Thèse (M.A.) -- Université Laval, 2009. / Bibliogr.: f. 134-141. Publié aussi en version électronique dans la Collection Mémoires et thèses électroniques.

Thesis (Ph. D.)--University of Wisconsin--Madison, 1985. / Typescript. Vita. eContent provider-neutral record in process. Description based on print version record. Includes bibliographical references (leaves 353-370).

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La sevdalinka, chanson traditionnelle bosnienne, fonctionne comme une représentation identitaire. À travers son contenu poético-littéraire et sa constitution musicale, elle raconte l’histoire d’un peuple, des points de vue historique, politique et socioculturel. Au fil du temps elle a su conserver, dans l’œil des membres de la culture au sein de laquelle elle s’exprime, l’essentiel de son rôle, soit la préservation de cette culture, malgré les développements historiques, changements politiques et modifications socioculturelles. Ce processus de préservation se reflète à travers les fondements de la musique en question étant « la dignité » et « l’équilibre ». Ces derniers se manifestent, tant au niveau poéticolittéraire que musical, respectivement par la nostalgie et la phonostylistique. L’unification de « la dignité » et de « l’équilibre » permet d’atteindre la perception axiologique, qualifiée autrement de la valorisation de la sevdalinka pour son contenu poético-littéraire et musical, sa transmission et sa réception, au point d’être qualifiée d’authentique. Le sevdah est alors atteint, un état de transcendance défini par la contemplation d’un style de vie de sérénité et d’épanouissement émotionnel, de découverte de soi par rapport à soi et aux autres. / Sevdalinka, a Bosnian traditional song, fonctions as a representation of identity. Through its poetical and literary content as well as its musical organization, it narrates the history of Bosnian people, from historical, political and sociocultural perspective. Over time, sevdalinka maintained the essential of its role, the cultural preservation, regardless of the historical developments, political changes and sociocultural modifications. The process of that preservation is reflected through the fundamentals of this music; “dignity” and “balance”. “Dignity” and “balance” are rooted at the poetical and literary levels as well as musical, through nostalgia and phonostylistics respectively. “Dignity” and “balance” are essential in order to achieve an axiological perception, defined by the valorization of the sevdalinka for its poetical and literary as well as musical content, its transmission and reception, to the point of being qualified “authentic”. That is when sevdah is achieved, state of transendance caused by a contemplation of a serene life style and emotional fulfillment, of personal discovery within oneself and within the others

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (http://www.bib.umontreal.ca/MU) / Utiliser les caractéristiques du langage musical folklorique d’Europe de l’Est, principalement de la Hongrie, la Serbie et la Bulgarie, comme source d’inspiration à mon propre langage. / Integrating language features of folk music of Eastern Europe, mainly from Hungary, Serbia and Bulgaria, as a source of inspiration in my own language.

Entre transmission et médiation, les processus contemporains de mise en patrimoine et/ou de mise en médiation s'avèrent très complexes. Ce mémoire propose un questionnement ethnologique sur le statut du médiateur du patrimoine compte tenu de l'impact des médias actuels. La biographie d'Izidor Şerban, violoneux tsigane du village de Stâna (Roumanie), qui joue un rôle central dans le film Gadjo Dilo (1997) de Tony Gatlif, constitue le fondement empirique de ce mémoire. Cette biographie nous permet d'analyser de près l'évolution et les changements qu'un médiateur du patrimoine connaît suite à des interactions avec les moyens communicationnels modernes, - la radio, la télévision, le cinéma, le Web - et ce, pendant les dernières 50 années. Des logiques nouvelles de transmission actuelle du patrimoine sont affranchies, de même que certains concepts opératoires - plus adaptés aux réalités contemporaines du phénomène patrimonial - sont mis en discussion.

