic career. I made the choice of cable as raw material of my work since 1999. A traditional technique, that of Crochet, in connection with contemporary tapestry emphasizes the idea of connectivity and the weaving of social links by a single continuous thread, an unbroken thread. But I seek a transgression of this practice in favor of a broader understanding of what it represents. By the gestural repetition that allowed me to lead to a form of ritualization of my technique, I go through a phase of consciousness where the perception becomes more acute. My practice has become a form of existence, improvement, and relief to come to the realization of a magical effect, which delivers the body spiritually. It is also a form of connectivity, of exchange with several artists of which I made the collection carefully and which enlarged my universe, then by the serial work, monochrome (black) and an epistemological analysis, I suggest a " miscegenation" of certain disciplines in my work, a form of hybridization between a cosmological universe, mathematical and physical are interlaced. My body becomes a drawing thread in the external space, my interiority by performative and expressive videos. I am experiencing an adjacency that actually comes from the continuity of the thread. This internal and fusional space, where I experience my body in relation to the continuous thread, often takes on an imaginary dimension, to which is added an external space, that of representation and distancing in the physical world of my work.