The carceral, as Monika Fludernik had first observed in 1999, pervades our world, not only in the form of material sites of incarceration, but also in the metaphors we deploy in everyday conversation and in various text forms, including fictional and non-fictional narrative representations in different media and genres. In Metaphors of Confinement: The Prison in Fact, Fiction, and Fantasy (2019), the culmination of twenty years of work on the subject, Fludernik reiterates her 2005 definition of two main types of carceral metaphors: “prison is x” – describing and making sense of the prison and experiences of imprisonment; and “x is prison” – conceiving of other aspects of the social world in terms of incarceration (2019: 46).

Adducing a number of illustrations of Shakespeare's "The Tempest" and "Othello", the purpose of this study is to analyze the transformative processes that took place in the 18th and 18th centuries in Great Britain, regarding the cultural, political and social aspects of its encounters with the other. In this context, especially the depiction of the characters Caliban and Othello are taken into consideration. / Es ist Ziel dieser Arbeit, anhand von einigen ausgewählten Illustrationen von Wiliam Shakespeares "Der Sturm" und "Othello" jenen Wandel zu untersuchen, der sich in Großbritannien im 18. und 19. Jahrhundert hinsichtlich seiner kulturellen, politischen und sozialen Auseinandersetzung mit Andersartigkeit vollzog. Insbesondere die bildliche Darstellung der Figuren des Caliban und des Othello, aber auch ihr Verhältnis zu anderen Personen und Bildelementen bilden in diesem Zusammenhang den Ausgangspunkt der Analyse von solchen sozialen Mechanismen auf mikro- und makrosoziologischer Ebene innerhalb der englischen Gesellschaft des 18. und 19. Jahrhunderts, die durch die Begegnung mit dem Anderen ausgelöst wurden. Die analytische Grundlage bildet dabei der im Grunde literaturtheoretische Ansatz des cultural materialism. Unter Heranziehung neuerer Erkenntnisse der Geschichtswissenschaft jedoch wird die Gleichwertigkeit bildlicher und schriftlicher Dokumente für jede kulturwissenschaftliche Analyse betont. Im Kern dieser theoretischen Herangehensweise steht somit die Annahme, dass jedwede Form kulturellen Schaffens, etwa der darstellenden Künste, sich von historischen, politischen, ökonomischen und sozialen Aspekten, die dieses Schaffen begleiten und bestimmen, nicht nur schwerlich trennen lässt, sondern diesen kontingenten Aspekten eingeschrieben ist. Mit anderen Worten übersteigt der zugrunde gelegte Ansatz auch ein hierarchisierendes Vorgehen, das kulturelles Schaffen gewissermaßen „vor dem Hintergrund“ bestimmter sozialer, kultureller und politischer Entwicklungen betrachtet.

