Orientador: Cleide Antônia Rapucci / Banca: Solange Aranha / Banca: Sérgio Augusto Zanoto / Resumo: As obras de um dos mais conhecidos humoristas brasileiros, Millôr Fernandes, já foram bastante exploradas pelos pesquisadores de uma forma geral. Mesmo assim, há ainda uma vertente desse autor a ser estudada: o Millôr tradutor. O nosso objetivo nesta dissertação é analisar a peça Pygmalion, escrita por George Bernard Shaw em 1913, e sua tradução para o português pelo autor-tradutor Millôr Fernandes em 1963. A peça em cinco atos trata do professor de fonética Henry Higgins que se prontifica a transformar Eliza Doolittle, uma vendedora de flores que fala o dialeto cockney, em uma verdadeira dama, ensinando-a a falar "corretamente". O que nos chama a atenção nesta obra de Shaw é o dialeto cockney e as muitas expressões que encontramos no decorrer da peça. A nossa intenção é, portanto, mostrar as soluções encontradas por Millôr ao traduzir Pygmalion. No primeiro capítulo, temos um panorama geral do gênero teatral, da tradução em si e posteriormente a história da tradução de teatro, assunto pouco explorado até hoje pelos teóricos e que nos é importante para que possamos ter uma visão geral da linha que cada um destes teóricos seguem. No segundo capítulo exploramos um pouco acerca do autor da peça, George Bernard Shaw, mostrando suas obras, sua vida e suas características principais, além de termos uma análise da peça com o objetivo de que os leitores possam entender quais são os pontos principais da obra e sua idéia central. O terceiro capítulo é o que nomeia esta dissertação, pois é onde analisamos a tradução para o português de Pygmalion, mostrando quais foram as maiores dificuldades encontradas por Millôr, chamado por nós de autor-tradutor, e as soluções apresentadas por ele para resolver o problema da... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The works by one of the most known Brazilian humorists, Millôr Fernandes, have already been explored by many researchers in general. However there is still an aspect of this author to be studied: Millôr as a translator. Our main objective in this dissertation is to analyze the work Pygmalion written by George Bernard Shaw in 1913 and translated to Portuguese by the author-translator Millôr Fernandes in 1963. The play is divided in five acts and deals with the phonetics professor, Henry Higgins, who is in charge of transforming Eliza Doolittle, a flower saleswoman who speaks cockney dialect, in a truthful lady, teaching her how to speak English properly. What draws our attention in Shaw's work is the cockney dialect and the plenty of expressions that we can find in the play. Our main intention here is to show the difficulties and the solutions found out by Millôr during Pygmalion translation. In the first chapter we have a general panorama about the theatre genre, the translation itself and later about the history of the theatre translation, a subject that is not much explored by scholars and that is very important for us because we can have a general view of each tendency that these scholars follow. The second chapter explores a little bit about the play author, George Bernard Shaw, showing his works, his life and his main characteristics, besides having a play analysis to allow the readers a better understanding about the main points of the play and its central idea. The third chapter names this dissertation and analyses the Portuguese translation, showing the major difficulties found by Millôr, whom we call an author-translator, and the solutions he presents to the cultural... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Letras/Inglês e Literatura Correspondente, Florianópolis, 2014. / Made available in DSpace on 2015-04-29T21:10:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 332963.pdf: 977312 bytes, checksum: fa3cffee6169ee9d7ae988e1f5717f1e (MD5) Previous issue date: 2015 / Abstract : The problem discussed in this study regards the analysis of the construction of Folias d'Arte's production of Otelo in relation to the cultural and political scenario that involved the Iraq war, more specifically concerning the depiction of the character Iago in selected scenes of the production. Folias' Otelo, which premiered in 2003 in São Paulo, was directed by Marco Antonio Rodrigues and had the text translated by Maria Sílvia Betti. The scene analysis concentrated mainly on the study of Folias' portrayal of Iago's intellectual tactics in relation to George W. Bush's administration's political games to invade Iraq in 2003. Such event caused a feeling of unfairness around the world concerning the real motives and strategies