The centrality to philosophy of the relation between philosophers and artists is as old as philosophy itself. Regardless of whether one accepts Arthur C. Danto's claim that 'philosophy down the ages has consisted in placing codicils to the platonic testament', it is difficult to ignore the challenge the ancient Greek thinker posed when he excluded artists from his Republic. My thesis takes up this challenge head-on, critically asking why a philosopher would take an artist seriously, why addressing artists is so essential to engaging with society and even the world. As it turns out, this question itself involves several queries. The first wants to understand what it means to take someone seriously at all, to understand that to take seriously is to run the risk of taking too seriously, and thereby to fall into ridicule. The second links these insights into seriousness' non-seriousness to the particular case of philosophers and artists. This is to recognize that for a philosopher the recourse to the artist is a claim about the seriousness, not just of the artist, but also of the world itself. It is the claim that our conception of the world is at stake, is serious. Thirdly, we must account for the model of art and artists in this conception, and grasp that the exemplarity of artists is simultaneously their counter-exemplarity. As such, the exemplarity of the artist is indeed his inappropriateness to the Republic, but also the basis for there being any Republic at all. In order to address these queries, the thesis focuses on three prototypical examples: Friedrich Nietzsche on Richard Wagner, Martin Heidegger on Friedrich Hölderlin, and Theodor Adorno on Arnold Schönberg. In all three cases, the recourse to the artist is central to the philosopher's greater philosophical project, and for each, the artist stands as a potential model for our necessary engagement with the world.

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This thesis examines a spects of the relationship between Eastern and Western art, and philosophy, specifically through the analysis and application of traditional Chinese yijing aesthetic theory and Chan philosophy,with particular reference to contemporary environmental installation practice. I am particular interested in the relationships between the artist, the audience the artwork and the engagement o f all of these with the space.I wished to see whether yijing theory and Chan philosophy might be provide a framework for the development and direction of my own installation practice and to discover whether my resulting artwork could in turn produce a direct interpretation of yijing and Chan. All of this research has been written up in Chapter 1- 4 with an examination of essential background information on the aspects of Chinese art and aesthetic theory known as yi fing. Further such research was undertaken in the area of Chan Buddhism and its relationship to art and the artistic process. This was followed by an investigation of the characteristics of Chinese and Japanese garden design and how they can be seen to exemplify aspects of yijing and Chan. I then considered the history and development of East-West cultural interaction, aspects of environmental and installation practice and certain works by Turrell, Long and Teshigahara in order to provide an historical and theoretical context for my practical work. I Chapter 5 provides a detailed account of 10 practical projects, featuring the process of initiation, development, realisation, appraisal and documentation. Each project has been created and organised according to specific aims and objectives with appraisal and reflection of each project contributing to the particular focus of the practical work that followed. The conclusion of the thesis culminates in the final project, "Bright Moon Tender Wind', which sought to provide a conclusive statement in relation to the research themes. There is extensived ocumentation including images on a CD ROM for all my projects relating to the thesis.

Les Arts Immersifs apparaissent comme une expérience spatio-temporelle esthétique formant une trilogie entre le dispositif, l’artiste et le spect-acteur, le tout faisant œuvre. L’émersion d’idées, de sensations, d’émotions dans le corps vivant de l’actant est le résultat de dispositifs inductifs, produisant l’activation inconsciente et spontanée de l’imaginaire. La profondeur du corps est activée par l’immersivité produite par le dispositif artistique à travers l’une de ces typologies proposées : Interactions, Imsertions, Hybridations. L’immersant qu’il soit l’artiste lui-même ou le spect-acteur, éveille dans son corps des sensations et émotions inédites qui viennent modifier ses perceptions sensorimotrices, proprioceptives et parfois neurophysiologiques, produisant une nouvelle interprétation esthétique de l’univers dans lequel il est immergé / Immersive Arts appear as a spatiotemporal aesthetic experience resulting in a trilogy which brings together the dispositive, the artist and the spect-actor. Inductive measures awakening the unconscious and spontaneous part of our imagination create the emergence of ideas, feelings and emotions within the actor’s living body. The depth of the body is activated by the immersion through the artistic mechanisms using one of these typologies: Interactions, “Imsertions” and Hybridisations. The spect-actor or the artist himself experiencing the immersion brings to life in his whole body new feelings and sensations, thus altering his kinaesthesia, his sensory motor and neurophysiological perceptions, developing a new aesthetic interpretation of the universe he is immersed in

