Le présent mémoire vise à sonder les alliages entre l'image fixe et l'image animée tels qu'ils s'articulent au sein de Salut les Cubains, réalisé en 1962 suite à un voyage d'Agnès Varda à Cuba. En effet, la cinéaste faisait partie d'une délégation d'artistes invités par l'Institut national du cinéma cubain en 1961. De ce voyage, elle prit des milliers de clichés. En choisissant 1800 photos, elle en fit un film qui combine les médiums de la photographie et du cinéma. Étudier l'oeuvre de la cinéaste nous a permis d'investir l'intrication de deux médiums constamment présents dans son travail; la photographie et le cinéma. Sous quels aspects le médium photographique constitue-t-il un modèle processuel dans l'écriture cinématographique d'Agnès Varda? Voilà la question fondamentale articulant ce mémoire. En usant des approches sémiologiques et psychanalytiques, nous avons démontré sous quels modes la photographie détermine conceptuellement et investit plastiquement les oeuvres de la cinéaste. Nous avons ainsi examiné les répercussions narratives produites par la photographie sur la structure du film. Elle participe au récit et en module toute la trame filmique. Le processus créatif de la cinéaste se voit infléchi par la pratique photographique. Nous croyons que le couplage des deux médiums, par effet d'association, narre la photographie et fixe le cinéma dans un espace temps. La photographie se voit investi de propriétés appartenant au médium filmique et qui lui étaient jusqu'alors étrangères; tels une inscription dans la temporalité et un potentiel de narrativité lié à la diégèse. Ce travail vise à mettre en lumière l'entrelacement des propriétés formelles des deux médiums et les conséquences d'une telle intermédialité sur la structure finale de l'oeuvre. Cette recherche nous aura permis de saisir la volonté de la cinéaste de briser les frontières, quelles qu'elles soient. Nous pourrions avancer que Salut les Cubains s'inscrit dans cette réflexion sur le temps. En intégrant la photographie dans le cinéma, Agnès Varda sonde la définition même des images et leur pérennité retrouvée grâce à la durée. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : cinéma, photographie, intermédialité, Agnès Varda, Salut les Cubains

Thèse de doctorat : Sciences de l'information et de la communication : Rennes 2 : 2008. / Version de diffusion (sans annexe 1).

Ce mémoire propose d'analyser trois séries photographiques que le photographe canadien William Notman consacre au thème de la chasse. Dans la deuxième moitié du XIXe siècle, Notman ouvre un studio de photographie à Montréal et connaît rapidement un franc succès. Chasseurs, guides et bêtes posent dans de multiples circonstances liées à cette activité. Les photographies de Notman ont cette particularité d'avoir été entièrement réalisées en studio. Tout y est mis en œuvre pour créer l'illusion de scènes se déroulant dans un cadre naturel, de manière à favoriser un mode de réception qualifié d'immersif, selon le terme de Jean-Marie Schaeffer. Une attention particulière sera accordée aux comptes rendus qu'Edward Wilson, un contemporain de Notman, réalise de ces séries photographiques. Ceux-ci permettent en effet de jeter les bases d'une analyse de la participation du spectateur à l'élaboration narrative des séquences photographiques à l'étude. Ce mémoire propose également d'examiner les stéréotypes et les mythes véhiculés par les représentations de Notman. Contemporaines de la Confédération, la circulation et la diffusion de ces images procèdent de l'élaboration d'un imaginaire national. Ce contexte historique est déterminant, puisque la jeune nation en instance de définition a recours à la production culturelle afin de promouvoir sa singularité à travers le monde. Par ailleurs, l'intérêt croissant pour les colonies encourage le développement du tourisme en Amérique de Nord. Or, l'attrait premier du Canada est la chasse et ses étendues sauvages. Ce mémoire propose en définitive une analyse des catégories identitaires mises en scène dans les œuvres de Notman (l'Autochtone, le Canadien anglais et le Canadien français) à travers une interrogation sur la symbolique du « wilderness ». ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : imaginaire, William Notman, photographie, chasse, fiction, XIXe siècle, Canada

Th. Ph. D.--Faculty of the college of arts and sciences--Washington--American University, 1970. / Bibliogr. p. 338-345.