Seit dem aufsehenerregenden Aufschwung des anglo-kanadischen Theaters in den 60er Jahren des zwanzigsten Jahrhunderts hat das sozialkritische Drama in seinen zahlreichen Facetten die Kulturlandschaft in Kanada entscheidend geprägt. "Fragen persönlicher Identität in Familie, Gesellschaft und Kultur", erläutert die Kritikerin Judith Rudakoff, "wurden von einer Gruppe ganz unterschiedlicher Dramatiker miteinander verbunden. Ihre in Form und Inhalt individuellen Aussagen wirkten zusammen und führten zu einer Vorstellung von Kanada als einem Wandteppich von besonderer Vielfalt." Eine Form des sozialkritischen Dramas erwies sich dabei als besonders geeignet, um soziale Aspekte zu thematisieren und die Wechselwirkung zwischen Familie und Gesellschaft aufzuzeigen: das Familiendrama. "Die Familie", so der bekannte Literaturwissenschaftler Jerry Wasserman, "könne beschrieben werden als "a crucible in which character and identity are forged and through which society’s values are perpetuated or challenged." Die Familie dient folglich als ein Scharnier zwischen individueller und gesellschaftlicher Sphäre, als eine Art Mikrokosmos, in dem sich der Makrokosmos in vereinfachter und gleichzeitig verschärfter Form wiederspiegelt. Sie ist sozialer Angelpunkt in der kanadischen Gesellschaft und thematischer Schwerpunkt im Gegenwartsdrama des Landes. Trotz seiner herausragenden Stellung innerhalb der kanadischen Theaterlandschaft und seiner großen Popularität bei der Bevölkerung hat das kanadische Drama - insbesondere das Familiendrama - bisher nur geringe Beachtung erhalten. Wie unbegründet diese Missachtung ist, zeigt die vorliegende Dissertation, die herausragende Beispiele des kanadischen Familiendramas unter kulturwissenschaftlichen Fragestellungen untersucht. Zur Analyse herangezogen werden Dramen von Schriftstellerinnen und Schriftstellern der weißen Mehrheitskultur, verschiedener ethnischer Gruppen, sowie der First Nations, welche in jeweils in sich geschlossenen Kapiteln diskutiert und interpretiert werden. Das vornehmliche Ziel der Dissertation besteht darin, diese in Form, Inhalt und Aussage sehr unterschiedlich gestalteten Dramen zu verbinden und durch dieses Mosaik an Theaterstücken zu einem differenzierten und multiperspektivischen Einblick in das Mosaik Kanadas zu erlangen. Dabei zeigt sich, dass traditionelle Konzepte von Familie ebenso überdacht werden müssen wie die weitverbreitete Vorstellung von Kanada als einer in sich harmonisch existierenden multikulturellen Gesellschaft. / The development of the Canadian theatre is a recent phenomenon spanning, with only a few notable exceptions, the past three decades. Only since 1969 has Canada witnessed the emergence of a significant body of dramas on its stage thereby reflecting the growing self-confidence of this nation that has finally severed ties with both its former colonial power and its powerful southern neighbour. These plays deal with a myriad of topics, they tell of the unique experience of life in Canada, explore significant aspects in its history, voice the concerns of minorities, border the difficult subject of identity in the modern world, thus, mirror the societal changes that have increasingly affected this nation. Taken together they establish an impression of Canada as a dynamic and ever-changing nation, as a mosaic of people and as a mosaic of plays. One dramatic genre that has proven itself exceptional to explore societal issues and to illuminate the complex relation between the society and the indiviual is the domestic play. From the very beginning of dramatic art, playwrights such as Ibsen, Tschechov, Miller, or Williams have presented the family as "a crucible in which character and identity are forged, and through which society’s values are perpetuated or challenged." This dissertation features detailed analyses of domestic plays written by a variety of contemporary Canadian artists and, thereby, emphasises an area that - despite its enormous influence, its potential and its popularity among theatre-goers - has been barely touched by academic research. It aims to give insight into this fairly unknown dramatic area, to illuminate the societal topics discussed in the various plays, and, finally, to establish a multi-faceted portray of the contemporary Canadian society. After a brief introduction, stating the targets and contents of this dissertation, an overview of the development of the domestic play will be given. The main part of this work, however, are the following chapters with their analyses of about 17 plays. Whereas the first of these chapters contains interpretations of dramas by white playwrights and concerns questions such as feminity, masculinity, dominance, or societal acceptance of female otherness, the second chapter deals with works by writers from Chinese, Korean, South East Asian or African/Caribbean ancestry. Their dramaturgy foregrounds the difficult topic of migration and the ensuing problems of power shifts within the family, changes of role models, marginalisation and discrimination both within and outside the family, or the often painful adaptions of one’s identity to a new culture. The third chapter examines the growing body of domestic plays by Native Canadian playwrights and explores the complex history of the aboriginal population in Canada as well as current developments of Native families. Situating the plays in a broader context, the dissertation connects them to essential chapters in Canadian history, to rising trends in the composition of families, and to the development of the Canadian theatre at large. Among other results, the dissertation shows that traditional concepts of families as well as the idea of a harmonious mosaic usually associated with Canada have to be reconsidered and adapted.

