Texte remanié de: Th. doct.--Hist. du droit--Lyon 3, 2000. Titre de soutenance : Genèse du patrimoine artistique : élaboration d'une notion juridique, 1750-1816. / Notice réd. d'après la couv. Bibliogr. p. 279-297. Index.

Texte remanié de: Tesis doctoral--Madrid--Univ. complutense, 1991. / Bibliogr. p. 667-750.

« Les philosophes analytiques de l'art et les artistes conceptuels ont en commun de refuser la théorisation et la recherche du beau comme idée ou norme, pour poser à la place une définition de l'art comme fonction symbolique toujours à décrypter à partir d'elle-même et de son langage propre, sans lui appliquer une essence a priori » explique Dominique Chateau (esthéticien français, né en 1948). En d’autres termes, il s’agit de l'esthétique issue de l'empirisme logique et du pragmatisme. La référence à une partie de l'introduction du premier numéro de la Revue francophone d'esthétique, sous la direction de Frédéric Wecker, écrite par Jean-Pierre Cometti, Jacques Morizot, Roger Pouivet, permet de clarifier l'objectif de cette théorie esthétique ; « […] Les problèmes esthétiques se seraient-ils dissous dans la médiatisation généralisée ? Sont-ils condamnés à nourrir un essayisme brillant mais sans portée théorique ? Doit-on laisser la parole aux historiens, aux spécialistes des sciences humaines ou aux professionnels du monde de l'art ? Telle n'est pas notre conviction. Nous voulons faire le pari d'une approche esthétique ouverte sur toutes les manifestations de l'art et qui revendique un parti pris d'analyse conceptuelle et d'argumentation critique. Il ne suffit en effet ni d'en appeler à une dimension anthropologique fondamentale, ni de s'en tenir à la menue monnaie de l'actualité et des événements. Comme toute discipline de quelque ambition, l'esthétique doit être en mesure de construire ses propres objets et de réviser ses résultats et ses procédures : là est sa seule garantie d'échapper au délire d'interprétation » En ce qui concerne cette réflexion, l'esthétique analytique est un dialogue constant avec les œuvres d'art d'avant-garde de l'art moderne et contemporain, notamment celles de Duchamp et de Warhol, mettant l’accent sur un ensemble de théories esthétiques quelquefois hétérogènes ; loin des théories traditionnelles, toutes ces théories refusent le beau en tant que principe essentiel de ce qui est devenu connu de l'art, c'est-à-dire l'œuvre d'art. [...] / "The analytical philosophers of art and the conceptual artists have in common to refuse the theorization and the search for the beautiful as idea or norm, to pose instead a definition of art as a symbolic function always to decrypt from itself and its own language, without applying to it an essence a priori "explains Dominique Chateau (French esthetician, born in 1948). In other words, it is the aesthetics of logical empiricism and pragmatism. The reference to a part of the introduction to the first issue of the Revue francophone d'esthétique, under the direction of Frédéric Wecker, written by Jean-Pierre Cometti, Jacques Morizot and Roger Pouivet, clarifies the objective of this aesthetic theory. ; "[...] Would aesthetic problems have dissolved in the generalized media? Are they doomed to nourish a brilliant essayism but without theoretical significance? Should we give the floor to historians, social scientists or professionals in the art world? That is not our conviction. We want to bet on an aesthetic approach open to all the manifestations of art and that claims a bias of conceptual analysis and critical argumentation. In fact, it is not enough to appeal to a fundamental anthropological dimension, nor to stick to the petty currency of events and events. Like any discipline of any ambition, aesthetics must be able to construct its own objects and revise its results and procedures: this is its only guarantee of escaping the frenzy of interpretation. "Regarding this reflection the analytical aesthetic is a constant dialogue with the avant-garde works of art of modern and contemporary art, notably those of Duchamp and Warhol, emphasizing a set of sometimes heterogeneous aesthetic theories; far from traditional theories, all these theories reject the beautiful as an essential principle of what has become known to art, that is to say the work of art. [...]