Jusqu’à quelques années en arrière, pouvait encore prévaloir le préjugé que l’or cesse d’occuper une placeprépondérante dans l’histoire de l’art après que l’Antiquité et le Moyen Âge en aient fait le parangon de lavaleur, du beau et du divin. Si le Baroque et l’Art Nouveau offrent, manifestement, quelques magnifiquesoccurrences dorées, celles-ci pouvaient être considérées comme purement décoratives, ce qui permettaitparfois d’en disqualifier esthétiquement les périodes et les styles. Un examen objectif de la production artistique de la période moderne et contemporaine montre pourtant que, si l’étalage de l’or semble incompatible avec certaines thèses des avant-gardes artistiques en raison des connotations symboliques (principalement religieuses et politiques) attachées à son prestige et à sa préciosité, les artistes n’ont, de fait, jamais renoncé à en faire usage, encore que de façon plus ou moins subreptices. L’ambition de cette étude est de montrer que l’usage de l’or dans le monde de l’art de la période récente, s’il répond à des programme esthétiques singuliers et, parfois, contradictoires entre eux, partage aussi le fait qu’il vise toujours à produire un maximum d’effet sur ses usagers (artistes et spectateurs). C’est pourquoi nous utilisons ici la formule « aurum ex machina » car il nous semble que l’or, tel le dieu antique qui vientartificiellement dénouer la représentation (« deus ex machina »), arrive toujours à brûle-pourpoint dans laproduction ou la carrière d’un artiste plasticien de manière à sidérer (par sa beauté, sa brillance, sonintelligence, etc.) celui qui en perçoit sensiblement l’intensité. À travers de nombreux exemples, c’est cefonctionnement machinique de l’or que nous tentons d’analyser en déclinant plusieurs modalités d’action del’or dans l’art contemporain et en distinguant, de manière empirique, ce qui relève du concept (l’or commemachine réfléchissante), de la performance (l’or comme machine spectaculaire) et de l’érotisme (l’or commemachine désirante). Pour autant qu’on en puisse juger, le début du XXIe siècle, marqué, à la fois, par untriomphe éhonté et une crise profonde du capitalisme, offre aux artistes d’aujourd’hui, la perspective, à la foisdécomplexée et plus complexe que jamais, d’un or qui, pour être vraiment contemporain, n’en reste pas moins éternel / Until very recently, it was believed that gold no longer held a prominent place in the history of art after theAntiquities and the Middle Ages as the paragon of value, beauty and divinity. If Baroque and Art Nouveaudisplayed several magnificent, golden works, these were purely decorative and offering, sometimes, theopportunity to critique the aesthetics of the period and the style of the time. An objective consideration of artistic production in the modern and contemporary periods shows that, if the display of gold appears incompatible with certain theories of the avant-garde, because of it’s symbolic connotations (principally religious and political) linked to its prestige and value, artists never stopped using it, even though it was used more or less surreptitiously.The goal of this study is to show that, even if part of a specific aesthetic, and sometimes contradictory, program,the recent uses of gold in the world of art share the objective of producing the maximum effect on users(artists and spectators). This is why I use the formulation aurum ex machina because it seems that gold, like theGod of antiquity who arrived on scene at the last minute to magically resolve the crisis at hand, deus exmachina, the turn to gold always arrives at a critical moment in the production or the career of an artist who isovercome by the material’s beauty, radiance, intelligence, etc. and who feels overcome by it’s intensity.Exploring numerous examples, I follow the machine like workings of gold and analyze the different ways thatgold functions in contemporary art. In an empirical manner, I distinguish between the implications of gold as aconcept (gold as a reflecting machine), as a performance (gold as a spectacular machine) and as eroticism (goldas a desiring-machine). For as much as we can tell, the beginning of the 21st century is marked both by ashameless triumph and a profound crisis of capitalism, which offers today’s artists a perspective on gold that is uninhibited but more complicated than ever, still contemporary and always eternal