Diese Arbeit schildert auf der Basis einer Analyse der intermedialen Struktur der Werke zweier Künstler aus unterschiedlichen Jahrhunderten die Transportierung eines mystischen Selbstverständnisses, das als Tiefenstruktur der zugrundeliegenden Werke ausgemacht wird. Deshalb sieht diese Arbeit beide Künstler als christliche Mystiker an, deren Weltbild keine grundlegenden Unterschiede aufweist. Darüberhinaus wird über diese beiden Autoren versucht die kontrovers diskutierte Aktualität von Mystik in der Gegenwart herauszustellen. Zentraler Teil und Ausgangspunkt der Ergebnisse ist hierbei die Analyse eines mystischen Wertesystems, das sich in den Prophecies von William Blake finden lässt und das sich in wesentlichen Punkten auf die Werke von Van Morrison übertragen lässt. / This work doesn't deal with two artists in the way that it compares their lyrics in an immanent way. Moreover, it tries to show that William Blake and Van Morrison use differnet means of art in order to express the same intention. That is mainly a mystic view of the world which is embodied in the heart of their work. Both artists regard art as a healing force. The central aspects are summarized in a chapter which deals thouroughly with a mystic system that William Blake developed in his prophecies that were not published throughout his life. Somehow, it can be called the religious centre of his work. Van Morrison obviously uses this system in some of his songs, too. So, that finally both artists are regarded as christian mystics. Consequently, the contemporary view of mystic has to be discussed.

Trinidad, V.S. Naipaul’s native island, is consistently represented in the 2001 Nobel Prize winner’s fictional works, above all in "The Mystic Masseur" (1957), "The Suffrage of Elvira" (1958), "Miguel Street" (1959), "A House for Mr Biswas" (1961), "A Flag on the Island" (1967), "The Mimic Men" (1967), "In a Free State" (1971), "Guerrillas" (1975), "The Enigma of Arrival" (1987) and "A Way in the World" (1994). The present dissertation analyses representations of Trinidad as “play-culture” in the aforementioned writings by initiating a methodological dialogue between postcolonial/cultural studies on the one hand and performance studies, play theory, as well as cultural anthropology on the other hand. The study is divided into three parts corresponding to the three main facets of Trinidad as it appears in Naipaul’s fiction: firstly, as a childish world; secondly, as a festive place and thirdly, as a playground for the western imagination. The image of Trinidad as a childish space stands at the intersection of the autobiographical genre with the colonial/Social Darwinist discourse of the so-called “child races”. In both cases we have to do with a cultural construct of childhood whose main stereotypical features are smallness, imitation, irrationality and of course, playfulness. The second part of the dissertation focuses on the importance of rituals and festivals in shaping up Indian and African identities in Trinidad. Roughly, Hindu rituals are capital means to create diasporic Indias, whereas Carnival is a powerful symbol of the Afro-Trinidadian community. Nevertheless, they carry the potential of becoming genuine liminal spaces, where ethnic boundaries are transgressed. The third section is devoted to a discourse of play as imagination. In this respect, Trinidad appears as an adventure playground where the Westerner projects his/her desires, sometimes under the mask of scientific respectability. The eye of the European sees the tropical island as an exotic Garden of Eden, as an aesthetic space with strong pictorial and theatrical qualities. But if Trinidad occurs as an artistic, a fictional object, then Naipaul’s novels and stories describing it are fiction about fiction, and so have a very important metafictional component. At this stage, since metafiction is also a capital element of postmodernism, I trace back Naipaul’s ludic metaphors to the present-day Zeitgeist, pointing out the postmodern elements in his texts dealing with Trinidad. / Die vorliegende Dissertation, eine Studie zu V.S. Naipauls Darstellung von Trinidad als Spielkultur, untersucht das Bild, das der berühmte, aber auch umstrittene Literatur-Nobelpreisträger von seinem Heimatland durch fiktionale Mittel kreiert. Der Hauptakzent liegt auf Naipauls Romanen und Kurzgeschichtensammlungen "The Mystic Masseur" (1957), "The Suffrage of Elvira" (1958), "Miguel Street" (1959), "A House for Mr Biswas" (1961), "A Flag on the Island" (1967), "The Mimic Men" (1967), "In a Free State" (1971), "Guerrillas" (1975), "The Enigma of Arrival" (1987) und "A Way in the World" (1994); jedoch auch folgende nicht fiktionale Schriften, die Trinidad erwähnen, werden in Betracht bezogen: "The Middle Passage" (1962), "The Loss of El Dorado" (1969), "Between Father and Son: Family Letters" (1999), "The Overcrowded Barracoon and Other Articles" (1972), "The Return of Eva Peron with The Killings in Trinidad" (1980), "Finding the Centre" (1984), "Reading & Writing" (2000) und "The Writer and the World" (2002). Der diskursive Ansatz ist der gemeinsame Nenner einer interdisziplinären Methode, die sowohl kulturwissenschaftliche und postkoloniale Fragestellungen, als auch anthropologische und ludistische Konzepte in sich vereint. Mithilfe dieses Ansatzes wird bewiesen, dass das Trinidadbild in Naipauls Schriften nicht eine objektive Widerspiegelung der “Wirklichkeit”, sondern ein soziokulturelles Konstrukt ist, das aus “kulturellen Repräsentationen” (“cultural representations”) besteht.

