Les huiles sur cuivre importées en Nouvelle-France constituent un sujet inédit et peu exploité par les historiens de l'art. Nous avons relevé dans les sources et exposons dans ce mémoire une quantité non négligeable d'oeuvres de ce genre qui se trouvaient dans la colonie au XVIIe siècle. Le panorama proposé permet de dégager les éléments constitutifs de cet ensemble plutôt cohérent de tableaux. Ainsi, sont présentées les spécificités de la peinture sur cuivre de même que sa valeur sur le marché parisien. Nous abordons également la question de la circulation en Europe de cette technique, née en Italie, puis adoptée dans les pays du « nord » (Flandres et Allemagne) et finalement en France. Majoritairement introduites par le biais de dons dans les différents contextes de la Nouvelle-France, les huiles sur cuivre témoignent de l'implication des dévots français dans le développement de l'entreprise missionnaire et coloniale, mais aussi des besoins particuliers pour ce type d'objet d'art. L'analyse iconographique des ensembles de tableaux situés dans les différentes localités permet d'établir des liens entre ces tableaux et les principales dévotions du XVIIe siècle en plus de comprendre les oeuvres dans le rapport qu'elles entretiennent entre elles. Aussi, le mémoire propose un essai d'interprétation des possibles usages des huiles sur cuivre. Nous insistons surtout sur l'usage spirituel de ces oeuvres intégrées dans les oratoires particuliers de la Nouvelle-France. Il est examiné comment, dans ces espaces privés, les pratiques spirituelles de l'oraison et de la méditation mènent à l'intériorisation des images et vers la contemplation de Dieu dans l'intimité de l'âme. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Tableau, Huile sur cuivre, Dévotion, Nouvelle-Frence, Usage.

Fascinée par l'œuvre d'Ozias Leduc (1864-1955) et lanaudoise d'adoption depuis plus de trente ans, j'ai concilié mes intérêts pour cet artiste et pour le patrimoine régional en étudiant le cycle des tableaux d'Ozias Leduc à la cathédrale de Joliette. Comme il s'agit de la première commande d'envergure en décoration d'église du jeune peintre et que ce décor religieux n'a pas encore été étudié de façon exhaustive, il me semble justifié d'en faire une étude approfondie. En 1892, Ozias Leduc alors à ses débuts comme peintre autonome, reçoit du curé Prosper Beaudry l'offre de peindre vingt-trois tableaux pour décorer la nouvelle église Saint-Charles-Borromée de Joliette. Le thème choisi sera les mystères du Rosaire et huit scènes du Nouveau Testament. L'étude de cette première œuvre religieuse d'importance de Leduc, largement inspirée de la tradition européenne, permet d'analyser l'apport créatif de l'artiste, de voir comment il a interprété les thèmes en fonction de l'architecture tout en intégrant des éléments de son propre univers pictural. L'inventaire des thèmes récurrents permet de comprendre le rôle joué par cette première commande dans la future carrière du plus célèbre peintre décorateur d'église au Canada. Ce travail comprend l'analyse iconographique et comparative de ces vingt-trois tableaux avec leurs sources d'inspiration. Celles-ci, pour la plupart, étaient jusqu'à maintenant inconnues. Après avoir déterminé le contexte politique, économique, religieux et culturel de la fin du XIXe siècle au Québec, particulièrement à Joliette, les conditions de la commande seront analysées, faisant intervenir les notions de conventions chrétiennes, de réseaux et de copie. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Ozias Leduc, Joliette, Décor, Mystères du Rosaire, Sources d'inspiration, Cathédrale

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal. / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Thèse numérisée par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Les mays de Notre-Dame, tableaux offerts de 1630 à 1707 par la confrérie Sainte-Anne-Saint-Marcel des orfèvres parisiens à la cathédrale Notre-Dame de Paris en signe de dévotion à la Vierge, forment un des ensembles de peinture religieuse les plus importants du XVIIe siècle. La thèse de doctorat propose une étude de cette série en deux volets, une approche analytique à travers un essai et une approche synthétique à l'aide d'un catalogue. L'essai aborde dans une première partie le contexte confraternel et explique le choix de grands formats présentés dans la nef de la cathédrale. La deuxième partie s'intéresse à la fonction religieuse et politique de ces tableaux. La troisième partie s'attache aux conditions de la commande et aux questions de style et évalue la réception des œuvres au XVIIIe, XIXe et XXe siècles. Le catalogue reprend pour chaque tableau l'ensemble des données documentaires et visuelles. Les textes accompagnant les toiles (contrats, explications, inventaires de Notre-Dame) constituent les annexes. L'importance des mays dans la peinture religieuse du XVIIe siècle tient à leurs