that Bush's administration deployed to go to war. I have relied on Edward Rocklin's notions of conception, enactment, and critical reception to structure this study. Also, I have counted on Alan Dessen's concepts regarding the subject of text alteration, and Dennis Kennedy's comments concerning the significance of the visual in theatrical productions. As for the discussion on parameters to investigate the performance of actors, and the translation of dramatic texts, I have brought to this investigation Patrice Pavis' thoughts on such subjects. The present thesis demonstrates that Folias' Otelo offers, in different stages of its construction, elements that propose a critical view on the cultural and political scenario related to the Iraq war. Additionally, the connection between Iago's intellectual tactics and Bush's administration's schemes to invade Iraq can be vastly observed in the analysis of scenes.<br> / O problema a ser discutido neste estudo diz respeito à análise da construção do Otelo da companhia de teatro Folias d'Arte em relação ao cenário político e cultural associados à guerra do Iraque, mais especificamente quanto à representação do personagem Iago em cenas selecionadas da produção teatral. O Otelo do Folias, que estreou em 2003 em São Paulo, foi dirigido por Marco Antonio Rodrigues e teve o texto traduzido por Maria Sílvia Betti. A análise de cenas concentrou-se principalmente no estudo da representação das táticas intelectuais de Iago na produção do Folias com relação ao jogos políticos da administração de George W. Bush para invadir o Iraque. Tal evento gerou um sentimento de injustiça que se espalhou mundialmente devido aos reais motivos e estratégias que a administração de Bush utilizou para efetivar a guerra. Para a estruturação deste estudo, utilizei as noções de concepção, produção e recepção crítica de Edward Rocklin. Também adotei os conceitos de Alan Dessen para abordar o assunto de alteração de texto, e comentários de Dennis Kennedy relacionados à importância do visual em produções teatrais. A respeito da discussão sobre parâmetros para a investigação da performance de atores e sobre a tradução de textos dramáticos, inclui neste estudo noções de Patrice Pavis relacionadas a tais assuntos. Esta dissertação mostra que o Otelo do Folias oferece, em variados estágios da sua elaboração, elementos que sugerem uma visão crítica do cenário político e cultural relacionado à guerra do Iraque. Além disso, por meio da análise de cenas, é possível observar em diversos momentos a conexão entre as táticas intelectuais de Iago e os esquemas da administração de Bush para invadir o Iraque.

Orientador(a): Natália Corrêa Porto Fadel Barcellos / Banca: Andressa Cristina de Oliveira / Banca: Márcio Scheel / Resumo: Os estudos comparativos entre literatura e outras artes distintas têm contribuído desde a Antiguidade para maior compreensão de obras, propiciando - concomitantemente à compreensão do objeto literário - o aumento de pesquisas e discussões. O mito bíblico de Salomé foi fortemente retomado na França do fim século XIX e, adquirindo novas e diferentes roupagens do mito original, percorreu o imaginário dos artistas do período através das famosas pinturas de Gustave Moreau, tornando-se um forte símbolo feminino de uma época marcada pelo simbolismo /decadentismo, onde a arte buscava explorar as paixões e os mistérios, em meio aos grandes avanços científicos. Oscar Wilde foi um dos escritores que deu voz à dançarina, construindo em francês mais uma versão entre as muitas variações do mito ao publicar sua peça em 1893. Sua Salomé percorreu a Europa em meio a polêmicas e obteve mais sucesso que as outras obras de mesmo tema - e melhores avaliadas pela crítica do período - dando à personagem maior destaque e repercussão. Encantado com a peça de Wilde, Aubrey Beardsley, em 1894, ilustra a versão inglesa com seu estilo característico - variando da Art Noveau à influência das pinturas japonesas - em um tom erótico e grotesco peculiar. Suas ilustrações correram o mundo com a peça e trouxeram ainda mais notoriedade e significado à versão wildeana, o que permite pensar que o elemento pictórico poderia ultrapassar suas funções tradicionais de simples acompanhante do texto, acrescentando inform... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: Comparative studies between literature and other distinct arts have contributed since the ancient times to a better understanding of art pieces, providing - simultaneously to the understanding of the literary field - an increase in researches and discussions. The biblical myth of Salomé was highly restored in France late in the 19th century and, by featuring a new and different appearance from the original one, covered the imagination of artists from that period through Gustave Moreau's famous paintings, becoming a powerful female symbol of a time marked by the Symbolism/ Decadentism, when art aimed to explore passions and mysteries among the great scientific advances. Oscar Wilde was one of the writers who gave voice to the dancer, building another version of the myth among several ones by publishing his play in 1893. His Salomé roamed Europe in the middle of controversies and obtained more success than the other pieces about the same theme - and the ones that received the best evaluations of that time - what gave the character a greater focus and impact. Amazed by Wilde's play, Aubrey Beardsley, in 1894, illustrates the British version with his typical style - ranging from the Art Nouveau to the influence of Japanese paintings - in a peculiar erotic and grotesque shade. His illustrations roamed the world with the play and brought even more visibility and meaning to Wilde's version, which enables to assume that the pictorial element could overcome its traditional functions o... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Tese (doutorado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Inglês: Estudos Linguísticos e Literários, Florianópolis, 2016. / Made available in DSpace on 2016-09-20T04:47:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 339903.pdf: 25212532 bytes, checksum: 56d7668a74a46b3ddcfec875fac9c570 (MD5) Previous issue date: 2016 / Abstract : This study examines William Shakespeare's ?Great Tragedies??Hamlet, Othello, King Lear, Macbeth, Antony and Cleopatra?and their precursor, Julius Caesar, with a view to apprehending their historicity. The relationship between literature and history is here addressed from a theoretical perspective that foregrounds the historical and local specificity of literary texts. The aim is thereby to consolidate the perception of the plays as historical events, centre-stage in a city and a cultural moment that are of great interest to the literary critic and the historian alike. The selected plays are treated as a series?the ?Globe tragedies??in order to highlight a remarkable period of professional stability and success in Shakespeare's career. The nine years between 1599 and 1608 constitute the only period in which Shakespeare can be said to have written for the Globe playhouse, while the venue was the primary focus of dramatic production for the Chamberlain-King's Men playing company. The present study shows that the contingent origins of the Globe, together with various political and theatrical controversies of the years immediately preceding the building of the Globe, left their mark on the plays. Likewise, traits of a Renaissance ethos, which was embodied by the new playhouse, are identified in the play texts. The study also focuses on moments of metatheatre, which draw attention to the playhouse itself, the city, or the society in which the drama is being performed, and which thus indicate the importance of ?place? in Shakespeare's work. By examining various facets of Shakespeare's creative environment across three principal chapters, the study demonstrates that the Globe tragedies were ineluctably shaped by their original conditions of performance in London between 1599 and 1608. / O presente estudo examina as ?Grandes Tragédias? shakespearianas?Hamlet, Otelo, Rei Lear, Macbeth, Antônio e Cleópatra?bem como a tragédia precursora, Júlio César, visando à apreensão da historicidade dessas peças. A relação entre Literatura e História é aqui abordada a partir de uma perspectiva teórica que topicaliza as especificidades históricas e locais dos textos literários. O objetivo, portanto, é consolidar uma percepção das peças teatrais enquanto eventos históricos, no centro do palco, numa cidade e num momento cultural de grande interesse, tanto para o crítico literário como para o historiador. As peças escolhidas são tratadas como uma série?as ?tragédias do Teatro Globe??, no intuito de ressaltar um extraordinário período de estabilidade profissional e sucesso na carreira de Shakespeare. Os nove anos, entre 1599 e 1608, constituem o único período em que Shakespeare, provavelmente, escreveu para o Teatro Globe, local que era o foco principal da produção dramática voltada para a companhia teatral Chamberlain-King's Men. O presente estudo demonstra que as contingências do surgimento do Teatro Globe, ao lado de várias controvérsias políticas e teatrais registradas nos anos anteriores à construção do Globe, deixaram suas marcas nas peças. Ademais, características do ethos renascentista, o qual foi incorporado ao novo teatro, podem ser identificadas nas peças. O estudo aborda, também, momentos metateatrais, que chamam a atenção para o próprio teatro, para a cidade, ou para a sociedade onde as peças são encenadas, e que, portanto, indicam a importância do ?lugar? na obra shakespeariana. Analisando diversas facetas do ambiente criativo em que Shakespeare se inseria, ao longo de três capítulos centrais, a investigação demonstra que as ?tragédias do Globe? foram, inevitavelmente, moldadas pelas condições de encenação que prevaleciam em Londres entre 1599 e 1608.