Dans ce mémoire, je donne un aperçu de ma perception de ce qui m'entoure et de la manière dont j'aborde le monde à travers ma pratique artistique. Mes déplacements sur le territoire se font à l'intérieur de sites et de paysages que je m'approprie avec la photographie. Je travaille à partir de parcelles extraites du réel, des fragments issus du champ visuel et physique existant, et j'exploite leur effacement partiel à l'aide de la surexposition et du traitement des images. Le brouillage résultant advient également et inévitablement pour moi dans le souvenir que j'ai de mes prises de vue. Une fois que j'ai quitté les lieux photographiés, je m'en fais une représentation paysagère qui s'éloigne déjà du vécu in situ. Je reconstruis dès lors, à partir de cette nouvelle réalité brouillée et fragmentaire, quelque chose de concret et de praticable, qui permettra un renouvellement de l'expérience par le corps. Je travaille mes constructions en intégrant des vestiges de territoire, donnant ainsi une forme renouvelée à l'espace et au temps dont ils se sont dissociés dans la mémoire et l'acte photographique. De cette façon, je prends concrètement part au chantier cyclique du construit, de l'effacement et de ce qui les relie.

J'ai choisi la photographie comme principal médium de ma pratique artistique parce que j'aime capter au vol la vie de tous les jours. Avec la photographie, je me sens confrontée à la réalité. Mes clichés reflètent un paysage immobile, recadré, que j'ai tué au passage et figé dans le temps. Ils représentent aussi la mémoire d'un lieu ou d'un objet en soulignant la présence de l'autre. Lorsque je parle de capturer l'image, je cherche à concrétiser le désir de la fixer et de la garder en souvenir. Un souvenir impérissable, immortel ... Mon errance photographique se traduit par de multiples facettes. Depuis plusieurs années, mon appareil photo est le prolongement de mon corps. Il habite mon environnement journalier et amplifie ma vision à la manière d'un troisième œil. J'ai structuré mon processus créatif dans un ordre logique afin de bien expliquer ma recherche visuelle, tout en respectant ma nature intuitive et spontanée. Le fruit de ma démarche prend finalement l'aspect d'un film photographique (multimédia).

Être photographe et dire mes photographies. Dire mes photographies comme je photographie. Écrire comme je photographie. À peine. Des images qui n'illustrent pas. Des mots qui n'expliquent pas, qui ne disent presque pas. Inventer une exposition. De photographies et de mots. De mots dans des photographies. Une exposition de dépaysements. Le mien. Celui d'autres aussi, photographes1 écrivains, qui m'ont accompagnée tout au long de cette année ailleurs, loin de là d'où je viens. Entre ici et là-bas: l'océan - c'est important. Vouloir que ce texte-là, qui accompagne l'exposition, soit aussi trouble et troublant que veulent l'être mes images, que l'est le dépaysement. Oser prétendre à l'absence de réponses, à l'ébranlement, à l'inconnu, à l'improbable, à l'inquiétude, à l'approche du silence, à l'étonnement, au fragile. Être entre deux. Dépayser, dépaysager, dévisager.

Ce texte se veut un accompagnement des œuvres présentées dans le cadre de ma maîtrise. Une recherche qui m'a amenée à réfléchir sur les réseaux et les structures, plus particulièrement ceux qui se trouvent dans la nature et ceux que j'ai créés. D'avoir à transposer sur papier mes gestes et mes idées m'a permis de percevoir le lien cohérent qui liait chacun de mes choix. Le passage de l'action à la réflexion m'a révélé qu'un processus de création génère ses propres exigences et qu'il se nourrit dans mon cas autant d'échanges littéraires que d'actions sur le terrain. Lors de ma recherche, étant réceptive à l'environnement naturel et à tout ce qui le compose, j'ai utilisé la spécificité de la nature comme vecteur de création pour chacune de mes explorations. Le concept qui régit mon activité créatrice est la transparence, celle-ci agit comme médiateur dans ce lieu. J'ai donc adopté des matériaux et des médiums qui correspondent à cette caractéristique. Et dans ce sens, cette réflexion se présente sous forme narrative en rapportant chacune des étapes déterminantes de mon parcours et en racontant mes tentatives pour traduire l'idée de la nature autrement que par l'évidence d'un lieu.