Tels que l’historiographie de l’art les a enregistrées, l’œuvre de Paul Rebeyrolle et sa carrière (1945-2005) posent question au-delà de cette définition stricte, base factuelle d’une hypothétique notice d’encyclopédie : qu’est-ce qu’un peintre français des IVe et Ve républiques ? Paul Rebeyrolle est connu pour être méconnu, reconnu, toujours, comme un excellent peintre, loué par certains comme l’un des plus importants de la période, en France, mais demeure réduit à la portion congrue de l’histoire de l’art contemporain français, lorsque celle-ci juge bon de le mentionner. Il a pourtant bénéficié d’un succès précoce, dans les années 1950, dans le sillage d’un Bernard Lorjou ou, surtout, d’un Bernard Buffet, avant de subir un désaveu équivalent. Un marchand aussi important qu’Aimé Maeght et des préfaciers aussi renommés que J.-P. Sartre ou M. Foucault n’y auront rien changé. En cela, il est exemplaire de tout un pan de l’art français qui, avec la Ve république et sa politique culturelle, semble avoir été déclassé pour un certain nombre de raisons qu’il reste encore à évaluer : différends esthétiques, mésententes plastiques, dénis hérités de la querelle des abstraits et des figuratifs, non-dits liés à la question de l’engagement politique de l’artiste, imprécisions ou partis-pris critiques et légèreté des commentaires journalistiques friands de poncifs... Autant de malentendus qui ont contribué à brouiller la juste appréciation de son œuvre et l’ont tenu éloigné d’une véritable reconnaissance institutionnelle. / The way they’ve been retained by Art historiography, Paul Rebeyrolle’s work and his carreer (1945-2005) appear to be problematic beyond this strict definition, factual basis for an hypothetical encyclopedia entry : what defines a French painter under the 4th and 5th republics ? Paul Rebeyrolle is well-knowed for being under-estimated, always acknowledged as a great painter, sometimes even praised as one of the most important painters of that period, in France, but still limited to the smallest share of the French history of contemporary art, when this one finds it appropriate to mention it.Yet he benefited of an early success, during the 50’s, in the wake of painters such as Bernard Lorjou and especially Bernard Buffet, before enduring a similar disavowal. An art dealer as important as Aimé Maeght and preface writers as renowned as Jean-Paul Sartre or Michel Foucault didn’t make any difference. Thus, he appears to be paradigmatic of an entire part of French art which, under the 5th republic and its cultural policy, seems to have been downgraded for a certain number of reasons that still needs to be evaluated : aesthetic disagreements, plastic discords, denial inherited from the abstract and figurative painters’ quarrel, unsaid things about the artist’s political commitment, art critics’ vagueness and preconceived opinions, journalistic frivolity fond of clichés... As many misunderstandings that led to interfere with a fair appraisal regarding his work and prevented him from ever getting a real institutional recognition.