résonances avec les préoccupations pastorales et théologales de l'Église de Paris, ainsi qu'à leur statut de modèle pour la peinture religieuse. Exposés au cœur de la cathédrale de Paris, ils constituent un décor sacré au service du roi et de la politique religieuse du royaume. / The mays of Notre-Dame, paintings offered from 1630 till 1707 by the brotherhood Sainte-Anne-Saint-Marcel of the Parisian silversmiths to the cathedral Notre-Dame de Paris in sign of worship in the Virgin, are one of main group of paintings of the XVIIth century. The doctoral thesis proposes a study of this series in two steps, an analytical approach through a essay and a synthetic approach by means of a catalog. The essay approaches on a first part the fraternal context and explains the choice of large formats presented in the nave of the cathedral. The second part is interested in the religious function and the politics of these paintings. The third part becomes attached in the conditions of the command and to the questions of style and estimates the reception of the works at the XVIIIth, XIXth and XXth centuries. The catalog resumes for every picture all the documentary and visual data. Texts accompanying paintings (contracts, explanations, inventories of Notre-Dame) establish appendices. The importance of mays in the religious painting of the XVIIth century holds their echos with the pastoral concerns and théologales of the Church of Paris, as well as in their status of model for the religious painting. Exposed at the heart of the cathedral of Paris, they constitute a decoration crowned in the service of king and of religious politics of the kingdom.

Peintre oublié des études sur les anciens Pays-Bas, Otto van Veen (également appelé Otto Vaenius) est essentiellement connu pour avoir été le dernier maître de Rubens et pour être l'auteur de plusieurs livres d'emblèmes. En son temps, il était pourtant l'un des artistes les plus renommés des Flandres. La reconsidération de ce peintre, les influences qui furent les siennes et l'impact qu'il put avoir sur toute une génération d'artistes constituent l'objet de cette thèse. Centrée sur sa production peinte et dessinée, elle ne met toutefois pas de côté ses emblèmes, qui servent de points de comparaison pour certains sujets allégoriques. La production de Vaenius étant largement tributaire de la période dans laquelle il était en activité, cette étude est également centrée sur l'histoire culturelle et intellectuelle des Pays-Bas. Ainsi, les divers réseaux (artistique, humaniste, princier) qu'il fréquenta ont été étudiés en détail. Il s'agissait d'évaluer l'apport pictural de Vaenius en regard de sa démarche intellectuelle. Outre les portraits de diverses personnalités (princes, hommes d'Église, humanistes) et les cycles glorifiant l'image du prince tels que des Joyeuses Entrées, les peintures religieuses, respectant les préceptes du Concile de Trente, comme les peintures mythologiques et allégoriques, ont fait l'objet d'analyses qui prennent en compte le contexte de production ainsi que les diverses iconographies (tirées de sources variées, issues de I' Antiquité au XVIIe siècle). Alliant une peinture claire et lisible à des détails érudits et raffinés, l'œuvre de Vaenius donna lieu à de nombreuses innovations, tant plastiques qu'iconographiques, qu'il était nécessaire d'étudier. / Otto van Veen (also called Otto Vaenius), an artist forgotten by studies on Northern painting, is mainly known for being the last master of Rubens and the author of several emblem books. In his time however, he was one of the most renowned artists of the Flemish school. The reconsideration of this painter, his influences and the impact he had on a whole generation of artists are the main topics of this dissertation. Centered on his paintings and drawings, it does not put aside its emblems, which provide invaluable keys to understand some of his allegories. Since Vaenius' production largely reflects his time, this study also focuses on the cultural and intellectual history of the Netherlands. Thus, the various networks (artistic, humanistic, princely) he was a part of have been studied in depth. The aim of this dissertation was to evaluate his pictorial contribution with regard to his intellectual background. Besides the portraits of various personalities (princes, churchmen, humanists) and the cycles glorifying the image of the prince such as Joyous Entries, the religious paintings, observing the precepts of the Council of Trent, as the mythological and allegorical paintings, have been the subject of analysis that take into account the context of production as well as the various iconographies (from diverse sources, from Antiquity to the 17th century). Combining a clear and legible painting with erudite and refined details, Vaenius' artworks have led to numerous innovations, both plastic and iconographic, that deserved to be studied.

