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La littérature grecque permet de dénombrer une petite centaine de plantes utilisées dans l'Antiquité pour la confection de couronnes. Quelques unes de ces plantes nourrissent avec les puissances divines des relations privilégiées : le lierre, le laurier, le myrte, le chêne, l'olivier, l'oléastre entrent en résonnance avec Dionysos, Apollon, Aphrodite, Zeus, Athéna ou Héraclès. Comment s'opèrent ces rencontres entre matière et imaginaire ? De quelles façons la phusis de ces végétaux intervientelle dans ce jeu dialectique où l'imaginaire se nourrit de perceptions sensibles, où les perceptions sensibles sont elles-mêmes biaisées par l'imaginaire ? Les littératures botanique et médicale, riches d'informations sur les qualités des végétaux, nous permettent parfois d'atteindre ces particularités qui autorisent la mise en congruence d'une plante et d'un dieu. Ces quelques plantes, ne représentent pas, loin de là, toutes les plantes à couronnes utilisées. La violette, la rose, la jacinthe, l'asphodèle, le gattilier, le pin ou le céleri et bien d'autres encore, suggèrent tout un monde d'odeurs, de couleurset de symboles dont les sources littéraires et techniques nous laissent percevoir quelques bribes. Quelles que soient la quantité et la qualité des informations dont nous disposons pour chacun de ces végétaux, les sources montrent combien les stéphanomata font partie du quotidien des anciens Grecs. Les couronnes végétales marquent les moments de joie, de plaisir et de bonheur, elles distinguent les vainqueurs de nombreux concours et l'homme vertueux. Portées ou offertes, elles marquent ce moment de recueillement où l'être humain tente d'obtenir la faveur ou la protection des dieux, cet instant où il rend hommage au parent défunt / About a hundred plants used in Antiquity for the making of wreaths are mentioned in greek literature. Some of these plants are linked to the gods through specific relationships : ivy, laurel, myrtle, oak, olive and oleaster are connected with Dionysos, Apollo, Aphrodite, Zeus, Athena and Heracles. How do these material and imaginary worlds meet? In which ways does the phusis of these plants come into play in the dialectic process where the imaginary world is nurtured by sense perception, and where sense perceptions are themselves informed by the imaginary world ? Through Botanical and medical literature -both very informative on the qualities of the plants- we sometimes identify these peculiarities that allow us to establish the congruency between a plant and a god. These few plants are not, by far, all the plants used for the making of wreaths. The violet, the rose, the hyacinth, the asphodel, the chaste-tree, the pine, the celery and lots of other plants suggest a world made of odours, colours and symbols, from which we only perceive a few fragments through the literary and botanical sources. No matter the quality and the amount of information available to us for each of these plants, evidentiary sources show us how much the stéphanomata were part of the ancient's Greeks daily life. Wreaths made of plants mark moments of joy, pleasure, happiness, they single out the winners of numerous games and the virtuous men. Worn or offered,they characterize this contemplative moment when human being seeks the favor or the protection of the gods, as well as this instant when he pays homage to a departed parent

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Il n'existe à ce jour aucune monographie d'ensemble sur la répartition des offrandes dans les lieux de culte de la Gaule romaine, notamment des objets de parure. Cette thèse vise à combler cette lacune en prenant en considération les fibules en contexte cultuel, alors que celles-ci ne sont bien souvent envisagées que comme des objets de la vie quotidienne et étudiées en tant que telles. L'offrande de fibules est examinée à partir de leur distribution spatiale intrasite par phase de fréquentation, et ce sur l'ensemble des lieux de culte de la Gaule du 11e siècle av. J.-C. jusqu'au IV" siècle de notre ère. Ce travail est réalisé grâce à des cartes de répartition et aux outils statistiques de sériation. Cette analyse est complétée par l'étude typo-chronologique de l'ensemble des fibules répertoriées et par l'étude des associations de mobilier dans l'espace cultuel, en mettant plus particulièrement l'accent sur l'ensemble des objets de parure, afin d'identifier des pratiques religieuses spécifiques et de travailler sur l'offrande possible d'éléments aujourd'hui disparus comme les vêtements. Sont examinés entre autres les modes de dépôt des fibules, leur symbolique, leur lien éventuel avec certaines divinités, ou bien encore s'il s'agit d'offrandes individuelles ou collectives. Enfin, ce travail permet d'étudier les continuités et les ruptures entre les pratiques cultuelles de la fin de la période celte (LTD) et celles d'après la conquête césarienne, afin d'approfondir notre connaissance du processus de romanisation dans les provinces gauloises. / To date, there is no full monograph on the distribution of offerings in sanctuaries in roman Gaul, including ornaments. This thesis aims to fill this gap by taking into consideration the fibulas in cult context, white these are very often considered as objects of everyday life and studied as such. The fibulas's offering is examined from their intrasite spatial distribution by phase of attendance, and this on ail the sanctuaries of Gaul of the 2nd century BC to the 4th century AD. This work is done through distribution maps and statistical serialization tools. This analysis is complemented by the typo-chronological study of ail fibulas listed and by the study of furniture associations in the sanctuaries, with particular accentuation on ail objects of ornament, so that to identify specific religious practices and to work on the possible offering of elements that have now disappeared, such as clothing. Among other things, the modes of fibulas's deposit, their symbolism, their possible link with certain deities, or even individual or collective offerings are examined. This work finally allows to study the continuities and ruptures between the cult practices of the end of the Celtic period (LTD) and those after the Cesarean conquest, in order to deepen our knowledge of the process of romanization on the Gallic provinces.

