Orientadora: Profª Drª Dulce Regina Baggio Osinski / Dissertação (mestrado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Educação, Programa de Pós-Graduação em Educação. Defesa: Curitiba, 24/03/2016 / Inclui referências : f. 144-158 / Resumo: A presente dissertação, intitulada Da Música às Artes Plásticas: a constituição da licenciatura em Educação Artística na Faculdade de Educação Musical do Paraná (década de 1970) tem por objetivo analisar o processo de constituição dessa licenciatura em Curitiba na década de 1970. O novo curso teve início em 1976, momento em que já se discutia a necessidade da formação superior para o professor de Arte desde a ciência dos trâmites da reforma educacional da Lei 5692/71. Para essa operação historiográfica foram selecionadas fontes diversas, tais como documentos oficiais, artigos de jornais de São Paulo, Rio de Janeiro e Paraná, normas e legislações educacionais, currículo e memória de alguns professores e alunos do período pesquisado na FEMP. Em termos metodológicos, a análise tem como apoio os conceitos de táticas e estratégias de Michael de Certeau, que analisa tais práticas sociais em ações no interior das instâncias de poder. Para as análises relativas às disciplinas e ao currículo que constituiu o ensino de 1º e 2º graus e da licenciatura em Educação Artística, face à lei de reforma educacional, busquei o entendimento de Chervel e Goodson. Ao problematizar o conjunto de normas na série de Indicações, Pareceres e Resoluções que compuseram a Lei 5692/71 busquei amparo nas várias dimensões às quais essa lei está passível, apontadas por Faria Filho. O início do ensino superior em Educação Artística na FEMP, na modalidade de licenciatura, decorreu de um conjunto de motivos, dentre os quais está a instituição da Lei 5692/71, o interesse da FEMP em fornecer aos seus alunos uma formação condizente às novas exigências de trabalho nas escolas e a associação da instituição ao Curso de Artes Plásticas na Educação - CAPE. São esses os eixos constituidores do novo ensino, proposto pela Instituição em Curitiba. Embora a Lei 5692/71 seja considerada como um dos maiores fatores da instalação da Licenciatura em Educação Artística na FEMP, a referida instituição notadamente exemplar no ensino de Música e na formação superior do professor para essa área, não tinha a obrigação legal de oferecê-la. Entretanto viu na lei a possibilidade de se tornar uma referência no ensino superior de Educação Artística, para além da já oferecida educação musical. Palavras-chave: Ensino Superior; Licenciatura; Educação Artística; Faculdade de Educação Musical do Paraná; Lei 5692/71 / Abstract: This dissertation, named From Music to the Fine Arts: building the Licentiate Program in Art Education at Faculdade de Educação Musical do Paraná (the School of Music Education) - the '1970s, aims at analyzing the process through which said program has been created in Curitiba in the '1970s. The new program began in 1976, when the need to provide higher education to Art teachers was already being discussed after the educational reform brought about by Law 5692/71. For such historiographic study, several sources were selected such as official documents, newspaper articles from São Paulo, Rio de Janeiro and Paraná, norms and laws involving education, curriculum and memory of some teachers and students from the period researched at FEMP (Faculdade de Educação Musical do Paraná). In regard to the methodology, the analysis is supported by Michel Certeau's concepts of tactics and strategies, which analyze such social practices in the actions taken by higher levels of government. For the analyzes concerning the subjects and the curriculum of primary and secondary education, as well as the licentiate program in Art Education, in face of the educational reform law, I resorted to the thought of Chervel and Goodson. When examining the problems of the set of norms in the series of indications, opinions and resolutions from Law 5692/71, deeply modifying art education and teaching, I sought support in the different dimensions with which said law according to Faria Filho. The onset of higher education in Art Education at FEMP, in the form of a licentiate program, resulted from different reasons among which the passing of Law 5692/71, FEMP's interest in providing to its students a kind of training compatible with the new demands for work in schools, and the School's association with the program Fine Arts in Education - CAPE. Therefore, those are the axes that form the new education proposed by the Institution in Curitiba. Albeit Law 5692/71 is considered one of the major factors for creating the Licentiate Program in Art Education at FEMP, the School well known as exemplary in music education and in teachers' higher education in that area, was not legally mandated to offer it. Nonetheless the law was seen as an opportunity to become a reference in higher education in Art Education, beyond what was offered in music education. Key words: Higher Education; Licentiate Program; Art Education; Faculdade de Educação Musical do Paraná (the School of Music Education); Law 5692/71