Si l'histoire universelle de l'art et de l'architecture compte des réalisations dont le caractère et la fonction font foi d'une unité d'intention jugée remarquable, le vingtième siècle est placé sous le règne de la spécialisation, du nomadisme et de l'expression individuelle. Cet état de fait a entraîné des attitudes de nostalgie envers le passé et orienté plusieurs organisations publiques et privées vers la mise sur pied de principes d'intégration des arts à l'architecture. Inscrites dans le champ plus large de l'art public, les réalisations qui en émanent, au Québec comme ailleurs, portent les symptômes de notre temps. Une lecture des contextes historique et disciplinaire alliée à une attention portée à la situation québécoise et au corpus des oeuvres réalisées au titre du crédit gouvernemental du 1% illustrent plusieurs faits d'intérêt : la persistance de tels modèles de commande publique résulte d'une vision nostalgique de l'histoire; les pratiques d'art public sont ancrées dans cette vision et en constituent souvent un trait de représentation (simulacre) plutôt que de recherche d'innovation; le caractère figé des programmes en vigueur n'offre guère d'ouverture en regard de nouvelles formes d'expression artistique et de diffusion publique qui pourraient enrichir l'avenir de ce champ de l'art contemporain. / Montréal Trigonix inc. 2018

Dans le contexte économique, social, politique et mass-médiatique des années 1960, les reportages photographiques et télévisuels ont pris le relais d'une représentation de la nature et du paysage jusque-là réservée aux artistes. Ces images rompent avec la représentation idyllique d'une nature naturelle et pittoresque pour révéler la nature telle qu'elle est, vivante et fragile, dont l'homme fait partie, mais dont il menace l’intégrité. Paysages blanchis autour des cimenteries, forêts décimées, nuages de dioxine s'échappant du réacteur d'une usine chimique, déversement de pétrole en mer : les images des premières catastrophes écologiques frappent l'imagination. La représentation du paysage devient problématique, les concepts liés à l'idée de nature - tels que l'échelle planétaire, le long temps, le climat, la pollution - y introduisent une part d'immatérialité. Des stratégies plastiques et visuelles se mettent en place à un niveau international : les artistes renouvellent leur approche de la nature. Ils l’envisagent dans ses processus physiques et biologiques, comme site à réhabiliter et comme écosystème. Outre la production de tableaux, environnements, objets, performances et photographies, certains rédigent des communiqués, déclarations, manifestes, lettres ouvertes, s’engagent dans des associations, des partis politiques ou mènent des actions concrètes dans la sphère publique, parfois avec quelques résultats. La présentation du corpus de formulations plastiques et/ou militantes forme l’occasion de questionner l’impact de ces travaux : sont-ils l’occasion d’un renouvellement de la fonction sociale de l’artiste ou relèvent-ils du domaine de l’utopie? Comment leurs auteurs les envisagent-ils ? Leurs effets sont-ils mesurables ? Peuvent-ils faire l’objet d’études d’impact ? Selon quelle méthodologie et avec quelles précautions ? / In the economic, social and political environments of the 1960s, themass media evolution led photography and television reports to take over the representation of nature and landscape. Until then, the illustration of nature and landscape had been the preserve of artists. The new trend was to move away from the idyllic representation of the natural world in order to reveal nature as it really is, alive and fragile, a nature in which man plays an integral role while also posing a threat to its integrity.Landscapes started to feature ecological disasters such as: decimated forests, clouds of dioxin billowing from chemical reactors, oil spills in the sea or also cement work, – in essence, familiar images that strike the imagination. Such representation of landscape was in itself a challenge. Concepts connected to the idea of nature, such as a global climate, pollution, scale effect, and long term impact, introduced an element of immateriality.Various strategies to create visual and plastic representations were initiated across the world; a number of artists renewed their approach to nature. They envisaged it in its physical and biological processes, and addressed it as a series of ecosystems and locations that need to be rehabilitated. Concrete actions in the public sphere have sometimes produced significant results: photos, objects, performances, environments, as well as draft communiqués, declarations, manifestos, open letters and the participation in associations or political parties.The presentation of the body of plastic formulation and/or militant acts raises the issue of their impact. Do they represent the renewal of the social role of the artist, or are they just an utopian vision? How do their authors envisage them? Are their effects measurable? Can it be the subject of environmental studies? What methodology to use? And what are its limitations ?

