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Text and performance : semiotic analysis for dramaturgy and the development of production concepts /Smith, Terry Donovan. January 1996 (has links)
Thesis (Ph. D.)--University of Washington, 1996. / Vita. Includes bibliographical references (leaves [236]-248).
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Southern quest: a play and said and done: verbal and non-verbal information in contemporary theatrical writing.Lozano, Carlos Enrique, School of English, UNSW January 2007 (has links)
My critical essay maps out the relationship between verbal and non-verbal information in contemporary theatrical writing. It uses Lehmann's theory of a post-dramatic theatre and Pfister's analytical input to investigate different configurations of the information given by the characters' speech and the information given by their physical actions. The ways in which these variables interrelate define the type of affiliation between theatre and drama in any given text. My essay contends that the verbal and the non-verbal represent the two ends of the spectrum of possibilities of any written theatre text. The predominance of one over the other will determine the extent to which the 'presence' of the dramatist intervenes in the staging of the work. Using Old Times as a case study, I examine the way in which Pinter stretches the gap between the verbal and the non-verbal; by using his knowledge of the stage, he confronts the remoteness of the literary in theatrical writing. My play Southern Quest recognizes the minds of the readers and of the spectators as the place where the closure of the gap occurs. Its stage directions make of the stage, the properties and actions a creation that is parallel to the fictional one (only present in the dialogue of the characters). There is a permanent discrepancy, not a contradiction, between what is said and what and where it is done that demands that the actual assembly of the possible fiction takes place in the receiver's mind. The creative component draws on numerous elements analysed in the critical work, such as the discordance between the verbal and the non-verbal and the use of narrative monologues in theatrical writing. The lack of agreement between the verbal and the non-verbal-a heightened discordance at the beginning and the end of the play, with a minimal discrepancy towards the centre-mirrors the characters' journey throughout the play: from existential doubt to physical agony and back. The theoretical concerns addressed in the essay are explored in the writing of the play and my main formal drive in the creative piece is to explore the division between theatre and drama from within the text.
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Southern quest: a play and said and done: verbal and non-verbal information in contemporary theatrical writing.Lozano, Carlos Enrique, School of English, UNSW January 2007 (has links)
My critical essay maps out the relationship between verbal and non-verbal information in contemporary theatrical writing. It uses Lehmann's theory of a post-dramatic theatre and Pfister's analytical input to investigate different configurations of the information given by the characters' speech and the information given by their physical actions. The ways in which these variables interrelate define the type of affiliation between theatre and drama in any given text. My essay contends that the verbal and the non-verbal represent the two ends of the spectrum of possibilities of any written theatre text. The predominance of one over the other will determine the extent to which the 'presence' of the dramatist intervenes in the staging of the work. Using Old Times as a case study, I examine the way in which Pinter stretches the gap between the verbal and the non-verbal; by using his knowledge of the stage, he confronts the remoteness of the literary in theatrical writing. My play Southern Quest recognizes the minds of the readers and of the spectators as the place where the closure of the gap occurs. Its stage directions make of the stage, the properties and actions a creation that is parallel to the fictional one (only present in the dialogue of the characters). There is a permanent discrepancy, not a contradiction, between what is said and what and where it is done that demands that the actual assembly of the possible fiction takes place in the receiver's mind. The creative component draws on numerous elements analysed in the critical work, such as the discordance between the verbal and the non-verbal and the use of narrative monologues in theatrical writing. The lack of agreement between the verbal and the non-verbal-a heightened discordance at the beginning and the end of the play, with a minimal discrepancy towards the centre-mirrors the characters' journey throughout the play: from existential doubt to physical agony and back. The theoretical concerns addressed in the essay are explored in the writing of the play and my main formal drive in the creative piece is to explore the division between theatre and drama from within the text.
