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Il Pazzia D'innamorati: A Commedia Dell'arte

Hart, Jennifer 01 January 2004 (has links)
My thesis proposal is to research, workshop, develop, script, direct and produce my own commedia dell'arte. This proposal stems from my desire to explore improvisational comedy theoretically and practically. The genre of commedia dell'arte is not only timeless, but continues to further our ability to create characters and scenario for future projects as the root of improvisation. By coupling research on commedia components (character, lazzi and scenario) with the creation of an improvisational troupe, a commedia piece will be developed, documented and performed. The first part of my thesis will consist of research on the history of improvisational comedy. The earliest traces of improvisational comedy are seen in 800 B.C., when Susarion and his troupe of comedians of Icaria wandered throughout Greece. Many other comedic performance troupes were later formed, some expressing their comedies through acrobatics, like the schoenobates of Greece and funambuli of Rome. During the sixteenth century, improvisational comedy became a flourishing art form, known as the commedia dell'arte. It is the sixteenth-century commedia dell'arte form that will be my primary focus of research. A bibliography and outline will serve as the preliminary guidelines. The research should be in a coherent enough form to share with a cast by mid-January. The second part of my thesis will involve practical application of this research. By mid-January, I will have selected a troupe with which to workshop the commedia. The workshop will consist of adopting commedia stock characters for each troupe member and creating lazzi and scenario around these characters. Improvisational satire continues to be the most difficult theatrical form to master. Pierre Louis Duchartre in his book The Italian Comedy states: The success of the commedia dell'arte depended almost entirely on the acting rather than the scenarios. In the opinion of Gherardi and Riccoboni it was easier to train ten actors for the regular theatre than one for the extemporaneous stage. Moreover, a good improvisator had to practise a kind of self-abnegation and refrain from indulging in his own conceit or overplaying his part to the detriment of other roles. (Duchartre 30) The art of listening and sharing the stage as a performer is the basis of modern performance techniques and the primary skill of a great actor. The purpose for this workshop is not only to develop the commedia piece, but also to further the troupe's understanding of the commedia tradition as we continue our exploration. This will be a three- to four-week process. The end results of this workshop will be a scripted commedia that will be used for production and documentation of the process itself. By mid-March, the research, process of the workshop, and script will be documented in clear and concise terms for the purpose of this thesis. April will focus on production elements based on approval from the department on venue and budget details. The performance will take place in April or May. The final conclusions will be completed at the same time. This commedia will serve as a comprehensive experience in theatrical studies, culminating my academic and production work at University of Central Florida Conservatory Theatre. It will be an educational and collaborative effort for all involved, as well as enjoyable and entertaining for those who see it.
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La città ready-made. Partecipazione, relazione e azione nel ‘900 / The city as a ready-made. Participation, relation and action in the XX century

