Au cours des dernières décennies, le Canada a été un pays très attrayant pour les immigrants de la Bulgarie. La communauté bulgare a représenté 6 025 personnes dans la région métropolitaine de Montréal en 2006. Les nouveaux immigrants acquièrent généralement la langue de leur pays d'adoption et rencontrent de nouvelles pratiques culturelles. Ils intègrent de nombreuses valeurs souvent différentes de celles de leur pays d'origine. Un de leur défi demeure, dans ce contexte, de garder un lien avec leur origine et de transmettre ce lien aux générations suivantes. Bulgare d’origine et née à Montréal, cela fait naître chez moi des questionnements et des réflexions sur la pratique de la musique et des danses bulgares dans ma communauté, notamment sur la survie et l’adaptation des traditions musicales et la manière dont elles sont véhiculées entre les générations et comment elles sont représentées pour le public montréalais. Dans cette recherche, nous aborderons le sujet du transfert et de l'adaptation de la musique et des danses traditionnelles au sein de la communauté bulgare de Montréal, en particulier dans les associations, le contexte scolaire, les familles et les musiciens, ainsi qu'avec les danseurs amateurs et professionnels. À partir des observations et des entrevues effectuées au cours de cette étude, nous visons modestement à faire un état des lieux et à comprendre les processus qui sont à l’œuvre, notamment les processus de sélection/d’adaptation opérés tant au niveau des instruments, de la danse, du répertoire utilisé que des styles de jeu, ainsi que des raisons et des motivations qui sous-tendent ces choix. Il peut, en effet, y avoir des raisons esthétiques, mais également identitaires, liées au mode de représentation de soi dans un contexte multiculturel et ouvert à la diversité. De même, nous nous pencherons sur la pratique, les méthodes de transmission et de valorisation du patrimoine musical bulgare à l’intérieur ainsi que dans des contextes qui ne sont pas destinés uniquement à la communauté bulgaro-montréalaise. / Over the last several decades, Canada has been a highly desired country for immigrants from Bulgaria. The Bulgarian community numbered 6,025 people in the Montreal metropolitan area in 2006. New immigrants generally acquire the language of their adopted country and encounter new cultural practices. They incorporate many values that are often different from those of their country of origin. In this context, one of their challenges is to stay connected to their culture and to pass this connection to future generations. As a Bulgarian by origin and born in Montreal, this context brings to my mind questions and reflections on the practices of Bulgarian music and dances in my community, specifically, the survival and adaptation of our musical traditions and the ways in which they are shared among the community members as well as with the Montreal public. In this research, we will address the subject of transfer and adaptation of traditional music and dances within the Bulgarian community in Montreal, specifically, in associations, school context, families and musicians as well as with amateur and professional dancers. We aim to explore and describe the mechanism of selection of the processes at the instrumental, dance and song level, the repertoire, and styles of playing, as well as the reasons and motivations of these choices. The latter could be aesthetically motivated, but also identity based, related to the mode of representation of oneself in a multicultural context open to diversity. Through the method of observation and interviews, we will focus on the significance of Bulgarian traditional music and dance among the members of Bulgarian immigrant community in Montreal, Quebec. Likewise, we will examine the various contexts related to teaching, sharing and practice of Bulgarian traditional music and dance.