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Sémiotika divadelního prostoru / Semiotics of theater spaceKrátká, Denisa January 2014 (has links)
This thesis deals with the theater as a specific aesthetic form combining visual and acoustic transmission of information within a specific communication model. Theory of theater, which is a independent and self-sufficient art department drawing on other types of art and creating unique artistic communication and experience in a particular space and time. The theater surroundigs and space, which is in the theater clearly defined and divided into zones - the stage and the auditorium. Thus adapted space affects the creation, transmission and reception of signs and require specific procedures of creative work. Particular kind of theater in this work is physical theater and dance. Through movement and dance in the theater transmits communication content in a different way. Symbolism of the body and movement in theater includes theatrical code. This system constitutes the characters and the code with which the operating theater and regulates the material which is used as theater character. At the same time determines how and under what conditions they can be combined characters and the importance attributed to these characters the audience. The empirical part contains an analysis of the performance of shadow dance group Teulis who participated in the project Czech Slovakia has talent.
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Towards the development of a therapeutic theatre in Cameroon: Investigating its practice and reception through a cross-case evaluation / Pour un développement du théâtre thérapeutique au Cameroun: enquête sur sa pratique et sa réception à travers une évaluation de casAnimbom Ngong, Paul 03 March 2014 (has links)
Le théâtre thérapeutique est une espèce de spectacle vivant qui augmente la sensibilité des participants afin qu’ils puissent améliorer leur habileté à exprimer des émotions et des pensées verbales et gestuelles. Comme genre hybride, il fonctionne de la même manière que le théâtre pour le changement social (TPCS) dans lequel la praxis théâtrale est utilisée pour le changement des participants et des communautés ainsi que pour la promotion du bien-être. Cette pratique (le TPCS) est donc utilisée pour le changement social, mental, et surtout émotionnel. Au cours de ces dernières décennies, ces deux pratiques ont été considérées et traitées distinctement. Contrairement à cette perception historique, cette thèse prétend qu’il existe un paradigme dans lequel ces formes se rejoignent. Appelé théâtre thérapeutique, il est beaucoup plus appliqué au Cameroun dans des communautés. Ce cas hypothétique est examiné sous le titre :« Pour un Développement du Théâtre Thérapeutique au Cameroun :enquête sur sa pratique et sa réception à travers une évaluation de cas. » Trois productions du TPCS/théâtre thérapeutique sont donc utilisées :The Boomerang, Ndop et SOS Village Mbalmayo workshops. <p>Le cadre théorique convoqué à cet effet est la sémiologie théâtrale telle que vue et énoncée par André Helbo. Développée de la pragmatique, sa sémiologie théâtrale est basée sur l’émission et la réception d’un message dans le spectacle. À cet égard, il existe des fonctions réciproques d’acteurs et de spectateurs dans l’événement théâtral. Ceci signifie que la distinction entre la production et la réception est tout simplement considérée comme une « distinction pédagogique ». <p>Le langage du théâtre dans sa production et/ou sa réception fonctionne dans un contexte d’expérience sociale partagée. Dans cette perspective, Helbo parle de « codes de spectacle (conventions spécifiquement applicables au spectacle, au genre, à la période historique), de codes généraux (linguistiques, idéologiques/culturels, perceptuels), et de codes mixtes (codes généraux fonctionnant dans un contexte spécifique de spectacle) » .Néanmoins, dans la démarche sémiologique d’Helbo tout comme dans ce travail, le privilège est accordé au dépassement de la division précédemment mentionnée, pour aboutir à ce qu’il nomme « l’énonciation collective » et la « notion d’observateur actant ». <p>Ces concepts dépassent le modèle de la communication linéaire évoqués par Mounin, pour souligner que les participants dans un phénomène théâtral sont impliqués dans le processus de création collective ou de l’énonciation collective sous des normes culturelles spécifiques. Dans ce processus, l’observateur représente une fonction spécifique, l’une des conditions de l’existence de l’énoncé spectaculaire. La notion de l’observateur actant « raffine considérablement l’analyse de l’identification initiée par Brecht », notion qui a été incorporée ou prolongée dans le théâtre thérapeutique de la même manière que le processus de co-création. Ce qui est central dans l’application de la sémiologie théâtrale dans cette thèse, c’est le postulat selon lequel le destinataire d’aujourd’hui deviendra le destinateur de demain.