Dans Trouble dans le genre (1990), Judith Butler affirme que le drag démontre la structure imitative du genre. Si, dans le sens commun, le drag est souvent rattaché à la performance travestie, nous allons voir avec Butler qu’il recouvre un ensemble complexe de pratiques corporelles (rôles sexuels, modifications corporelles, etc.). Alors, comment s’est constituée la théorie butlérienne ? Quelle est son influence sur les pratiques plasticiennes et sur les théories queer qui lui succèdent, participant indirectement (sinon involontairement) à la construction d'une esthétique drag qui intègre le transgenre ? En premier lieu, nous verrons que Butler étudie la performance drag à travers une anthropologie des artistes travestis élaborée par Esther Newton (Mother Camp, 1972), ainsi que par une critique du transgenre dans les films Paris is Burning (1991) et Boys don't cry (1999). Nous observerons ensuite comment les drag kings, photographiés par l’artiste Del LaGrace Volcano, sont interprétés par Judith Halberstam, à la suite de Butler, comme des performances qui dénaturalisent le genre et engagent parfois le corps des artistes jusqu'à la limite du transgenre. Enfin, à l’appui du philosophe Paul B. Preciado qui théorise sa propre "intoxication" à la testostérone (Testojunkie, 2008), nous aborderons l'art transgenre comme une esthétique biodrag qui incorpore littéralement la théorie butlérienne, en même temps qu'elle l'altère. À travers ces trois moments-clés, nous voudrions montrer comment la théorie butlérienne a produit une esthétique drag en mutation constante qui s'imprègne des grands récits de son temps, mais évolue aussi jusqu'à bouleverser les discours qui l'ont en partie engendrée / In Gender Trouble (1990), Judith Butler asserts that drag demonstrates the imitative structure of gender. If, in the common sense, the drag is often connected with cross-dressed performance, we will go to see with Butler that it recovers a complex set of bodily practices (sexual roles, body modifications, etc.). Then, how was etablished the Butler’s theory? What is its influence on the artistic practicals and on the queer theories that succeed her, contributing indirectly (if not involuntarily) to the construction of a drag aesthetic which integrates the transgender? Firstly, we will see that Butler studies the drag performance through an anthropology of the female impersonators elaborated by Esther Newton (Mother Camp, 1972) as well as by criticism of the transgender in the films Paris is Burning (1991) and Boys don't cry (1999). We observe afterwards how, after Butler, Judith Halberstam interprets the drag kings, photographed by the artist Del LaGrace Volcano, as performances whom denaturalize gender and, sometimes, engage the body of the artist until the limit of the transgender. At last, by using the philosophy of Paul B. Preciado who theorizes his own testosterone "intoxication" (Testojunkie, 2008), we will discuss the transgender art like a biodrag aesthetic which literally incorpore the Butler’s theory, at the same time that she modifies it. Through these three moments, we would want to show how Butler’s theory produced a drag aesthetics constantly changing which is permeated with grand narratives of his time, but also evolves until overturn the speeches which partially engendered it

L’illusionnisme, ou prestidigitation, est magie simulée, mise en scène du surnaturel. Cette thèse dresse un panorama de cette discipline à la Renaissance selon deux généalogies. La première est technique et pratique. Elle se fonde sur la littérature antique des secrets et la magie naturelle, transmises jusqu’aux savants, ingénieurs, artisans, saltimbanques et philosophes naturels renaissants. Elle implique une esthétique spécifique du choc, de la merveille ou de l’attraction. Sa subtilité technique fascine. Basée sur l’ingenium, elle suppose un « double public » de profanes et d’initiés. Elle ouvre à une science spectaculaire, une technique ludique, se révèle un puissant outil pédagogique et un excellent remède à la mélancolie. La seconde généalogie concerne sa réception sociale. La théologie, la démonologie, la littérature et les beaux-arts se sont confrontés au bateleur et en ont fait un marqueur d’illusion. Figure symbolique utilisée par les prédicateurs ou les polémistes, il prend place au cœur des débats sur la nature des actions diaboliques, la puissance du signe ou la transsubstantiation. Faisant du diable le suprême bateleur, la démonologie condamne généralement en retour le « prestigiateur » et ses illusions. A la croisée de ces deux généalogies, Reginald Scot, protestant, démonologue et premier pédagogue de la prestidigitation, en fait l’instrument de la critique sceptique la plus radicale, dédiabolisant les phénomènes surnaturels. Finalement, l’illusionnisme, véritable objet de savoir transverse à tous les champs, permet de jeter un autre regard sur la technique à la Renaissance. / Illusionism, conjuring art or legerdemain, is simulated magic, staging the supernatural. This thesis provides a global picture of this discipline during the Renaissance period, following two genealogies. The first is technical and practical. It is based on the ancient books of secrets and natural magic, transmitted to scholars, engineers, craftsmen, mountebanks and natural philosophers of the Renaissance periode. It involves a specific aesthetic of shock, wonder or attraction. Its technical subtlety fascinates. Based on ingenium, it assumes a "dual public" of laymen and initiates. It opens to spectacular science and playful technique. It is a powerful teaching tool and an excellent remedy for melancholy. The second genealogy deals with its social reception. Theology, demonology, literature, and the fine arts faced the juggler and made it an illusion sign. This symbol is used by preachers or polemists and takes place at the heart of debates on the nature of devil actions, the power of the sign, or transubstantiation reality. Making the devil the supreme juggler, demonology generally condemns in return the praestigiator and his illusions. Merging these two genealogies, Reginald Scot, Protestant, demonologist and first pedagogue of legerdemain, makes it the instrument of the most radical skeptical criticism, de-demonizing supernatural phenomena. Finally, illusionism is a true object of knowledge, transverse to all the fields, giving a new insight on the Renaissance period technique.

