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Sociologie de la bohème contemporaine : coqueter avec un style de vie à Leipzig et à MontréalLegault, Alexandre 08 1900 (has links)
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Déplacements, projections, obsessions, l'interprétation des nouvelles de Fitz-James O'Brien / Displacements, Projections, Obsessions : interpreting Fitz-James O’Brien’s StoriesChartier, Cécile 29 November 2014 (has links)
Les nouvelles de Fitz-James O’Brien ont été réévaluées dès les années 1970 et jusqu’au début du XXIe siècle à la lumière de son origine irlandaise. L’enjeu de cette thèse est d’analyser les processus de re-nationalisation à l’œuvre dans l’interprétation de ses nouvelles : de déplacements sémantiques en projections langagières, le critique risque d’être hanté par l’histoire de l’Irlande. Il est nécessaire pour ce faire de retracer le parcours littéraire et journalistique de O’Brien, depuis ses débuts en tant que contributeur anonyme du courrier des lecteurs du journal nationaliste irlandais The Nation, jusqu’à la fondation du journal satirique américain Vanity Fair et sa mort d’une blessure qu’il a reçue au cours d’un combat de la guerre de Sécession. Il conviendra notamment d’analyser, tout le long de son parcours, le rôle de la bohème littéraire dans la construction d’un idéal artistique sans frontières et le rôle de la presse comme outil de diffusion de cet idéal et, paradoxalement, de construction d’un champ littéraire spécifiquement américain. Nous examinerons ensuite la réception de ses nouvelles et leurs adaptations. Enfin, il s’agira d’étudier les mécanismes interprétatifs qui mettent spécifiquement l’Irlande et l’« irlandicité » au cœur de la lecture des textes, ainsi que de mettre en lumière les effets rhétoriques qui permettent une telle lecture, tant dans les textes critiques que dans les nouvelles elles-mêmes. A cause de la nature éminemment référentielle de l’écriture d’O’Brien, le sens symbolique, parfois satirique, voire allégorique de ses nouvelles se dérobe au lecteur d’aujourd’hui qui se trouve contraint d’effectuer une laborieuse quête herméneutique. / Between the 1970’s and the early years of the 21st century, Fitz-James O’Brien’s short stories have been analysed with reference to his Irish birth. This dissertation aims to examine the mechanisms of re-nationalisation at work in the interpretation of his stories: by means of semantic displacements and linguistic projections, the critic runs the risk of being haunted by Irish history. It is thus necessary to reconstruct O’Brien’s literary and journalistic career, from his early anonymous contributions to the “correspondence” column of the Irish nationalist newspaper The Nation, to the creation of the American satirical magazine Vanity Fair, and his death from a wound he recieved in a skirmish during the American Civil War. This dissertation will analyse particularly the part that literary Bohemia played in creating an artistic ideal of “borderlessness,” and the part that the press played in circulating this idea, all the while partaking in the construction of a specifically American literary field. I will then examine the reception of O’Brien’s stories and how they were adapted throughout decades in various media. Finally, I will study interpretative mechanisms which place Ireland and Irishness at the centre of text-reading and I will highlight the rhetorical effects allowing such a reading, both in the critical texts and in O’Brien’s stories themselves. Because of the highly referential nature of his magazine writing, the symbolical, sometimes satirical or even allegorical meaning of his stories eludes today’s reader, who has no choice but to embark on a laborious hermeneutic quest.