Les mays de Notre-Dame, tableaux offerts de 1630 à 1707 par la confrérie Sainte-Anne-Saint-Marcel des orfèvres parisiens à la cathédrale Notre-Dame de Paris en signe de dévotion à la Vierge, forment un des ensembles de peinture religieuse les plus importants du XVIIe siècle. La thèse de doctorat propose une étude de cette série en deux volets, une approche analytique à travers un essai et une approche synthétique à l'aide d'un catalogue. L'essai aborde dans une première partie le contexte confraternel et explique le choix de grands formats présentés dans la nef de la cathédrale. La deuxième partie s'intéresse à la fonction religieuse et politique de ces tableaux. La troisième partie s'attache aux conditions de la commande et aux questions de style et évalue la réception des œuvres au XVIIIe, XIXe et XXe siècles. Le catalogue reprend pour chaque tableau l'ensemble des données documentaires et visuelles. Les textes accompagnant les toiles (contrats, explications, inventaires de Notre-Dame) constituent les annexes. L'importance des mays dans la peinture religieuse du XVIIe siècle tient à leurs résonances avec les préoccupations pastorales et théologales de l'Église de Paris, ainsi qu'à leur statut de modèle pour la peinture religieuse. Exposés au cœur de la cathédrale de Paris, ils constituent un décor sacré au service du roi et de la politique religieuse du royaume. / The mays of Notre-Dame, paintings offered from 1630 till 1707 by the brotherhood Sainte-Anne-Saint-Marcel of the Parisian silversmiths to the cathedral Notre-Dame de Paris in sign of worship in the Virgin, are one of main group of paintings of the XVIIth century. The doctoral thesis proposes a study of this series in two steps, an analytical approach through a essay and a synthetic approach by means of a catalog. The essay approaches on a first part the fraternal context and explains the choice of large formats presented in the nave of the cathedral. The second part is interested in the religious function and the politics of these paintings. The third part becomes attached in the conditions of the command and to the questions of style and estimates the reception of the works at the XVIIIth, XIXth and XXth centuries. The catalog resumes for every picture all the documentary and visual data. Texts accompanying paintings (contracts, explanations, inventories of Notre-Dame) establish appendices. The importance of mays in the religious painting of the XVIIth century holds their echos with the pastoral concerns and théologales of the Church of Paris, as well as in their status of model for the religious painting. Exposed at the heart of the cathedral of Paris, they constitute a decoration crowned in the service of king and of religious politics of the kingdom.

[pt] Esta tese tem como objeto de estudo a atividade filosófica exercida como uma atividade inerentemente política. Ela busca mostrar que a partir da proposta da arte política socrática (tal como é descrita por Platão) nos diálogos Górgias e Apologia de Sócrates, a ética assume uma relação intrínseca com a política e demanda um modo de vida no qual os exercícios de poder no âmbito privado e no âmbito público sejam indissociáveis. Nessa proposta há uma rejeição veemente à pleonexia política. A partir dessa compreensão, depreende-se que o movimento filosófico cínico que surgiu na Grécia entre os séc. V e IV a.C., que foi amplamente reconhecido como herdeiro da tradição socrática, também herdou a sua arte política. O regime da resistência, da frugalidade e dos poucos haveres são alguns dos pontos que o conectam a essa herança. Contudo, o cínico criou uma nova rotina radical, uma prática de resistência e transgressão que difere da proposta socrático-platônica. Destarte, a partir dessa inflexão, considera-se que houve uma radicalização da politização socrática que é materializada no cosmopolitismo de Diógenes (principal filósofo cínico analisado neste trabalho). A proposta cosmopolita cínica, essa que julgo herdeira da verdadeira arte política socrática, e da qual acredito ter encontrado as principais características nos dois diálogos platônicos aludidos, foi indispensável à problematização do filósofo francês Michel Foucault acerca da relação do sujeito com a verdade, os modos de sujeição identitária e os modos dominantes de subjetivação. Ademais, foi fundamental para o debate contemporâneo movido pelo filósofo francês a respeito da militância filosófica, que por Foucault foi qualificada como a mais nobre e mais elevada das políticas, como um chamamento à crítica e à transformação do mundo, principalmente quando interpela as verdades das leis positivas e seus vínculos, como: a família e o Estado, as diferenças de