La figurine en terre cuite gallo-romaine doit être perçue autrement que comme une simple statuette en ronde-bosse. Ce travail en l'associant à un contexte gallo-ro- main, qu'il soit civil, cultuel ou funéraire permet d'observer la figurine en tant qu'ob- jet archéologique. Il a comme support un inventaire "représentatif" de sites associé à un catalogue iconographique afin de décrire les figurines dans leur contexte archéo- logique. Cette étude vise à définir des fonctions et à donner une place à cette figurine au sein de la société gallo-romaine. Elle nous plonge dans l'histoire économique et sociale mais également religieuse et funéraire d'une frange modeste de la société gal- lo-romaine. La protection accordée par ces objets est recherchée dans les ateliers artisanaux mais également dans l'habitat sous la forme d'une représentation en terre cuite de Vénus, de la déesse-mère ou bien encore d'un personnage ou d'un animal. Il semblerait qu'elle reste dans la famille de la naissance à la mort. D'abord un jouet, elle devient une présence au quotidien puis un accompagnement dans la tombe. Son rôle diffère Lorsqu'elle est mise au jour en contexte cultuel, elle devient une offrande ou parfois même un ex-voto dans les lieux de culte et plus particulièrement dans les sanctuaires.

Réunissant des sources littéraires, épigraphiques, archéologiques, iconographiques et archéozoologiques, cette thèse étudie la question de la symbolique de l’animal dans la relation entre le mortel et la divinité, en s’intéressant particulièrement à Artémis et à Déméter, deux déesses en charge des problèmes des femmes à différents moments de leur vie. Pour répondre à cette interrogation, deux corpus sont mis en place : le premier répertorie 83 sanctuaires de Déméter et Artémis ayant un rapport avec les animaux, et énumère toutes les offrandes qui y ont été retrouvées, ainsi que les mythes et inscriptions associées. Le second corpus se place du côté de l’animal et regroupe les représentations et les textes hors sanctuaires attestant d’un lien entre l’espèce et l’une des deux divinités, mais reprend également les offrandes d’animaux déjà étudiées dans le premier catalogue, en les classant par type iconographique. L’analyse synthétique des données des corpus rassemble les animaux sous trois principales symboliques. Premièrement, la fécondité des femmes est au centre des préoccupations, pour assurer la pérennité de la cité. Ả ce titre, le porc entretient avec Déméter une relation particulière : durant les Thesmophories, il est utilisé pour assurer la fertilité à la fois des semailles et des femmes. Auprès d’Artémis, ce sont les animaux des milieux humides et l’eau qui favorisent la vie. Le bétail d’élevage est également offert aux deux divinités pour assurer la pérennité du troupeau et, par extension, de la cité. Ensuite, la femme avant son mariage est perçue comme un animal sauvage qu’il faut domestiquer. Artémis veille alors sur les jeunes filles et, en tant que déesse des passages, assure cette domestication par le mariage lors de l’arkteia, un rite d’initiation pendant lequel les fillettes font « l’ourse ». Divinité de la nature sauvage, elle a, tout comme la Pόtnia Théron, un pouvoir de vie et de mort sur les animaux mais aussi sur les femmes, qu’elle n’hésite pas à punir pour leur transgression, comme pour Callisto et Atalante. Artémis comme Déméter sont également des divinités kourotrophes qui s’occupent des enfants sans distinction de sexe et reçoivent des offrandes en conséquence. Enfin, si les animaux semblent auprès des deux déesses se rapporter principalement aux femmes, le cheval et le chien évoquent également le statut de citoyen, obtenu après une longue éducation dont Artémis est la garante. Ils sont aussi des animaux chthoniens et, au même titre que le serpent, le cochon et la tortue, permettant le lien entre le monde des vivants et celui des morts. Certaines espèces évoquent avec leur simple présence la divinité : c’est le cas du sanglier de Kalydon, qu’Artémis utilise pour se venger des hommes, et des victimes des sacrifices, qui permettent de communiquer avec les divinités. Malheureusement, certaines occurrences animales restent en marge de ces trois symboliques : elles sont offertes en trop petit nombre ou à d’autres divinités, ne permettant pas de faire un lien précis avec Artémis et Déméter. / This thesis is based on literary, epigraphic, archaeological, iconographic and archaeozoological sources and studies the symbolic of the animals in the relationship between women and divinities. Two goddesses have been chosen for this purpose: Artemis and Demeter. They have in common the fact they take care of women at different moments of their lives. Two main parts compose the survey. First, a catalog lists 83 sanctuaries of Artemis and Demeter who have a link with animals, together with offerings found inside and myths and inscriptions associated with. A second index classifies all the animals connected with Artemis and Demeter: offerings of the sanctuaries from the first corpus, imageries and texts no connected with a shrine but showing a link between an animal species and a goddess.A synthetic analysis of information from the catalogs