En 2001, dans la foulée de la réforme scolaire, une deuxième génération de programmes d’études en danse a été implantée (Gouvernement du Québec, 2001, 2003, 2007). Alors que la représentation devant public est prescrite dans les programmes d’études pour le secondaire (Gouvernement du Québec, 2003, 2007), elle est quasi-absente du programme d’études pour le primaire (Gouvernement du Québec, 2001). De plus, il y a peu de recherches empiriques sur l’enseignement de la danse à l’école québécoise et aucune sur l’utilisation de la représentation devant public dans ce contexte. Or, les enseignants sont nombreux à y avoir recours de façon intuitive pour favoriser les apprentissages chez les élèves. C’est pourquoi, à la lumière de repères théoriques issus de modèles de la transposition didactique, du processus de création, des systèmes de pertinence et de la construction identitaire des enseignants de la danse en milieu scolaire, nous avons cherché à comprendre comment la représentation devant public est utilisée, en danse, au troisième cycle du primaire, à l’école québécoise. Pour ce faire, nous avons eu recours à l’observation, à la captation audio et aux entretiens pour collecter des données auprès de deux enseignantes en danse et de cinquante-quatre élèves du troisième cycle du primaire, pendant le processus de création de danses menant à la présentation devant un public. Nous avons ainsi pu dégager treize thèmes représentatifs de l’expérience vécue par ces enseignantes et ces élèves, ainsi qu’une ébauche de modèle du processus de préparation d’une représentation devant public en milieu scolaire. / In 2001, following the curriculum reform, a second generation of dance programs was implemented (Gouvernement du Québec, 2001, 2003, 2007). While performing in front of an audience is prescribed in the programs for secondary education (Gouvernement du Québec, 2003, 2007), it is almost absent from the program for primary education (Gouvernement du Québec, 2001). Furthermore, there is little empirical research in the field of in-school dance teaching in Quebec, and none tackle the use of performance is this context. However, many teachers use it intuitively to promote students’ learning. Thus, enlightened by theoretical marks from models of didactic transposition theory, the creative process, the relevance systems theory and the identity construction in dance teachers in the school environment, we aim at understanding how performance is implemented, in dance, in Quebec’s schools, for kids from 5th to 6th grade. To do so, we used observation, audio recording and interviews to collected data from two in-school dance teachers and fifty-four of their students from 5th to 6th grade, while they were creating dances which would be performed in front of an audience. We were then able to extract thirteen themes representing the teachers’ and students’ experience of creating dances to be performed in front of an audience, and we developed a draft of a model of the process of preparing a performance.

Dès la fin du XIXe siècle, la Lebensreform (« réforme de vie ») recouvre trois aspects qui sont la modernité (ère industrielle), la crise des valeurs et l'émergence de nouvelles pratiques artistiques, culturelles et sociales dans les pays de l'espace germanophone. La Lebensreform est une réponse aux ruptures de la modernité ; de nouvelles formes de vie collectives voient le jour. Les espaces d'accueil fondent leur propre mode de vie autour du programme d'une réconciliation avec la nature, en adoptant plusieurs réformes de la vie. Parallèlement, l'Inde artistique et spirituelle évolue et influence l'art moderne occidental, d'où l'apparition de passerelles transculturelles. Les artistes de la Lebensreform adoptent de nouveaux modes d'expression corporelle qui s'inspirent de l'art indien (mudrâs, rythme, etc.). Il s'agit dans notre thèse d'aborder l' « esthétique du performatif » ; l’art de la danse moderne devient un mode de communication à part entière, c'est-à-dire un langage non verbal, traité sous l'angle du concept de performatif. L'art moderne, qui se développe dans l'espace germanophone, conduit à une nouvelle quête, celle d'une recherche de sa propre identité à travers l'exploration du mouvement. / From the end of the 19th century, the Lebensreform (Life reform) covers three aspects which are modernity (industrial era), crisis in values, and the emergence of new artistic, cultural and social practices in German-speaking countries. The Lebensreform is a response to the break with modernity; new collective lifestyles are born. Hosting places build their own lifestyle around a program of renewals and reconciliation with nature, adopting several reforms of life. At the same time, artistic and spriritual India evolved and influenced modern Western art from whence grew cross-cultural gateways and bridges. Artists from the Lebensreform adopted new corporal forms of expression inspired by Indian art (mudrâs, rythm, etc.). This thesis concerns itself with the « esthetic performative » with the knowledge that the art of modern dancing, viewed from the angle of the performative concept, may be said to have emerged as a global mode of communication, and a non verbal language. Modern art as developed in German-speaking community has also led to a new quest, a search for our own identity through an exploratory movement.