À l'aide d'une approche historique et littéraire, cette recherche veut situer la Correspondance apocryphe entre Paul et les Corinthiens dans le contexte historique des milieux chrétiens de l'antiquité tardive. Un premier chapitre présente une analyse de l'histoire de la transmission du texte de la Correspondance qui révèle que celle-ci fut d'abord composée comme une pièce indépendante des Actes de Paul, avant d'y être intégrée et retirée ensuite. La Correspondance est donc connue sous trois formes de transmission distinctes qui se subdivisent elles-mêmes en plusieurs ramifications. Deuxièmement, l'analyse des attestations anciennes de la Correspondance montre qu'elle fut considérée, pour quelque temps, comme un écrit canonique dans les Églises syriennes et arméniennes. La comparaison de la Correspondance avec les écrits pauliniens et le reste de la littérature néotestamentaire révèle qu'elle est un pseudépigraphe qui répond à des exigences de polémique, qui nous introduisent au cœur d'une controverse autour de la figure de Paul. Finalement, cette recherche propose une analyse de la forme et du contenu de la Correspondance. Celle-ci est construite comme une notice hérésiologique où est opposée l'erreur de l'enseignement des adversaires à l'authenticité de la tradition apostolique dont Paul est le dépositaire. Le commentaire du texte de la Correspondance permet de conclure à la nature générale de la dénonciation des adversaires et à une datation assez tardive de l'écrit, soit entre 175-190, quelque part en Asie mineure.

Cette thèse explore les liens entre le country-western produit au Québec entre 1942 et 1957 et la modernité populaire. À l’aide de l’analyse musicale et de l’histoire, ce travail de recherche tente de cerner la signification culturelle du genre au moment de son émergence. L’histoire du country-western débute au Québec avec le soldat Roland Lebrun, qui amorce en 1942 sa carrière sur disque. Il sera suivi de Paul Brunelle, de Marcel Martel et de Willie Lamothe, qui enregistrent chez l’une ou l’autre des deux compagnies généralistes établies à Montréal pendant les années 1940, Compo et RCA Victor. À mesure que le genre se structure, notamment grâce à la fondation de compagnies de disques spécialisées à partir de 1958, un discours sur l’authenticité du country-western se développe chez les artistes et leurs observateurs. Fondée sur une valorisation a posteriori des conditions qui caractérisent la période d’émergence du genre, qui s’étend de 1942 à 1957, l’authenticité insiste sur la continuité et la tradition. Ce discours, présent dès le milieu des années 1960, masque les aspects les plus modernes d’un genre qui, au moment où il émerge, n’est pas explicitement porteur de valeurs traditionnelles ou conservatrices. La voix country-western constitue un premier indice de modernité. La chanson country-western québécoise des années 1940 et 1950 structure dans un cadre musical des modificateurs paralinguistiques dont les deux plus caractéristiques, d’un point de vue générique, sont la nasalisation et le second mode de phonation. Véhicules de l’expressivité vocale, ces deux modificateurs du timbre sont coordonnés avec les paroles des chansons et avec la variation de paramètres musicaux, technologiques et phonétiques. Ils contribuent à la construction d’èthos spécifiques comme la tristesse, la solitude, la plainte et l’exubérance, et conservent dans le contexte discursif constitué par les enregistrements la signification expressive qu’on leur attribue dans la parole spontanée. C’est donc la voix parlée, quotidienne et ordinaire, qui fournit à l’auditeur le code culturel lui permettant d’en interpréter la signification. En ce sens, la chanson country-western incarne une certaine modernité populaire, redevable au code de la langue vulgaire partagée par le plus grand nombre. La modernité du country-western est aussi apparente dans sa popularité, qui se réalise à la fois dans son succès comme objet de consommation et dans sa proximité avec le public qui en détermine en partie le développement. Son recours particulier à la technologie, qui contribue à la création d’effets de spatialisation mais surtout à la mise en scène de l’intimité, le rattache aussi à la modernité. Enfin, le country-western témoigne d’une américanité certaine, assumée, et s’inscrit dans le déplacement du centre de gravité culturel, de l’Europe vers les États-Unis, qui marque la modernité. L’américanité du country-western, liée à ses origines mêmes, se renouvelle à la fin des années 1950 alors que le genre intègre le rock and roll. / This dissertation examines the relations between country-western music produced in Quebec between 1942 and 1957 and the concept of popular modernity. Drawing together musical and historical analysis, it explores the cultural significance of country-western at the beginning of the genre. The history of country-western music in Quebec began in 1942 when Roland Lebrun recorded his first songs. Paul