Dans la création contemporaine, les musiciens s'inspirent parfois de l’océan dans leur pratique de la composition. Cette thèse a pour but d'observer leur façon de faire à travers l’analyse d'oeuvres dont le titre ou le sujet évoquent l'environnement océanique. Elle part de l’hypothèse que la poétique, c’est-À-Dire l’inspiration à partir de la mer, sert la poïétique, donc sert les manières de faire la musique, de l'écrire, sans pour autant servir nécessairement le rendu esthésique. Dans le chapitre I, l’analyse est basée sur des oeuvres de Claude Debussy, André Boucourechliev, Kaija Saahario et Yoshihisa Taira. Le chapitre II consacre une importante partie de son développement à l’étude des oeuvres de Tristan Murail inspirées de l'océan. Enfin, dans le chapitre III, deux des propres compositions de l'auteur sont analysées. Finalement, cette thèse révèle l'existence de cycles partant de l'esthésique, c'est à dire le ressenti devant la mer vers la poétique puis la poïétique et enfin l'esthésique, c'est à dire le ressenti du rendu musical. Par ailleurs, le travail d'analyse réalisé au cours de cette thèse a permis de mettre en valeur l'importance de la notion d'objet, c'est à dire une pensée de la composition orientée par la manipulation de l'objet musical. L'approche de Debussy, telle qu'interprétée par Barraqué, ouvre le siècle. Le modèle de la mer au sens des objets sur le plan dynamique est très cohérent avec la notion d'objet musical. Nous ne pouvons que constater cette présence et c'est en cela que la conclusion de la thèse est un peu ouverte. C'est avec cela que nous allons composer nos futures pièces. La thèse nous a servi finalement aussi à formaliser notre musique. / In the genre of contemporary music, musicians sometimes take their inspiration from the ocean when addressing take their compositions. The goal of this thesis is to observe method of these composers by analyzing works which evoke the ocean's environment in their subject. This study claims that the poetic inspiration which is engendered by the ocean ends up by providing the poietics of the projects themselves, which is to say, ways of creating music, of writing it, without necessarily treating the aesthesic of the final product. In Chapter I the analysis is based on the works of Claude Debussy, André Boucourechliev, Kaija Saahario and Yoshihisa Taira. Chapter II consecrates a large part of its development to the study of works by Tristan Murail which are inspired by the ocean. Finally, in Chapter III, two of the compositions of the thesis' author are taken into analytical consideration. This thesis reveals the existence of cycles coming from the aesthesic, which then moves towards poietics and returns to aesthesic. It also needs to be taken into account that the analyses produced during the course of this study focus on the musical object itself. This is to say that the study is geared towards the manipulation of the musical object. Debussy's approach, as it is interpreted by Barraqué, serves as the overture of the century. The model of the sea as a dynamic objet coincides with the notion of the musical object. We can only propose this stated presence and this is why the conclusion of the thesis is somewhat open-Ended. Nonetheless, it is this point of departure which allows us to compose future works. It is thesis, in the end, that formalizes our music.