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Inglês: Estudos Linguísticos e Literários, Florianópolis, 2016. / Made available in DSpace on 2017-02-14T03:07:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 343955.pdf: 4381644 bytes, checksum: d67534e21dc02da3bd23f4e0048830c6 (MD5) Previous issue date: 2016 / Abstract : The problem addressed in this thesis concerns the analysis of William Charles Macready's reconstruction of Shakespeare's King John in Victorian London. During the nineteenth century, the Medieval Revival movement achieved its peak. This movement aimed at reviving the Middle Ages as the glorious birth of English culture and identity in opposition to the Ancient Roman and Greek traditions. As a consequence, artistic manifestations which expressed medieval themes gained prominence, including Shakespeare's historical plays. Macready's production of King John premiered at Royal Theatre Drury Lane on 24 October 1842, therefore, during the heyday of the Medieval Revival. My initial questioning was on the implications of this medievalist trend of the nineteenth century in Macready's production. My initial hypotheses were two: Macready's production followed the general Victorian perspective on the Middle Ages, which was romanticised and idealised; or his production maintained a more negative outlook on the medieval past, characteristic of the Renaissance period, in which Shakespeare wrote the original play. What I came to realise during this study was that in Macready's case both perspectives intertwined on the Victorian stage. My analysis is based on postmodern discussions on history, historiography, and theatre historiography, mainly supported by the works of Linda Hutcheon, Hayden White, Thomas Postlewait, and Richard Schoch. Schoch's concept of double-voiced historicism¬ permeates this thesis. From his concept, I have created the notion of double-voiced medievalism, which is the combination of two different perspectives on the Middle Ages in one artistic manifestation. The main corpus of the present analysis was Charles Shattuck's published version of Macready's prompt-book for Shakespeare's King John.<br> / O problema abordado nesta dissertação diz respeito à análise da reconstrução de William Charles Macready da peça King John de Shakespeare na Londres vitoriana. Durante o século XIX, o movimento Medieval Revival atingiu o seu auge. Esse movimento destinava-se a reviver a Idade Média como o glorioso nascimento da cultura e da identidade inglesas em oposição às tradições da Antiguidade Greco-Romana. Como consequência, as manifestações artísticas que expressavam temas medievais ganharam destaque, incluindo as peças históricas de Shakespeare. A produção de King John de Macready estreou em 24 de outubro de 1842 no Royal Theatre Drury Lane, portanto, durante o auge do Medieval Revival. Meu questionamento inicial foi sobre as implicações dessa tendência medievalista do século XIX na produção de Macready. Minhas hipóteses iniciais eram duas: a produção de Macready seguiu a perspectiva geral vitoriana sobre a Idade Média: romantizada e idealizada; ou a sua produção manteve uma perspectiva mais negativa sobre o passado medieval, típica do período da Renascença, em que Shakespeare escreveu a peça original. O que eu vim a perceber durante este estudo foi que, no caso de Macready, ambas as perspectivas se entrelaçaram no palco vitoriano. Minha análise é baseada em discussões pós-modernas sobre história, historiografia e historiografia do teatro, tendo como suporte, principalmente, os trabalhos de Linda Hutcheon, Hayden White, Thomas Postlewait e Richard Schoch. O conceito de double-voiced historicism de Schoch permeia esta tese. A partir do seu conceito, eu criei a noção de double-voiced medievalism, que é a combinação de duas perspectivas diferentes sobre a Idade Média em uma manifestação artística. O principal corpus da presente análise foi a versão publicada de Charles Shattuck do prompt-book de Macready da peça King John de Shakespeare.