Dissertação (Mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Ciencias da Educação / Made available in DSpace on 2012-10-17T05:40:31Z (GMT). No. of bitstreams: 0Bitstream added on 2016-01-09T00:16:06Z : No. of bitstreams: 1 148810.pdf: 3484771 bytes, checksum: 602b79d7cd5d7fa40b0b6dd32afc127a (MD5) / Análise da Formação do Professor e seus vários aspectos formativos. Observou-se a formação de Professores de Educação Artística - habilitação Artes Plásticas do Centro de Artes da UDESC. Além de entrevistas com professores formadores, buscou-se também analisar as grades curriculares e sua várias mudanças ao longo da transformação do curso de Educação Artística da Faculdade de Educação no Centro de Artes da UDESC.

Orientador : Ricardo Weigert Coelho / Co-orientador : Andre Luiz Felix Rodacki / Dissertação (mestrado) - Universidade Federal do Paraná, Setor de Ciências Biológicas, Programa de Pós-Graduação em Educação Física. Defesa: Curitiba, 2007 / Inclui bibliografia / Área de concentração: Exercício e esporte

El centro cultural de arte urbano tendrá como principal aporte fomentar y difundir la producción de los artistas del distrito de Barranco, mediante servicios, ambientes culturales y espacio público que sirvan para este fin. La propuesta responde a 2 problemáticas expuestas en este documento. En primer lugar la investigación realizada en el distrito de Barranco permitió descubrir la necesidad de realizar un proyecto de este tipo, identificando al artista y a las organizaciones culturales como principales usuarios. Esto fue posible mediante el análisis que reveló los problemas que tiene el distrito el cual pese a ser conocido por su carácter bohemio, es evidente la falta de consolidación de lugares que sirvan como una comunidad para artistas, lo que revela una falta de promoción cultural y artística por parte de las autoridades. Se llegó a esta conclusión mediante el diálogo con organizaciones y encuestas realizadas a los miembros de asociaciones culturales formadas por artistas de distintas disciplinas en el distrito, que ayudaron a reafirman esta problemática existente. Además como segundo punto se incorpora a la propuesta de este proyecto el arte urbano, por ser medio de expresión de artistas independientes y de colectivos en Barranco, además de redes que utilizan los espacios públicos para transformarlos en escenarios en los cuales se desarrolle, exhiba, difunda y venda este tipo de arte. Se investigó acerca del impacto y relevancia del arte urbano en el Perú, la gran acogida que está teniendo en varios países de América Latina y como se está comenzando a difundir en galerías y mediante festivales. Para explicar este tema fue importante identificar la problemática del espacio público en la ciudad de Lima, presentando y analizando dos casos específicos en el centro histórico en los cuales el arte urbano aparece como elemento reactivador de dichos espacios y también para lograr una identidad social y colectiva en la población. Comparamos el caso del centro de la ciudad con el distrito de Barranco donde, por el contrario, se presenta una carencia de espacios públicos que fomenten y aprovechen el potencial artístico y cultural que posee mediante una adecuada gestión y propuestas de uso. / Tesis

Dissertação (mestrado) - Universidade Federal de Santa Catarina, Centro de Ciencias da Educação / Made available in DSpace on 2012-10-16T09:57:48Z (GMT). No. of bitstreams: 0Bitstream added on 2016-01-08T20:14:32Z : No. of bitstreams: 1 106501.pdf: 29860946 bytes, checksum: 6df08b482d815109d210ac9dca16bd8f (MD5) / A partir da experiência como artista e professor de Educação Artística, preocupado com a melhoria do ensino de Arte desenvolvi um estudo investigativo sobre a Educação Artística na formação do técnico de nível médio. Tendo como objetivos: Investigar o significado da Educação Artística na formação do técnico de nível médio; propor uma alternativa para o ensino de Educação Artística no 2o grau-técnico a fim de contribuir para melhoria deste ensino e com as pesquisas nessa área; resgatar a importância da Educação Artística na formação dos profissionais e, em especial, na formação do técnico de nível médio. As idéias colocadas surgiram da prática desenvolvida com os alunos que participaram de uma oficina de pintura e na busca do referencial teórico que fundamenta este trabalho. Este estudo mostra que na escola atual se faz presente um ensino de Educação Artística que fragmenta o conhecimento no tempo e no espaço, apresentando-o em pedaços intercalados entre muitas outras disciplinas e entre milhares de informações, distorcendo e não permitindo a compreensão desse conhecimento como um todo. Esta pesquisa não se detém nas deficiências mas aponta novos rumos para o ensino de Arte baseado na realização da oficina de pintura que comprova a viabilidade e o sucesso da proposta apresentada. Portanto, os temas abordados, por um lado, questionam o ensino de Educação Artística como vem acontecendo na prática escolar e, por outro lado, apontam para uma perspectiva de superação centrada na reflexão sobre os problemas que emergem do contexto concreto.