<p>À la fin de cette étude, nous montrons (sans chercher une reproduction du modèle occidental), que le théâtre thérapeutique est pratiqué au Cameroun. L’utilisation des techniques théâtrales favorise le bien-être des participants et contribuent au changement à tous les niveaux de la vie. Cette approche est orientée vers la communauté et par conséquent constitue un paradigme thérapeutique à visé communautaire nommé « théâtre communautaire à visé thérapeutique ». Considéré comme tel, ce paradigme peut être utilisé concomitamment dans le cadre de la santé mentale et de la santé communautaire au Cameroun. Dans ce cas, il sert comme une modalité thérapeutique intégrée et établit un lien entre le spectacle vivant, la santé en générale et la santé mentale en particulier. <p><p><p>Therapeutic theatre is an improvisational method of performing arts that heightens participants' sensitivity to improve their ability to communicate feelings and thoughts verbally and by gestures. As a hybrid form, it functions in the same way as theatre for social change (TFSC) wherein theatre praxis is used to change participants or communities and promote wellbeing. TFSC is seen as an articulated intention to use theatre praxis in the service of change (social, mental, and emotional). Tradition has held these practices distinctly for the past decades. This thesis however, contends that despite these historic perceptions, there is a paradigm where these forms, previously viewed as distinctly different, come together in a spectacle that is therapeutic and applied to mental health in hospitals and community settings in Cameroon. This hypothetical case is examined under the general topic: ‘Towards the development of a therapeutic theatre in Cameroon: investigating its practice and reception through a cross-case evaluation.’ This thesis is based on the analysis of three TFSC/therapeutic theatre productions from the same practitioner: The Boomerang, Ndop and SOS Village Mbalmayo workshop productions respectively. <p>The research is inserted under theoretical considerations of theatre semiology and particularly, André Helbo's semiotic concepts. Developed from pragmatics, this method of theatre semiology focuses on the manner in which a message is sent and received. In this respect, there are reciprocal functions of actor and spectator in the theatrical event. From this, semiology is applied to understand the theatrical phenomenon in its entirety: production and reception. This implies, the division between production and reception is viewed as “a pedagogical distinction” only. Privilege in this thesis therefore is given to the surpassing of the aforementioned division to what he terms “enunciating collective” (co-creation process), and the “notion of the observer actant”. <p>These concepts go beyond the linear form of communication in theatre evoked by Mounin to highlight that the participants in a theatrical phenomenon are involved in a collective creation process or enunciating collective under specific cultural norms, and the observer represents a specific function, one of the conditions of existence of the performance utterance (l’énoncé spectaculaire). The notion of the observer actant in effect “refines considerably the analysis of identification initiated by Brecht” and which has been incorporated or prolonged in therapeutic theatre in the same way as the process of co-creation. Vital therefore to the application of theatre semiology in this work is the postulate that the theatrical phenomenon is an act of interaction wherein today’s receiver can be transformed into tomorrow’s sender. <p>At the end of this research, it is proven that without seeking a reproduction of a Western form, "therapeutic theatre" is practised in Cameroon. The utilisation of theatrical techniques fosters participants’ wellbeing and enhance change at all levels. It is community centred thereby constituting a community-based therapeutic paradigm which is named "community-based therapeutic theatre". Understood as such, this paradigm can be used concomitantly in cases of mental and community health in Cameroon. In this case, it serves as an integrated therapeutic modality and bridges the gap that exists in the health domain in general and mental health in particular.<p> / Doctorat en Information et communication / info:eu-repo/semantics/nonPublished