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Comunicação e Expressão, Programa de Pós-Graduação em Inglês: Estudos Linguísticos e Literários, Florianópolis, 2016. / Made available in DSpace on 2017-04-11T04:12:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 344852.pdf: 1618921 bytes, checksum: 8a92dc48d5bf529c6a1c7d164cdd1cd0 (MD5) Previous issue date: 2016 / Esta dissertação investiga a adaptação da peça A Tempestade, de William Shakespeare, para o álbum Aqua, lançado em 2010 pela banda brasileira de heavy metal Angra. A trajetória histórica da peça nos últimos séculos sofreu impactos políticos e teóricos com a ascensão do pós-colonialismo. Em 1950, Octave Mannoni desencadeou, em Psychologie de la colonization, crescente atenção à peça Shakespeareana em cenários onde ideologias anticoloniais estavam por emergir, como a África e o Caribe. De forma análoga, George Lamming apropriou Shakespeare a perspectivas pós-coloniais com sua coleção de ensaios intitulada The Pleasures of Exile (1960), com sua (re)interpretação dos personagens Próspero e Caliban. O álbum Aqua, através do uso de mecanismos de adaptação específicos, tais como elementos melódicos, letras e material paratextual, aborda diferentes temas, personagens e situações da peça, ao mesmo tempo em que adentra questões pós-coloniais. A adaptação musical desenvolve, na canção "A Monster in Her Eyes", uma releitura da relação entre Próspero e Caliban, que ressoa com a teoria crítica pós-colonial, subvertendo a representação de Caliban como um monstro e resguardando sua soberania nativa. Relações dialógicas entre a peça e o álbum são traçadas com o suporte de A Theory of Adaptation, de Linda Hutcheon, no intuito de analisar os meios de expressão por trás do fenômeno de adaptação musical, que apropria obras adaptadas para diferentes públicos e contextos espaciotemporais.<br> / Abstract : The present thesis investigates the adaptation of William Shakespeare?s The Tempest into the music album entitled Aqua, released by the Brazilian heavy metal band Angra in 2010. The historical trajectory of the The Tempest throughout the last centuries underwent political and theoretical impacts with the rise of postcolonialism. In 1950, Octave Mannoni unleashed, with Psychologie de la colonization, the sparkle for an increasing attention to the play in places where anticolonial ideologies would soon emerge, noticeably Africa and the Caribbean. Similarly, George Lamming approached Shakespeare in the light of postcolonial perspectives with his collection of essays entitled The Pleasures of Exile (1960), a (re)interpretation of The Tempest that focuses on its characters Prospero and Caliban. Angra?s music album Aqua, through the usage of its specific adaptation apparatuses such as melodic elements, lyrics, and paratextual material, addresses different themes, characters, and situations from The Tempest while bringing a postcolonial perspective to the fore. Moreover, the musical adaptation provides, with the song ?A Monster in Her Eyes?, a reinterpretation of the relationship between Prospero and Caliban which resonates with postcolonial critical theory, subverting the depiction of Caliban as a monster and giving voice to his claim as a native sovereign. This theoretical interplay is analyzed under the light of Linda Hutcheon?s A Theory of Adaptation as a means to observe the means of expression behind the musical adaptation phenomenon, channeling the adapted works to alternative publics, settings, and temporal contexts.