Brunelle, Marcel Martel and Willie Lamothe soon followed with their own recordings in this style. These amateur singer-songwriters started out with the Compo Company and RCA Victor, the only two record companies who survived in Montreal during the Great Depression. With Rusticana, the first independent label to produce country-western music in 1958, the genre began its structuration and authenticity became a determinant value in country-western music. Continuity is a key concept to understand what Richard Peterson (1997) has called “fabricated authenticity”, which is indeed exemplified in the invented tradition that country-western created, from the 1960s onwards, on the basis of some of the conditions that characterized the first country-western. The discourse on authenticity, however, masks some of the more modern characteristics of the genre at the time of its birth. The country-western singing voice is one example, as artists use a variety of paralinguistic effects like nasalization and second mode of phonation (falsetto) in a way that can be seen as a stylized version of speech. Presenting the same expressive functions, these variations of timbre are coordinated with song lyrics, with musical and technological features, and with phonetic sounds to create symbolic representations of different emotions or èthos. These aesthetics based on everyday speech could be seen as a form of popular modernity: music for the people made by the people, but also for commercial success. Furthermore, country-western music used technology to create intimacy and spatialization effects. Its “américanité” was also marked and renewed when, in 1956 and 1957, country-western singers produced what can be considered some of the first rock'n'roll records in Quebec. These very modern features moderate the usual thesis about country-western’s traditionalism and conservatism.

Cette recherche porte sur les processus de narrativisation des musiques rock et folk, et mobilise une méthode phononarratologique reposant sur des témoignages d'écoute d'auditeurs investis dans ces deux genres à travers l'appartenance à des communautés d'amateurs en ligne. Bien que le champ de la narratologie des musiques populaires se soit développé depuis une quinzaine d'années, les travaux s'appuyant sur des enquêtes de réception y restent en effet marginaux. Le cadre cognitiviste tendant pourtant à s'implanter dans la narratomusicologie, il m'a semblé important de réaliser une étude plus systématique permettant de mieux comprendre comment sont perçus les textes et surtout l'ensemble de l'environnement sonore d'une chanson populaire, et pourquoi ils peuvent être reçus à travers un prisme narratif. En utilisant la théorie des affordances, je cherche dans cette thèse quels éléments, relevant des paroles, de la composition musicale, de la performance, mais aussi des paramètres technologiques et de la mise en scène sonore, semblent encourager une écoute narrativisante. Je m'appuie pour cela sur un questionnaire en ligne distribué auprès de 15 communautés d'auditeurs dédiées à des artistes rock et folk, portant sur la place de la narrativité dans leurs écoutes et dans leur perception des musiques rock et folk. La focalisation sur ces deux genres, dans leurs incarnations allant des années 1960 aux années 1980, me permet de mener une approche comparative du rôle que peut jouer la narrativité dans les définitions et traditions génériques, mais aussi de la manière dont cette narrativité articule et concentre un bon nombre des enjeux politiques soulevés par les musiques populaires. Les liens étroits qu'ont pu entretenir les genres rock et folk avec des mouvements ou discours politisés redoublent l'intérêt de ce questionnement et de la méthode utilisée ici, qui laisse apercevoir comment la réception actuelle des récits rock et folk façonne l'image politique de ces genres. En mettant en regard les contributions des enquêtés avec des analyses phononarratologiques, je me suis attachée à évaluer les contrastes d'affordances sonores, politiques et narratives proposées par les chansons rock et folk, tout en gardant à l'esprit les impressions que ces affordances laissent sur leurs publics contemporains. Les résultats de cette recherche montrent que malgré quelques différences dans les processus de narrativisation des chansons rock et folk, le caractère phonographique de ces musiques les rassemble comme objets narratifs gagnant à être compris sous le prisme de l'expérientialité, dans la mesure où elles encouragent l'auditeur implicite à se positionner dans le monde narratif proposé par chaque piste. Les points de vue et types de voix narratives prenant à parti cet auditeur implicite modulent toutefois considérablement cette relation, et sont essentiels dans la compréhension des pratiques et traditions narratives et politiques des genres rock et folk, dont on peut ainsi dresser des profils distincts en dépit des nombreux échanges qui ont dynamisé l'évolution de ces