La thèse interroge la place de la peinture religieuse dans le nouveau genre métapictural du «Cabinet d'amateurs», inventé à Anvers au début du XVIIème siècle par Frans Francken II. Les «Cabinets d'amateurs» anversois ont été considérés jusqu'à présent comme le reflet du collectionnisme et donc du goût de l'époque; on y a vu en même temps l'expression des idées de la Contre-Réforme et, dans une moindre mesure, de la culture humaniste dans les Pays-Bas méridionaux. Cette approche socio-culturelle globale ne saisit pas la diversité des Cabinets et leur spécificité ; la visée de ces tableaux est finalement autre. Sous l'aspect d'une représentation de collection, cette réunion de tableaux et d'objets divers aboutit à l'élaboration d'un discours consacré à un thème d'ordre éthique ou épistémologique. De multiples liens s'instaurent au sein des «Cabinets d'amateurs» entre les tableaux restitués et même entre les tableaux et les objets, liens qui font naître une grande cohérence interne, cachée sous l'apparent désordre. Des rapports fondés sur l'analogie ou l'antithèse sont établis entre les œuvres que le spectateur est appelé à déceler. Les nouvelles identifications d'œuvres que nous avons pu apporter confirment la présence d'un thème qui coordonne l'ensemble d'un Cabinet d'amateurs. L'étude porte sur les «Cabinets d'amateurs» de Frans Francken II et de son frère Hieronymus, puis sur ceux de Cornelis De Baellieur. Tous ces Cabinets sont constitués de tableaux authentiques et suivent le principe d'ordonnancement autour d'un thème. Nous avons posé cette même question de la cohérence interne concernant les célèbres compositions de Willem Van Haecht et tenté d'y apporter une première réponse. / The thesis questions the place of religious pictures in the new metapictural genre of gallery paintings invented by Frans Francken II in Antwerp at the beginning of the seventeenth century. Antwerp gallery paintings have been considered so far as reflecting collecting practices and the taste at that time. They have also been understood as the expression of the ideas of the Counter­Reformation and, to a lesser extent, the humanistic culture in the Low Countries. This global socio­cultural approach does not grasp the diversity and specificity of gallery paintings, the aim of these paintings is definitely another one. Looking like an image of a collection this combination of paintings and diverse objects leads to the construction of a discourse dedicated to an ethical or epistemological theme. Various links can be observed in gallery paintings between the reproduced pictures and even between the pictures and the objects, links which bring forth a strong internal coherence, hidden under apparent disorder. Relationships based on analogy or antithesis are established between the works of art which the beholder is invited to find out. Newly identified works confirm the presence of a theme which coordinates a gallery painting as a whole. My study is devoted to the gallery paintings by Frans Francken II and his brother Hieronymus, further those by Cornelis De Baellieur. All these gallery paintings contain existent paintings and follow the principle of organization according to a theme. My study also puts the question of internal coherence concerning the famous compositions by Willem van Haecht and tries to give a first answer to it.