Cette recherche s’attache à rendre compte de la factitivité du monument de la Shoah, à savoir sa capacité à « faire-faire », en l’occurrence, stimuler la mémoire de l’observateur. Les applications du concept de factitivité relèvent en premier ressort du cadre des relations humaines – intersubjectivité – pour s’étendre à la relation sujet/objet avec la « sémiotique des objets ». Ce champ de recherche de la sémiotique s’est réapproprié le concept de factitivité en vue de démontrer qu’en dépit de leur dimension inanimée les objets du quotidien sont dotés d’une intentionnalité consistant à manipuler – orienter – le comportement des utilisateurs. En transmettant à ces derniers un « savoir » – compétence épistémique – les objets usuels se destinent à structurer la séquence pragmatique inhérente à la pratique de l’objet. Cette thèse s’efforce d’élargir la conception classique de la factitivité dont l’application dans le champ du mémoriel interfère avec un nouveau type de compétence. Si le monument parvient à manipuler la mémoire de l’observateur, ce n’est plus seulement en transférant au sujet une compétence épistémique. Cette dernière est appelée à coexister avec la compétence esthésique constitutive d’un « éprouver ». Nous chercherons alors à éclairer les stratégies énonciatives se destinant à transformer l’observateur du monument en sujet pathémisé. Comment exprimer le passé dysphorique de la Shoah à travers les productions de la sculpture commémorative, sous-catégorie de la sculpture que nous avons scindée en trois classes-types : installation, sculpture et sculpture-lieu. En interrogeant la factitivité du monument, il ne s’agit pas seulement de sonder le langage plastique de l’objet mémoriel, mais d’investiguer différents types de langages œuvrant dans un dispositif mémoriel qui subsume une sculpture commémorative, un lieu géographique et la plupart du temps, un énoncé linguistique couplé à un objet-support. Enfin, en dehors des stratégies énonciatives centrées sur la dimension métaphorique, iconique ou symbolique de la transmission, nous verrons que la capacité des dispositifs mémoriels à émouvoir le public repose aussi sur une caractéristique fondamentale du lieu, son indicialité. / This research seeks to account for the factitivité of the Shoah monument, its ability to « faire-faire », or more precisely, to stimulate the memory of its observer. The concept of factitivité has been applied first in the frame of human relations, but the operative character of the concept has been extended to the « semiotics of objects ». This new field of research adpats the concept in order to demonstrate that, despite their inanimate character, common objects are also endowed with the intention of manipulating - directing - the behavior of their users. By transmitting to users a knowledge - epistemic competence - the usual objects are able to structure the pragmatic sequence - gesture, motricity skills - presiding over the practice of the object. This thesis, again, aims to broaden the theoretical frame of the factitivité, whose effectiveness requires now the introduction of a new type of competence. If the monument succeeds in manipulating the memory of its observer, it is no longer only by transferring an epistemic competence to the observer. The epistemic competence now coexists with the compétence esthésique wich means emotional feelings. This thesis seeks also to enlighten the enunciative strategies whose purpose is to transform the observer of the monument into a pathemic subject. How to express the past through the objects of a commemorative sculpture ? This sub-category of the sculpture is being divided into three classes : installation, sculpture and sculpture-lieu. Thus, questioning the factitivité of the monument becomes not only to be a question of probing the plastic language of an object, but also of investigating the different languages at work in a memorial device combining a commemorative sculpture, a locus and, most of the time, a linguistic message adherted to a support-object. Finally, apart from the enunciative strategies revealing a metaphorical, iconic or symbolic dimension of the transmission, the ability of the memorial device to affect us also relies on a fundamental characteristic of the locus, its indexicality dimension.

En 1989, François Delalande présentait pour la première fois, après dix ans d’élaboration, la notion de « conduites d’écoute » servant à distinguer différentes manières d’écouter une même œuvre. La méthodologie employée limitait les conclusions qui pouvaient en être tirées, mais la perspective proposée ouvrait un nouveau champ de recherches, dans lequel différentes conduites d’écoute pouvaient servir de base à diverses manières, parfois exclusives ou contradictoires, d’analyser une même œuvre. De plus, les expériences préliminaires de Delalande autour d’un extrait de Pierre Henry sont encore aujourd’hui l’une des rares occurrences de recherche sur l’écoute des musiques acousmatiques faisant appel à des auditeurs réels. Avec la reproduction et l’extension des résultats de Delalande, en parallèle de l’intérêt grandissant pour l’écoute au sein de la communauté musicologique ces vingt dernières années, il semblait nécessaire de faire le point sur l’état des recherches concernant les conduites d’écoute afin d’en évaluer la validité opérationnelle et de proposer un cadre théorique solide pour leur étude et leur description. C’est l’objet de ce travail, qui part d’une revue des discours sur l’écoute en musicologie, en psychologie de la musique et en pédagogie de la musique, avant de procéder à un examen critique des méthodologies existantes autour du modèle des conduites d’écoute, pour en arriver à une réévaluation de ce modèle avec des méthodologies plus robustes. Trois analyses esthésiques d’une même œuvre sont alors proposées pour faire émerger les besoins d’approfondissement et les perspectives d’application de ce modèle. / In 1989, after ten years of research, François Delalande presented for the first time the idea of “listening behaviours,” distinguishing several ways to listen to the same piece of music. The methodology did not allow for many conclusions, but the approach began a new field of research, where diverse listening behaviours could serve as a basis for diverse, exclusive (or even contradictory) analyses of the same work. Furthermore, Delalande’s preliminary research based on an extract from Pierre Henry’s music is still one of the few instances of research about acousmatic music listening that addresses actual listeners. The last twenty years have seen the reproduction and extension of Delalande’s results, as well as a growing interest for listening in musicological circles. For this reason, it seems necessary to review research about listening behaviours to evaluate their operational validity and to propose a robust theoretical framework for their study and description. This is the thesis of this dissertation, beginning with a review of the musicological, psychological and pedagogical discourses about listening, following with a critical study of existing methodologies about listening behaviours frameworks in order to re-evaluate them with more robust methodologies. Three esthesic analyses of the same work are then used to propose a need for further investigation and possible applications of the framework.

