Texte remanié de: Diss.--Basel, 1998. / Bibliogr. p. 292-303. Table des ill.

Texte remanié de: Th. doct.--Hist. de l'art--Paris 4, 2002. Titre de soutenance : L'importance du milieu artistique parisien de 1945 à 1955 pour les peintres abstraits allemands, autrichiens et luxembourgeois. / Bibliogr. p. 281-314. Webliogr. p. 315-316. Index.

Thèse (M. A.)--Université Laval, 2004. / Bibliogr.: f. [29]-30. Publié aussi en version électronique.

Doctorat en philosophie et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Ma pratique en art se conçoit uniquement en peinture. Elle est orientée vers l’abstraction où je travaille la forme et la couleur exclusivement liées à mes états émotionnels. Ma préoccupation première tourne autour du principe de l’équilibre pictural qui consiste à répartir les éléments visuels dans un tableau de manière à harmoniser la composition et les proportions. Afin d’arriver à ce stade, j’équilibre mes peintures selon leurs éléments plastiques. Chacune des composantes picturales interagit avec ses voisines, nécessitant ainsi une préoccupation constante du poids visuel de celles-ci. Ce poids s’établit en termes de pesanteur (légèreté/lourdeur), au niveau des formes (ovale/cubique), des couleurs (claire/foncé) et des espaces (allégé, surchargé). L’aspect de dualités entre deux notions plastiques (transparence/opacité, chaud/froid, traits/masses) est aussi présent dans mon travail pour créer ce que j’appelle des tensions spatiales. Ces rapports de dualité complètent, avec l’équilibre, le dynamisme visuel qui se construit devant mes yeux. Composées d’un amas de masses de couleurs de différentes grosseurs et de formes aléatoires, mes peintures sont créées en majorité par des traces de vitesse. Travailler avec la peinture acrylique est un avantage puisqu’elle sèche très vite et qu’elle me permet de venir camoufler, juxtaposer, altérer et foncer une ancienne tache sans que les couleurs ne se mélangent. La conception de mes toiles est donc un processus d’accumulation et de superposition de masses ou de formes colorées qui se conçoit rapidement et instinctivement, dans l’esprit postmoderne qui suppose que l’œuvre s’édifie sans plan préétabli, sur ses propres avancées.

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2017 / Bien que ce texte accompagne l'exposition du même nom, il ne peut pas être tenu de la décrire ou de l'expliquer directement. Je ne tenterai pas de rendre compte de quelque chose qui ne s'est pas encore réalisé car je ne planifie jamais ainsi, qu'il s'agisse de peindre un tableau ou de mettre en place une exposition. Toute planification doit être mise à l'épreuve de son incarnation physique en se gardant toujours la liberté nécessaire au changement ou à la disparition. De là vient l'impertinence de faire état d'intentions aussi précises, comme si une maquette attendait quelque part de prendre vie. Je suis confiant que les raisons pour cela sauront transparaître à la lecture de ce qui suit. Ce que je tenterai de mettre en mots sont des processus, approches, positions, façons de vivre la peinture et conditions de pratique qui sont actuelles et donc cohérentes avec l'exposition en question. Je tenterai également de montrer comment mon évolution dans le monde du graffiti, antérieure et souvent indépendante de tout travail en atelier, aura été pour moi une influence majeure et durable dans tout ce que je fais. J'écris ceci à un moment où plusieurs de mes intérêts et pratiques convergent et s'influencent plus que jamais, tendant même à se confondre dans l'à-venir.

À travers la réalisation d’un corpus d’oeuvres peintes abstraites, j’investigue la place du corps dans la perception du réel et de ce fait, également, dans la perception de mes oeuvres. Grâce à une certaine concordance entre le positionnement spatial d’objets dans mon environnement immédiat et celui des formes dans l’espace pictural, je m’interroge sur la compréhension physique de mes oeuvres. Ce mémoire explore le cheminement qui m’a amené vers ce questionnement de nature artistique, le parcours qui s’opère lors de la création, ainsi que l’importance de la mise en espace dans la compréhension du corpus d’oeuvres réalisées.

