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À la Renaissance et à l'ère baroque, l'art de l'improvisation faisait partie intégrante de l'éducation musicale et de la pratique instrumentale. Cette façon de faire de la musique s'apprenait très jeune et se pratiquait au quotidien. En la même personne, étaient le plus souvent confondus compositeurs et improvisateurs, en ce que ces deux disciplines étaient étroitement liées. Plus encore, l'improvisation allait jouer un rôle déterminant dans la création de nouveaux genres musicaux. Parmi ces derniers, la toccata, genre musical instrumental de style libre et improvisé, devait se présenter comme un élément significatif de cette pratique musicale. À partir de cette donnée historique, la question que nous souhaiterions examiner est la suivante : comment peut-on mieux cerner, dans ces œuvres de style libre, le côté improvisé qui s'y rattache ? Notre objectif sera donc d'identifier les éléments compositionnels contenus dans les œuvres de style toccata et qui rendent compte de l'aspect spontané et improvisé qui caractérise ces pièces, et ce, de Frescobaldi à Bach. C'est donc, d'une part, par une évaluation qualitative d'œuvres de style toccata et, d'autre part, par un examen approfondi d'études de cas que nous nous efforcerons de dégager les techniques d'écriture qui permettent de faire le lien entre la pratique de l'improvisation et les œuvres écrites. Le cadre de cette recherche sera délimité par des connaissances théoriques telles que rencontrées dans les traités anciens ainsi que dans les ouvrages musicologiques récents en tenant compte des connaissances tacites issues de la pratique musicale, de l'enseignement reçu ainsi que du savoir intuitif de tout musicien. Nous espérons que ce projet nous permettra de mieux comprendre la nature de l'improvisation dans ces compositions dites libres, tout comme de nourrir et justifier notre interprétation en la rendant plus juste et vivante. / In the Renaissance and the baroque era, the art of improvisation was part of the learning process and performance praxis. Very early on, young musicians were educated in this type of musical activity and they practiced it regularly. As improvisation and composition were closely linked at that time, both types of musical expertise were often encountered in the same person. Moreover, improvisation played an important role in the genesis of new musical genres. Among them, the toccata, an instrumental piece characterized by freedom and fantasy, emerged as a significant component of this musical practice. With this historical background in mind, we would like to investigate the following question: how can we better define, in freestyle pieces, the improvised side that results from them? Our goal is to identify which compositional and discursive elements in toccatas translate the improvisational aspect so typical of those pieces from Frescobaldi to Bach. Using case studies and a qualitative approach, we will try to show how certain compositional techniques contained in the written pieces can be linked to improvisational practice. Additionally, our method will be delineated using treatises of musical theory from the period as well as more recent musicological studies, combined with tacit knowledge drawn from our own musical experience and education, including intuitive knowing. We hope that this research project will help to foster understanding about the nature of the practice of improvisation in toccata-like pieces and to nurture and explain our performance decisions with respect to those pieces in order to make them more authentic and alive.

L’Intelligent Dance Music (IDM) est un courant de musique électronique semi-expérimental qui a émergé au Royaume-Uni au début des années 1990. Souvent considérée comme une musique cérébrale peu propice à la danse, l’IDM n’avait jamais fait l’objet de l’étude nécessaire à la justification d’un tel jugement. Les analyses formelles menées ici sur des œuvres représentatives d’Aphex Twin, pionnier et figure principale du courant, montrent une démarche sophistiquée de complexification rythmique qui a pour effet de solliciter activement l’attention de l’auditeur. D’une part, l’asymétrie organisée aux différents niveaux du rythme provoque des phénomènes d’ambigüité et de rupture sur le plan de la perception métrique. D’autre part, l’abondance d’ensembles microrythmiques, parfaitement synchronisés avec la structure métrique, produit un dense et précis enrichissement du rythme opéré sous forme d’agréments gestuels ou texturaux. Ces particularités musicales résultent d’un lot de choix prédominants définissant le style de l’artiste et, par la même occasion, fournissent les premiers éléments d’une définition de l’IDM basée sur des caractéristiques formelles. / Intelligent Dance Music (IDM) is a semi-experimental genre of electronic music that emerged in UK at the turn of the 1990s. Even though IDM has been described as a kind of cerebral music not appropriate for dancing, it has not been considered worth of musicological study until now. This thesis presents formal analyses of pieces by pioneering act and main IDM figure Aphex Twin: listeners’ attention is notably drawn by Aphex Twin's sophisticated approach and complex rhythmic structures. On the one hand, the different rhythmic layers are characterized by an organized asymmetry leading to ambiguity and rupture in the domain of metrical perception. On the other, the large amount of microrhythmic elements, all perfectly synchronized to the metric structure, contribute to greatly enrich rhythm through gestural and textural material. These musical characteristics, that are the result of a number of choices peculiar to the artist’s style, open the way to a formal definition of IDM.