In der Literaturkritik gilt D.H. Lawrence als ebenso bedeutender wie streitbarer Autor von Romanklassikern wie Lady Chatterley's Lover, Women in Love oder The Rainbow. Durch das Aufkommen der gender studies existiert zudem eine nur schwer überschaubare Anzahl von Studien, die der Rolle der Sexualität sowie der Geschlechterkonzeption im Romanwerk von Lawrence gewidmet sind. Doch so klar die Literaturkritik diese Problematik erfaßt hat, so klar hat sie im Vergleich dazu - wenn auch mit Ausnahmen - Lawrences nicht nur zahlenmäßig großes lyrisches Werk ignoriert. Diese relative Vernachlässigung durch die Forschung ist um so erstaunlicher, als sich in Lawrences Lyrik viele Grundthesen, die er in seinen Romanen auf Hunderten von Seiten durchspielt, oft in extrem konziser Form finden. Wichtige Teile seiner 'Geschlechter-Philosophie' werden durch die Lyrik sogar antizipiert.

‘Caution: Objects in this mirror may be closer than they appear!' liest man nicht nur als Aufkleber auf zahlreichen Rückspiegeln, auch Jean Baudrillard bedient sich dieser Warnung in seiner umstrittenen 'Studie' America. Überträgt man diesen Appell zur Vorsicht auf die Literatur und ganz konkret auf den kontemporären Roman, so könnte dies bedeuten, daß sich lebensweltliche Prozesse - und im vorliegenden Fall: Modernisierungsprozesse - wesentlich schneller literarisch niederschlagen, als gemeinhin angenommen wird. Sollte das schon so häufig totgesagte Medium Buch, sollte der in Zeiten des Internet und der Echtzeitübertragung so unendlich langsam erscheinende seitenstarke Roman, sollte die Literatur sich nun plötzlich selbst als 'schnelles' Medium entpuppen, das ebenso sensibel wie unverzüglich auf außerliterarische Ereignisse reagiert?

In a 2014 episode of Toast of London, a highly successful Channel 4 sitcom, protagonist Steven Toast, a dim-witted London-based actor, joins the cast of legendary stage-play The Moose Trap, which is, of course, modelled on Agatha Christie’s successful West End whodunit, The Mousetrap. When Toast accidentally spoils the play’s ending during an interview, the play soon finds itself without an audience, which leads to some of the geriatric cast members literally dying on stage.

In the “Introduction” (1–20) Johnston identifies three “simultaneous developments” which the book should bring together: for one, the “gentry […] emerging into a distinct and quite numerous stratum within the aristocracy”; secondly, the “[r]omance adapt[ing] to this change, opening up a new ideological space for this new class of readers”; and, finally, “book production” – in particular: copying by booklets and the increasing use of paper – “conveniently facilitating provincial copying and circulation of provincially oriented texts”. These three developments, says Johnston, “coalesced to yield a new type of romance” which he dubs gentry romance (14). His aim is to show that the gentry had an active part in the late history of English romance as some of its members – literally – appropriated (specimens of) this genre “most closely related with the aristocracy” (15).

In seinem Überblick über das neue schottische Kino geht Dietmar Böhnke (Leipzig) auf die politischen, ökonomischen und kulturellen Gründe der 'Renaissance' nach und diskutiert eine Reihe neuerer Filme, neben international bekannten wie Brave Heart und Trainspotting auch andere, die die Themen und stilistischen Merkmale dieses Kinos typisch zum Ausdruck bringen, etwa Lynne Ramsays Morvern Callar und Ken Loachs Ae Fond Kiss.