« La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). » / Ma pratique artistique se divise en deux volets : la composition de musique acousmatique et la peinture abstraite. Loin d'être distinctes, ces deux pratiques se recoupent en plusieurs points et sont très complémentaires l'une à l'autre. En effet, il m’apparaît clairement que la façon d'aborder la création dans l'un et l'autre peut revêtir certaines similitudes. En d'autres termes, que je compose une pièce ou que je peigne une toile, le résultat que je cherche à obtenir en ce qui concerne l’organisation de la matière est le même dans les deux cas. La présente recherche propose donc une nouvelle approche de composition en musique acousmatique basée sur les techniques et concepts employés en art visuel, et plus particulièrement en peinture. À travers la réalisation d’une série de courtes pièces, j’expérimente sur les possibilités qu’offre la démarche de composition proposée. / My artistic practice can be divided in two paths: acousmatic music composition and abstract painting. Far from independent, these two practices meet on many aspects and can be perceived in a very complimentary manner. It becomes clear that the way in which I approach the mechanisms of the creative process in both practices is in fact quite similar. When painting or composing, I’ve come to realize that the result I strive for is in terms of structure and in terms of how I attempt to organize both the sound events in my compositions and the plastic materials I use on canvas. This text presents a potentially new approach to acousmatic composition derived from the techniques and concepts found in modern visual arts, more specifically non-figurative painting. In order to illustrate these ideas, I’ve composed a series of short composition studies that attempt to experiment the suggested methods and techniques.

Le mouvement Supports/Surfaces se singularise, dans le contexte artistique de la fin des années soixante et du début des années soixante-Dix, en se présentant comme une avant-Garde à la fois picturale et théorique avec une importante production de textes qui accompagnent l’exposition des œuvres. Cette étude interroge le statut singulier de ces pratiques discursives développées par une avant-Garde qui revendique un faire pictural. Elle questionne le processus d’autodéfinition de Supports/Surfaces à travers ses textes en regard des œuvres des artistes. Faire l’histoire du groupe implique en effet d’analyser les dimensions productrices ou inhibitrices qu’ont pu avoir ces écrits. Gestes majeurs de cette avant-Garde, les discours des artistes procèdent à une mise en lumière et à un aveuglement. Étudier ce geste, opérer une lecture analytique de ces textes en relation avec les œuvres, c’est finalement répondre à l’injonction de ce mouvement pour la retourner contre elle-Même. Cette problématisation permet de penser les transformations formelles qui s’élaborent chez les artistes rassemblés sous l’appellation Supports/Surfaces à l’intérieur d’un ensemble de relations où se croisent champs artistique et littéraire, théorique et politique. Elle donne au “moment Supports/Surfaces” son contenu dense et multiple et appréhende la place du mouvement dans l’histoire de la peinture et de l’art de cette période. / In the artistic context of the late sixties and early seventies, Supports/Surfaces distinguishes itself by being both a pictorial and theoretical avant-Garde, the exhibition of artworks being accompanied by texts that were produced in considerable quantity. This study questions the singular situation of these discursive approaches developed by an avant-Garde claiming a pictorial process. It therefore questions how Supports/Surfaces self-Defines through its texts and the works produced by the artists. To constitute the history of the group involves to analyse the productive or inhibitive aspects that these writings may have had. The discourses of the artists, as a key action of this avant-Garde, proceed to a bringing to light and simultaneously to a blindness. The study of this action, the analytic reading of these texts in relation to the artworks, finally constitutes an answer to the injunction of this movement by turning it back on itself. This approach allows to consider the formal transformations, as elaborated in their works by the artists gathered under the name Supports/Surfaces, inside a whole combination of relations between literary and artistic fields as well as political and theoretical fields. It gives to the “Supports/Surface time” its dense and plural content, and it allows to consider the place of the movement in the history of painting and of art of that period.

L'art américain de la deuxième moitié du 20e siècle, en particulier la peinture, a su s'imposer au monde occidental et nous proposer des productions riches de significations. Parmi ces dernières, les oeuvres de Jackson Pollock et de Mark Rothko se classent parmi les plus marquantes. Leurs toiles ont révolutionné le monde de la peinture et ont confronté le regardeur à des modes d'expression novateurs et inédits. L'objet visé par notre recherche consiste à saisir la dimension surtout existentielle des oeuvres des deux peintres étudiés. Nous avons d'abord proposé un cadre de référence nous permettant d'analyser certaines réalisations de Pollock et Rothko, en nous appuyant en particulier sur la pensée existentialiste française et sur celle issue des écrivains américains de la Lost Generation. L'examen des pratiques artistiques des deux peintres américains a été précédé par une analyse sommaire de l'expressionnisme abstrait, courant auquel ils sont rattachés. Une étude des oeuvres retenues a suivi et a abouti à une comparaison permettant de faire ressortir les différences, mais surtout les similarités entre les oeuvres des deux artistes. En conclusion, nous avons tenté de situer le travail des deux artistes en tant que questionnement fondamental sur la condition humaine. L'intérêt d'une telle démarche réside d'une part dans la compréhension de l'expression artistique de ces deux représentants majeurs de l'art américain au 20e siècle et, d'autre part, dans l'interprétation philosophique du "drame humain" incarné par leurs productions.