Frank Zappa est un artiste multidisciplinaire qui s'inscrit pleinement dans la culture populaire des années 1960 à 1990. S'il semble avoir marqué l'esprit d'une génération et d'un public assidu, notamment en se créant un personnage controversé, « dadaïque » et omniprésent, la recherche en musicologie paraît hésitante face à l'ampleur de sa production. Composé de plus d'une centaine d'œuvres, son univers musical et transmédiatique reste encore aujourd'hui un terrain quasi inexploité la recherche en musicologie. Son organisation chaotique, autogérée par des concepts tels que la continuité conceptuelle contribue, d'après nous, à maintenir à distance toute tentative d'analyse et paraît freiner les diverses possibilités d'une connaissance approfondie de sa musique. Dans le cadre de cette thèse de doctorat, nous cherchons à aborder cet univers par la compréhension des processus d'écriture qui le construisent. En observant et en interprétant, d'un point de vue poststructuraliste, les connexions reliant à la fois le corpus musical avec les autres corpus de l'univers, mais également les relations entre toutes les productions musicales enregistrées, notre objectif est de proposer une visite guidée de l'univers de Frank Zappa plus particulièrement de son corpus musical. En effet, l'analyse transphonographique des liens connectant différentes créations musicales permet d'observer les dynamiques inhérentes à la discographie dans laquelle elles évoluent, et amène à comprendre comment se construit et se propage l'écriture musicale de Zappa au fil de ses créations. Ainsi, il apparaît que la réutilisation et la transformation de matériau musical enregistré est au cœur du processus de création à l'œuvre dans l'univers de l'artiste, et se met en place suivant des phases de création distinctes. L'analyse génétique de l'une de ses pièces en particulier renforce cette observation et nous permet de mieux comprendre comment ces processus s'appliquent aux modes d'existence de la musique et lui procure son statut particulier : celui d'une musique fondamentalement populaire et enregistrée.

La présente thèse de recherche-création se penche sur les stratégies d'écriture des auteurs-compositeurs-interprètes s'inscrivant dans le mouvement des *singer-songwriters* d'influence folk. Elle explore la possibilité de s'inspirer du style d'écriture de ces artistes dans la création de chansons folk aujourd'hui, et ce, en mettant l'accent sur les paramètres textuels, c'est-à-dire sur les textes de chansons. Elle décrit, dans un premier temps, les caractéristiques et les spécificités du mouvement folk et de l'histoire entourant sa naissance, à la fin des années 1960 à Laurel Canyon en Californie. Puisque ce mouvement puise ses racines dans la chanson folklorique, il faut se référer jusqu'aux premières recherches menées sur celles-ci, en Amérique du Nord à partir de la fin du 19ᵉ siècle, pour bien comprendre le chemin parcouru jusqu'à la chanson folk contemporaine. Des chansons traditionnelles britanniques aux chansons contestataires américaines, les mélodies du peuple voyagent et rassemblent d'est en ouest du continent. Ce mouvement musical, social et politique qu'on appelle « folk revivaliste » atteint son apogée dans le Greenwich Village de New York au milieu de la décennie de 1960, alors qu'un jeune troubadour du nom de Bob Dylan inspire toute une nouvelle génération de *singer-songwriters* à emprunter un chemin jusqu'alors vierge. La plupart d'entre eux se rassemblent à Laurel Canyon, épicentre de ce nouveau genre empreint d'intimité et de simplicité et qui constitue le cœur de cette thèse. Une première partie de cet ouvrage tente de cibler les caractéristiques propres à ce mouvement et examine le chemin parcouru de la chanson folklorique à la chanson folk contemporaine, en remontant jusqu'aux premières recherches sur le Folklore menées en Amérique du Nord à partir de la fin du 19ᵉ siècle. La