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L'art de la bohème. L'art des Buveurs d'eau (1835-1855) / Bohemian art. The Water Drinkers' art (1835-1855)Kovács, Itaï 08 December 2018 (has links)
La présente thèse propose la première monographie sur la société des Buveurs d’eau. Cette association artistique de secours mutuels rassembla dans le Paris des années 1840 onze peintres, sculpteurs et écrivains débutants qui, pour la plupart, allaient entrer dans l’histoire non pas grâce à leurs œuvres, mais parce qu’ils allaient devenir les exemples d’un type de créateur : l’artiste ou l’écrivain bohème. Ce fut leur sort à cause d’un livre que l’un d’eux publia en 1851, et ce fut à leur grand dam et au dam de l’histoire. Les Scènes de la vie de bohème d’Henry Murger fondent depuis plus d’un siècle et demi l’idée que l’on se fait de la première bohème parisienne. Elles doivent leur popularité originale à leur adaptation au théâtre de boulevard en 1849 et leur popularité durable à leur adaptation à l’opéra en 1896, dans La Bohème de Puccini. Elles doivent leur place dans les travaux universitaires aux qualités de document et de tableau de mœurs qu’on leur attribue depuis leur parution. Ce sont d’abord ces qualités du livre de Murger, largement admises sans être historiquement vérifiées, et souvent amplifiées depuis trente ans par l’histoire des représentations et par la sociologie, qui rendent les Buveurs d’eau aussi illustres qu’inconnus. C’est également l’obscurité des œuvres de ces hommes, majoritairement artistes, qui éloigne les chercheurs – et en premier lieu les historiens de l’art – de l’histoire de cette société. Or, il est possible de faire cette histoire, à l’aide des outils de l’histoire de l’art d’abord et de l’histoire littéraire ensuite. Ses fondements sont jetés ici et ils répondent à une question trop rarement posée : quel est l’art de la bohème ? / This thesis is the first monograph on the artistic brotherhood of the Water Drinkers, a mutual aid association that united eleven young painters, sculptors and writers in 1840s Paris. Most of these men were to enter history not thanks to their art but because they were to exemplify the bohemian artist or writer. That was due to a book published by one of the group members in 1851—to the disservice of the Water Drinkers and history alike. For more than a century and a half, Henri Murger’s La Vie de Bohème has been the basis of our notion of bohemian Paris. This book owes its initial fame to its theatrical adaptation in 1849 and its lasting fame to its operatic adaptation in 1896, in Puccini’s La Bohème. It owes its place in academic research to its reputation as a historical document and a novel of manners. It is first and foremost this reputation—widely accepted though historically unverified, and frequently enhanced by cultural historians and sociologists over the past three decades—that is responsible for the Water Drinkers being unknown as artists, and famous as bohemians. It is additionally the obscurity of the works of the group members, chiefly visual artists, that is responsible for scholars and especially art historians not studying their history. Yet their history can be studied, by means of art history first and literary history second. This thesis lays the foundation for this study and answers a question too seldom asked: what is bohemian art?
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Actualiser le mythe de la bohème : suivi de ChimèresDupont, Julien 01 June 2021 (has links)
Cette thèse en création littéraire est centrée sur le mot « bohème » et sur l’imaginaire que ce terme conjure. Le premier volet de la thèse, soit son aspect théorique, trace l’évolution de l’imaginaire qui auréole le mot « boesme » depuis ses origines gitanes jusqu’à son éclosion en symbole de l’écrivain. Malgré les déclarations répétées que « la bohème ne veut plus rien dire du tout », l’argument fondamental de cette thèse est que la « bohème » constitue une configuration mythique, à tendance initiatique, qui demeure pertinente aujourd’hui. Le deuxième volet, soit l’apport créatif de cette thèse, consiste en un court roman épisodique intitulé Chimères. Cette création actualise le mythe de la bohème en l'illustrant au sein d’histoires propres à notre époque, tout en calquant sa structure sur celle des Scènes de la vie de bohème d’Henry Murger (1851), roman central au mythe de la bohème littéraire. Le troisième et dernier volet constitue une réflexion sur l’évolution de cette thèse, sur le rôle caché des mythes dans nos vies ainsi que sur la transformation qu’ils opèrent sur nous. Combinant recherche universitaire et créativité subjective, cette thèse illustre et incarne un processus d’initiation. Passer d’une naïveté chimérique à une sagesse plus réaliste, céder le personnage au profit de la personne, c’est à la fois le processus et la fin de la bohème, soit l’atteinte de la transformation qu’elle recèle. Néanmoins, il résulte de ce travail la conclusion que, telle la jeunesse même, la bohème sera toujours apte à être régénérée et toujours sera-t-elle condamnée à passer.
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Le "dépoétoir" fin-de-siècle : éléments pour une poétique des HydropathesMarsot, Julien 12 1900 (has links) (PDF)
Ce mémoire étudie les œuvres poétiques des Hydropathes, cercle de poètes de la bohème parisienne de la fin du dix-neuvième siècle. Historiquement placés entre Parnasse et Décadence, les Hydropathes constituent un moment charnière de l'évolution de la poésie vers sa modernité, mais leurs œuvres demeurent à l'ombre des légendes de la vie de bohème auxquelles ce cercle est associé. En abordant d'abord l'étude détaillée d'un poème exemplaire de la pratique parodique du cercle, cette étude exhume divers éléments capables de contribuer à l'appréciation des singularités créatrices de ces poètes par-delà le rire auquel on réduit généralement leur production. Trois éléments majeurs deviennent constitutifs des chapitres subséquents de ce mémoire : l'influence ambivalente de Victor Hugo et des principes du romantisme, modèle convoité autant que dépassé; la modélisation des œuvres sur celle de Charles Baudelaire, influence admise du mouvement décadent qui émerge sans toutefois faire l'unanimité; et la prégnance d'une mémoire politique de la bohème comme dilemme motivant le rictus des Hydropathes à l'égard de ces avenues et de leurs apories quant à la portée politique du poème.