Orientador: Amelia Americano Domingues de Castro / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Faculdade de Educação / Made available in DSpace on 2018-07-20T12:37:35Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Castanho_MariaEugeniaDeLimaEMontes_M.pdf: 176846141 bytes, checksum: ef7e777d6300b19f3459da944413b74c (MD5) Previous issue date: 1982 / Mestrado

Lo studio analizza il modo in cui la storia dell’arte e la visual culture vengono utilizzate all’interno delle medical humanities, e cerca di suggerire un metodo più utile rispetto a quelli fin qui proposti. Lo scritto è organizzato in due parti. Nella prima parte sono analizzate alcune teorie e pratiche delle scienze umane in medicina. In particolare, ci concentriamo sulla medicina narrativa e sugli approcci con cui la storia dell’arte viene inclusa nella maggioranza dei programmi di medical humanities. Dopodiché, proponiamo di riconsiderare questi metodi e di implementare il ruolo di un pensiero storico e visivo all’interno di tali insegnamenti. Nella seconda parte, alla luce di quanto emerso nella prima, ci dedichiamo a uno studio di caso: la rappresentazione della melanconia amorosa, o mal d’amore, in una serie di dipinti olandesi del Secolo d’Oro. Colleghiamo queste opere a trattati medico-filosofici dell’epoca che permettano di inquadrare il mal d’amore in un contesto storico; in seguito, analizziamo alcune interpretazioni fornite da studiosi e storici dell’arte a noi contemporanei. In particolare, esaminiamo lo studio pionieristico di Henry Meige, pubblicato sulla “Nouvelle iconographie de la Salpêtrière” nel 1899, da cui emerge la possibilità di un confronto critico sia con le posizioni iconodiagnostiche di Charcot e Richer sia con quelle della prima psicoanalisi. / The research aims to study the way art history and visual culture are utilised in the medical humanities, and to suggest a more profitable approach compared to the usual ones. The text is organised in two parts. In Part I, we examine the main purposes of medical humanities’ theories and practices. In particular, we focus on narrative medicine and on the techniques by which art history has been included in most of their programmes. Then, we propose to review these methods in order to improve the role of a historical and visual thought inside these teachings. In Part II, we consider a series of paintings of the Dutch Golden Age representing the love melancholy, or lovesickness, in view of what shown up in the first part. We connect these images with medico-philosophical treatises of that time, setting the disease in its historical context; then we examine the interpretations some scholars and art historians suggested about them. Above all, we consider the pioneering study by Henry Meige, appeared in the “Nouvelle Iconographie de la Salpêtrière” (1899), that demonstrates the possibility of a critical comparison with the “icono-diagnosis” approach used by Charcot and Richer, and, obviously, with the first works of psychoanalysis.