deux familles musicales sur la période étudiée. / This thesis deals with the narrativization of rock and folk music with a phononarratological approach relying on listening accounts gathered from listeners invested in these two genres through an active involvement in online fan communities. Although the field of narratological popular music studies has developed in the last 15 years, studies rooted in reception fieldwork are still rare. Since cognitive frameworks nevertheless tend to get adopted in musiconarratology, it seemed important to me to conduct a more systematic investigation in order to better understand how lyrics and sonic environment are perceived in a popular song, and why they can be received through a narrative lens. Using affordance theory, I seek what elements, relating to lyrics, musical composition, performance, but also technological parameters and phonographic staging, can encourage a narrativizing mode of listening. To this end, I rely on an online survey shared among 15 fan communities dedicated to rock and folk artists, dealing with narrativity's place in their way of listening and in their perception of rock and folk music. My focalizing on these two genres from the 1960s to the 1980s allows me to conduct a comparative approach to the role narrativity can play in generic definitions and traditions, but also to the way narrativity structures and concentrates a range of political issues brought up by popular music. The close links that have existed between rock and folk genres and politicized movements or discourses heighten the relevance of my line of questioning and of my method, which sheds light on how contemporary receptions of rock and folk narratives shape these two genres' political images. By combining the listeners' comments with phononarratological analysis, I try to gauge the contrasts between rock and folk songs in terms of sonic, political and narrative affordances, while keeping an eye on what impressions these affordances leave on contemporary listeners. My results show that despite some differences between the narrativization processes encouraged by rock and folk music, their phonographic nature brings them together as narrative objects that should be viewed through the angle of experientiality, insofar as they incite the implied listener to position themselves in the storyworld suggested by each track. However, some types of point of view and narrative voice alter this relationship and are essential in the understanding of the narrative and political practices of rock and folk music, from which two distinct portraits can be painted despite the numerous exchanges that have stirred their evolution during the period I studied.

Cette recherche exploratoire se propose d'examiner l'hypothèse de la transversale de la pensée critique comme compétence en éducation. La question du développement de la pensée critique des élèves est au coeur des préoccupations actuelles (De Koninck, 2007; Lipman, 2003; Paul, 1990; UNESCO, 1996) et comprend des enjeux éducatifs, sociaux et scientifiques importants. À la fois considérée comme une "compétence fondamentale" et "utile à la vie" (États Généraux, 1995), la pensée critique des élèves devraient être développée de telle manière qu'ils puissent la mobiliser à l'extérieur des murs de l'école. Cependant, bien qu'il existe une quantité innombrable d'études sur le développement de la pensée critique dans des domaines de formation particuliers, fort peu d'entre elles entendent documenter empiriquement le déploiement transversal des pratiques critiques des élèves à l'intérieur de matières scolaires différentes, et aucune ne le fait en prenant appui sur une définition opérationnelle de la pensée critique comme compétence transversale en éducation, d'autant que le concept même de compétence transversale est fortement contesté dans la littérature. Afin de mener notre étude, nous avons observé trois groupes de cinq élèves du secondaire, et ce, à l'intérieur de cinq activités d'apprentissage par problèmes. Ces activités ont été menées à l'intérieur de trois matières scolaires différentes: "Science et technologie¿, histoire et philosophie. Afin d'analyser les données recueillies à l'intérieur de ces activités, nous avons développé un modèle opérationnel de la pensée critique comme compétence en éducation, et ce, en prenant en compte les interactions sociales ainsi que le contexte. Partant, nous avons mis en oeuvre une stratégie d'analyse selon quatre niveaux afin d'identifier des indices d'une possible transversalité des pratiques critiques des élèves selon différentes perspectives (matières scolaires, activités, espaces de résolutions...). Nos résultats d'analyse suggèrent que les pratiques critiques des élèves sont à la fois transversales et contextuelles, et que cette transversalité dépend de la combinaison de multiples facteurs, dont les types de concepts, les rapports aux savoirs, le contrat didactique, les espaces de résolution...