chanson est, bien entendu, une discipline complexe, composée de multiples paramètres dont le chapitre trois en résume ceux abordés dans les chapitres subséquents. Toujours dans l'objectif d'apporter une meilleure compréhension de l'univers entourant ce genre musical, une autre partie de cette thèse consiste en l'analyse comparative de cinq chansons représentatives de l'esthétique propre au mouvement des *singer-songwriters*, étudiées ici selon les éléments théoriques proposés par l'auteur et professeur Pat Pattison (2009; 2014). Cette analyse a pour but de cibler les caractéristiques communes aux cinq chansons et d'en dégager des stratégies concrètes d'écriture. Conjointement à cette partie de la thèse, cinq compositions originales ont été créées dans une esthétique se voulant fidèle au mouvement étudié. Le processus de création de chacune de ces chansons a finalement été décortiqué dans le dernier chapitre, de manière à relater les réflexions engendrées par une telle démarche et montrer dans quelle mesure une meilleure interprétation du mouvement des *singer-songwriters* d'influence folk et de leurs stratégies d'écriture permet d'alimenter une approche contemporaine de l'écriture de chansons. / This research-creation thesis examines the writing strategies of the singer-songwriters who are part of the folk-influenced singer-songwriter movement. It explores the possibility of drawing inspiration from the writing style of these artists in the creation of folk songs today, with an emphasis on the lyric-related parameters. It first describes the characteristics and specificities of the folk movement and the history surrounding its birth in the late 1960s in Laurel Canyon, California. Since this movement draws its roots from the folk songs, it is necessary to refer to the first research carried out on these in North America beginning at the end of the nineteenth century to fully understand the path traveled until the contemporary folk. From traditional British songs to American protest songs, the melodies of the people traveled and gathered community from all corners of the continent. This musical, social and political movement known as "folk revivalism" reached its peak in New York's Greenwich Village in the mid-1960s, when a young troubadour named Bob Dylan inspired a whole new generation of singer-songwriters to take a hitherto untrod path. Most of them gathered in Laurel Canyon, the epicenter of this new genre, imbued with intimacy and simplicity, which constitutes the heart of this thesis. The first part of this work attempts to target the specific characteristics of this movement and examines the path traveled from traditional to contemporary folk songs, going back to the first research on folklore carried out in North America from the end of the nineteenth century on. The song is, of course, a complex discipline, composed of multiple parameters of which chapter 3 summarizes those approached in the subsequent chapters. Always with the aim of providing a better understanding of the universe of this musical genre, another part of this thesis consists of the comparative analysis of five songs representative of the aesthetics specific to the singersongwriter movement, studied here according to the theoretical elements proposed by the author and professor Pat Pattison (1996; 2009). The purpose of this analysis is to target the characteristics common to the five songs and to identify concrete writing strategies. In conjunction with this part of the thesis, five original songs were created in an aesthetic intended to be faithful to the movement studied. The process of creating each of these songs was finally dissected in the last chapter to recount the reflections generated by such an approach and show how a better interpretation of the singer-songwriters movement and their songwriting strategies could help nurture a contemporary approach to songwriting.