D'Angelo, Claudia <1983> 05 June 2015 (has links)
La città ready-made. Partecipazione, relazione e azione nel ‘900 è un percorso storico-critico che si snoda lungo tutto il ‘900 alla ricerca degli episodi in cui è possibile riscontrare la partecipazione nelle pratiche estetiche di diverse generazioni di artisti; per imbastire un racconto puntuale e sistematico, inoltre, si è ricorsi ad una metafora genetica che ha riscontrato una fase — corrispondente alla prima metà del secolo — in cui il cromosoma responsabile di tale afflato partecipativo è risultato recessivo e un’altra — corrispondente stavolta alla seconda metà, più o meno dagli anni ’60 ai ’90 — in cui si è potuto registrare, altresì, una dominanza. Ad influire su questi fenomeni e sul loro svolgimento nei decenni, i protagonisti assoluti di questa trattazione: la Città e il Pubblico che, di volta in volta, facendo sentire la loro presenza o facendola venir meno, hanno dettato l’agenda della socio-relazionalità nel ‘900. Si è, inoltre, provveduto a rileggere alcuni episodi estetici al fine di evidenziarne un andamento ciclico e di ripetizione: mentre nella prima metà della ricerca si è scovato il seme della socio-relazionalità nelle visite e nelle derive di dadaisti e situazionisti, nella seconda ci si è concentrati sull’ampia produzione dei collettivi artistici di New York negli anni ’70. A dimostrazione di come la relazionalità non sia un fenomeno esclusivamente legato alla pratica dell’arte degli anni ’90, ma che, con le opportune distinzioni generazionali, è possibile riscontrarne le tracce in tutta la contemporaneità. / The city as a ready-made. Participation, relation and action in the XXI century is a storiographic and critical path through the long run of the last century in order to find every generational episodes in which participation has been used as an aesthetic practice; to gain a more coherent point of view, I have been referring to a genetical metaphor that helped in figuring out a first phase — corresponding to first half of the century — in which the relational chromosome has resulted in being recessive; and a second phase — more or less corresponding to the 60’s and 90’s — in which the chromosome turned otherwise out to be dominant. Responsability for these phenomena belongs to the main characters of this story: the City and the Audience directly responsible, step by step, for the socio-relational agenda in the XXI century. Furthermore, some of these aesthetic episodes have been reviewed to better describe their cyclic nature: what happened in the first period (see dadaists visites or situationists’ derives, for example), happened again in the second period. Something to be osserved in New York’s artists collectives’ experiences, such as Group Material. All that said, it’s important to stop thinking about Relational Aesthetic as a 90’s phenomenon, in order to reveal its traces and clues in the contemporary era as a whole.
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Il libro di spese diverse di Lorenzo Lotto. Analisi e commento / Libro di spese diverse by Lorenzo Lotto. Analysis and commentary

De Carolis, Francesco <1982> 05 June 2015 (has links)
Il progetto si concentra sull’analisi ed il commento del libro dei conti di Lorenzo Lotto. Esso viene conservato nell’Archivio storico della Santa Casa di Loreto, ed è meglio conosciuto con il nome apocrifo di Libro di spese diverse. Possiamo considerarlo uno dei più significativi documenti del Rinascimento italiano: infatti esso ci parla dei rapporti che l’artista ha intessuto con committenti, colleghi ed amici, rivelando tanto la sua condotta di vita che la sua attività. È una ricerca che tenta di concentrarsi sull’artista attraverso una lettura più corretta di questa fonte: infatti in passato il Libro di spese diverse era considerato un diario e studiato attraverso una visione non consona al genere di riferimento. / Regarding my doctoral project, I am conducting research on the analysis and the commentary of the account book by Lorenzo Lotto. It is held at historical archive in Loreto, and it is better known as Libro di spese diverse, an apocryphal name which we find on the front page. We can consider it as one of the most important document for the Italian Renaissance studies: indeed, the Lotto’s document refers to meetings with patrons, colleagues and friends, showing his lifestyle as well as his professional activity. This research focuses the attention on the artist reading this source more correctly: in the past times the Libro di spese diverse was considered a diary and it was studied by a wrong point of view.
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Arte e design in Italia dalla metà degli anni Sessanta alle ultime tendenze / Art and design in Italy from the mid-sixties of the last century to the present