Orientador: Peter James Harris / Banca: Márcio Scheel / Banca: Flávia Andrea Rodrigues Benfatti / Resumo: Este trabalho realiza uma leitura crítica da primeira obra erótica publicada em língua inglesa, Fanny Hill: Memoirs of a Woman of Pleasure (1748-49), que conta as aventuras de uma jovem prostituta, e a adaptação teatral da autora feminista April de Angelis: The Life and Times of Fanny Hill (1996), que relata os processos pelos quais Fanny Hill, uma prostituta mais velha, enfrenta ao escrever um livro encomendado. Além da análise das duas obras, este estudo apresenta uma comparação direta entre o romance e a peça, utilizando como ponto de partida para a reflexão o modo como cada uma das histórias foram contadas ao leitor, a escolha linguística dos autores, a maneira como a temática sexual foi tratada por Cleland e por Angelis e a construção das duas personagens, tão próximas e tão distantes entre si / Abstract: This paper makes a critical reading of the first erotic book published in English, Fanny Hill: Memoirs of a Woman of Pleasure (1748-49), which tells the adventures of a young prostitute, and the theatrical adaptation of feminist author April de Angelis: The Life and Times of Fanny Hill (1996), which chronicles the processes Fanny Hill, an older prostitute, faces in writing a commissioned book. In addition to the analysis of the two works, this study presents a direct comparison between the novel and the play, using as a starting point for reflection how each of the stories were told to the reader, the linguistic choice of the authors, the form sexual themes were treated by Cleland and Angelis, and the construction of the two characters, so close and so far apart / Mestre

Este estudo tem como objetivo central propor uma leitura diferente para a peça The Homecoming, escrita por Harold Pinter. Desde sua estreia nos palcos ingleses, em 1965, a fortuna crítica da obra tende a partir de dois diferentes vieses para analisá-la: por um lado, parte da crítica enxerga a peça através das características do Teatro do Absurdo termo estabelecido por Martin Esslin para um grupo de peças do período pós-guerra europeu em seu livro The Theatre of the Absurd (1961) ; por outro, um grupo de críticos tenta definir a peça através dos conceitos da psicanálise freudiana enfocando o Complexo de Édipo. Nossa proposta de leitura para a peça contrapõe o texto teatral a seu momento sócio-histórico e cultural, tentando relacioná-los e indicar de que modo estes se influenciam mutuamente. Uma breve contextualização geral das obras de Harold Pinter e das características que a tornaram tão célebre, assim como um breve panorama do teatro inglês nas décadas de 1950 e 1960 iniciam nosso estudo para que a importância de Harold Pinter seja compreendida. A partir daí, o texto de The Homecoming será analisado tendo como ponto de partida a teorização de Peter Szondi (2001) acerca do drama burguês, do Teatro do Absurdo e do contraste com o momento sócio-histórico da Inglaterra na década de 1960. Por fim, um levantamento acerca da primeira montagem de The Homecoming no Brasil, traduzida como A Volta ao Lar em 1968, e de seu processo de censura durante a Ditadura Militar será fornecido, retomando a importância da obra para o teatro brasileiro e sua história. / This study proposes a different interpretation of Harold Pinters play, The Homecoming. It premiered in 1965 and most of the critical works on it usually tend to examine the play through two different biases: on one hand, some critics use the theory established by Martin Esslin in The Theatre of the Absurd (1961) where he evaluates a group of post-war European plays to analyze the play; on the other, different critics apply concepts from Freudian psychoanalysis especially the ones related to the called Oedipus complex to comprehend the play. Our proposed interpretation analyzes the dramatic text considering its socio-historical and cultural moment, relating such fields and identifying how they influence one another. A brief overview on Harold Pinters works and their celebrated characteristics, as well as a panorama on British drama in the 1950s and 1960s decades will open our study, so that Harold Pinters significance can be understood. Later, The Homecoming will be analyzed through the ideas of Peter Szondi (2001) on bourgeois drama, the concept of the Theatre of the Absurd and the relations between the text and the British socio-historical moment during the 1960s. Finally, a survey on the first Brazilian production of The Homecoming, translated as A Volta ao Lar in 1968, and on its censorship by Brazilian military dictatorship will be presented in order to stress the importance of the play to Brazilian theater\'s history.