Ce mémoire de maîtrise porte sur un projet de création dont le fruit consiste en trois œuvres instrumentales récentes ayant pour source d’inspiration les timbres percussifs. Ces trois œuvres sont : 1. Et pourtant elle tourne ! pour quatuor à cordes ; 2. Obsession pour mezzo-soprano, flûte, clarinette, vibraphone, piano, violon et violoncelle ; 3. Au bord de l’eau pour orchestre. De manière générale, ce mémoire présente mes réflexions sur les manières dont le timbre peut servir d’élément de cohésion du discours musical. Plus spécifiquement, ce mémoire traite de mon souci de produire des timbres percussifs par des instruments de non percussion et des timbres non percussifs par des instruments de percussion, le tout en des discours cohérents et intéressants. Quant à la structure même du mémoire, suite à une introduction où sont exposés les origines du projet de création et son cadre théorique, le premier chapitre présente un survol historique de l’évolution du paramètre du timbre et de la place des percussions dans les musiques occidentales. Ce premier chapitre dévoile également un système permettant d’évaluer la qualité percussive d’une sonorité. Le deuxième chapitre présente, à l’aide de nombreux exemples tirés des œuvres à l’étude, les diverses incarnations du timbre percussif aux instruments de non percussion, ou son évitement aux instruments de percussion. La conclusion traite de l’incidence du projet de recherche sur mon langage musical. / This master’s thesis examines three of my recent instrumental compositions that use percussive timbres as inspiration. These three pieces are: 1. Et pourtant elle tourne ! for string quartet; 2. Obsession for mezzo-soprano, flute, clarinet, vibraphone, piano, violin and violoncello; 3. Au bord de l’eau for orchestra. This thesis presents my reflections on the parameter of timbre as a mean of strengthening the cohesion of the musical discourse. More specifically, this thesis explores how to generate percussive timbres by non-percussion instruments, as well as non-percussive timbres by percussion instruments, in the context of a coherent and interesting musical discourse. Following an introduction where the origins, objectives and theoretical framework of this creative project are presented, the first chapter lays out my preparatory research, outlining the history of the evolution of timbre and the role of percussion instruments in Western music, as well as building a system to identify and qualify sounds for their percussive qualities. In the second chapter, the pieces are examined and examples are provided. These examinations illustrate how percussive and non-percussive timbres were used. The conclusion discusses the impacts of this creative project on my musical language and future works.

L'analyse de la musique rock pose certains problèmes au plan méthodologique, particulièrement à l'égard des paramètres musicaux qui doivent être pris en compte. Ce travail vise à rendre compte de la chanson «Digging in the Dirt» de Peter Gabriel, d'abord à travers une analyse systématique du texte, des paramètres musicaux traditionnels et des paramètres musicaux technologiques. Plusieurs rapports texte-musique sont ensuite relevés, de façon à montrer comment les différents éléments musicaux (traditionnels et technologiques) interagissent pour soutenir le texte. Les interprétations issues de 1'analyse de ces rapports sont corroborées par des données externes à l'oeuvre (poïétiques et esthésiques). Le travail propose donc une méthode systématique d'analyse d'une oeuvre rock, méthode qui parvient à rendre compte des particularités de ce style musical, tout en confirmant l'intérêt que la musique populaire peut présenter du point de vue musicologique. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2014

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La guitare est un instrument unique qui offre une variété impressionnante de possibilités du point de vue expressif et créatif grâce à des propriétés mélodiques, polyphoniques, harmoniques et rythmiques. Elle permet au guitariste une palette quasi illimitée de moyens d'expression. Depuis son électrification qui a rendu son utilisation possible en jazz au début des années 40, le jeu à l'instrument se métamorphose grâce à l'intervention de guitaristes innovateurs qui, en imitant le langage idiomatique propre à d'autres instruments, raffinent les techniques pour en tirer toute la sève créative. C'est précisément dans cette continuité que s'inscrit cette recherche de doctorat. En effet, fort d'une vaste et intime expérience à la guitare, j'ai identifié dans mon cheminement deux notions cruciales à son développement : l’improvisation contrapuntique à deux voix ainsi que la modulation rythmique. Cette dissertation expose l’état de ma recherche et les résultats créatifs obtenus à la suite de l’élaboration méthodologique de procédés de mise en application d’éléments fondamentaux issus des principes généraux du contrepoint servant à la construction du deux voix à la guitare. Cette même démarche s’applique à l’étude et l’utilisation de la modulation rythmique dans un contexte de création et d’improvisation jazz. Tout au long du processus de recherche, le constat du manque de documentation et la quasi absence d'outils pédagogiques relatifs à la guitare polyphonique à deux voix m'ont amené à puiser autant dans les fondements théoriques que dans les exemples choisis pour en faire une synthèse et créer les outils nécessaires à l'assimilation et l'application à la guitare jazz. Quant à la modulation rythmique, la documentation plus substantielle et l'existence de méthodes ont facilité le processus de synthèse vers l'application à la guitare jazz. La partie écrite de cet ouvrage offre une définition des concepts de polyphonie à deux voix et de modulation rythmique et propose des moyens de les assimiler à la guitare jazz. Elle comporte également la documentation tirée des sources, un répertoire d’exemples analysés et mis en pratique ainsi que cinq annexes. Le document audio quant à lui, comporte trois standards et sept pièces originales présentées en formation combo jazz avec quelques interventions de guitare seule.