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De la pratique rituelle au spectacle vivant: une approche sémio-anthropologique du Nguon et du Ngondo au CamerounMoungande, Ibrahim Aliloulay 04 November 2013 (has links)
Cette étude est une réflexion sur le phénomène de création en matière d’oralité. Elle vise non seulement à étudier la mise en spectacle du Nguon et du Ngondo mais aussi et surtout, à vérifier la pertinence des outils d’analyse sémiologique appliqués à ces deux pratiques rituelles. Dans cette perspective, la grille d’interprétation que propose Anne Ubersfeld ,soutenue par André Helbo et Patrice Pavis ,nous a été d’une importance heuristique considérable.<p>S’appuyant sur le fait que le corpus de ce travail est constitué de deux rites appartenant à deux régions diamétralement opposées du Cameroun et que chacun d’eux procède d’un style particulier, le besoin de recourir à l’approche comparatiste de temps à autre s’est fait sentir. Fort de ce constat, la sémiologie du spectacle vivant qui sert de support méthodologique et théorique est complétée par l’approche comparatiste. Approche qui ne vise pas à assimiler le Nguon et le Ngondo, mais à mettre en évidence les spécificités de chaque rite grâce à la mise en rapport de l’un avec l’autre. <p>Les résultats auxquels nous sommes parvenu montrent que ces deux pratiques rituelles sont des performances au sens Schechnerien du terme. Chacune d’elles ayant une certaine spécificité. <p>Le Nguon est à coup sûr une suite d’évènements représentés devant un public par des acteurs en un temps déterminé dont l’imitation et la dénégation en constituent l’essence. Dans cette perspective, il se rapprocherait plus d’une représentation théâtrale. Contrairement au Nguon, le Ngondo est une suite de performances où gestes (minutieusement orchestrés, chorégraphiés), objets et certaines activités ludiques constituent un vocabulaire dont la syntaxe déroule un sens. Dans cette perspective, chaque esprit forge ses propres refuges, ses stratégies, ses fétiches pour affronter cette pratique rituelle où certains référentiels du théâtre tels que la frontalité, la dénégation, etc. paraissent estompés ou abolis pour céder place aux terrains d’action, d’expérimentation et de transformation. Ainsi, chaque moment du Ngondo est une performance accomplie. Fort de ce constat, le Ngondo a le caractère d’un festival où performances, musiques et danses rivalisent d’adresse avec des réminiscences mythiques et mystiques. <p>Afin de les démocratiser davantage et assurer leur exploitation optimale, nous avons pensé à la création des espaces culturels dans ces régions du Cameroun à partir du modèle que nous proposons dans ce travail. La multiplicité de ces espaces dans toutes les régions de notre pays et sur le continent africain et pourquoi pas dans le monde entier faciliterait le travail d’un collectif de chercheurs venus des quatre coins de la planète pour se réunir autour du concept de la « Négroscénologie », que chaque membre doit entériner et de promouvoir où qu’il soit.<p> / Doctorat en Information et communication / info:eu-repo/semantics/nonPublished
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La réception spectatorielle et les formes postdramatiques du spectacle vivant / Spectator's reception and postdramatic performancesBouko, Catherine 25 April 2009 (has links)
Selon différents théoriciens (Guénoun, Lehmann, Ryngaert, etc.), la fin du vingtième siècle se caractérise par l'émergence de nouvelles formes théâtrales, marquées par la contamination des pratiques spectaculaires.<p>Hans-Thies Lehmann reprend la notion de "théâtre postdramatique" proposée par Richard Schechner pour qualifier ces formes métissées de spectacle vivant La thèse défendue est la suivante :le théâtre postdramatique trouve sa spécificité non seulement dans la transgression des codes dramatiques mais surtout dans des processus de réception spécifiques qu'il importe de définir, à l'aide d'outils notamment sémiotiques. Ces processus sont situés et construits par rapport à différents modèles interdisciplinaires. / Doctorat en Information et communication / info:eu-repo/semantics/nonPublished
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