Tableau d'honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2011-2012 / La partie création consiste en un recueil d'une trentaine de courts essais ayant paru d'octobre 2008 à avril 2011 sous forme de chroniques dans la rubrique Renauderies du journal Droit de Parole, journal mensuel communautaire des groupes populaires distribué au centre-ville de Québec en 15 000 exemplaires. La partie réflexion se penche sur une forme de chronique de facture intimiste entrevue par Vincent Charles Lambert et s'avérant particulièrement populaire au début du XXe siècle au Québec dans les grands journaux de masse, le « billet ». L'étude de ces billets vise à mieux évaluer, sur le plan littéraire, les possibilités qu'implique la diffusion d'une écriture autonome en regard de l'actualité, à l'intérieur d'un journal se voulant essentiellement informatif. La participation du poète « intimiste » Albert Lozeau au journal Le Devoir entre 1910 et 1924 offre un excellent exemple de la créativité que peut susciter l'écriture du « billet » et c'est pourquoi le présent mémoire lui consacre une place privilégiée. Un carnet de création vient clore le mémoire et permet de préciser en quoi l'étude des « billettistes » est venue alimenter la réflexion sur l'écriture des Renauderies. Il fait le lien entre les deux parties du mémoire et raconte l'expérience de l'auteur dans le contexte médiatique concret.

La présente thèse vise à revisiter la question de l’indicible et à explorer davantage le lien assez problématique entre fiction et témoignage dans la littérature de la Shoah. À travers l’analyse principale des œuvres d’Elie Wiesel, La nuit et Le crépuscule, au loin, et l’analyse des œuvres d’Imre Kertész, Être sans destin et Le chercheur de traces, nous tenterons d’arriver à une définition renouvelée du témoignage littéraire et de l’attestation testimoniale qui comprend le factuel ainsi que le fictionnel. D’ailleurs, notre propos dans cette thèse est de montrer, contrairement à l’idée commune de l’indicible, la manière dont l’expérience de la Shoah se dit à travers la littérature. Ces écrivains ne communiquent pas l’événement de la manière la plus transparente et directe possible, mais se servent de différentes stratégies narratives afin de transmettre l’expérience de la Shoah. Les œuvres de Wiesel et de Kertész font preuve d’un discours hésitant et incertain qui illustre un doute dans la perception du réel de la Shoah décrite par le narrateur. Ce travail a donc pour but d’explorer les modalités de fragilisation du rapport véridictoire du témoignage et d’offrir, à travers l’analyse des œuvres à l’étude, des exemples particuliers de cette distance du témoignage par rapport à la vérité historique. Le doute sera l’exemple le plus avancé de la question de la vérité dans le témoignage qui se déplace de la vérité historique vers une vérité testimoniale. Nous verrons avec l’analyse du doute que les textes à l’étude de Wiesel et de Kertész constituent moins un témoignage de la réalité vécue qu’un témoignage du doute de la réalité perçue. / This thesis revisits the debates concerning the unspeakable and explores the problematic relation between fiction and testimony in Holocaust Literature. The literary analysis of the works written by Elie Wiesel, La nuit and Le crépuscule, au loin, and by Imre Kertész, Être sans destin and Le chercheur de traces, brings to light a renewed definition of literary testimony and of bearing witness which includes factual and fictional elements. Furthermore, the main purpose of this thesis is to demonstrate that the horrific experiences of the Holocaust can in fact be effectively transmitted and brought to life through literature, contrary to common notion of the unspeakable. These writers do not speak of the Holocaust in the most transparent and direct way, rather different narrative strategies to represent the Holocaust are put to use. The narrative works of Wiesel and Kertész reveal a hesitation and an uncertainty that illustrates the presence of doubt related to the perceived reality of the Holocaust. The objective of this study is to explore the different ways in which the rapport between testimony and truth are weakened and to provide specific examples to demonstrate the distance of testimony from truth. Doubt is seen as the most prominent example in revealing how the obligation of truth in testimony is fading. This analysis of doubt will illustrate how these narratives are much less testimonies of the lived reality rather testimonies expressing doubt of the perceived reality.