Lotta, Daniela <1974> 05 June 2015 (has links)
Il lavoro di ricerca è rivolto ad indagare l’emersione di schemi di variazione comuni all’arte e al design, limitatamente al contesto italiano e in un arco di tempo che va dalla metà degli anni Sessanta del secolo scorso a oggi. L’analisi vuole rintracciare, mediante l’applicazione della metodologia fenomenologica, un sentire condiviso tra le due discipline e, nel pieno rispetto dei relativi linguaggi e con nessuna volontà di sudditanza degli uni rispetto agli altri, individuare i rapporti di corrispondenza omologica capaci di mettere in luce lo spirito del tempo che le ha generate. La ricerca si pone l’obiettivo di estendere gli studi sul contemporaneo attraverso un’impostazione che intende applicare gli strumenti metodologici della critica d’arte all’evoluzione stilistica delle tendenze del design italiano. Non si è voluto redigere una “storia” del design italiano ma, considerata anche l’ampiezza dell’argomento, si è necessariamente proceduto a delimitare il territorio di applicazione scegliendo di prendere in considerazione il solo settore del design dell’arredo. Si è dunque optato per una visione globale delle vicende del design del prodotto, tesa ad indagare gli snodi principali, concentrando pertanto l’analisi su alcuni protagonisti della cultura del progetto, ossia su quelle figure risultate dominanti nel proprio tempo perché capaci con il loro lavoro di dare un contribuito determinante alla comprensione delle fasi evolutive del design italiano. Gli strumenti utili a condurre l’analisi provengono principalmente dalla metodologia binaria individuata dallo storico dell’arte Heinrich Wölfflin e dagli studi di Renato Barilli, il cui impianto culturologico ha fornito un indispensabile contributo al processo di sistematizzazione dei meccanismi di variazione interni alle arti; sia quelli di tipo orizzontale, di convergenza reciproca con gli altri saperi, che di tipo verticale, in rapporto cioè con le scoperte scientifiche e tecnologiche della coeva cultura materiale. / The analysis was designed to track, through the application of a phenomenological method, a feeling that is common to the two disciplines. It also aims to identify relationships of homological correspondence able to highlight the spirit of the time that generated them, while fully respecting the relevant languages and in no way subjecting one to the other. The research therefore intends to extend the studies on contemporary art and design by applying the methodological tools of art criticism to the stylistic evolution of trends in Italian design. The intention was not to draw up a "history" of Italian design but it was necessary to define the area of application by choosing to consider only the field of furniture design. I have therefore opted for a global view of the sequence of events in product design, aimed at investigating major turning points and thus focusing the analysis on some of the leading figures in design culture. The tools used to conduct the analysis come mainly from the binary method identified by the art historian Heinrich Wölfflin and the studies of Renato Barilli, whose culturological system provided an essential contribution to the process of systematization of the mechanisms of variation internal to the arts; both horizontal ones, which mutually converge with other fields of knowledge, and vertical ones, which relate to the scientific and technological discoveries of contemporary material culture.
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Drammaturgia del sacro prima e dopo il padiglione della Santa Sede alla 55a Biennale di Venezia / Dramaturgy of the sacred. Before and after the pavilion of the Holy See at the 55th Venice Biennale

Gabriele, Marta <1983> January 1900 (has links)
La ricerca tenta di analizzare la relazione ambigua tra il sacro e l’arte contemporanea alla luce di eventi recenti: la partecipazione del padiglione della Santa Sede alla 55a e alla 56a Biennale d’Arte di Venezia. Arte e sacro in passato, nella loro reciproca dipendenza, rivelavano la dimensione essenziale e originaria dell’uomo; rivelavano la condizione rituale, cultuale, individuale e collettiva, che risponde alla primaria sacralità della vita. Questo tipo di osmosi è stata sostituita da singole entità non più sovrapponibili in un’era secolarizzata. L’arte può esprimere un’aura di sacralità, considerando la prevalenza dei suoi aspetti secolari? Cos’è che definisce l’arte sacra? Possiamo parlare di arte sacra o lavoro secolare sul sacro? Alcune sezioni riguardano la negoziazione di simboli sacri nell’arte contemporanea, specialmente nel rapporto tra figurativo e a-figurativo; nella committenza ecclesiale, arte e liturgia; nella retorica della citazione del sacro, tra ironia e blasfemia. Le riflessioni aprono un campo d’indagine che considera l’arte come interazioni di prospettive plurime: storica, filosofica, antropologica e psicologica. Questo lavoro tenta di analizzare il ruolo dell’immagine sacra nel contemporaneo, nell’era del disincanto, alla luce di questo ritrovato interesse per il sacro appunto e per una ormai obsoleta storiografia dell’arte, che tenta di mutuarsi in storia delle immagini. / The research tries to analyze the ambiguous relationship between the sacred and contemporary art in the light of recent events: the pavilion of the Holy See at the 55th and 56th Venice Biennale. Art and sacred, in the past, in their mutual dependence, revealed the essential and original dimension of man; they revealed the ritual, cultish, individual and collective condition, that responds to the primary sacredness of life. This kind of osmosis has been replaced by individual entities that no longer overlap in the secularized era. Can art express an aura of sacredness, considering the prevalence of its secular aspects? What is it that defines the sacred art? Can we talk about sacred art or secular work on sacred? Some section of the thesis concerns the negotiation of sacred symbols in contemporary art, especially in: figurative and a-figurative art; religious patronage, art and liturgy; rhetoric of the sacred quote between irony and blasphemy. Reflections open up the field of investigation and consider art as a result of the interaction between plural perspectives: historical, philosophical, anthropological and psychological. So this work attempts to analyze the role of the sacred image in contemporary era, the era of disenchantment, in the light of this renewed interest in the sacred and in the obsolete historiography of art, that tries to become history of images.
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Strategie culturali tra Parigi e Modena nel Grand Siècle: gli artisti francesi alla corte estense / Cultural strategies between Paris and Modena in the Grand Siècle: the French artists at the Este court / Stratégies culturelles entre Paris et Modène au Grand Siècle: les artistes français à la cour des Este