gênero, as diferenças entre livres e escravos e entre fronteiras territoriais. / [fr] Cette thèse a pour objet d étude l activité philosophique exercée comme activité intrinsèquement politique. Elle cherche à montrer que sur la base de la proposition de l art politique socratique (tel que décrit par Platon) dans les dialogues Gorgias Apologie et Socrate, l éthique suppose une relation intrinsèque avec la politique et exige un mode de vie dans lequel les exercices du pouvoir en privé et en public sont inextricablement liées. Dans cette proposition, il y a un rejet véhément de la pléonexie politique. De cette compréhension, il apparaît que le mouvement philosophique cynique qui a émergé en Grèce entre les siècles V et IV a.C., qui était largement reconnu comme héritier de la tradition socratique, a également hérité de son art politique. Le régime de résistance, la frugalité et le peu de possessions sont quelques-uns des points qui le relient à cet héritage. Cependant, le cynique a créé une nouvelle routine radicale, une pratique de résistance et de transgression qui diffère de la proposition socratique-platonicienne. Ainsi, à partir de cette inflexion, on considère qu il y a eu une radicalisation de la politisation socratique qui se matérialise dans le cosmopolitisme de Diogène (principal philosophe cynique analysé dans cet ouvrage). La proposition cosmopolite cynique, que je crois héritière du véritable art politique socratique, et dont je crois avoir trouvé les principales caractéristiques dans les deux dialogues platoniciens auxquels on a fait allusion, était indispensable à la problématisation du philosophe français Michel Foucault sur le rapport du sujet à la vérité, les modes de sujétion identitaire et les modes dominants de subjectivation. De plus, il était fondamental dans le débat contemporain animé par le philosophe français sur le militantisme philosophique, que Foucault a qualifié de politique la plus noble et la plus élevée, comme un appel à la critique et à la transformation du monde, surtout quand il conteste les vérités des lois positives et leurs liens, telles que: la famille et l État, les différences de genre, les différences entre libres et esclaves et entre les frontières territoriales.

Ce travail propose une lecture de la création artistique russe actuelle – 1990-2010 – au regard de l’histoire qu’elle entretient avec la folie grâce à l’analyse de personnages qui émaillent son paysage culturel. Que ces derniers soient jugés fous – fols-en-Christ ou jurodivye, artistes romantiques, dissidents internés en Union soviétique – ou qu’il s’agisse de figures traditionnelles d'idiots – Ivan le simple, le prince Mychkine de Dostoïevski –, un pont sera créé qui reliera ces archétypes et certaines pratiques de l’extrême contemporain, allant jusqu’à la prière-punk des Pussy Riot. Cette étude porte sur le concept d’une idiotie comme posture artistique permettant à l’artiste de se faire le médiateur d’une vérité – politique, religieuse ou sociale. Avançant masqué, il révèle ainsi les glissements sémantiques opérés entre les notions de « folie » et de « norme », en parallèle des rapports qu’entretiennent « art » et « politique ». L’histoire de la folie en Russie sera par ailleurs abordée à travers diverses formes d’envol – compris d’un point de vue métaphysique comme un escapisme de la raison. La littérature servira de socle à une première analyse de la figure romantique de l’artiste maudit à la raison vacillante, celle-ci ensuite mise à mal par les créateurs postmodernes qui déconstruisent aussi bien le mythe du saint idiot que celui du génie artistique, par l’incarnation d’un créateur sot reproduisant des formes sans en saisir le sens. Certains en appellent de surcroît, directement ou non, à la figure ancestrale du jurodivyj afin d’élaborer des postures critiques, parfois scandaleuses, envers les pouvoirs politique et religieux. Considérant les réactions virulentes que peuvent susciter les pratiques actuelles, et grâce à l’étude d’œuvres problématiques représentatives, les causes de leur rejet deviendront explicites. Il sera ainsi permis d’envisager ces créations, paraissant en rupture avec l’ordre établi, dans leur ancrage au sein d’une tradition historique et littéraire de la folie. / This work proposes an interpretation of the current Russian artistic creation – 1990-2010 – with regard to his links with history of madness, through the analysis of characters that punctuate Russian cultural landscape. The latter characters are deemed insane – holly fools, Romantic artists, dissidents interned in the Soviet Union - or whether are traditional idiots figures - Ivan the fool, Dostoevsky’s Prince Myshkin. A bridge will be created