Le premier travail de cette thèse a consisté à envisager l'artiste, essentiellement, comme un auteur. Il nous a conduit à suggérer, quant à l'auteur, que sa mort jadis annoncée imposait de penser sa résurrection à partir d'autres catégories et outils conceptuels que ceux qui ont permis de constater son décès. Après avoir démontré, d'une part, que l'auctorité (authorship) définissait exemplairement l'artiste, et s'être acquitté, d'autre part, d'un indispensable rappel historique permettant de comprendre les conditions de son apparition, nous avons tâché de faire jouer entre eux (au double sens de mettre en relation et de donner du jeu) les éléments qui structurent le phénomène artistique, ses doctrines et ses discours associés. Nous avons cherché à déceler, dans cet espace non ajusté, propice aux paradoxes et aux contradictions, le lieu d'une possible redéfinition de l'artiste-auteur, bâtie sur une rationalité plus large que celle d'une simple causalité. / The initial task of this thesis consisted in considering the artist mainly as an author. As for the author, this led us to suggest that his death, once announced, required to think of his resurrection from other criteria and conceptual tools than those which made it possible to bury him. Having established, on the one hand, that authorship defines the intrinsic status of the artist, and put forward, on the other hand, a necessary historical reminder in order to encompass the conditions of its emergence, we attempted to clear up (in the sense of displaying interactions and leaving a clearance between) the elements which structure the artistic phenomenon, its doctrines and related discourses. We sought to uncover, in this unadjusted space full of paradoxes and contradictions, the place of a possible redefinition of the artist-author, built on a rationality broader than that of a mere causality.

Faire une recherche sur l'histoire de l'art contemporain chinois implique la formation de deux questionnements essentiels. Tout d'abord, il est possible d'émettre un doute quant à la pertinence de l'emploi du terme contemporain. L'interminable débat sur la notion de contemporanéité a laissé place au second questionnement, d'ordre géographique. Existe t-il un art contemporain chinois ? De Ma Yuan à Dong Qichang, la première grande partie de cette recherche s'est employée à brosser le portrait de l'inclinaison prise par l'art chinois. Il sera intéressant d'observer comment les artistes actuels se sont emparés de la culture antique chinoise et l'ont ressuscitée à travers le prisme de leur réalité contemporaine. Il convient d'opérer une scission dans le schéma chronologique, matérialisée par l'avènement de la République Populaire de Chine. L'aversion pour l'art du Parti Communiste associée à la volonté d'asservir la production artistique de manière utilitariste fut la source d'une esthétique et de codes formels inédits, directement empruntés au réalisme socialiste russe et à la propagande nazi. / The research on the history of the Chinese contemporary art implies two essential questions. First of all, we may question the use of the word "contemporary". The never-ending debate concerning contemporaneity has lead to the second question which concentrates on a more geographical point. Does a contemporary Chinese art really exist? From Ma Yuan to Dong Qichang, the first part of this research aims at tracing the evolution of Chinese art. It will be interesting to see how current artists seized the traditional Chinese culture and resurrected this art through the prism of their contemporary reality. It is necessary to link this ascension to the rising of the Popular Republic of China. The hatred of the Communist Party for art, associated to the will of producing a new utilitarian art, were the source of innovative aesthetics and formal codes directly influenced by the Russian socialist realism and the Nazi propaganda.