Ce mémoire est traversé par le mouvement, par les saisons et par les eaux qui mènent à la lumière. Il est également traversé par l'estampe, par l'installation et par la vidéo. C'est un récit de vie qui relate un véritable parcours, tant géographique qu'humain, à travers lequel j'ai entrepris une quête pour m'affranchir des contraintes passées. Aspirant à un second souffle, je me suis lancée dans des projets de création à l'étranger où l'Ailleurs est devenu un véritable potentiel de création. Cet Ailleurs m'a permis de prendre conscience de ma propre expérience du monde et, à travers elle, j'ai compris l'importance du contexte dans ma pratique artistique. Sachant que tout contexte est éphémère, je deviens sensible aux changements infimes du temps qui passe et me laisse imprégner par eux. Mes œuvres incarnent ce qu'il reste de mon expérience sensible du monde : ce qu'il reste des vagues. Elles en sont le catalyseur, et elles deviennent son vestige pour voyager jusqu'à vous. / My thesis has been shaped by movements, changing seasons, and the spaces where waters and light meet, just as it is steeped in my printmaking, installation, and video art practices. It tells the story of a life and of the geographic and personal journeys to free myself from the artistic constraints that formerly bound me. In search of a creative "second wind", I completed residencies far from home. My immersion in these Elsewheres spurred my creative process, threw into relief my experience of the world and highlighted the importance of context to my art practice. Because all context is ephemeral, I have become increasingly sensitive to the slightest changes wrought by the passage of time, deliberately seeking them out and finding ways to make time pass through me. My work gives form to what remains of this sensory experience of the world, much as a receding wave leaves physical traces and flotsam and jetsam behind : these are at once the catalyst and the vestiges of my art as it makes its journey to the viewer - its journey to you.

Nées de la nécessité de questionner tant mon rapport au monde qu'à l'écriture, les deux parties de cette thèse tentent de rendre compte d'une pratique artistique éclatée qui touche à la poésie, aux nouvelles, à la photographie et à l'essai. Avec en filigrane le souci de tenir compte des fluctuations et des pauses inhérentes au processus créateur, c'est le fondement même de ces pratiques hétérogènes qui est remis en cause par une poétique et par une théorie de l'acte créateur. À travers les textes de création et les chapitres réflexifs sont interpellés, dans Arpenter l'horizon : Poèmes, photographies, nouvelles et réflexions, autant le rapport à l'enfance, à l'autre et à l'espace que les liens de la création avec ce qui pourrait constituer le « réel extérieur ». Car « arpenter l'horizon », ce serait précisément cela : parcourir ce lieu de l'imaginaire où se rencontrent tout à la fois les obsessions personnelles et le monde extérieur, les résistances et les fantômes, pour découvrir comment ils nourrissent et traversent l'écriture. Les différentes formes de création se côtoient sans avoir besoin de se justifier, leur proximité montrant plutôt qu'elles ne sont jamais qu'un seul et même regard. Il ne s'agissait pas dans cette poétique d'« appliquer » aux textes des conceptions de l'écriture mais davantage d'aller à la rencontre de ces obsessions qui traversent autant les différents types de création à proprement parler que la réflexion. Et, au fil des préoccupations révélées par les textes, une question récurrente, presque lancinante, s'est imposée, traversant au même titre la photographie que la poésie, les nouvelles et les essais : qu'elle est cette distance nécessaire entre l'écriture et ses objets ? La recherche de cette distance juste constitue peut-être le lien entre la partie création et la partie dite théorique, Pour une théorie de l'acte créateur. Se nourrissant autant des poétiques d'auteurs que de la psychanalyse, la théorie proposée dans cette partie s'appuie fortement sur le processus à l'œuvre dans l'acte photographique pour expliquer le processus créateur en poésie et dans l'écriture de formes brèves. Trois phases sont dégagées : la contemplation active, le ralentissement et l'acte créateur. Dans une perspective poïétique, les trois phases sont ici expliquées en fonction d'une réinscription du corps sensible dans le travail créateur qui permet à l'écrivain et au photographe de dépasser la simple visée esthétique pour atteindre une sorte de vérité de l'expérience créatrice. Le recours à la photographie comme exemple et comme modèle théorique permet tout à la fois de donner un langage à la création et de présenter l'acte créateur en poésie et dans les formes brèves comme geste. Cette conception du processus créateur prend finalement en considération les différents niveaux d'intensité des phases, et les modifications de perceptions (du temps, de l'espace, du corps et de la création en général) à l'œuvre dans le travail créateur.