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MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Fumisme, bohème, décadence, parodie, ironie, rires poétiques, Victor Hugo, Charles Baudelaire, Émile Goudeau, hydropathes, Chat Noir.
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Rire obscène, esthétique grotesque et imaginaires carnavalisés chez les premières avant-gardes musicales françaises : le cas d'Erik SatieMeunier, Jordan 08 1900 (has links)
Ce mémoire explore les territoires esthétiques de la culture populaire dans l’imaginaire carnavalisé du compositeur d’avant-garde Erik Satie (1866-1925). L’interprétation de l’arrière-texte de la poétique compositionnelle de Satie proposée par cette étude interroge le caractère iconoclaste des symboles associés à la scène des divertissements « légers ».
Par les thèmes, genres, tropes et topoï qu’elle privilégie, l’œuvre musicale de Satie se situe au confluent du « savant » et du « vulgaire ». En portant un regard attentif aux créations « mineures » de Satie pour la scène populaire à Montmartre, ce travail cherche à définir les rapports antinomiques opposant les représentations, attitudes et valeurs promues par la culture « officielle » à l’attachement iconoclaste de Satie aux univers du « bas-social », du grotesque et de l’obscène.
Les chahuts intempérants de Satie au cabaret artistique, au music-hall et au café-concert, au même titre que la revendication subversive par le compositeur des potentialités esthétiques offertes par le jeu et l’humour vernaculaires, prolongent le geste de résistance littéraire et artistique contre-culturel de la bohème fin-de-siècle. En visant une compréhension sémantique des enjeux discursifs qui accompagnent historiquement la représentation du populaire – cet « Autre » profanant, repoussoir de l’élite bourgeoise –, ce mémoire appréhende la portée démocratique du rire matérialiste populaire de Satie, principale figure tutélaire des premières avant-gardes modernistes parisiennes au tournant du XXe siècle. / This thesis aims to explore the aesthetic territories of popular culture within the avant-garde composer Erik Satie’s (1866-1925) carnavalized imagination. This study provides an interpretation of the subtext of Satie’s poetics of composition that questions the use of symbols associated with ‘light’ entertainment as means of protest.
The themes, genres, tropes and topoï that Satie’s works invoke place them at the intersection of ‘learned’ and ‘vulgar’ culture. By paying close attention to Satie’s ‘minor’ works created for Montmartre’s popular establishments, this thesis seeks to define the antinomic relationship that opposes ‘official’ culture’s promoted representations, attitudes and values to Satie’s iconoclastic penchant for the imaginary spaces of the ‘low-class’, the grotesque and the obscene.
Satie’s uproarious contributions to cabaret artistique, music-hall and café-concert, as well as the composer’s subversive exploration of the aesthetic potential of playfulness and vernacular humor, find echoes in the literary and artistic counter-cultural acts of resistance in Bohemian fin-de-siècle circles. Based on a semantic understanding of the discursive issues historically surrounding the representation of the popular as a degrading ‘Other’ by the wealthy bourgeois elite, this thesis appraises the democratic scope of Satie’s materialistic popular laughter, which serves as one of the main influences for the first Parisian modernist avant-garde movement at the turn of the twentieth century.
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Cuvée 44 ; : suivi de L'héritage de la réception d'On the Road et de la posture d'écrivain de Kerouac selon les époquesVézina, Raphaëlle 10 February 2024 (has links)
Ce mémoire en recherche-création se décline en deux parties; un roman et un essai. Le roman et l'essai se répondent, en traitant tous les deux de la période des années 50, qui représente le contexte du roman On the Road qui sera analysé dans l'essai, mais aussi le moteur créatif qui a inspiré le roman Cuvée 44. Le roman, Cuvée 44, s'inspire de la filiation des romans de route et de quête personnelle dont On the Road est un des précurseurs. Il relate la vie mouvementée de Francine Boudreau, une jeune femme de quinze ans qui quitte son Québec natal en 1959 pour un monde de possibilités qui s'offrent à elle aux États-Unis, durant les années 50 et 60. Le lecteur est transporté un peu partout au pays, alors que la jeune femme tente de se poser quelque part. L'essai, quant à lui, traite de la réception de l'œuvre phare de Kerouac, On the Road, afin d'observer comment elle a évolué selon les décennies. En faisant ressortir les diverses critiques du roman de l'écrivain de la Beat Generation, on peut ainsi ressortir les différentes postures qui lui sont accordées au travers des époques, pour en voir les constantes et les disparités.