Sirocchi, Simone <1984> January 1900 (has links)
La tesi ricostruisce l’attività degli artisti francesi alla corte estense durante il governo di Francesco I (1629-1658) e Alfonso IV (1658-1662) e la iscrive nel più ampio quadro dei legami politici e culturali tra Parigi e Modena per illustrare il contributo francese alla definizione dell’immagine del potere ducale. Lo spoglio del carteggio diplomatico dell’abate Ercole Manzieri, residente di Francesco I a Parigi a partire dal 1650, ha permesso di documentare gli intensi traffici di ritratti, gioielli e abiti che da Parigi giunsero a Modena, attestando una cospicua influenza francese sul gusto e sul costume estense. Come Manzieri, anche Girolamo Graziani, poeta e segretario di stato, fu impegnato come ambasciatore. La tesi indaga i panegirici da lui composti in lode di Luigi XIV e ne illustra la genesi, prima di focalizzarsi su Jean Boulanger, primo pittore di corte di Francesco I. Chiarita la sua formazione e i suoi primi incarichi a corte, l’attenzione è rivolta alle sue pitture nel Palazzo Ducale di Sassuolo, privilegiando la Galleria di Bacco, di cui si definiscono l’architettura, l’allestimento e la funzione. Nell’ultima sezione la tesi ricompone la committenza ‘francese’ di Alfonso IV e si concentra sull’ultimo ciclo decorativo di Boulanger nella perduta villa ducale delle Pentetorri. Nuovi documenti hanno permesso di collocare le sale dipinte dal francese nello spazio della villa e di leggere, per la prima volta nella sua organicità, l’iconografia del ciclo. Seconda monumentale impresa di Alfonso fu la commissione delle solenni esequie in onore del padre defunto, immortalate nell’Idea di un prencipe del gesuita Domenico Gamberti (1659). Quest’opera, tra le più prestigiose imprese tipografiche del Seicento, plasma l’immagine del potere ducale anche grazie a un ricco repertorio di illustrazioni che videro il coinvolgimento di diversi artisti, anche francesi, di cui si precisano i nomi e le modalità di ingaggio. / The thesis deals with the work of French artists at the Este court during the reign of Francis I (1629-1658) and Alfonso IV (1658-1662) and the broader context of political and cultural links between Paris and Modena to illustrate the French contribution to the definition of the image of ducal power. From the study of the diplomatic correspondence of Abbot Ercole Manzieri, resident of Francesco I in Paris from 1650, it resulted that Modena was among the first courts to comply with the fashion and customs of France. The thesis investigates the panegyrics that Girolamo Graziani, secretary of state, poet and ambassador of the Este court, composed in praise of Louis XIV, before focusing on the artistic path of Jean Boulanger, who was the first court painter of Francesco I. The research first clarifies his initial formation to focus then on his paintings in the Palazzo Ducale in Sassuolo, especially on the Bacchus Gallery. In the very last section, the thesis deals with the 'French client' Alfonso IV and it focuses on the latest Boulanger decorative cycle in the lost Villa ducale of Pentetorri. Documents only partially known allowed to place the rooms painted by Boulanger in the space of the villa and to read for the first time the entire cycle iconography. Second monumental Alfonso enterprise during his short reign was the solemn commission funeral for his deceased father as immortalized in the Idea di un prencipe of the Jesuit Domenico Gamberti (1659). This work, one of the most prestigious of the seventeenth century, shapes the image of ducal power thanks to a rich repertoire of illustrations. If the original project is up to Jean Boulanger, for their engraving onto copper more French engravers were involved, whose names and modes of engagement are specified in this work as well.
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Il fenomeno delle collezioni aziendali d’arte contemporanea in Italia. Un approccio storico e critico per l’analisi delle raccolte d’arte. Interpretazione e confronto fra le differenti genesi delle collezioni. / The characteristics of contemporary art corporate collections in Italy. A historical and critical approach for the analysis of art collections. Interpretation and comparison of different origins of the collections.