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2010-2011 / Notre thèse se penche sur les tragédies créées entre la retraite professionnelle de Racine (1677) et l'amorce d'un renouvellement de la poétique tragique vers les années 1730, marquées par une interruption des carrières de Crébillon et de La Motte, la publication, notamment, des Discours de ce dernier et du Théâtre des Grecs du Père Brumoy, et le retour d'Angleterre du jeune Voltaire. Nous y interrogeons, dans un premier temps, la sclérose qui gagne la scène et la poétique tragiques en rapport avec les premiers essais de définition de l'élégie, qui mettent en évidence la porosité des deux genres, et un retour en force de l'esthétique de l'horreur occasionnée par la concurrence directe entre la Comédie-Française et le succès des tragédies lyriques du Palais- Royal. Nous étendons ensuite nos conclusions à l'étude des composantes poétiques et dramaturgiques des tragédies de l'époque, où nous analysons les inflexions élégiaques et horrifiques qui se dégagent des effets de structure dus à des interprétations opposées de la notion de simplicité ; dans la même perspective, nous examinons les inflexions qui gagnent la typologie des personnages et les rapports entre les intrigues amoureuse et politique. Enfin, nous abordons le rôle des motifs élégiaques et horrifiques dans la recherche de l'effet tragique, plus particulièrement en ce qui concerne les larmes et l'effroi, ainsi que la transposition sur la scène française du modèle antique des Héroïdes, où ces deux tendances sont réunies.

Cette thèse porte sur quatre écrivains ayant contribué de manière considérable au réseau à l’origine des revues La Relève et La Nouvelle Relève (1934-1948), soit Robert Charbonneau, Robert Élie, Hector de Saint-Denys Garneau et Jean Le Moyne. Fondé sur la poétique et l’usage des genres littéraires et des modes du discours, ce travail cherche à comprendre quelle pensée romanesque se dégage des essais de ces écrivains et comment cette pensée se répercute dans leurs textes romanesques. Le corpus analysé est constitué de tous les numéros de La Relève et La Nouvelle Relève et des principaux écrits publics ou inédits (disponibles à ce jour) des quatre écrivains susmentionnés, et ce, dans l’optique de ne pas restreindre la pensée de ces écrivains à l’idéologie qui se dégage de leur revue. La première partie de la thèse porte sur l’influence de trois romanciers phares à La Relève : Bernanos, Dostoïevski et Proust. C’est notamment à la lecture de ces romanciers que Charbonneau, Élie, Le Moyne et Garneau construisent leur discours idéaliste sur le roman, sur sa pratique, mais aussi sur son usage. La deuxième partie de la thèse départage les lectures romanesques françaises et anglo-saxonnes à La Relève, éclairant du même coup les positions souvent divergentes des membres du groupe à l’égard du roman, mais également à l’égard des référents culturels étrangers. La troisième partie analyse la transformation du discours sur le roman lorsqu’il se rapporte au roman canadien-français. Moins admiratif, plus pragmatique, ce discours vise à accompagner la naissance d’une littérature moderne au Canada français. La quatrième partie de la thèse se consacre aux romans de La Relève. Elle permet de confronter l’art du roman de ces écrivains à leur pratique concrète tout en tenant compte de leurs différences : si Robert Charbonneau et Robert Élie ont publié des romans, Saint-Denys Garneau n’a laissé que des esquisses, tandis que Jean Le Moyne utilise le mode romanesque dans sa pratique d’autres genres littéraires. Le rapprochement entre leur pensée romanesque et leur pratique individuelle permet d’éclairer autrement la faillite du roman de ce groupe, qui est pourtant l’un des premiers dans l’histoire littéraire au Québec à avoir utilisé le genre romanesque dans la constitution de sa vision du monde.

