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De la ilustración gráfica a la pieza artística autónoma: modernidad y vanguardia en la xilografía de José Sabogal (1919-1929)Valenzuela Suárez, Claudia Catherine 20 January 2020 (has links)
La presente investigación tiene por objetivo visibilizar una época crucial para la
construcción de la imagen gráfica del grabado y la movilidad e intencionalidad
de la imagen xilográfica, tanto en el medio artístico como en la prensa gráfica.
Nos hemos valido de herramientas historiográficas para analizar el contexto y
sus vínculos con personajes cruciales en la década de los veinte, así como
establecer comparaciones entre las obras gráficas de Sabogal y las de otros
artistas locales e internacionales.
La investigación indaga en cómo se va disolviendo y entretejiendo los límites
del objeto gráfico para convertirse en artístico, y como a través de esta imagen
gráfica y xilográfica se visibiliza el influjo del movimiento simbolista
yuxtapuestos y matizado con otros influjos como lo serán el primitivismo y
expresionismo.
Nuestro objetivo es determinar un período embrionario de la imagen xilográfica,
a través de la producción de José Sabogal. Una etapa de construcción
heterogénea, que se desplaza y moviliza por dos canales: el primero, como
arte menor para ocupar un lugar en el campo expositivo, el segundo,
correspondiente a la imagen xilográfica dialogante con el espectador a través
de los libros ilustrados y las portadas de revistas. Y sobre todo, determinar a un
Sabogal abierto a la experimentación formal nutriéndose de movimientos
artísticos del pasado y de su época global contemporánea.
A través de la obra xilográfica podemos desentrañar nuevos aparatos que
difieren del campo ideológico político, para centrarnos en el estético y sus
posibles vínculos, tanto con la modernidad de fin de siglo como con la
vanguardia internacional europea. Esto no significa que en nuestro análisis
vamos a soslayar el componente ideológico de las imágenes xilográficas, por el
contrario, nuestra intención es demostrar que dicha dimensión conceptual
interactúa con la concepción formal de su obra. Este proceso creativo de
Sabogal lo revela en su contexto, como un agente cultural tanto local como
global. / Tesis
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La influencia de Daniel Hernández en el lenguaje visual de sus estudiantes y los inicios de la Escuela Nacional de Bellas Artes (1919-1931)Escobar Tapia, Hector Omar 22 October 2018 (has links)
El presente trabajo de investigación se justifica en la necesidad de entender los inicios
de la profesionalización artística en el Perú (1919). Así, este texto tiene por objetivo
analizar la gestión de Daniel Hernández, como director-fundador y docente de la
Escuela Nacional de Bellas Artes, mediante un análisis visual y documental con la
finalidad de entender la influencia de Hernández en el lenguaje visual de sus
estudiantes. De esta manera, la hipótesis de este trabajo sostiene que existe una
influencia positiva de Daniel Hernández en el lenguaje visual de sus estudiantes.
Influencia que se da mediante la aplicación de las modernas estrategias
metodológicas de los talleres independientes europeos que - lejos del rígido
academicismo decimonónico francés- proponen relacionar la práctica artística con la
experiencia visual del artista y con una idea de modernidad. Por otro lado, esta
investigación utiliza una metodología cualitativa, no experimental, en base a fuentes
primarias y secundarias. Entre las primeras se encuentra el archivo fotográfico de las
Exposiciones Escolares de la Escuela Nacional de Bellas Artes. Entre las segundas,
están los diarios y revistas (1919-1931). Como conclusiones, se puede afirmar que,
bajo la gestión de Daniel Hernández, la Escuela Nacional de Bellas Artes estableció
un diálogo con el contexto social y político de la llamada Patria Nueva de Augusto B.