Ce mémoire a pour ambition d’étudier la démarche revivaliste des musiciens qui font appel à la musique Gnawa avec une vision cosmopolite, en prenant comme cas le maître Gnawi Mustapha Bakbou et la contribution de Marcus Miller. L’objectif de ce mémoire est d’étudier la créativité personnelle puisée des sources de la tradition ancestrale des anciens descendants d’esclaves de l’Afrique subsaharienne. La question de recherche est, par conséquent, en quoi les musiciens revivalistes Gnawa réinterprètent et reproduisent-ils les composantes traditionnelles Gnawa pour perpétuer l’ancestrale tradition dans le présent ? Dans ce contexte, on comprend bien que leur but est d’être des agents qui agissent pour le revivalisme musical de la musique Gnawa, issue d’une pratique traditionnelle, ce faisant, le point d’interrogation est mis sur : De quelle manière procèdent-ils pour se démarquer par leur pratique musicale revivaliste ? Quels sont les éléments utilisés en tant que moyens opérateurs pour faire revivre la tradition et quelles sont leurs motivations personnelles à travers ce revivalisme ? Sur quelle perspective esthétique se basent-ils pour présenter l’art gnawi sur une nouvelle forme particulière et innovante ? Notre étude présente les fondements caractéristiques d’une expression esthétique, exposée par des musiciens d’un groupe typique revivaliste, représentant une culture d’une communauté spécifique, et ce dans un contexte cosmopolite. En exprimant leur propre façon de recréer une tradition à travers la nouvelle stylisation du répertoire traditionnel et en explorant d’autres éléments musicaux tels que les rythmes, les notes, les instruments, et la performance vocale. Pour comprendre la démarche revivaliste de ces musiciens, le concept du cosmopolitisme esthétique élaboré par le sociologue Ulrich Beck a été employé. En effet, celui-ci indique que le cosmopolitisme est une caractéristique déterminante de la modernité réflexive, il suggère qu’il s’agit de la perspective la plus adéquate pour donner, aux réalités et contradictions globales, interconnectées et continuellement floues de l’ère moderne, une perception plus claire (Beck 2006). / This memoir aims to study the revivalist approach of musicians who use Gnawa music, taking as a case the master Gnawi Mustapha Bakbou and the contribution of Marcus Miller. The objective of this essay is to study personal creativity drawn from the sources of the ancestral tradition of the ancient descendants of slaves from sub-Saharan Africa. The research question is therefore the following: How do Gnawa revival musicians reinterpret and reproduce the traditional Gnawa components to perpetuate the ancestral tradition in the present? In this context, we understand that their goal is to be agents who act for the musical revivalism of Gnawa music from a traditional practice, in doing so, the question mark is put on what way do they proceed to stand out by their revivalist musical practice? What are the elements used as operative means to revive the tradition and what are their personal motivations through this revivalism? What aesthetic perspective are they using to present Gnawi art on a new, creative, and innovative form? Therefore, our study presents the characteristic foundations of an aesthetic expression exhibited by musicians from a typical revivalist group representing a culture of a specific community. By expressing their own way of recreating a tradition through the new stylization of the traditional repertoire by exploring other musical elements such as rhythms, notes, instruments, vocal performance. To understand the revivalist approach of these musicians, the concept of aesthetic cosmopolitanism developed by sociologist Ulrich Beck was used. Indeed, this indicates that cosmopolitanism is a defining characteristic of reflective modernity, it suggests that it is the most adequate outlook to give to the global, interconnected and continually blurred realities and contradictions of the modern era a clearer perception (Beck 2006).