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L'opéra à l'épreuve du cinéma / Cinema adaptations of the operaSacco, Laure-Hélène 16 October 2012 (has links)
Le film d’opéra correspond à la rencontre de deux formes d’art ayant chacune ses propres règles de mise en scène. Il nécessite de concilier les exigences de l’opéra et celles du cinéma, mais prétend aussi favoriser leur enrichissement mutuel. Notre réflexion porte sur la pertinence, du point de vue créatif, de cette rencontre. Elle vise à mettre en évidence les risques, les enjeux et les intérêts artistiques du film d’opéra. Le corpus revêt une dimension franco-italienne : il se compose de cinq films produits par Daniel Toscan du Plantier (Don Giovanni de Joseph Losey, Carmen de Francesco Rosi, La Bohème de Luigi Comencini, Madame Butterfly de Frédéric Mitterrand, Tosca de Benoît Jacquot) et de deux autres, non produits par lui : La Traviata et Otello de Franco Zeffirelli, qui appartiennent à cette même « vague » du film d’opéra. L’étude s’intéresse tout d’abord à la politique culturelle du producteur Daniel Toscan du Plantier, grâce à qui ce genre cinématographique s’est développé de façon significative dans les années 1980, afin de définir le contexte de création de ses films, de comprendre son engagement en faveur de ce genre artistique et son intérêt tout particulier pour la culture italienne. Notre analyse tend par la suite à évaluer les difficultés techniques ainsi que les libertés créatives qu’engendre le passage à l’écran. L’écriture cinématographique de l’opéra implique des concessions sur le plan de la réalisation et nécessite un positionnement entre les deux esthétiques, mais elle permet aussi une lecture nouvelle et originale de l’opéra. Nous évaluons à la fois les exigences résultant de l’articulation opéra-cinéma et les solutions apportées par les réalisateurs pour répondre à ces contraintes, bien souvent musicales. La réflexion se concentre dans la seconde partie sur l’aboutissement de cette union, tout d’abord à travers l’analyse de l’interprétation visuelle de la musique fournie par les réalisateurs pour chacun des films du corpus, selon une approche thématique. Elle montre comment l’image mobile transcrit la musique, comment l’écriture cinématographique traduit visuellement la partition et peut accroître la dimension émotive. Enfin, elle s’intéresse à la réception de ces films en France et en Italie, en vue de mesurer l’accueil reçu par chacun auprès de la critique, partagée entre démocratisation de l’opéra et vulgarisation de l’art lyrique. / The "opera film" corresponds to the encounter between two art forms envolving specific staging rules. It combines the requirements of opera and cinema alike whilst endeavouring to promote their mutual enrichment. In this dissertation I analyse the relevance of this encounter from a creative point of view. I intend to highlight the risks, stakes and artistic appropriateness of the opera film. The body of works has a Franco-italian dimension: it includes five films produced by Daniel Toscan du Plantier (Joseph Losey's Don Giovanni, Francesco Rosi's Carmen, Luigi Comencini's La Bohème, Frédéric Mitterrand's Madama Butterfly and Benoît Jacquot's Tosca) as well as two other films which he did not produced: La Traviata and Otello, by Franco Zeffirelli, also belong to this opera film "wave". First of all, I examine Daniel Toscan du Plantier's cultural policy as a producer. Indeed, it was thanks to him that this cinematic genre flourished significantly in the 1980s. I aim to define the creative context of these films and to understand his commitment towards their promotion as well as his genuine interest for Italian culture. I then move on to analysing the technical difficulties as well as the creative licence which results from screen adaptation. On the one hand, the cinematographic writing of opera implies concessions in staging and requires a position be taken in respect of aesthetics, cinematographic and opera. On the other hand, it also triggers a new and original reading of opera. I assess the requirements which result from the opera-cinema articulation and the solutions, often musical, proposed by films directors confronted to these constraints. In Part II I focus on the achievements of this union, first by thematically analysing each director's the visual interpretation of music provided in the films included in the body of works. I argue that the moving image transcribes music, that cinematographic writing translates the music score visually and that it can enhance the emotional dimension. Finally, I examine the response to these films in France and in Italy, especially through the critics divided between the democratisation of opera and the vulgarisation of lyric art.
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