Leguía. Mientras, desde la docencia, se propuso nuevas metodologías y herramientas
didácticas para el desarrollo del lenguaje visual de los estudiantes de la Escuela. Así,
bajo la dirección de Daniel Hernández se formaron los primeros y más importantes
artistas profesionales del Perú y se gestó la primera generación dorada de la Escuela
Nacional de Bellas Artes. / Tesis
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La producción final de Sérvulo Gutiérrez: Santa Rosa de Lima y el Señor de Luren, iconos religiosos criollosYarleque Ubilluz, Carlos Alberto 24 September 2018 (has links)
En la presente investigación se analiza la etapa tardía en la pintura del artista Sérvulo
Gutiérrez. Para ello se recurre a los motivos pictóricos que dominaron los últimos años de
su producción artística: Santa Rosa de Lima y el Señor de Luren. La profusión de estos
íconos religiosos criollos en su pintura final nos permiten evidenciar una nueva etapa
pictórica inserta dentro de sus últimos años de vida (1958-1961) que se ha denominado
etapa icónica. Al integrar a Santa Rosa de Lima y el Señor de Luren en su producción
artística final Sérvulo replantea dos íconos tradicionales de la pintura peruana y devuelve
a la población criolla de su época en una clave expresionista y sintética. Esta producción
permite evidenciar el aporte de Sérvulo Gutiérrez a la idiosincrasia criolla de su época —
que se encontraba desestabilizada ante el fenómeno de la migración— al otorgarles unos
renovados símbolos de su identidad que han sido parte de su tradición desde la Colonia.
De igual manera presenta un hito en la producción artística del siglo XX dedicada a los
íconos criollos religiosos al devolverlos a la escena principal artística con una propuesta
secular y alejada de los altares. Ello, aunado a su capacidad de síntesis expresiva —basada
en un cromatismo y trazos esquemáticos y contrastantes— los convierte en un renovado
símbolo de fe y reafirmación de su identidad para la población criolla Finalmente las
características plásticas presentes en los íconos religiosos de Sérvulo evidencian la
propuesta temprana de unos códigos que serán recién plenamente aceptados por la
población criolla contemporánea posteriormente —a fines del siglo XX —en la presencia
de Sarita Colonia. Este hecho demuestra la capacidad del pintor de adelantarse a su tiempo
al conocer la manera de representar un ícono religioso tradicional en unos códigos
destinados al nuevo criollismo mestizo emergente que recién se prefiguraba en su época. / Tesis
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Fragmentos de un “territorio amado”: la serie Paisaje infinito de la costa del Perú (1958-1977) de Jorge Eduardo EielsonRodriguez Barreno, Mariana de Jesús 22 November 2021 (has links)
La presente investigación estudia la serie Paisaje infinito de la costa del Perú (1958-1977) del artista peruano Jorge
Eduardo Eielson. Sostengo que en estas composiciones el artista construye una relación particular con el
territorio peruano desde la geografía de la costa en donde exilio, memoria y cultura son los ejes centrales de
esta propuesta. En ese sentido, esta investigación se divide en 4 capítulos: inicialmente, abordo la construcción
del tópico del paisaje en la narrativa eielsoniana y cómo en su paso a la plástica encuentra los medios para la
realización del territorio costero desde la pintura matérica. Asimismo, se contrasta la singularidad de la serie
frente a otras representaciones costeras del paisaje peruano en la medida en que su articulación del desierto
construye una cartografía particular del Perú. Por otro lado, me concentro en la exploración y aprendizaje de
Eielson durante los primeros años de la década de 1950 en Europa. En ese sentido, discuto las técnicas, los
círculos artísticos y los personajes con los que Eielson se relacionó y de quienes tomó referencias para
componer su obra. Luego, me centro en la dimensión que la cultura prehispánica tiene en la serie, desde su
materialidad tanto como desde el aspecto conceptual; siendo los ejes de esta sección la perspectiva del mundo
subterráneo y la posición de arqueólogo que el artista toma frente a otros modelos culturales (el Indigenismo,
la Peña Pancho Fierro, el Instituto de Arte contemporáneo). Finalmente, exploro la discusión en torno a la
noción de infinito. Esta es abordada a partir de los saberes de la ciencia, especialmente aquellos relacionados
con el espacio exterior, la física y la arqueología; así como también desde la disciplina del budismo zen. Se
concluye que, en su especificidad, el Paisaje infinito es una producción artística singular que redimensiona las
representaciones de la costa peruana desde una perspectiva identitaria y cultural al mismo tiempo.
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