talks about three main interpretations on the presence of animals beside Artemis and Demeter. At first, fertility of women is very important in ancient Greece because it permits to renewing the civic body. The pig has a special relationship with Demeter about fecundity: during the Thesmophoria, the animal is used to assure the fertility of both women and fields. With Artemis, wetland animals are connected with the water and the life. The cattle are also offered to both goddesses in order to assure the perpetuation of the herd and the city at the same time. Then, the woman before her marriage is like a savage animal and she must be domesticated. Artemis takes care of young girls because she is the goddess of passages and transitions. She allows the domestication of the girls with an initiation called arkteia: during this ritual, the little girls make “the bear”. As divinity of the wild nature, Artemis also is assimilated to the Pόtnia Théron and has the power of life and death on both animals and women. She punishes the girls who transgress the rules: Callisto and Atalante. Artemis and Demeter are kourotrophic goddesses taking care of all gender children. However, if the animals with the divinities are close to the women, there are in connection too with the boys: the dog and the horse evoke the citizenship status of the men and the formation of the young boys, especially with Artemis. Some species are also chthonic characteristics, as the snake, the pig and the tortoise and make a link between the life and the death. Other animals incarnate the divinity: the boar of Kalydon has been send by Artemis because she was angry and a lot of animals are victims of ritual sacrifices and permit a communication with the gods and goddesses. Unfortunately, there are also some species with no real connection with Artemis and Demeter: there are offered in small number in the sanctuaries of both divinities or there contrariwise are given to all the gods.

L’expression plastique des victoires navales opère tel un prisme à travers lequel s’observent les rites de célébration, les modes de commémoration et les desseins politiques de ses commanditaires. Il s’agit de s’intéresser à la naissance de cette image en remontant aux traditions grecques et romaines relatives au retour de guerre des soldats et à la célébration du succès. Ces coutumes à caractère cathartique ont inspiré les imagiers pour créer l’iconographie de la victoire navale. L’apparition des images et monuments pérennes exprimant la victoire, pourtant interdits dans la Grèce classique et réglementés à Rome par les valeurs républicaines, repose sur la prise de conscience du pouvoir politique de la revendication d’exploits militaires et sur des influences de pratiques orientales et macédoniennes qui accordaient la royauté à ses généraux pour des succès décisifs. L’expression de la victoire navale engendre une production artistique riche prenant des formes diverses, de la sculpture monumentale à la monnaie, en passant par la décoration privée, dans un but de diffusion massive. La confrontation des témoignages de la célébration et de la commémoration de la victoire sur mer, issus des deux mondes, sur tous les supports, permet de réunir l’ensemble des thèmes iconographiques qui appartient aussi bien aux domaines militaire, mythologique et religieux. L’examen des fonctions politiques de cet art démontre que ces manifestations ont été utilisées comme les supports de diffusion des idéologies. C’est ce détournement des succès militaires navals en propagande, devenu central dans la politique qui explique l’originalité et la subtilité des thèmes de la victoire navale. / The plastic expression of naval victories operates as a window through which can be observed the celebration rituals, commemoration modes and the political intentions of its bakers. The main purpose is to focus on the birth of this images dating back from the Greek and Roman traditions based on the returning soldiers and the celebration of success. These cathartic traditions were the artistic inspiration to create the iconography of the naval victories. Initially forbidden in the classic Greek era and regulated by Rome’s republican values and the influence based on the Eastern and Macedonian practices that gave kingship to his generals for decisive success, the appearance of images and monuments displaying victory started to show up as they realize the political power it implies to claim military achievements. Naval victory representations generated a rich artistic production in various and multiple forms, from sculptures to coins and even private home decoration; the goal was to be massively present. The Analogy between Roman’s and Hellenic’s celebration and commemoration of naval victories in all types of support allows a compilation of iconographic themes that belongs to the mythology, military and religious domains. The study of the political purpose of this art demonstrates that the representations were use as a broadcast support for ideologies. It’s the diversion of the naval military success into propaganda that became mainstream in politics and explains the originality and subtlety of naval victory themes.