Orientador(a): Omar Khouri / Banca: Agnaldo Valente Germano da Silva / Banca: Ana Lucia Gimenez Ribeiro Lupinacci / Resumo: Essa pesquisa tem por objetivo esclarecer algumas questões que cercam a obra de Sebastião Salgado. Partindo do princípio de que o olhar contemporâneo do fotógrafo busca um registro pessoal de uma realidade frágil e sofrida no Brasil e ao redor do mundo, numa espécie de crítica à era pós-revoluções industriais, o estudo procurou mostrar que há um certo romantismo nessa abordagem. As fotografias, que vão além do mero registro objetivo dos fatos, ultrapassam as fronteiras do fotojornalismo e alcançam níveis de subjetividade tão intensos que estabelecem através de suas figuras e paisagens, não apenas um diálogo sensível com o espectador, mas uma estética que se aproxima da linguagem dos pintores românticos. Para tornar mais visível e clara essa análise, optou-se por um recorte cronológico das fotografias produzidas entre 1984 e 2000, período em que o fotógrafo mostrou o ser humano como vítima de um mundo consumido pelos efeitos das revoluções industriais. Através dessas fotografias, foi traçado um percurso de pesquisa que procurou construir possíveis relações de intertextualidade com pinturas românticas do século XIX, que também encontraram na subjetividade uma forma de expressar as próprias reações à nova realidade que se formava no período. A pesquisa buscou nos valores estruturais e temáticos das fotografias e das pinturas seus pontos de convergência, usando a metodologia iconográfica e iconológica de Erwin Panofsky. Essas relações revelaram que as fotografias de Sebastião... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This research aims to clarify some issues surrounding the work of Sebastião Salgado. Assuming that the contemporary look of the photographer seeks a personal record of a fragile and suffered reality in Brazil and around the world, in a kind of criticism of the post-industrial revolutions era, the study tried to show that there is a certain romanticism in this approach. The research demonstrated that the photos, which go beyond the mere objective record of events, also go beyond the boundaries of photojournalism and reach such intense levels of subjectivity that they establish through their figures and landscapes, not only a sensitive dialogue with the viewer, but an aesthetics approaching the language of romantic painters. To make this analysis more visible and clear, a chronological cut of the photographs produced between 1984 and 2000 was chosen, during which the photographer showed the human being as a victim of a world consumed by the effects of industrial revolutions. Through these photographs, a research course was traced that seeks to build possible intertextual relations with 19th century romantic paintings, which also found in subjectivity a way of expressing their own reactions to the new reality that was formed in this period. The research sought the point of convergences between the structural and thematic values of photographs and paintings, using the iconographic and iconological methodology of Erwin Panofsky. These conections revealed that Sebastião Salgado's... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

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Alla luce della vasta letteratura storico-artistica sorta, negli ultimi anni, sul paesaggio dipinto, sulla sua storia e sui suoi protagonisti, sulla filiera delle influenze e sulle varie declinazioni stilistiche che lo caratterizzano, uno studio sulle Origini del genere all’alba della modernità può sembrare destinato, non tanto ad aggiungere nuove informazioni, quanto a sistematizzare quelle sinora emerse. Eppure, il problema del paesaggio come oggetto semiotico deve ancora essere chiarito. Gli storici dell’arte si sono sostanzialmente limitati a rimuovere la questione, dietro l’idea che i quadri della natura siano rappresentazioni votate alla massima trasparenza, dove ha luogo “una transizione diretta dai motivi al contenuto” (Panofsky 1939, p. 9). Questo studio recupera e fa riemergere la domanda sul senso della pittura di paesaggio. Il suo scopo è proporre un’analisi del paesaggio in quanto produzione discorsiva moderna. Tra XVI e XVII secolo, quando il genere nasce, questa produzione si manifesta in quattro diverse forme semiotiche: l’ornamento o paraergon (cap. II), la macchia cromatica (cap. III), l’assiologia orizzontale del dispositivo topologico (cap. IV) e il regime di visibilità del “vedere attraverso” (cap. V). La prima di queste forme appartiene alla continuità storica, e la sua analisi offre l’occasione di dimostrare che, anche in qualità di paraergon, il paesaggio non è mai l’abbellimento estetico di un contenuto invariante, ma interviene attivamente, e in vario modo, nella costruzione del senso dell’opera. Le altre forme marcano invece una forte discontinuità storica. In esse, il genere moderno si rivela un operatore di grandi trasformazioni, i cui significati emergono nell’opposizione con il paradigma artistico classico. Contro il predominio del disegno e della figuratività, proprio della tradizionale “concezione strumentale dell’arte” (Gombrich 1971), il paesaggio si attualizza come macchia cromatica, facendosi portavoce di un discorso moderno sul valore plastico della pittura. Contro la “tirannia del formato quadrangolare” (Burckhardt 1898), strumento della tradizionale concezione liturgica e celebrativa dell’arte, il paesaggio si distende su formati oblunghi orizzontali, articolando un discorso laico della pittura. Infine, attraverso la messa in cornice della visione, propria del regime di visibilità del “vedere attraverso” (Stoichita 1993), il paesaggio trasforma la contemplazione del mondo in contemplazione dell’immagine del mondo. Il dispositivo cognitivo che soggiace a questo tipo di messa in discorso fa del paesaggio il preludio (simbolico) alla nascita del sapere cartografico moderno, che farà della riduzione del mondo a sua immagine il fondamento del metodo di conoscenza scientifica della Terra.