Este estudo tem como objetivo central propor uma leitura diferente para a peça The Homecoming, escrita por Harold Pinter. Desde sua estreia nos palcos ingleses, em 1965, a fortuna crítica da obra tende a partir de dois diferentes vieses para analisá-la: por um lado, parte da crítica enxerga a peça através das características do Teatro do Absurdo termo estabelecido por Martin Esslin para um grupo de peças do período pós-guerra europeu em seu livro The Theatre of the Absurd (1961) ; por outro, um grupo de críticos tenta definir a peça através dos conceitos da psicanálise freudiana enfocando o Complexo de Édipo. Nossa proposta de leitura para a peça contrapõe o texto teatral a seu momento sócio-histórico e cultural, tentando relacioná-los e indicar de que modo estes se influenciam mutuamente. Uma breve contextualização geral das obras de Harold Pinter e das características que a tornaram tão célebre, assim como um breve panorama do teatro inglês nas décadas de 1950 e 1960 iniciam nosso estudo para que a importância de Harold Pinter seja compreendida. A partir daí, o texto de The Homecoming será analisado tendo como ponto de partida a teorização de Peter Szondi (2001) acerca do drama burguês, do Teatro do Absurdo e do contraste com o momento sócio-histórico da Inglaterra na década de 1960. Por fim, um levantamento acerca da primeira montagem de The Homecoming no Brasil, traduzida como A Volta ao Lar em 1968, e de seu processo de censura durante a Ditadura Militar será fornecido, retomando a importância da obra para o teatro brasileiro e sua história. / This study proposes a different interpretation of Harold Pinters play, The Homecoming. It premiered in 1965 and most of the critical works on it usually tend to examine the play through two different biases: on one hand, some critics use the theory established by Martin Esslin in The Theatre of the Absurd (1961) where he evaluates a group of post-war European plays to analyze the play; on the other, different critics apply concepts from Freudian psychoanalysis especially the ones related to the called Oedipus complex to comprehend the play. Our proposed interpretation analyzes the dramatic text considering its socio-historical and cultural moment, relating such fields and identifying how they influence one another. A brief overview on Harold Pinters works and their celebrated characteristics, as well as a panorama on British drama in the 1950s and 1960s decades will open our study, so that Harold Pinters significance can be understood. Later, The Homecoming will be analyzed through the ideas of Peter Szondi (2001) on bourgeois drama, the concept of the Theatre of the Absurd and the relations between the text and the British socio-historical moment during the 1960s. Finally, a survey on the first Brazilian production of The Homecoming, translated as A Volta ao Lar in 1968, and on its censorship by Brazilian military dictatorship will be presented in order to stress the importance of the play to Brazilian theater\'s history.

Made available in DSpace on 2013-08-07T19:02:05Z (GMT). No. of bitstreams: 2 000388430-Texto+Completo+Anexo+A-1.pdf: 12089045 bytes, checksum: 8ce6939ae7ac2d8a00df072ebe849850 (MD5) 000388430-Texto+Completo-0.pdf: 444092 bytes, checksum: f8872b31fd30f695887b0e549ea2678f (MD5) Previous issue date: 2006 / This work presents a study about the elements proposed by the playwright in Midsummer night’s dream, by William Shakespeare, and besides that information about the theatrical context in which the play was produced, the Elizabethan Period. Two performances of this play are analysed here: the first was produced by the Grupo Província in 1971, directed by Luiz Arthur Nunes; and the second was produced by the Companhia Rústica de Teatro in 2006, directed by Patricia Fagundes. In each case of study, it is examined how the theatrical elements together with the text compose the performance and how the directors´ conceptions followed the play in terms of fidelity, beyond the approaches utilized to pass from the text to the stage. The research demonstrates that this transition demands a true creation calling the need of a connection between the author’s proposals and their interpretation by the creators of the scene. / Este trabalho apresenta um estudo sobre os elementos propostos pelo dramaturgo no texto Sonho de uma noite de verão, de William Shakespeare; além de informações sobre o contexto teatral no qual a peça foi produzida, o teatro elisabetano. São analisadas duas encenações deste texto: a realizada pelo Grupo Província em 1971, com direção de Luiz Arthur Nunes; e a realizada pela Companhia Rústica de teatro em 2006, com direção de Patricia Fagundes. Verifica-se como, em cada caso estudado, os elementos da linguagem teatral compõem, com o texto, o espetáculo teatral e como as encenações estudadas trataram o texto em termos de fidelidade, além das abordagens usadas para transitar do texto para a cena. A pesquisa demonstra que essa transição exige verdadeira criação e que, para isso, faz-se necessária a junção do que o autor propõe no texto com a leitura que será realizada pelos criadores da cena.