Pirozzi, Chiara <1983> 31 May 2016 (has links)
Il progetto di ricerca ha come fondamento d’analisi il collezionismo d’arte contemporanea aziendale. La ricerca intende indagare il legame esistente tra le forme di collezionismo d’arte aziendale e lo sviluppo della crescita della cultura contemporanea in Italia. Tali aspetti, a mio parere strettamente connaturati fra loro, rappresentano un tassello pregnante dell’analisi sul sistema dell’arte contemporanea. L’entrata massiccia delle corporate art collections in Italia ha avuto come effetto un’accelerazione della dinamicità del sistema dell’arte, condizionandone fortemente soprattutto gli aspetti socioculturali ed economici. Affrontando il tema sia da un punto di vista generale e storico sia attraverso una comparazione fra due dissimili modelli di collezioni aziendali, ho cercato di rispondere a domande come: è possibile tracciare una funzione sostanziale del collezionismo d’impresa in Italia? In che misura l’attuale interazione tra le forme di committenza e di mecenatismo privato incidono sulle modalità creative degli artisti e sulla fruizione dell’opera? Si può attribuire un valore culturale diffuso alle collezioni d’arte contemporanea aziendale in fieri attraverso l’elaborazione di un giudizio critico? La seconda parte della ricerca si è concentrata sullo studio comparato di due tra le principali collezioni d’arte contemporanea aziendali presenti nella regione Emilia Romagna. Nello specifico mi sono occupata della Collezione Barilla, di proprietà della famiglia d’industriali parmigiani, e della Collezione Maramotti, afferente alla casa di moda Max Mara, con sede a Reggio Emilia. La scelta di approfondire queste due realtà proviene da una duplice valutazione d’intenti: da un lato è stato necessario circoscrivere il campo d’analisi alla regione Emilia Romagna al fine di porre in essere una riflessione quanto più puntuale e riferibile a un’area geografica che avesse caratteristiche storico/sociali equipollenti, dall’altro lato le collezioni analizzate rappresentano due tipologie estremamente differenti, in grado per questo di descrivere la vastità del fenomeno e le sue possibili declinazioni / The project analyzes the contemporary corporate art collections. The research analyzes the link between the business collectors and the growth of contemporary art in Italy. These aspects, closely united with one another, represent a fundamental point of the analysis of contemporary art system. The creation of corporate art collections in Italy has generated an acceleration of the art system, affecting especially socio-cultural and economic aspects. The issue has been addressed by a general and historical point of view and through a comparison of two different models of corporate collections, I tried to answer questions such as: can you give a substantial function to corporate collectors in Italy? How they interact the forms of private patronage with the creativity of the artists? can you attribute a cultural value to corporate collections of contemporary art in fieri with a critical judgment? The second part of the research was a comparative bethween two contemporary art corporate collections in Emilia Romagna region: the Barilla Collection, owned by the family of industrialists of Parma, and Maramotti Collection, Max Mara fashion house, based in Reggio Emilia. The choice of these two comes from the need to circumscribe the field of analysis to the region to achieve a precise reflection, confined to a geographical area with similar historical and social characteristics and also because the collections analyzed are very different and for this reason they can describe the extent of the phenomenon.
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La cerchia di Giulio Clovio: gli incontri, i viaggi, le amicizie di un artista europeo / The circle of Giulio Clovio: meetings, journeys and friends of an European artist