L'interprétation de la musique classique et de la musique traditionnelle québécoise sont deux univers très différents qui comportent chacun leurs particularités. La transition d'un genre à l'autre s'avère ardue pour la plupart des musiciens, en grande partie en raison du parcours d'apprentissage contrastant. Les musiciens classiques apprennent de façon formelle, généralement à l'aide d'une partition et dans un contexte où l'enseignement est prodigué de façon stricte (i.e. conservatoire ou université). Du côté de la musique traditionnelle, le répertoire est transmis oralement et de façon informelle (Green 2001). Ces deux univers musicaux se côtoient donc difficilement. Plus encore, peu de chercheurs discutent de la transition d'un genre à l'autre. Certains auteurs se penchent sur l'apprentissage de la musique populaire (Browning 2016; Thibeault 2009; Wiedemann 2014), mais aucun n'aborde spécifiquement l'impact d'une formation classique lorsqu'une violoniste s'immerge dans la musique traditionnelle québécoise (MTQ). Par une approche de recherche-création, où les méthodes de recherche et les activités de création s'influencent mutuellement (Stévance et Lacasse 2018), je me plonge moi-même dans l'univers de la MTQ. Mon objectif est d'évaluer dans quelle mesure ma formation, en tant que violoniste classique, pourrait influencer ma conception et ma pratique de la musique traditionnelle québécoise instrumentale (MTQI). Plus largement, cette recherche, en éclairant non seulement l'impact de ma formation classique lorsque j'aborde un autre genre musical et les défis rencontrés lors de cette incursion (que ce soit sur le plan des techniques instrumentales, de l'esthétique musicale ou du contexte social et musical qui influence l'aspect psychologique de l'apprentissage et de la performance), pourrait nourrir d'autres études en vue de mieux comprendre les avantages et les limites de ce changement de style. Dans le cadre de la présente recherche, je procède à des analyses qualitatives (entrevues, autoconfrontation croisée, logiciel d'analyse vidéo) et quantitatives (logiciels d'analyse de vibrato, d'articulation, de timbre et d'intonation), en vue d'observer et de décrire les paramètres musicaux qui émergent de ce changement de paradigme, lesquels pourraient servir de cadre de référence, de points de départ pour des études similaires avec d'autres instruments ou d'autres genres. / The performance of classical music and traditional music in Québec are two very different worlds, each with its own particularities. The transition from one genre to the other is difficult for most musicians, in large part because of the contrasting learning paths. Classical musicians learn formally, usually with the aid of a score, and in a context where instruction is strictly provided (i.e. conservatory or university). In traditional music, the repertoire is transmitted orally and informally (Green 2001). These two musical universes are therefore difficult to reconcile. Moreover, few researchers discuss the transition from one genre to the other. Some authors examine the learning of popular music (Browning 2016; Thibeault 2009; Wiedemann 2014), but none specifically address the impact of classical training when a fiddler immerses herself in traditional music from Québec (MTQ). Through a research-creation approach, where research methods and creative activities influence each other (Stévance and Lacasse 2018), I am immersing myself in the world of MTQ. My goal is to assess the extent to which my training, as a classical violinist, might influence my conception and practice of instrumental traditional music from Québec (MTQI). More broadly, this research, by shedding light not only on the impact of my classical training when I approach another musical genre and the challenges encountered during this incursion (whether in terms of instrumental techniques, musical aesthetics, or the social and musical context that influence the psychological aspect of learning and performance), could inform other studies in order to better understand the benefits and limitations of this change of style. In this research, I am conducting qualitative (interviews, self-confrontation, video analysis software) and quantitative (vibrato, articulation, timbre and intonation analysis software) analyses, in order to observe and describe the musical parameters that emerge from this paradigm shift, which could serve as a frame of reference, as starting points for similar studies with other instruments or other genres.