Die Entwicklung der Musik im 20. Jahrhundert hat das Fach Gehörbildung vor neue Herausforderungen gestellt. Durch einen neuen Umgang mit den musikalischen Parametern (Tonhöhe, Klangfarbe, Dauer und Lautstärke) drohte die übliche Form des Gehörbildungsunterrichts und dessen traditioneller Gegenstand (Melodie, Harmonie, Rhythmus) als überholt betrachtet zu werden. Diese Situation hat ein neues Fach hervorgebracht, das an der Grenze zwischen Gehörbildung und Analyse angesiedelt ist. Angesichts der Komplexität der im 20. Jahrhundert stark individuell geprägten Tonsprache eines jeden Komponisten, die das unmittelbare Verständnis eines Werkes erschweren kann, scheint es absolut notwendig, den Studierenden mehr abzuverlangen als das Erarbeiten technischer Hörreflexe und das Beherrschen handwerklicher Mittel. Sie sollten über die Oberfläche eines ersten Höreindruckes hinausgeführt werden und mit rhythmischen und formalen Strukturen, Klangphänomenen sowie mit Aspekten der Zeitbehandlung oder der Zeitwahrnehmung konfrontiert werden. Ihre Hörfähigkeit sollte hinsichtlich dieser Parameter entwickelt und ihr Bewusstsein für die Problematik der Rezeption des zeitgenössischen Repertoires geschärft werden. Die Gleichbedeutung des Gelesenen und des Gehörten sollte für einen Berufsmusiker die technische Basis bilden und das innere Hören der gelesenen Partituren sowie das unmittelbare Sehen eines Schriftbildes des Gehörten sollten automatisch erfolgen können. Darüber hinaus scheint es wichtig, mit dem Unterschied zwischen dem ›Hörbaren‹ (die wahrnehmbaren musikalischen Strukturen) und dem ›Unhörbaren‹ (dem Intentionalen sowie dem Handwerklichen) konfrontiert zu sein. Am Beispiel der ersten Offrande von Edgar Varèse wird eine höranalytische Arbeit präsentiert, die diese Herausforderung entspricht: Ziel war es, die reine Beschreibung des Ablaufs und der verschiedenen musikalischen Ereignissen des Stückes für eine tiefgreifendere Analyse zu nutzen, die sich nicht auf der Oberfläche der instinktiven Wahrnehmung der Musik beschränkt, sondern versucht, die Homogenität des scheinbar zerstreuten musikalischen Materials und die Interaktion dessen einzelnen Elementen zu erfassen, um die tatsächlich sehr kompakte und dichte Einheitlichkeit des Stückes ans Licht zu bringen. Erst mit einem klaren und präzisen Verständnis dieser engen Verknüpfungen kann ein globales Hören des Stückes zu einem richtigen Hör-Erlebnis werden, das eine tiefere Bedeutungsebene der Musik erreicht. / The development of music in the 20th century has presented new challenges for the subject of ear training. Due to new approaches to musical parameters (pitch, timbre, duration and volume), the usual form of ear training and its traditional object (melody, harmony, rhythm) is threatened with obsolescence. This situation has created a new subject located on the boundary between ear training and analysis. Given the complexity of each composer’s highly individual language in the 20th century, which can obscure the comprehension of these works, it seems necessary to demand more from students than the development of technical listening reflexes and the mastery of craftsmanship. They should be carried beyond the surface of a first impression to be confronted with rhythmic and formal structures, sound phenomena as well as aspects of time treatment or perception of time. Their hearing ability should be developed in consideration of these parameters as well as their awareness of the problem of reception of the contemporary repertoire. Bringing into equivalence that which is read with what is heard should form the technical basis for a professional musician. Thus, the inner hearing of the score as well as the formation of a clear picture of what is sounding should automatically take place. In addition, it seems important to be confronted with the difference between the “audible” (the perceptible musical structures) and the “inaudible” (the musical thinking and craftsmanship). Using the example of the first of Edgar Varèse’s Offrandes, a hearing-analytical work is presented that meets this challenge: the aim was to use a pure description of the piece’s various musical events for a deeper analysis, one which is not limited to the surface of the instinctive perception of the music but tries instead to grasp the homogeneity of the seemingly scattered musical material and illuminate the piece’s compact unity through the interaction of its individual elements. Only with a clear and precise understanding of these close connections can exposure to the piece become a real listening experience that reaches the music’s deeper levels.