Onofri, Stefano <1983> 18 September 2013 (has links)
La tesi riguarda il miniatore Giulio Clovio (Grižane, Croazia, 1498 – Roma, 1578), considerandolo come il fulcro di una rete di relazioni tra committenti, artisti e letterati. È divisa in tre parti, seguendo la vita dell’artista: giovinezza (1498-1534), maturità (1534-1561) e vecchiaia (1561-1578). Tra i committenti più significativi: Domenico e Marino Grimani e il cardinale Alessandro Farnese. Tra gli artisti italiani: Giulio Romano, Girolamo dai Libri, Valerio Belli, Sofonisba Anguissola. Tra gli artisti europei: Francisco de Hollanda, Pieter Brueghel il Vecchio, Bartholomeus Sprangher, El Greco e Lampsonio. / The dissertation is about the miniaturist Giulio Clovio (Grižane, Croatia, 1498 – Rome, 1578), considering him as the centre of many relations among patrons, artists and men of letters. It is divided into three parts, following the life of the artist: youth (1498-1534), maturity (1534-1561) and old age (1561-1578). The most important patrons are Domenico and Marino Grimani, the cardinal Alessandro Farnese; among the Italian artists: Giulio Romano, Girolamo dai Libri, Valerio Belli, Sofonisba Anguissola. Among the European artists: Francisco de Hollanda, Pieter Brueghel the Elder, Bartholomeus Sprangher, El Greco and Lampsonio.
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The Renaissance Italian Madrigal Comedy: A Handbook for Performance

Glass, Jr., Wayne Allen January 2006 (has links)
The Italian madrigal comedy experienced a relatively short, but exceedingly popular life during the late Renaissance. The works that may be called madrigal comedies, numbering less than two dozen in total, represent a type of musical entertainment that delighted audiences at courts and within the cultural academies of Renaissance Italy. The small subset of works within the genre, designated in this research project as "theatrical" madrigal comedies, showed an increasing focus on dramatic representation of text with music. These works, the plots of which derive from the commedia dell'arte tradition, may be seen as early forms of musical comedy and musical theater. Arguments concerning the manner in which the works were performed have centered on a debate for and against the staging of them.Because madrigal comedies have been largely neglected as concert and theatrical literature, there is little published to assist a director in finding the repertoire or to offer a guide to performance. The research project on which this document is based, along with the associated lecture-recital, resulted in the compilation of means to a successful madrigal comedy production. This was done by advocating historically informed performance decisions that are given a practical spin. In this manner, a director may put together a madrigal comedy production that is accessible to professionals and non-professionals, as well as secondary- and higher-education communities.
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L'arte al tempo di Giovanni II Bentivoglio. Nuovi studi su arte e potere a Bologna tra XV e XVI secolo / Art during the Government of Giovanni II Bentivoglio. New Studies on Art and Power in Bologna between the Fifteenth and Sixteenth Centuries

Gu, Jihoon <1981> 31 May 2016 (has links)
La tesi tratta il potere politico di Giovanni II Bentivoglio, signore di Bologna nella seconda metà del Quattrocento, in particolare i ritratti dipinti del signore, il progetto urbano bentivolesco e i dipinti religiosi commissionati dal primo cittadino. / The thesis deals with the political power of Giovanni II Bentivoglio, Lord of Bologna in the second half of the fifteenth century. The focus is on his painted portraits, town urban projects and religious painting commissioned by him.

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