De tout temps, plusieurs groupes sociaux ont tenté de subordonner la question de l’art, des artistes et de leurs œuvres à des impératifs idéologiques et des valeurs propres à leur époque, reconfigurant ainsi la place sociale de l’art et sa portée symbolique. De nos jours, certaines idéologies travailleraient à inscrire la valeur des formes sociales de l’art, mais également du savoir et de la connaissance, à l’émergence d’une économie dite créative et de ses logiques de marché. Depuis la Commission d’enquête sur l’enseignement des arts et la publication du rapport Rioux en 1968, la constitutionnalité d’un rapport esthétique au monde se développe essentiellement dans un cadre scolaire. Par l’entremise d’une quinzaine d’entrevues auprès d’enseignants en arts plastiques (AP), notre mémoire vise à investiguer sous quelles modalités se construit un rapport esthétique au monde chez les élèves des écoles secondaires du Québec. Pour ce faire, nous nous sommes particulièrement intéressés aux modalités sociales de la configuration des savoirs artistiques dans le programme des AP et à leur transmission par l’établissement de relations pédagogiques entre l’enseignant et les élèves. L’analyse de nos résultats nous a permis de constater que malgré une explicitation égalitaire de la distribution d’une connaissance de l’art envers tous les élèves, les enseignants effectuaient une différenciation implicite des capacités esthétiques des élèves, modulant en ce sens leurs interventions en classe. Deux modèles pédagogiques fondés sur cette catégorisation des élèves par les enseignants ont été relevés : un modèle basé sur la performance et un autre sur la compétence, affectant le développement d’une valeur cognitive chez les élèves et l’élargissement de leur champ des possibles. Conséquemment, il pourrait être avantageux d’instituer le cours d’AP sous une valeur formative du plaisir par la création, rejoignant ainsi une valeur poétisante de l’art, au détriment de la survalorisation de la valeur sommative des apprentissages artistiques en vue du développement de la valeur scolaire des élèves et ultimement, de leur valeur économique. / At any time, several social groups have tried to enforce the question of art, artists and their works to ideological imperatives and values specific to their time, thus reconfiguring the art’s social place and symbolic significance. Nowadays, certain ideologies work to limit the value of the social forms of the art, but also of the knowledge, to the emergence of a so-called creative economy and its logic of the market. Since the Commission of inquiry on arts education and the publication of the Rioux report in 1968, the foundation of an aesthetic relationship to the world develops essentially in school. Using fifteen interviews with visual arts teachers, our work aims to investigate the ways in which an aesthetic relationship to the world is formed among students in Quebec high schools. To do so, we were particularly interested in the social modalities of the configuration of artistic knowledge in the visual arts program and in their transmission through the pedagogical relationships between the teacher and the students. Our analysis showed that despite an egalitarian description of the distribution of the knowledge of art towards all the students, the teachers carried out an implicit differentiation of the aesthetic capacities of the students, which modulated their interventions in class. Two pedagogical models, based on this categorization of students by teachers, were identified: a performance-based model and a competency-based model. These are affecting the development of cognitive value in students and the expansion of their range of social possibilities. Therefore, it could be beneficial to institute the visual arts course under the formative value of pleasure through creation, thus reaching a poetizing value of art. This would prevent the overvaluation of the summative value of the artistic learning of the student, of the development of their academic value and ultimately, of their economic value.