Depuis quelques décennies, des pédagogues et des ethnomusicologues ont développé une approche en éducation musicale qui promeut l'ouverture culturelle et la justice sociale, en utilisant comme répertoire les musiques traditionnelles et les musiques du monde, qui font découvrir aux élèves des cultures variées, les aident à s'intégrer dans un nouveau milieu et à construire leur identité (Anderson et Campbell, 1996; Campbell et al., 1994; Campbell, 1996, 1998, 2018; Campbell et Wiggins, 2013; Schippers, 2010; Volk, 2004; Wade, 2013). Des outils pédagogiques ont été élaborés et mis à la disposition des enseignants, par exemple les ouvrages des World Music Pedagogy Series (Roberts et Beegle, 2018; Watts, 2018), Global Music Series (Campbell, 2004; Wade, 2013) ou de Jazzimuth des éditions Fuzeau (Saint-James, 2006; Saint-James et Chazelle, 2006). Au Québec, l'ouverture culturelle est préconisée dans le Programme de formation de l'école québécoise (PFÉQ) (Ministère de l'Éducation, 2006a) et la Politique d'intégration scolaire et d'éducation interculturelle (Québec, 1998), et les mouvements migratoires (Gouvernement du Québec, 2014) ont entraîné une diversification considérable de l'origine des élèves. L'éducation musicale interculturelle devrait donc faire partie de la formation initiale des enseignants. Cette thèse présente donc, d'une part, une analyse de contenu de 850 ressources pédagogiques (manuels, livres, partitions, enregistrements sur CD et vidéos, sites internet et autres ressources électroniques) destinées à enseigner la musique au primaire, accessibles au Québec. Cette analyse de contenu s'est appuyée sur les critères énoncés en éducation musicale interculturelle : présentation des musiques traditionnelles et de leur aire culturelle (Prine Pauls, 2009); respect des principes de justice sociale et réduction des clichés ethniques; présence d'éléments de mise en contexte (cartes géographiques, données sociohistoriques, objets typiques); authenticité des sources ou métissages assumés; apprentissages se rapprochant des modes de transmission traditionnels (par imitation, à l'oreille); instruments traditionnels pour l'appréciation et le plus proche possible des timbres pour l'interprétation; instructions pour guider l'enseignant. Les résultats montrent que les musiques d'ici sont sous-représentées parmi les ressources qui présentent des musiques traditionnelles et que seulement un dixième d'entre elles remplissent tous les critères précités. D'autre part, une enquête ethnographique a été menée auprès de dix spécialistes en musique qui enseignent, entre autres, les musiques traditionnelles dans des écoles primaires du Québec. Des entrevues et des observations en classe portant principalement sur leurs perceptions des musiques traditionnelles, leur formation dans le domaine, leurs motivations à les enseigner, leurs pratiques pédagogiques et les ressources qu'ils utilisent ont fourni la plus grande partie des données d'analyse. Une étude netnographique des fils de discussion publiés dans trois groupes Facebook d'enseignants de musique et ayant pour sujet les musiques traditionnelles est venue compléter cette enquête de terrain. Toutes ces données ont été croisées et analysées, ce qui a permis de tracer les grandes lignes de l'éducation musicale interculturelle et de l'enseignement des musiques traditionnelles dans les écoles primaires québécoises. Ces résultats ont aussi été comparés avec les écrits relevés préalablement dans la revue de littérature et la problématique, en ce qui concerne l'éducation musicale interculturelle ailleurs dans le monde. Les critères de rigueur scientifique applicables à la recherche qualitative ont été respectés du mieux possible, en dépit des limites imposées par les circonstances, notamment la Covid-19. Enfin, des recommandations ont été formulées dans le but de favoriser l'enseignement de ces musiques aux jeunes générations. / In recent decades, pedagogues and ethnomusicologists have developed an approach to music education that promotes cultural openness and social justice by using traditional and world musics as a repertoire that introduces students to a variety of cultures, helps them integrate into a new environment and contributes their identity formation (Anderson et Campbell, 1996; Campbell et al., 1994; Campbell, 1996, 1998, 2018; Campbell et Wiggins, 2013; Schippers, 2010; Volk, 2004; Wade, 2013). Pedagogical tools have been developed and made available to teachers, for example, the World Music Pedagogy Series (Roberts et Beegle, 2018; Watts, 2018), Global Music Series (Campbell, 2004; Wade, 2013) or Jazzimuth by Fuzeau (Saint-James, 2006; Saint-James et Chazelle, 2006). In Quebec, although cultural openness is advocated in the Quebec Education Program (QEP) (Ministère de l'Éducation, 2006b) and the Politique d'intégration scolaire et d'éducation interculturelle [School integration and intercultural education policy Québec] (1998), and although migratory movements (Gouvernement du Québec, 2014) have considerably diversified the origins of students, intercultural music education is not yet an integral part of teacher education. This thesis presents a content analysis of 850 teaching resources (textbooks, books, scores, CD and video recordings, websites and other electronic resources) accessible in Quebec and designed to teach music at the elementary level. This content analysis was based on the criteria set out in intercultural music education: presentation of traditional musics and their culture area (Prine Pauls, 2009); respect for the principles of social justice and reduction of ethnic clichés; presence of contextualizing elements (geographical maps, socio-historical data, typical objects); authenticity of the sources or hybridization assumed; learning that seeks to replicate traditional modes of transmission (by imitation, by ear); traditional instruments for music listening and timbres that closely resemble traditional instruments for performing; instructions to guide the teacher. The results show that local music is under-represented among the resources that present traditional musics and that only one tenth of the resources meet all the above criteria. In addition, an ethnographic field study was conducted with ten music specialists who teach, among other things, traditional musics in Quebec elementary schools. Interviews and classroom observations focusing on their perceptions of traditional musics, their educational preparation in the field, their motivations for teaching these musics, their teaching practices and the resources they use provided the majority of the data for analysis. A netnographic analysis of the discussion threads published in three Facebook groups of music teachers on the topic of traditional musics complemented this field study. All of these data were cross-referenced and analyzed, making it possible to present an initial portrait of intercultural music education and traditional music teaching in Quebec elementary schools. These results were also compared with the literature previously identified regarding intercultural musical education around the world. The criteria of scientific rigor applicable to qualitative research were respected whenever possible, despite the limitations imposed by extenuating circumstances, particularly Covid-19. Finally, recommenddations were formulated with the aim of encouraging the teaching of these musics to the younger generations.