Cette thèse propose une lecture croisée des épopées traditionnelles et postcoloniales dans un cadre transculturel. Une analyse comparée de Moby Dick de Herman Melville, Omeros de Derek Walcott et la trilogie de l’Ibis d’Amitav Ghosh nous permet de cerner spécificités de l’épopée moderne postcoloniale. Celle-ci s’inscrit dans la lignée des épopées traditionnelles d’Homère, Virgile, Arioste, Camões et Milton, tout en rivalisant avec elles. Les épopées traditionnelles et modernes ont recours à des conventions qui esthétisent l’expérience collective comme les comparaisons épiques, la généalogie présentée sous forme de prophétie et la mise en abyme ekphrastique. L’épopée traditionnelle met en avant la vision d’une société unifiée grâce à des conjonctions harmonieuses entre le trope et la diégèse, des continuités généalogiques entre l’ancêtre et le descendant ainsi que des associations autoréflexives ekphrastiques entre l’histoire impériale et le texte qui la glorifie. Dans cette perspective, la spécificité de l’épopée postcoloniale semble résider dans l’articulation ambivalente de la condition postcoloniale. Ainsi, chez Melville, Walcott et Ghosh, le style héroï-comique contrebalance les comparaisons épiques opérant des transfigurations héroïques. De même, de nouvelles affiliations hybrides forgées par les personnages coexistent avec des généalogies discontinues, sans en combler toutes les lacunes créées par le déracinement et la violence coloniale. Cette vision équivoque trouve son expression la plus franche dans les séquences ekphrastiques où les textes sont confrontés au choix impossible entre commémoration de l’expérience et regard critique vis-à-vis d’elle. / This thesis offers collocational readings of traditional and postcolonial epics in transcultural frameworks. It investigates the specificities of modern postcolonial epic through a comparative analysis of Herman Melville’s Moby Dick, Derek Walcott’s Omeros, and Amitav Ghosh’s Ibis trilogy. It explores how these works emulate, but also rival, the traditional epics of Homer, Virgil, Ariosto, Camões, and Milton. Both traditional and postcolonial epic rely on generic conventions in order to aestheticize collective experience, setting it against the natural world (via epic similes), against history and imperial destiny (via genealogy and prophecy), and against the epic work itself (via ekphrasis). However, traditional epic emphasizes a unified worldview, characterized by harmonious conjunctions between trope and diegesis, genealogical continuities between ancestor and descendant, and self-reflexive ekphrastic associations between imperial history and the epic text commissioned to glorify it. From this perspective, the specificity of postcolonial epic can be formulated in terms of its ambivalent articulation of the postcolonial condition. In the works of Melville, Walcott, and Ghosh, tropes of heroic transfiguration are held in check by the mock-heroic, while empowering self-adopted hybrid affiliations co-exist, but cannot entirely compensate for, discontinuous genealogies marked by displacement, deracination, and colonial violence. This ambivalence finds its most powerful expression in the ekphrastic sequences where the postcolonial texts are most directly confronted with the impossible choice between commemorating experience and being critical of such commemoration.

No description available.