linking these archetypes and certain contemporary practices, up to Pussy Riot’s punk prayer. This study focuses on the concept of idiocy as an artistic position which allows the artist to become a mediator of a political, religious or social truth. The creator, moving forward hidden, reveals semantic shifts made by the concepts of "madness" and "norm", in parallel with relations held between "art" and "politics." The history of madness in Russia will also be depicted through various forms of soaring - understood in a metaphysical point of view as an escapism of reason. Literature will be used as a base for a first analysis of the romantic image of the damned artist with flickering reason. This picture will then be undermined by postmodern creators who both deconstruct the myths of the holy fool and the artistic genius, by their incarnation of a stupid creator reproducing forms without understanding their meaning. Moreover, some of them require, directly or not, to the ancestral figure of the holly fool to develop critical postures, sometimes scandalous, against political and religious powers. Considering the violent reaction that can generate the current artistic practices, and through the study of representative problematic works, the causes of their rejection shall become explicit. This will make it possible to consider these creations – apparently breaking with the established order – in their anchor within a historical and literary tradition of madness.

L’expression plastique des victoires navales opère tel un prisme à travers lequel s’observent les rites de célébration, les modes de commémoration et les desseins politiques de ses commanditaires. Il s’agit de s’intéresser à la naissance de cette image en remontant aux traditions grecques et romaines relatives au retour de guerre des soldats et à la célébration du succès. Ces coutumes à caractère cathartique ont inspiré les imagiers pour créer l’iconographie de la victoire navale. L’apparition des images et monuments pérennes exprimant la victoire, pourtant interdits dans la Grèce classique et réglementés à Rome par les valeurs républicaines, repose sur la prise de conscience du pouvoir politique de la revendication d’exploits militaires et sur des influences de pratiques orientales et macédoniennes qui accordaient la royauté à ses généraux pour des succès décisifs. L’expression de la victoire navale engendre une production artistique riche prenant des formes diverses, de la sculpture monumentale à la monnaie, en passant par la décoration privée, dans un but de diffusion massive. La confrontation des témoignages de la célébration et de la commémoration de la victoire sur mer, issus des deux mondes, sur tous les supports, permet de réunir l’ensemble des thèmes iconographiques qui appartient aussi bien aux domaines militaire, mythologique et religieux. L’examen des fonctions politiques de cet art démontre que ces manifestations ont été utilisées comme les supports de diffusion des idéologies. C’est ce détournement des succès militaires navals en propagande, devenu central dans la politique qui explique l’originalité et la subtilité des thèmes de la victoire navale. / The plastic expression of naval victories operates as a window through which can be observed the celebration rituals, commemoration modes and the political intentions of its bakers. The main purpose is to focus on the birth of this images dating back from the Greek and Roman traditions based on the returning soldiers and the celebration of success. These cathartic traditions were the artistic inspiration to create the iconography of the naval victories. Initially forbidden in the classic Greek era and regulated by Rome’s republican values and the influence based on the Eastern and Macedonian practices that gave kingship to his generals for decisive success, the appearance of images and monuments displaying victory started to show up as they realize the political power it implies to claim military achievements. Naval victory representations generated a rich artistic production in various and multiple forms, from sculptures to coins and even private home decoration; the goal was to be massively present. The Analogy between Roman’s and Hellenic’s celebration and commemoration of naval victories in all types of support allows a compilation of iconographic themes that belongs to the mythology, military and religious domains. The study of the political purpose of this art demonstrates that the representations were use as a broadcast support for ideologies. It’s the diversion of the naval military success into propaganda that became mainstream in politics and explains the originality and subtlety of naval victory themes.